DANIEL HOPE / AIR A baroque journey

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DANIEL HOPE
Air
A baroque journey

Lorenza Borrani
Jonathan Cohen
Kristian Bezuidenhout
Soloists from the
Chamber Orchestra of Europe
Int. Release 18 Sep. 2009
1 CD / Download
CD DDD 0289 477 8094 6 GH
The Baroque Violin - Daniel Hope takes listeners through 150 years of a revolution in music


Tracklisting

Andrea Falconieri (1585 - 1656)
Daniel Hope, Lorenza Borrani, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath, Hans-Kristian Kjos Sorensen

George Frideric Handel (1685 - 1759)
Suite No.15 in D minor for Harpsichord, HWV 447

Daniel Hope, Lorenza Borrani, Lucy Gould, Stewart Eaton, William Conway, Enno Senft, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath

Diego Ortiz (1510 - 1570)
Daniel Hope, Lorenza Borrani, Lucy Gould, Stewart Eaton, Jonathan Cohen, Stefan Maass, Stefan Rath, Hans-Kristian Kjos Sorensen

Andrea Falconieri (1585 - 1656)
Daniel Hope, Jonathan Cohen, Stefan Maass, Stefan Rath

Biagio Marini (1597 - 1665)
Daniel Hope, Lorenza Borrani, Stewart Eaton, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout

Nicola Matteis
Daniel Hope, Lorenza Borrani, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath

Johann Pachelbel (1653 - 1706)
Canon and Gigue in D major

Daniel Hope, Lorenza Borrani, Lucy Gould, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath

Georg Philipp Telemann (1681 - 1767)
Concerto for Violin concertato, Strings and Basso continuo in A minor, TWV 51:A1

9.
0:00
2:59

Concerto for Violin concertato, Strings and Basso continuo in A minor, TWV 51:A1

10.
0:00
2:22

Concerto for Violin concertato, Strings and Basso continuo in A minor, TWV 51:A1

11.
0:00
1:41

Daniel Hope, Lorenza Borrani, Lucy Gould, Stewart Eaton, William Conway, Enno Senft, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath

Johann Paul von Westhoff (1656 - 1705)
Sonata for Violin and Continuo III

Daniel Hope, Jonathan Cohen

Nicola Matteis
Daniel Hope, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath, Hans-Kristian Kjos Sorensen

Francesco Geminiani (1674 - 1762)
Concerto grosso No.5 in G minor

Arr. from Corelli's Sonata Op.5 No. 5

14.
0:00
3:02

15.
0:00
1:38

16.
0:00
2:45

Daniel Hope, Lorenza Borrani, Lucy Gould, Stewart Eaton, William Conway, Enno Senft, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath

Antonio Valente
Daniel Hope, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath, Hans-Kristian Kjos Sorensen

Andrea Falconieri (1585 - 1656)
Daniel Hope, Lorenza Borrani, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Hans-Kristian Kjos Sorensen

Jean-Marie Leclair (1697 - 1764)
20.
0:00
1:44

Daniel Hope, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath, Hans-Kristian Kjos Sorensen

Anonymous
Daniel Hope, Stefan Maass, Stefan Rath

Johann Paul von Westhoff (1656 - 1705)
Sonata "La guerra" in A Major

Daniel Hope, Jonathan Cohen, Kristian Bezuidenhout, Stefan Maass, Stefan Rath, Hans-Kristian Kjos Sorensen

Sonata for Violin and Continuo II

Sonata for Violin and Continuo "Consacrate al Grand' Apolline di questi tempi"

Daniel Hope, Stefan Maass, Stefan Rath

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750)
Suite No.3 in D, BWV 1068

24.
0:00
5:01

Daniel Hope, Lorenza Borrani, Lucy Gould, Stewart Eaton, William Conway, Enno Senft, Stefan Maass, Stefan Rath

Gesamtspielzeit: 1:03:13

He himself says he wants to emphasise the modernness of the music, and the exotic attraction some of these wandering composer-violinists must have had in person. In this he succeeds entirely, for this is an exciting disc with a heady, pied-piper power over the listener that comes from realising that the bright sense of discovery once felt by these composers is being experienced just as much by their modern-day interpreters. You can¿t ask for much more than that.

This CD, with Hope's fabulous playing recorded up close within a vibrant acoustic, could have been just a compilation of pretty Baroque works. Rather, it is a collection of theatrically, vivid performances that make you want to dance, and occasionally to weep.

Although by no means "period" performances . . . they are admirably stylish. Hope uses vibrato as a colour and there are some delightful hues in the five continuo options, plucked and keyed . . . recorded sound is excellent.

Ein außergewöhnliches neues Barock-Album, das in seiner Leichtigkeit des Klanges die Schwere des oft schnörkelig interpretierten Barock in atmende, schwingende Kunstwerke aus Proportion und Emotion verwandelt: ähnlich einer Metamorphose der Musik.

[Wilfried Bestehorn]: Der Geiger und passionierte Grenzgänger Hope zeigt, wie frisch und lebendig alte Musik uns Menschen im digitalen Zeitalter begleiten kann.
[Claudia Dasche]: Brillante Technik, einen klugen Kopf und Neugier für jegliche Art von Musik besitzt der britische Stargeiger Daniel Hope. Gemeinsam mit Solisten des Chamber Orchestra of Europe, mit barocken Hits, dem Air von J.S. Bach oder unbekannten Tanzstücken von Nicola Matteis, greift Hope ins pralle, barocke Musikleben. Ein unterhaltsamer Ausflug in die Kunst des Violinspiels.

Daniel Hope [ist der geborene Vermittler]. Auch die neue CD zeigt den Virtuosen als einen Botschafter zwischen den Welten, der mit musikantischem Elan -- im besten Sinne des Wortes -- die Barockmusik in die Nähe unserer Zeit rückt . . . Ohne falsche Scheu experimentiert Daniel Hope mit den verstaubten Noten . . . Mit einem breiten Ausdrucksspektrum zwischen lyrischer Kantabilität und effektgeladener Virtuosität demonstriert Hope, wie hochentwickelt die Geigenkunst bereits in ihren Anfangsjahren war -- und schenkt uns diese Musik wieder zurück. Aber auch Altbewährtes scheint unter seinen Händen -- und im harmonischen Zusammenspiel mit seinem Ensemble -- in einem neuen Licht: Der berühmte "Pachelbel-Kanon", der mit anderen Preziosen der Epoche neben dem Unbekannten steht, verliert hier jegliche Erdschwere. Man möchte dazu tanzen.

. . . Hopes neue CD ist von einiger Leichtigkeit geprägt . . . Diese Musik hat Vielfalt, Esprit, Vitalität . . . Hope ist nicht nur ein hervorragender Geiger -- er ist auch ein musikalischer Erzähler. Zuhören lohnt sich.

Hope isn¿t just an outstanding violinist ¿ he¿s also a musical storyteller. Have a listen.

Selten bringt das Cover eine Aufnahme so auf den Punkt: Federleicht gespielt und luftig aufgenommen ist diese originelle Europareise durch den Barock. Daniel Hope, unterstützt von famosen Begleitern, nutzt als Beförderungsmittel große Spielfreude, viel Bogen, wenig Druck und fast kein Vibrato. . . . Das singt und swingt.

. . . Daniel ist mal wieder ein klasse Album gelungen.

Mit traumwandlerischer Sicherheit bewegen sie sich in den musikalischen Stilen, musizieren mit einer solchen Lust, dass sich die Frage nach Historizität gar nicht erst stellt . . . -- hörenswert ist diese CD allemal. Mit raschen Tempi und fokussierter Akzentsetzung bringen sie die musikalischen Affekte der Stücke von Nicola Matteis bis Francesco Geminiani gekonnt auf den Punkt. Dabei zaubert Hope mit seiner Artikulationsvielfalt: Schnelle, raue Bogenstriche sausen durch Diego Ortiz' "Ricercata", leichte, vibratolose Klänge lassen Bachs "Air" schweben, und die rasenden Akkordbrechungen in Johann Paul von Westhoffs "Imitazione delle campane" sind so gespenstig hingehaucht, als wolle Hope die Violinvirtuosen von 1700 heraufbeschwören.

Mit "Air -- a Baroque Journey" ist Daniel Hope aktuell ein herzerfrischendes Album voll infizierendem Schwung und Harmonie gelungen . . . Das Album Air zeigt, wie vielfältig die Musik der Barockzeit war: Einfache, fast schon primitive Tanzformen stehen hier neben raffinierten, revolutionären Kompositionen der Zeit . . . Für die Aufnahmen hat er mit einer Auswahl von hervorragenden Musikern gearbeitet . . .

. . . il est non seulement un violoniste d'exception mais un spécialiste de l'événementiel musical haut ce gamme . . .

. . . le jeu de Daniel Hope est intense, incisif, mais n'agresse pas nos délicates oreilles. Tout ici chante et berce, le violon de Hope ayant quelque chose d'humain, de vocal.


Air. A baroque journey

    From its creation in the mid-16th century by Andrea Amati to the present day, the modern violin has had an extraordinary and tempestuous history. Arguably its greatest development came during the Baroque era, as violinists and composers, in a sense liberated from the austerity and contrapuntal strictures of The Renaissance, went on a journey, both musically and geographically, avidly seeking more extravagant and original ways in which to express themselves on this fascinating new instrument.

    Air sets out to trace one such Baroque journey. It is the story of four unique composers, three of whom were virtuoso violinists, one a lutenist – Falconiero, Matteis and Geminiani from Italy, and Westhoff from Germany. They wandered throughout Europe during the 17th and 18th centuries in search of musical inspiration and crosspollination, and their music and art of performance intrigued and delighted kings, contemporaries and audiences alike.

    As well as works by these four composers, this album also features some of the other music of their time, in an attempt to show the cultural exchange taking place, much of it intuitively, between musical minds across borders.
    Some of these composers were influenced directly by what they heard, whether it was Geminiani by Handel, Bach by Westhoff or Matteis by the wealth of folk music he encountered on his travels to the British Isles.

    This album sets out to show just how diverse the music of the Baroque era was. Air blends the simplest and at times most primitive forms of dance music with the most sophisticated and revolutionary compositions of the day, culminating in a work by Bach - the great master, whose title is my inspiration for this collection, and whose music remains for me today more modern than that of anyone else.

    - Daniel Hope

The Breakthrough of the Baroque

    Daniel Hope in conversation with Roger Willemsen
    Daniel, what is an air?

    (laughing) An air has a vocal quality to it, akin to a lullaby or other unaccompanied song. I don't mean its musical structure but its way of singing - in this case on the violin. For me, the violin is the instrument that comes closest to the human voice. It is this songlike element that runs like a thread through the album as a whole.

    And the Air is its essence?

    It gives you a glimpse into Bach's heart. There's hardly anyone who doesn't react powerfully to this piece - it strikes you directly.

    Is that because it's simply such wonderful music?

    Not just that, but also because this melancholic quality appears within the arching lines which characterize Bach. It is precisely because of this that the piece reflects the Age of the Baroque as a whole.

    So you're concerned not with the genre but with the spirit of the Air?

    Absolutely. What matters is the feeling that the Air conveys. There is also a sensual element that I'm trying to put across.

    Some of the happiest moments in music are those when the noise of the world around us is stifled. This is just such a piece. What frame of mind do you have to be in to play it?

    There must be absolute calm, even intimacy. With pieces of this kind, their simplicity is what impresses most. I regard it as sacrosanct, which is why I have to empty my mind, in a sense to extricate myself from the equation. If I were to think of my own personality for even a moment, I'd be lost in a second.

    You wouldn't have played it like this ten years ago?

    No, I'd have kept trying to make something of it, instead of just accepting it for what it is. One's own musical personality only emerges by passing through this simplicity, this transparency.

    Hence the “air" in the Air?

    Yes, the air is in the sound, for example. I play the piece in a very airy way, with a lot of bow but very little pressure. This suits it perfectly.

    Did you record it in a single take?

    Yes. That's the only way to do it - or rather, one could do it differently, but I wouldn't. It's chamber music of the finest kind, the essence of music.

    The individual pieces that make up the album also belong together because they inhabit a certain atmosphere and because of the way you interpret Baroque music. What is it that makes this music so fresh for you?

    I'm fascinated by the radical change that took place at this time in history: you can feel the breakthrough after the Renaissance. Suddenly real individuals emerge, itinerant musicians, like Matteis, for example, who travelled around Europe, bringing completely different music with them. It was a time of movement. This music has variety, wit and vitality, and much of it was written to create an effect. Musicians wanted to please their audiences and to receive new commissions.

    Take Falconieri, who appeared at several European courts and travelled to Portugal and Spain - today we'd describe what he was performing as “world music", don't you think?

    Of course. Those were the great pioneers of crossover, performers who looked beyond their immediate horizons, gathering ideas wherever they went and blending them together to create a style of their own. These people understood the true meaning of crossover long before the word existed.

    Was it music, then, from a time of new departures?

    Indeed! And how wonderful! Just listen to the pieces by Falconieri. They have rhythm to them, they have a groove, they have this great improvisatory quality and, dare I say it, they're funky! In those days it wasn't just desirable to be able to improvise, it was a law, exactly as it is with jazz musicians today.

    So the Baroque continuo and Keith Jarrett's left hand are related?

    Absolutely. We recorded this album with Baroque percussion, bass drum, tambourine and so on. This music is three or four hundred years old but its groove couldn't be more modern. I have the feeling that people were willing to take more risks in the Baroque era than in the Renaissance. The spontaneity, which is part of what makes this period so individual, became even freer and more powerful at that time. I studied a lot of music for this album, listening to and reading a large number of works, and everywhere I encountered real individuals.

    When I look at the performing practice of that period, I'm tempted to ask whether you're taking this music more seriously than it took itself?

    (laughing) That's hard to say, but we can speculate. Many itinerant musicians saw music as their daily bread, as their livelihood. They weren't idolized as Mozart and Beethoven were at a later date but saw themselves serving the king or the aristocracy, above all with their dance music.

    Music that was intended to entertain and that was played at mealtimes and celebrations . . .

    . . . and at bedtime or for people who couldn't sleep. In other words, they always had an eye on the music's side effects - the very thing that I really don't like, background music.

    Your research is never-ending, isn't it?

    I've no choice. Most of all I love reading contemporary letters, eyewitness accounts.

    And even the music itself proves to be like buried treasure?

    Absolutely. I love digging in the past and going back to the roots.

    So you're drawing on unlimited resources. How did you set about making your choices for Air?

    All the pieces have immediately to make me feel that I want to perform them - the selection was difficult, as there are so many which fit the bill. I'm always looking out for music that grips me from the outset.

    When conventionally played, the tempi are often solemn and move at a walking pace.

    In earlier times, yes. But meanwhile many interpreters have started to perform these works frenetically, almost hysterically. I'm not convinced by that approach either. The music has to speak, you have to give it room to breathe.

    Marini and Matteis were both virtuosos in their day. Do you hear that in their music?

    Yes. It's particularly striking with Matteis. He uses technique in a way that is very jaunty, even cheeky. Marini's is not a virtuoso piece but more of a lamento, a moving lament with strings that sound like an organ.

    Valente was supposedly blind and was in fact an organist - a long route to the violin.
    The Gagliarda is a transcription that I recorded because in this period it was completely natural to transcribe popular pieces for other instruments. Handel's Sarabanda is another transcription. The spirit of the Baroque was “anything goes".

    It is said that Westhoff of Dresden perfected double-stopping.

    For me, Westhoff is one of the greatest discoveries. I've chosen three of his pieces. His Imitazione delle campane is an altogether magical movement that demonstrates a magisterial handling of bariolage, a technique that requires you to play all four strings at once. Vivaldi was completely fascinated by this Imitazione, and so am I, for Westhoff was far in advance of his time in the way he used the violin. No one had previously done anything like it.

    Who was Geminiani?

    The most important violinist of his day, a pupil of Corelli and the author of the standard contemporary treatise on the instrument, The Art of Playing on the Violin. Here you can hear Corelli's Sonata through the medium of Geminiani, in other words, a transcription. In this way I was able to record Corelli without his being present, and at the same time I was able to include this incredible, largely forgotten composer Geminiani.

    Telemann, Bach and Handel are the consummate composers on this album.

    Yes, the others are milestones on the way. We can now see how great the contrasts were and appreciate what it took to reach the point represented by these masters.

    There is an anti-conventional, revolutionary spirit to all this.

    I find it wonderful that the very first violin sonata ever to be written was composed by Giovanni Paolo Cima at the same time that Galileo was making his pioneering discoveries and revolutionizing our picture of the world. In the years around 1600 there were groups of musicians who came together with the intention of breaking conventions. Time and again all sense of order was overturned. That's something I like very much.

    Your album really has a lot of colours to it . . .

    . . . as many colours as the Baroque has for me. Those wigs are deceptive!

    8/2009

Air. Eine barocke Entdeckungsreise

    Seit Andrea Amati sie Mitte des 16. Jahrhunderts erfand, hat die moderne Violine eine ebenso außergewöhnliche wie stürmische Geschichte hinter sich gebracht. Die deutlichste Entwicklung zeigte sie im Zeitalter des Barocks, als man die Strenge und die kontrapunktischen Zwänge der Renaissance hinter sich lassen konnte: In musikalischer wie in geographischer Hinsicht machten sich Violinvirtuosen und Komponisten auf den Weg und suchten nach ungewöhnlicheren, originelleren Formen des Ausdrucks für das Instrument.

    Air ist eine ebensolche Reise durch die Barockzeit. Die Anthologie erzählt die Geschichte von vier einzigartigen Komponisten und Virtuosen, einer ein Lautenist, die anderen Violinvirtuosen: Falconieri, Matteis und Geminiani aus Italien sowie Westhoff aus Deutschland. Auf der Suche nach musikalischer Inspiration und neuen Impulsen durchstreiften sie das Europa des 17. und 18. Jahrhunderts; ihre Kompositionen und ihre Instrumentalkunst faszinierten und begeisterten Könige, Zeitgenossen und Publikum gleichermaßen.

    Neben Werken dieser vier Komponisten sind auf dem vorliegenden Album auch andere Musikstücke der Zeit zu hören - ein akustisches Bild des größtenteils intuitiv verlaufenden kulturellen Austausches, der sich zwischen den musikalischen Größen über alle Grenzen hinweg vollzog. Einige dieser Komponisten wurden direkt durch das Hören bestimmter Werke inspiriert, so Geminiani durch Händel oder Bach durch Westhoff; Matteis ließ sich durch die reiche Volksmusiktradition anregen, die er auf seinen Reisen durch die britischen Inseln erlebte.

    Das Album Air zeigt, wie vielfältig die Musik der Barockzeit war: Einfache, fast schon primitive Tanzformen stehen hier neben raffinierten, revolutionären Kompositionen der Zeit. Und alles mündet schließlich in Bachs »Air«, ein Stück, dessen Titel mich zu dieser Aufnahme inspirierte. Es stammt aus der Feder jenes großen Meisters, dessen Musik für mich moderner ist als die aller anderen Komponisten.

    Daniel Hope

    8/2009

Aufbruch ins Barock

    Daniel Hope im Gespräch mit Roger Willemsen

    Daniel, was ist ein Air?

    (lacht) Ein Air hat etwas vom Lied, vom Wiegenlied. Ich meine nicht die musikalische Struktur, sondern in seiner Art und Weise zu singen, in diesem Fall auf der Geige, und für mich ist die Geige das Instrument, das der menschlichen Stimme am ähnlichsten ist. Dies Gesangliche zieht sich durch das ganze Album.

    Und das Air ist die Essenz?

    Es erlaubt den Blick ins Herz von Bach, und es gibt wohl kaum einen Menschen, der auf dieses eine Stück nicht stark reagiert - es trifft einen direkt.

    Weil es einfach wunderschöne Musik ist?

    Nicht nur, sondern auch weil innerhalb der Bögen, die Bach kennzeichnen, diese melancholische Art erscheint. Genau so reflektiert das Stück die ganze Barockzeit.

    Es geht Ihnen also nicht um die Gattung, es geht um den Geist des Air?

    Absolut, es geht um das Gefühl, das mir das Air vermittelt. Es ist auch das Sinnliche darin, das ich zu vermitteln suche.

    Zu den glücklichen Momenten der Musik gehört es immer, wenn das Geräusch der Welt heruntergedrosselt wird. Dies ist so ein Stück. In welcher Verfassung müssen Sie sein, es zu spielen?

    Absolute Ruhe muss da herrschen, sogar Intimität. Bei Stücken dieser Art ist die Schlichtheit das Beeindruckendste. Diese Einfachheit scheint mir heilig, deshalb muss ich in einer reduzierten und ganz losgelassenen Stimmung sein, muss mich gewissermaßen aus der Gleichung herausziehen. Sollte ich nur einen Moment lang an meine Persönlichkeit denken, wäre ich in der Sekunde weg.

    Sie hätten es vor zehn Jahren nicht so spielen können?

    Nein, da hätte ich immer versucht, etwas daraus zu machen, statt einfach zu schauen, was da ist. Die eigene Persönlichkeit zeigt sich nur im Durchgang durch diese Schlichtheit, diese Transparenz.

    Daher die »Luft« im Air?

    Ja, die Luft ist zum Beispiel im Klang. Ich spiele das Stück sehr luftig, mit viel Bogen und wenig Druck. Das passt genau.

    Haben Sie es in einem einzigen Take aufgenommen?

    Aber ja, das kann man nicht anders machen - das heißt, man kann es machen, aber ich nicht. Es ist Kammermusik, die feinste Art, die Essenz der Musik.

    Die Stücke des Albums hängen auch durch einen Flair zusammen, durch Ihre Weise, Barock zu verstehen. Was macht diese Musik so frisch für Sie?

    Der Umbruch fasziniert mich, man fühlt den Aufbruch aus der Renaissance-Zeit. Plötzlich treten da Einzelpersonen hervor, Wandermusiker zum Beispiel, die durch Europa ziehen und ganz andere Musik mitbringen, wie Matteis. Es war eine Zeit der Bewegung. Diese Musik hat Vielfalt, Esprit, Vitalität, und vieles wurde durchaus auf den Effekt zugeschrieben. Man wollte gefallen, wollte wieder beauftragt werden.

    Nehmen wir Falconieri, der an mehreren europäischen Höfen gastiert hat, nach Portugal und Spanien kam - heute würden wir »Weltmusik« nennen, was er vermittelte, oder?

    Natürlich. Das sind die großen Crossover-Pioniere, die über die Horizonte schauten, von überall Impulse aufnahmen und sie zu ihrem eigenen Stil verschmolzen. Diese Leute hatten den wahren Sinn des Crossover verstanden, lange bevor es das Wort gab.

    Musik aus einer Aufbruchszeit also?

    Und ob, und wie schön: Man höre sich nur die Stücke von Falconieri an, da ist Rhythmus drin, das hat einen Groove, ja, es ist »funky« und hat eine hohe Improvisationsqualität. Es war damals nicht Wunsch, es war Gesetz, dass man improvisieren konnte, genau wie beim Jazzmusiker.

    Der barocke Basso continuo und Keith Jarretts linke Hand sind also verschwistert?

    Unbedingt. Wir arbeiten auf diesem Album ja selbst mit barockem Schlagzeug, Basstrommel, Tambourin und anderem. Diese Musik ist drei-, vierhundert Jahre alt, aber der Groove ist absolut modern. Ich habe das Gefühl, dass man im Barock mehr Risikobereitschaft zeigte als in der Renaissance. Die Spontaneität, die zum Individuellen dazu gehört, wurde frei und stark. Ich habe so viel Musik für dieses Album studiert, so viel gehört und in Partituren verfolgt, und überall bin ich Individuen begegnet.

    Wenn ich mir die Aufführungspraxis damals ansehe, könnte ich fragen: Nehmen Sie diese Musik ernster, als sie sich selbst genommen hat?

    (lacht) Schwer zu sagen - wir können vermuten. Viele der reisenden Musiker haben die Musik als täglich Brot gesehen, als Gelderwerb. Sie wurden nicht angehimmelt wie später Mozart und Beethoven, sondern sie sahen sich als Dienstleister für König oder Adel, vor allem mit ihrer Tanzmusik.

    Unterhaltungsmusik, zu Mahlzeiten, zu Festen gespielt . . .

    . . . zum Schlafen oder für Leute, die nicht schlafen konnten. Also hatte man eigentlich immer den Nebeneffekt der Musik im Auge, das, was ich eigentlich gerade nicht mag, diese Art von Hintergrundmusik.

    Sie forschen, Sie recherchieren dauernd, nicht wahr?

    Das muss ich. Ich lese am liebsten die zeitgenössischen Briefe, die Augenzeugenberichte.

    Und selbst die Noten erweisen sich als ungehobener Schatz?

    Unbedingt. Ich liebe es, in der Vergangenheit zu graben, an die Wurzeln zu kommen.

    Sie schöpfen also aus dem Vollen. Wie kam dann Ihre Auswahl für Air zustande?

    Alle Stücke müssen sofort die Lust in mir erwecken, sie wiederzugeben - das war schwer, denn es gibt viele solche Stücke. Ich suche immer Musik, die mich auf Anhieb fesselt.

    Konventionell gespielt wirken die Tempi oft schreitend, gravitätisch.

    Früher ja, inzwischen spielen viele diese Stücke frenetisch, fast schon hysterisch. Ich bin auch da nicht überzeugt, die Musik muss sprechen, den Raum muss man ihr lassen.

    Marini und Matteis waren beide Virtuosen der Zeit. Hören Sie das den Stücken an?

    Ja. Bei Matteis ist es besonders auffallend. Er benutzt die Technik auf eine Weise, die sehr kess, geradezu frech ist. Bei Marini ist das Stück nicht virtuos, es ist eher ein Lamento, eine bewegende Klage mit Streichern, die wie eine Orgel klingen.

    Valente war vermutlich blind und eigentlich Organist - ein weiter Weg bis zur Geige.

    Bei der Gagliarda handelt es sich um eine Transkription, die ich aufgenommen habe, weil es damals völlig natürlich war, Stücke, die gut ankamen, auf andere Instrumente zu übertragen. Bei Händels Sarabanda handelt es sich auch um eine Transkription. Der barocke Geist sagte eben auch: Alles geht!

    Von Westhoff, dem Dresdener, sagt man, er habe das Spiel mit Doppelgriffen perfektioniert.

    Westhoff ist für mich eine der größten Entdeckungen. Ich habe drei Stücke von ihm ausgewählt; sein Imitazione delle campane ist ein geradezu magischer Satz, der das »bariolage«, eine Technik, bei der man über alle vier Saiten gleichzeitig streicht, meisterhaft einsetzt. Vivaldi war von dieser Imitazione vollkommen fasziniert, und ich bin es nicht minder, denn Westhoff war in der Art, wie er die Geige einsetzt, seiner Zeit weit voraus. Niemand hat vorher Vergleichbares gemacht.

    Wer war Geminiani?

    Der wichtigste Geiger seiner Zeit, Schüler von Corelli und Verfasser des elementaren zeitgenössischen Traktats über die Geige, The Art of Playing on the Violin. Man hört hier Corellis Sonate durch das Medium Geminiani, also eine Transkription. So konnte ich Corelli aufnehmen, ohne ihn direkt da zu haben und diesen unglaublichen, fast völlig vergessenen Komponisten Geminiani einbeziehen.

    Telemann, Bach, Händel - das sind auf diesem Album die Vollkommenen.

    Ja, die anderen bezeichnen Meilensteine auf dem Weg hierhin. Jetzt sehen wir, wie groß die Kontraste waren, was es brauchte, um bei diesen Meistern anzukommen.

    Es steckt ein antikonventioneller, ein revolutionärer Geist in alledem.

    Ich finde es wunderbar, dass die allererste Violinsonate, die komponiert wurde, von Giovanni Paolo Cima, genau in der Zeit entstand, als Galileo Galilei seine bahnbrechenden Entdeckungen machte und unser Weltbild revolutionierte. In diesen Jahren um 1600 gab es Musikerzirkel, die sich zusammenfanden, um Konventionen zu sprengen. Hier wird immer wieder die Ordnung gebrochen, das gefällt mir so gut.

    Es hat wirklich viele Farben, Ihr Album . . .

    . . . so viele Farben, wie die Barockzeit für mich hat. Die Perücken trügen.

    8/2009

Air. un voyage baroque

    Depuis sa création au milieu du XVIe siècle par Andrea Amati, le violon moderne a vécu une histoire extraordinaire et mouvementée. C'est sans doute pendant la période baroque que l'instrument connaît son plus grand développement, alors que violonistes et compositeurs, en un sens libérés de l'austérité et des limitations imposées par le contrepoint de laRenaissance, se lancent dans un voyage musical et géographique pour découvrir des moyens plus originaux et plus extravagants de s'exprimer sur ce nouvel instrument fascinant.

    Air tente de retracer l'un de ces voyages baroques. L'album raconte l'histoire de quatre compositeurs remarquables: un luthiste et trois virtuoses du violon. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les Italiens Falconieri, Matteis et Geminiani, et l'Allemand Westhoff parcoururent l'Europe en quête d'inspiration musicale et d'échanges féconds; leur musique et leur façon de jouer intriguèrent et ravirent au même titre rois, musiciens et public.

    Outre les œuvres de ces quatre compositeurs, l'album propose d'autres exemples de la musique de l'époque afin de montrer le métissage culturel qui s'effectuait, souvent de manière intuitive, entre les esprits musicaux de différents horizons. Certains de ces compositeurs furent directement influencés par ce qu'ils entendaient, que ce soit Geminiani par Haendel, Bach par Westhoff, ou Matteis par la musique folklorique qu'il rencontra au cours de ses voyages dans les îles Britanniques.

    Le but de cet album est de mettre en lumière l'immense diversité de la musique à l'ère baroque. Les formes les plus simples, voire les plus primitives de la musique de danse y voisinent avec les compositions les plus sophistiquées et révolutionnaires de l'époque. Le tout est couronné par une œuvre de Bach - le grand maître, dont le titre m'a servi d'inspiration pour cet album et dont la musique demeure pour moi plus moderne que celle de quiconque.

    Daniel Hope
    8/2009

En partance pour le baroque

    Daniel Hope en conversation avec Roger Willemsen

    Daniel, qu'est-ce qu'un air?

    (rire) Un air, ça a quelque chose d'une chanson, d'une berceuse. Je ne parle pas de la structure musicale, mais de la manière de chanter - en l'occurrence, ici, au violon. Pour moi, le violon est l'instrument qui se rapproche le plus de la voix humaine. Cette qualité vocale, chantante, caractérise l'ensemble de l'album.

    Et l'Air en est l'essence?

    Il permet d'entrevoir le cœur de Bach. Pratiquement personne ne peut rester insensible à ce morceau - il vous touche directement.

    Parce que cette musique est tout simplement merveilleuse?

    Pas seulement. Aussi parce que, au sein même des longues phrases typiques de Bach, une certaine mélancolie se fait jour. C'est précisément en cela que ce morceau reflète l'ère baroque dans son ensemble.

    Ce n'est donc pas le genre, mais l'esprit de l'Air qui vous importe?

    Exactement, c'est l'émotion que l'Air me communique. Et la sensualité de cette musique, que j'essaie de transmettre.

    En musique, certains des plus beaux moments sont ceux où l'on oublie le fracas du monde. C'est ce qui se produit avec ce morceau. Dans quel état d'esprit devez-vous être pour le jouer?

    Il faut un calme absolu, je dirais même: une intimité. Dans les morceaux de ce type, la simplicité est ce qu'il y a de plus impressionnant. Cette simplicité me paraît sacrée, donc je dois faire le vide et être totalement décontracté, m'oublier moi-même en quelque sorte. Si je me laissais aller ne serait-ce qu'un instant à penser à ma propre personnalité, je perdrai aussitôt le fil.

    Vous n'auriez pas pu le jouer ainsi il y a dix ans?

    Non, je me serais évertué à en faire quelque chose de spécial, au lieu de simplement contempler ce qui est là. La personnalité de l'interprète ne se manifeste qu'à travers cette simplicité, cette transparence.

    D'où l'«air» dans l'Air?

    Oui. L'air est, par exemple, dans la sonorité. Je joue ce morceau d'une manière très aérienne, avec beaucoup d'archet et peu de pression. Ça lui convient parfaitement.

    L'avez-vous enregistré en une seule prise?

    Oui, impossible de faire autrement - ou plutôt: on peut faire autrement, mais pas moi. C'est de la musique de chambre, le type de musique le plus raffiné qui soit, l'essence de la musique.

    Tous les morceaux de l'album ont en commun une certaine atmosphère, une certaine manière que vous avez de comprendre le baroque. Qu'est-ce qui rend cette musique si fraîche pour vous?

    Je suis fasciné par le bouleversement qui se produit à cette époque: on sent qu'on a quitté la Renaissance; on se retrouve soudain face à des personnalités individuelles, Matteis par exemple, des musiciens itinérants qui parcourent l'Europe et apportent avec eux une musique totalement différente. C'était une époque de mouvement. Cette musique a de la variété, de l'esprit, de la vitalité, et elle était souvent écrite pour faire del'effet. On voulait plaire, obtenir de nouveaux engagements.

    Prenons Falconieri, qui a séjourné dans plusieurs cours européennes et voyagé au Portugal et en Espagne - on le rangerait aujourd'hui dans la catégorie «musiques du monde», non?

    Évidemment. Ces gens-là ont été les grands pionniers du «crossover», du brassage des genres; ils regardaient au-delà des frontières, assimilaient des influences multiples et les fusionnaient pour se forger unstyle personnel. Ils avaient compris la véritable signification du crossover longtemps avant que le mot existe.

    Cette musique est donc le fruit d'une époque de bouleversements?

    Et comment! De plus, elle est très belle: il suffit d'écouter les pièces de Falconieri, c'est rythmé, dansant, on dirait presque «funky», et avec une très grande qualité d'improvisation. À l'époque, savoir improviser n'était pas seulement souhaitable, mais indispensable, comme pour les musiciens de jazz.

    Vous voyez donc une parenté entre la basse continue baroque et la main gauche de Keith Jarrett?

    Absolument. Sur cet album, nous avons travaillé avec des percussions baroques, la grosse caisse, le tambourin, etc. Cette musique est vieillede trois ou quatre siècles, mais son «groove» est tout à fait moderne. Il me semble qu'à l'ère baroque, les gens étaient plus prêts àprendre des risques qu'à la Renaissance. La spontanéité, qui est liée à l'individualité, devient plus libre et plus forte. J'ai étudié énormément de musique pour préparer cet album, j'ai écouté et lu des tonnes de partitions, et partout j'ai rencontré des individus.

    Quand je songe à la manière dont on pratiquait la musique à cette époque, je me demande si vous ne prenez pas cette musique plus au sérieux qu'elle ne le faisait elle-même?

    (rire) C'est difficile à dire - on peut tout au plus conjecturer. Pour beaucoup de musiciens itinérants, la musique était avant tout un gagne-pain. Ils n'étaient pas portés aux nues comme plus tard Mozart et Beethoven. Ils se considéraient comme de simples serviteurs des rois et des nobles, en particulier avec leur musique de danse.

    De la musique faite pour divertir, jouée pendant les repas et autres festivités . . .

    . . . ou au moment d'aller se coucher, ou pour des gens qui ne trouvaient pas le sommeil. En fait, on ne perdait jamais de vue les «effets secondaires» de la musique - précisément ce que je n'aime pas: on la réduisait à une sorte de musique de fond.

    Vous effectuez constamment un travail de recherche, n'est-ce pas?

    Je dois le faire. Ce que je préfère, c'est lire la correspondance de l'époque, les témoignages sur le vif.

    Et la musique elle-même se révèle être un trésor enseveli?

    Absolument. J'adore fouiller dans le passé, remonter aux racines.

    Vous puisez dans un puits sans fond. Comment avez-vous choisi le programme de l'album Air?

    D'abord, il faut que les morceaux me donnent spontanément envie de les jouer - ça n'a pas été facile, car beaucoup me font cet effet-là. Je suis toujours en quête de morceaux qui exercent sur moi un attrait immédiat.

    Si l'on joue de manière conventionnelle, les tempos sont souvent modérés, solennels.

    C'était le cas avant, mais aujourd'hui on joue cette musique avec frénésie, voire hystérie. Je ne suis pas toujours convaincu par cette approche: la musique doit parler, il faut la laisser respirer.

    Marini et Matteis étaient des virtuoses. Reconnaissez-vous cela à leur musique?

    Oui. Surtout chez Matteis. Il utilise la technique d'une manière facétieuse, presque impudente. Le morceau de Marini n'a rien de virtuose, c'est plutôt un lamento, une plainte émouvante dans laquelle les cordes évoquent le son de l'orgue.

    Valente était probablement aveugle et jouait de l'orgue - on est loin du violon.

    La Gagliarda que j'ai choisi d'enregistrer est une transcription. À l'époque, il était parfaitement naturel de transcrire les morceaux à succès pour d'autres instruments. La Sarabanda de Haendel est également une transcription. L'esprit du baroque nous dit: tout est possible!

    On dit de Westhoff, musicien originaire de Dresde, qu'il a perfectionné le jeu en doubles cordes.

    Pour moi, Westhoff est une des découvertes les plus passionnantes. J'ai choisi trois morceaux de lui; son Imitazione delle campane est une œuvre vraiment magique qui illustre magistralement la technique du «bariolage», dans laquelle on joue sur les quatre cordes à la fois. Vivaldi était totalement fasciné par cette Imitazione, et je ne le suis pas moins, car Westhoff utilise le violon d'une manière très en avance sur son temps. Jamais personne n'avait encore rien fait de semblable.

    Qui était Geminiani?

    Le violoniste le plus important de son temps, élève de Corelli et auteur du traité L'Art de jouer du violon, qui faisait référence à l'époque. On entend sur l'album une sonate de Corelli transcrite par Geminiani, cequi m'a permis à la fois d'enregistrer du Corelli sans qu'il soit directement présent et d'introduire dans le programme ce compositeur incroyable et presque totalement oublié que fut Geminiani.

    Telemann, Bach, Haendel sont les trois gloires de l'album.

    Oui, les autres représentent des étapes sur le chemin qui mène à ces trois-là. Nous voyons maintenant combien les contrastes étaient grands et tout ce qu'il a fallu pour en arriver à ces maîtres.

    Il y a dans tout ceci un esprit anticonventionnel, révolutionnaire.

    Je trouve merveilleux que la toute première sonate pour violon jamais composée, celle de Giovanni Paolo Cima, soit contemporaine des découvertes de Galilée qui ont révolutionné notre vision du monde. Aux alentours de 1600, des cercles musicaux se formaient pour briser les conventions. L'ordre établi était sans cesse remis en question, et c'est quelque chose que j'apprécie beaucoup.

    Votre album est vraiment plein de couleurs . . .

    . . . autant de couleurs que le baroque en a pour moi. Les perruques sont trompeuses.

    8/2009