Spanish Arias and Songs

Werke von / Works by
Bacri · Nin y Castellanos · de Falla
Giménez · Gómez · Granados ·
Montsalvatge · Serrano Simeón
Moreno Torroba · Turina · Villa-Lobos
Orquesta Nacional de España
Josep Pons
Int. Release 14 Oct. 2011
1 CD / Download
0289 477 9447 9
Petibon’s Tour of Spain

Track List

Enrique Granados (1867 - 1916)

orchestrated by Rafael Ferrer

1. La maja dolorosa

Bassols Javier Montsalvatge (1912 - 2002)
Canciones negras


Patricia Petibon, Orquesta Nacional De España, Josep Pons

Joaquín Nin y Castellanos (1879 - 1949)
Veinte cantos populares españolas



Patricia Petibon, Daniel Manzanas, Joël Grare

Heitor Villa-Lobos (1887 - 1959)
Bachianas brasileiras No. 5, W. 389

Joaquín Pérez Turina (1882 - 1949)
Poema en forma de canciones, Op.10


Jerónimo Giménez (1854 - 1923)
La Tempranica

Patricia Petibon, Orquesta Nacional De España, Josep Pons

Rafael Calleja Gómez (1870 - 1938), Tomas Barrera Saavedra (1870 - 1938)

Patricia Petibon, Daniel Manzanas, Joël Grare

Manuel de Falla Matheu (1876 - 1946)
La vida breve

Federico Moreno Torroba (1891 - 1982)
La marchenera


Enrique Granados (1867 - 1916)

orchestrated by Rafael Ferrer

José Serrano Simeón (1870 - 1941)
La canción del olvido

Patricia Petibon, Orquesta Nacional De España, Josep Pons

Traditional, Francisco Ernani Braga (1898 - 1948)
Patricia Petibon, Susan Manoff, Joël Grare

Nicolas Bacri (1961 - )
Melodías de la Melancolía, Op.119b

Melodias de la Melancolia, Op.119b



Patricia Petibon, Orquesta Nacional De España, Josep Pons

Total Playing Time 57:27

Something about redheaded sopranos just makes for a great disc. Patricia Petibon has been rocking the soundwaves with turns in "Carmina Burana" and Italian Baroque arias, and now goes into the more a seductive range of Latin and Iberian art song.

A remarkable achievement . . . It's carried out with aplomb . . . Petibon is especially effective in the zarzuela numbers . . . Petibon's acting and character skills evidently lift each interpretation . . . [The recording] is superbly natural with precise balance decisions made for the different accompaniments. Hugely recommended.

Spanish melancholy is a fierce, proud and frequently angry condition . . . It needs an extraordinary voice to express its facets over an entire recital, and it has found that in Patricia Petibon, whose experience in Baroque and French showpieces is matched by a capacity for utterances that plumb the depths of despair. She hits peak form with the aria for soprano and cellos by Villa-Lobos, where her breadth of phrasing and tonal warmth achieve simplicity and directness . . . ["Adios Granada"] is heartbreaking in its desolation . . . Four new songs by Nicolas Bacri are straightforward and quietly subtle . . . ultimately affecting. This will surely be a hit release -- hear almost any track and you'll want the rest.

. . . the disc is a success. For this ambitious cross-section of Spanish vocal music, Petibon has attempted to find a variety of vocal colors, ranging from refined to the raw . . . there is much to enjoy in Petibon's work in familiar excerpts, as well as in a new cycle composed especially for the soprano. Granados is well served in two of his "maja"-themed "Tonadillas", deeply felt and delivered with the requisite emotional wallop . . . the "tarantula" number from Giménez's "La tempranica", is given a hyper-theatrical, hilarious performance, contrasted with Petibon's impassioned treatment of the gorgeous "Petenera" from Moreno Torroba's "La marchenera" . . . Petibon offers her most authentically Spanish-flavored vocalism . . . "Canto negro" is particularly enjoyable . . . [Salud's aria from Falla's "La vida breve"] is one of the finest tracks on the disc -- powerfully emotional and sung with abandon . . . marvelous flamenco-flavored arrangements featuring Daniel Manzanas on guitar and Joel Grare on percussion. All are excellent.

The concept is utterly intriguing, which is no less than we've come to expect from Petibon.

Der feuerrote französische Sopranirrwisch Patricia Petibon ist . . . in seinen Konzeptalben am besten, frechsten, funkelndsten . . . Jede Nummer wird hier als kleine dramatische Szene präsentiert, das hat Temperament, Lust und vokale Gespanntheit . . . hier [wackeln] fröhlich die Kastagnetten.

"Melancolía" ist ein Album, in dem viel Herzblut steckt und das mit jedem Titel mehr begeistert. Und das Schönste: Mit folkloristischen Spanien-Klischees hat das Ganze rein gar nichts zu tun!

. . . [eine] sensibel temperamentvolle Leitung von Josep Pons . . . das Ergebnis ist hinreißend, ehrlich und spannend. In der Programmzusammenstellung von Volksmusik, Zarzuelas, Flamencorhythmen und kubanisch geprägten Liedern dringt die ambitionierte Sängerin tief ein in die spanische Seele, ist sie voll und ganz in dieser wilden Gefühlswelt, die pulsiert, weint und laut lachend feiert. Doch sie verliert sich in dieser Musik nicht, bleibt die staunende Petibon, die sich leidenschaftlich auf diese Reise einlässt, auf der ihr warm elektrisierender Sopran in leuchtenden Farben blüht, um im Gegenzug in gezogenen Tönen zu klagen, zu attackieren oder sinnlich zu genießen. Die Wandlungsfähigkeit der Stimme ist verblüffend, lässt gespannt jede neue Nummer erwarten, entführt den Hörer in einsame Landschaften, dunkle Gassen, sonnige Hinterhöfe, ist uneitel direkt den unterschiedlichen Stimmungen verpflichtet.

Die Petibon setzt ihre Stimme, wie stets, dramaturgisch ein, bietet vielfältig überschäumende Expression bis hin zum Schrei, bleibt stimmlich dabei stets souverän -- alles in allem eine Demonstration theatralischer Exaltiertheit . . .

Sie beherrscht das Zarte wie das Wilde . . . [ein] hörbar animiertes Orquesta Nacional de Espana. Petibon setzt ihre Stimme, wie man es von ihr gewohnt ist, intelligent ein, bietet überschäumenden Ausdruck bis hin zum Schrei, überstrapaziert sie dabei nie.

. . . [alle Gesänge] scheinen auf diese ebenso agile wie ausdrucksvolle Stimme massgeschneidert . . . eine geballte Ladung an wohlklingender Tristesse . . .

. . . cette mélancolie-là n'a rien à voir avec celle des poètes maudits et les sombres heures du Sturm und Drang. Ce qui est à l'¿uvre ici, c'est la nostalgie d'une enfance pleine de rires et d'une allégresse irrépressible et spontanée, dépeinte par Granados, de Falla ou Villa-Lobos.

La Petibon a fait ce que devrait idéalement faire tout grand artiste : susciter des ¿uvres sur mesures . . . Elle le chante heureusement sans postiche, mais avec les cris, grimaces et autres clowneries que ses fans réclament sans doute. Il ne manque que l'araignée géante qui surgissait jadis dans ses récitals. Le bon peuple est en délire, et le trio de solistes revient accompagner la dame dans les transes amazoniennes des bis . . . la "vraie" Petibon est toujours là . . .

Petibon’s Tour of Spain

  • Unique for her dramatic flair, expert musicality, and interpretive powers, soprano Patricia Petibon indulges in her love of Luso-Iberian music

  • From zarzuela to art song, folk song, the Aria Cantilena of Brazil’s Villa-Lobos, and the traditional Afro-Brazilian Ogundé uareré, Patricia Petibon also samples the new. She includes the world-premiere recording of Nicolas Bacri’s song cycle, which was dedicated to her

  • Patricia Petibon adds spice by teaming up with flamenco musicians for one-of-a-kind performances of the zarzuela hit Adios, Granada and the folk tune El vito

  • Beloved favorites are not neglected: Petibon’s take on La tarántula, Marinela, Canto negro, and La petenera sparkle with light and life

  • The Times wrote about her previous album Rosso: “Her voice is absolutely extraordinary ... After this disc, I am her devoted slave”


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The Mirror of Spain

Spain, and its music and art, have long had a special appeal for Patricia Petibon: “From an early age I was intrigued and fascinated by Spanish culture, by the way the excessive and the subtle are inextricably linked. It glorifies emotions with pride and, at the same time, refinement. It’s a culture that comes from the earth, from the people. Everything about it appealed to me, and in my early recitals I liked to insert some Spanish songs into my American and French programmes. Then, when I went to Madrid to sing in Dialogues des Carmélites, I met the stage director Emilio Sagi, and that led to my opportunity to enter the world of zarzuela. It was Sagi who directed me in Torroba’s Luisa Fernanda in Vienna, where it was wonderful to be singing alongside Plácido Domingo. I found myself surrounded by performers from all kinds of Spanish-speaking backgrounds; they noticed how interested I was in their culture, and that’s how we made a connection, and I learned from real specialists. Spanish artists have a physical sense of the music: for them, it draws its strength from the body, and there I can’t resist making a connection with Baroque music, with dance, of course, and extreme characters – think of Médée or Armide. It also shares the same kind of quality of roughness, of rawness, and voices are used to express emotions, not just to make a lovely sound.”

       “I spent a long time thinking about the programme for this disc, creating a mixture of music, and finally I settled on one unifying idea: the feeling of melancholy, which is a reflection of Spain itself. The disc is a journey through different styles, but through folk music as well, which has a strong presence on the disc. The theatrical element is very important, too, and at the centre is the character of Salud in Falla’s La vida breve. She embodies the melancholy of the title, the loss of hope. Melancholy is a balance in life, a sadness that binds us to death. Salud represents the darkest side of melancholy that tends toward tragedy. But this sort of melancholy can also depict the radiance of childhood, of joy and laughter. What I wanted to explore through this disc was the journey between these two poles.”
       Following on from a number of attempts to write a popular zarzuela for Madrid, Falla’s early masterpiece, composed in 1905, emerged from the new, deeper understanding of the power and potential of Spanish music that the composer gained under the influence of his teacher, Felipe Pedrell. Unperformed in Spain, the score was among the material Falla took with him when he moved to Paris in 1907, and the first performances were ultimately given in France – in Nice in 1913 and at the Opéra-Comique in Paris a year later. Albéniz had already blazed a trail for Spanish musicians in the French capital, while Debussy and Ravel were, in return, imagining Spain in music for themselves. And in Paris Falla renewed his friendship with fellow Spaniard Joaquín Turina, who was studying with D’Indy in the sober surroundings of the Schola Cantorum. This is the kind of Franco-Spanish cultural exchange that Patricia Petibon instinctively responds to: “It’s no coincidence that as a Frenchwoman I’m drawn to Spain. So many Spanish artists and composers came to Paris, and there was a mutual influence between them and French artists. Falla is the central figure on the disc, not just because his music is rooted in folk culture, but also because of his interest in France. To me, the sound of castanets and las palmas (hand clapping) is simply the sound of Spain, and it was essential to me to have percussion, and classical and Flamenco guitar on the disc, as well as piano and full orchestral accompaniments. But I approach it all with my heart and my French sensibility. I didn’t want to mimic a Spanish identity, but to feel it without disguising what I am.”

       While Falla was forging his own personal style from Spanish sources, his older contemporary, Granados, consciously looked back to an earlier Spain in his twelve Tonadillas of 1910–11. The term originally signified a short musical scene; here the tonadillas are self-contained songs, with a focus on the early-19th-century figure of the elaborately dressed maja, as immortalized in the canvases of Goya. Petibon is conscious of the music’s association with the paintings, the “expression of the inner sorrow felt by the majas, characters who are popular yet refined.”

       Naturally, zarzuela numbers are on the programme, with “Marinela” from José Serrano Simeón’s Neapolitan set La canción del olvido of 1918, the “Petenera” (a Flamenco song-form) from Torroba’s La marchenera (1928), and the famous “tarántula” song from Giménez’s La tempranica of 1900. “Adiós Granada” from Emigrantes (1905), by Rafael Calleja Gómez and Tomás Barrera Saavedra, is given a Flamenco treatment, while Turina’s impassioned “Cantares”, from his 1917 Poema en forma de canciones, is heard here in the original orchestral version.

       Catalan music is represented by Xavier Montsalvatge, who was introduced to the Afro-Hispanic music of Cuba by returning Spanish emigrants to the Caribbean, and used it in his Cinco canciones negras of 1945–6. Cuban-born but European-trained pianist and composer Joaquín Nin y Castellanos embodies many of the characteristics of the collection: he also went to Paris, where he studied and subsequently taught at the Schola Cantorum, explored Baroque keyboard music, and embraced popular Spanish styles, as in the spirited “El vito” from his Veinte cantos populares españoles of 1923. The traditional Brazilian “Ogundé uareré” has unequivocal West African roots in Yoruba culture, and the song is, as Patricia Petibon describes it, “a kind of trance, an invocation to the god of metal”. A glance to the Baroque returns in possibly the most famous Brazilian music of all, the “Aria” from Villa-Lobos’s Bachianas Brasileiras No. 5, where, in Petibon’s vivid imagery, the vocal line is “a velvet ribbon matching the flow of the eight cellos.” Rounding off the programme is a new work written specially for Patricia Petibon, French composer Nicolas Bacri’s four Melodías de la melancolía, settings of texts by the Paris-based Colombian writer Álvaro Escobar-Molina. In the singer’s words, “It was important to complete a melancholy journey with a contemporary work, an opening to the future, and a blend of our two cultures.”

       Patricia Petibon’s love for the singers who have long been associated with Spanish repertoire is only a part of her overall feeling for this music: “I love Bidú Sayão, and I was interested to see that she was popular in Paris in French repertoire in the 1930s. And I have an unconditional love for Victoria de los Ángeles. In terms of sound, I was just as keen to find different vocal colours as instrumental ones. I didn’t want to use an operatic voice all the time – sometimes you must forget your training to be able to return to the roots and use your instinct as an interpreter. It was this unresolved blend of colours, raw and refined, popular and learned, that Falla continually sought in his works. The voice must embrace these contrasts, this diversity of culture and language.”
Kenneth Chalmers

Le Miroir de l’Espagne

L’amour que Patricia Petibon voue à l’Espagne, sa mu­sique et son art, ne date pas d’hier : « Dès mon enfance, j’ai été intriguée et fascinée par la culture espagnole, parce qu’elle est une symbiose entre l’outrance et la subtilité. Elle exalte les émotions avec fierté et raffinement. C’est une culture qui vient de la terre, du peuple. Tout cela me séduisait et, lorsque j’ai commencé à donner des récitals, j’ai ponctué mes programmes américains ou français de quelques chansons espagnoles. Puis, lorsque je suis allée à Madrid pour chanter dans les Dialogues des Carmélites, j’ai rencontré le metteur en scène Emilio Sagi, qui m’a fait découvrir l’univers de la zarzuela. C’est Sagi qui m’a dirigée dans Luisa Fernanda de Torroba à Vienne, où j’ai eu l’immense plaisir de chanter aux côtés de Plácido Domingo. J’ai alors été entourée d’artistes originaires des quatre coins du monde hispanophone ; ils ont remarqué que j’étais sincèrement intéressée par leur culture ; c’est ainsi que nous nous sommes rapprochés et que j’ai pu apprendre avec de vrais spécialistes. Les artistes espagnols ressentent physiquement la musique : pour eux, c’est du corps qu’elle puise sa force. Je ne peux m’empêcher de faire le lien avec la musique baroque, avec la danse, bien sûr, et avec les personnages extrêmes – songez à Médée ou Armide. Il y a aussi en commun ce côté âpre, cru, et le fait que la voix ait pour finalité d’exprimer des émotions, pas seulement de produire un beau son. »

« Après avoir longuement réfléchi au programme de ce disque, au choix des différents morceaux, j’ai finalement adopté un fil rouge : la mélancolie, qui est un reflet de l’Espagne elle-même. Ce disque propose un voyage à travers les styles, mais aussi à travers la musique populaire, qui y occupe une place importante. La base théâtrale joue également un rôle essentiel, avec Salud au centre, le personnage principal de La vida breve de Falla. Salud incarne la mélancolie du titre, la perte de l’espoir. La mélancolie est une balance dans la vie, une tristesse qui nous lie à la mort. Salud représente la face la plus sombre de la mélancolie, celle qui penche irrémédiablement vers la tragédie. Mais cette mélancolie peut aussi peindre la luminosité de l’enfance, de la joie, du rire ; j’ai souhaité explorer ces deux pôles à travers ce disque. »

Manuel de Falla avait déjà composé plusieurs zarzuelas pour Madrid, sans obtenir le succès espéré, lorsqu’il produisit son premier chef-d’œuvre en 1905 après avoir acquis auprès de son professeur Felipe Pedrell une compréhension nouvelle, plus profonde, de la force et du potentiel de la musique espagnole. L’œuvre n’ayant pas été montée en Espagne, Falla emporta la partition avec lui lorsqu’il partit s’installer à Paris en 1907, et les premières représentations de La vida breve eurent lieu en France : en 1913 à Nice, et l’année suivante à l’Opéra-Comique de Paris. Albéniz avait ouvert la voie aux musiciens espagnols dans la capitale française, tandis que Debussy et Ravel rêvaient l’Espagne dans leurs compositions. À Paris, Falla renoua avec son ami et compatriote Joaquín Turina, qui étudiait dans la classe de Vincent d’Indy à la très sérieuse Schola Cantorum. C’est à ce genre d’échange culturel franco-espagnol que Patricia Petibon fait instinctivement référence : « Ce n’est pas une coïncidence si, en tant que Française, je me sens attirée par l’Espagne. Un très grand nombre d’artistes et de compositeurs espagnols sont venus à Paris, et il y a eu entre eux et les artistes français une influence mutuelle. Falla est la figure centrale de ce disque, non seulement parce que sa musique a des fondements populaires, mais aussi en raison de son intérêt pour la France. Pour moi, le son des castagnettes et des palmas (battements de mains) n’est autre que le son de l’Espagne. Il m’a donc semblé impératif d’avoir sur ce disque des percussions et de la guitare classique et flamenco, en plus des accompagnements pour piano et pour grand orchestre. J’aborde cette musique avec mon cœur et ma sensibilité. Je n’ai pas voulu imiter une identité espagnole, mais la ressentir sans travestir ce que je suis. »
Pendant que Falla se forgeait un style personnel en puisant dans le folklore espagnol, son aîné Granados tournait son regard vers une Espagne plus ancienne avec ses douze Tonadillas de 1910-1911. Le terme tonadilla désignait à l’origine une brève scène musicale ; chez Granados, il s’agit de mélodies indépendantes sur le thème de la maja, femme du peuple élégante et haute en couleurs du début du XIXe siècle, immortalisée par les toiles de Goya. Patricia Petibon a pleinement conscience du lien qui rattache les mélodies de Granados aux tableaux de Goya, « l’expression du chagrin intérieur des majas, personnages à la fois populaires et raffinés ».

Le programme comprend naturellement plusieurs airs de zarzuela : « Marinela », extrait de La canción del olvido (1918) de José Serrano Simeón, qui se déroule à Naples ; la « Petenera » (une forme de chant flamenco) de La marchenera (1928) de Torroba ; la fameuse « Tarántula » de La tempranica (1900) de Giménez. « Adiós Granada », d’Emigrantes (1905) de Rafael Calleja Gómez et Tomás Barrera Saavedra, est traité en flamenco, tandis que « Cantares », un air passionné extrait du Poema en forma de canciones (1917) de Turina, est entendu ici dans sa version originale avec orchestre.

La musique catalane est représentée par les Cinco canciones negras (1945-1946) de Xavier Montsalvatge, inspirées par la musique hispano-africaine de Cuba que le compositeur découvrit auprès d’émigrés espagnols revenus des Caraïbes. Né à Cuba mais formé en Europe, le pianiste et compositeur Joaquín Nin y Castellanos s’inscrit parfaitement dans le programme de ce disque : il vécut à Paris où il fut élève puis professeur à la Schola Cantorum, explora la musique baroque pour clavier et assimila les styles populaires espagnols, par exemple dans le sémillant « El vito » des Veinte cantos populares españoles (1923). Le chant traditionnel brésilien « Ogundé uareré » a clairement ses racines en Afrique de l’Ouest, plus précisément dans la culture Yoruba ; selon Patricia Petibon, il s’agit « d’une sorte de transe, une invocation au Dieu de la ferraille ». Nous trouvons une autre référence au baroque avec la page sans doute la plus célèbre de la musique classique brésilienne : l’« Aria » de la Bachiana Brasileira no 5 de Villa-Lobos ; l’imagination toujours fertile de Patricia Petibon compare la ligne vocale de cette aria à « un ruban de velours assorti au flot ondoyant des huit violoncelles ». Le programme est complété par une nouvelle œuvre écrite spécialement pour Patricia Petibon par le compositeur français Nicolas Bacri : les quatre Melodías de la melancolía sur des textes d’Álvaro Escobar-Molina, écrivain colombien installé en France. « Il était important d’achever ce voyage mélancolique par une composition contemporaine, une parenthèse ouverte vers l’avenir – un mélange entre nos deux cultures », explique la chanteuse.

À la prédilection de Patricia Petibon pour la musique espagnole vient s’ajouter son admiration des cantatrices qui ont marqué ce répertoire : « J’aime beaucoup Bidú Sayão, dont j’ai appris qu’elle était très appréciée à Paris dans les années 1930 en tant qu’interprète du répertoire français, ce que je trouve très intéressant, et je porte un amour inconditionnel à Victoria de los Ángeles. « Pour ce qui est du son, ajoute Patricia Petibon, j’ai cherché à varier les couleurs vocales au même titre que les timbres instrumentaux. Je ne voulais pas chanter tout le programme avec une voix d’opéra – il faut parfois oublier les acquis pour être capable de retourner à la source et d’utiliser son instinct d’interprète. Falla se livrait sans cesse à ce mélange indécis des couleurs, brutes et délicates, populaires et savantes. La voix doit embrasser ces contrastes, cette pluralité culturelle et linguistique. »

Kenneth Chalmers
Traduction : Jean-Claude Poyet

Das Spiegelbild Spaniens

Spanien, seine Kunst und Musik faszinieren Patricia Petibon schon seit Langem: »Die Kultur Spaniens hat mich schon als Kind angezogen. Übertreibung und Feinsinn sind hier untrennbar miteinander verbunden. Die Kultur ist voll überschäumender Leidenschaft, besitzt gleichzeitig aber auch Finesse und Stolz – sie ist bodenständig und volksnah. Alles an ihr sprach mich an. In meinen Recitals fügte ich in den ersten Jahren gern spanische Lieder in ein amerikanisches oder französisches Programm ein. Als ich dann in Madrid an einer Produktion der Dialogues des Carmélites mitwirkte, kam ich mit dem Regisseur Emilio Sagi in Kontakt; damit eröffnete sich mir die Welt der Zarzuela. Sagi führte Regie bei der Inszenierung von Torrobas Luisa Fernanda in Wien, an der ich beteiligt war, und es war ein wunderbares Erlebnis, bei dieser Gelegenheit an der Seite von Plácido Domingo singen zu dürfen. Ich war von Sängern mit den unterschiedlichsten spanischen Wurzeln umgeben; sie spürten mein aufrichtiges Interesse an ihrer Kultur, wir kamen uns näher, und ich konnte von Spezialisten lernen. Spanische Künstler haben ein körperliches Gespür für die Musik, ihre Musik schöpft die Kraft aus dem Körper. Und hier ergibt sich für mich eine deutliche Verbindung mit der Barockmusik, natürlich mit dem Tanz, und mit extremen Figuren – man denke an die Charaktere von Medée und Armide. Da gibt es auch die gleiche Sprödigkeit, die Stimmen werden eingesetzt, um Gefühle auszudrücken, es geht nicht einfach nur um Wohlklang.«

»Ich hatte lange über das Programm dieser CD nachgedacht und verschiedene Stücke ausgewählt, bis ich schließlich ein thematisches Konzept fand, mit dem sich alle Teile zu einem stimmigen Ganzen fügen ließen: Das Gefühl der Melancholie, die ein Spiegelbild Spaniens selbst ist. Diese CD bietet Einblicke in viele verschiedene Stile, auch in die Volksmusik, die hier sehr stark vertreten ist. Das dramatische Element ist ebenfalls sehr wichtig, und im Zentrum des Ganzen steht die Figur der Salud aus de Fallas La vida breve. Sie verkörpert die Melancholie des Titels, die verlorene Hoffnung. Melancholie ist ein Gleichgewicht im Leben, eine Traurigkeit, die uns mit dem Tod verbindet. Salud verkörpert die dunkelste Seite der Melancholie, den Hang zur Tragödie. Doch hinter dieser Art der Melancholie kann sich auch die Freude und das Lachen der Kindheit verbergen. Auf dieser CD wollte ich den Weg zwischen diesen beiden Eckpunkten nachzeichnen.«

Nach mehreren Versuchen einer volkstümlichen Zarzuela für Madrid komponierte de Falla 1905 dieses frühe Meisterwerk, aus dem ein neues, tieferes Verständnis für die Kraft und das große Potenzial der spanischen Musik spricht, das der Komponist seinem Lehrer Felipe Pedrell verdankte. Das Werk wurde nicht in Spanien aufgeführt; de Falla nahm die Entwürfe mit, als er 1907 nach Paris übersiedelte; die ersten Aufführungen fanden schließlich in Frankreich statt – 1913 in Nizza, die Pariser Opéra-Comique zog ein Jahr später nach. Albéniz hatte in der französischen Hauptstadt bereits die Sache der spanischen Musik und Musiker vertreten, während Debussy und Ravel sich in ihren Kompositionen ein eigenes Spanien erdachten. Und in Paris erneuerte de Falla seine Freundschaft mit seinem spanischen Landsmann Joaquín Turina, der bei D’Indy in der nüchternen Umgebung der Schola Cantorum studierte. Dies ist eine Art des französisch-spanischen Kulturaustausches, die Patricia Petibon instinktiv anspricht: »Es ist kein Zufall, dass ich als Französin von Spanien fasziniert bin. So viele spanische Künstler und Komponisten kamen nach Paris, und es gab wechselseitige Einflüsse zwischen ihnen und den französischen Künstlern. De Falla ist die zentrale Gestalt dieser CD, nicht nur deshalb, weil er das Material aus der Volksmusik tatsächlich nutzte, sondern auch, weil ihn Frankreich faszinierte. Für mich sind der Klang der Kastagnetten und der palmas (das Händeklatschen) der Inbegriff des spanischen Klangs und es war mir sehr wichtig, Schlaginstrumente bei dieser Aufnahme dabei zu haben, daneben klassische und Flamenco-Gitarre, Klavier und volle Orchesterbegleitung. Aber ich gehe das alles mit Herzblut und Empfindsamkeit an. Ich wollte keine künstliche spanische Identität annehmen, sondern die spanische Seele erspüren, ohne mich selbst dabei zu verstecken.«

Während de Falla seinen Personalstil auf der Grundlage spanischer Volksmusik entwickelte, besann sich sein etwas älterer Landsmann Granados in seinen zwölf Tonadillas von 1910–11 auf ein vergangenes Spanien. Dieser Titel bezeichnete ursprünglich eine kurze musikalische Szene. Hier sind die Tonadillas in sich abgeschlossene Lieder; im Zentrum steht die Figur der prunkvoll gekleideten Maja aus dem frühen 19. Jahrhundert, wie sie Goya in seinen Gemälden unsterblich machte. Petibon ist sich der Verbindung, die zwischen der Musik und diesen Gemälden besteht, natürlich bewusst, des »Ausdrucks tiefsten Leids, das die Majas empfinden, populäre und doch sehr kunstvolle Figuren.«

Natürlich sind Zarzuela-Nummern ebenfalls im Programm vertreten, wie »Marinela« aus José Serrano Simeóns neapolitanischer Sammlung La canción del olvido von 1918, die »Petenera« (eine Flamenco-Liedform) aus Torrobas La marchenera (1928) sowie das berühmte »Tarántula«-Lied aus Giménez’ La tempranica von 1900. »Adiós Granada« aus Emigrantes (1905) von Rafael Calleja Gómez und Tomás Barrera Saavedra kommt im Flamenco-Stil daher, während Turinas leidenschaftliche »Cantares« aus seinem Poema en forma de canciones von 1917 in der originalen Orchesterfassung erklingt.

Die Musik Kataloniens ist mit den Cinco canciones negras (1945–46) von Xavier Montsalvatge vertreten, die von der afro-hispanischen Musik Kubas inspiriert sind, mit der der Komponist durch spanische Emigranten aus der Karibik in Berührung kam. Der auf Kuba geborene, doch in Europa ausgebildete Pianist und Komponist Joaquín Nin y Castellanos fügt sich perfekt in das Programm dieser Anthologie ein: Auch er ging nach Paris, wo er studierte und später an der Schola Cantorum unterrichtete, die barocke Musik für Tasteninstrumente erforschte und sich von populären spanischen Stilen beeinflussen ließ, wie man im lebhaften »El vito« aus seinen Veinte cantos populares españoles von 1923 hören kann. Das brasilianische Volkslied »Ogundé uareré« hat deutlich westafrikanische Wurzeln in der Yoruba-Kultur; das Lied ist, so beschreibt es Patricia Petibon, »eine Art Trance, eine Anrufung des Gottes des Metalls«. Ein Rückgriff auf die Barockzeit taucht in der wahrscheinlich berühmtesten brasilianischen Komposition überhaupt auf, der »Aria (Cantilena)« aus Villa-Lobos’ Bachianas Brasileiras Nr. 5; in Petibons lebendiger Bildsprache ist die Stimmlinie »wie ein Samtband, das die Linie der acht Celli nachzeichnet«. Das Programm wird abgerundet von einem neuen Werk, das speziell für Patricia Petibon geschrieben wurde, den vier Melodías de la melancolía des französischen Komponisten Nicolas Bacri, Vertonungen von Texten des in Paris lebenden kolumbianischen Schiftstellers Álvaro Escobar-Molina. Patricia Petibon dazu: »Es war wichtig, diese melancholische Reise mit einem zeitgenössischen Werk zu beenden, einem Ausblick auf die Zukunft, und einer Verbindung unserer beiden Kulturen.«

Patricia Petibon empfindet besondere Sympathien für die Sänger, deren Namen man seit jeher mit dem spanischen Repertoire in Verbindung bringt; doch ihre Begeisterung für diese Musik geht noch weiter: »Ich liebe Bidú Sayão, und es hat mich fasziniert, dass sie im Paris der dreißiger Jahre mit französischem Repertoire große Erfolge feierte. Und ich liebe Victoria de los Ángeles über alles. Was das Klangbild angeht, wollte ich nicht nur unterschiedliche vokale, sondern auch instrumentale Farben finden. Ich wollte nicht die ganze Zeit mit meiner Opernstimme arbeiten – manchmal muss man seine Ausbildung vergessen, um zu den Wurzeln zurückkehren zu können und sich auf seine Instinkte als Interpret zu besinnen. Es ist diese wilde Mischung von Farben, rauh und dann wieder feinsinnig, volkstümlich und anspruchsvoll, die de Falla in seinen Werken immer wieder zu erreichen suchte. Die Stimme muss sich diese Kontraste und die verschiedenen Schattierungen der Kultur und Sprache zu eigen machen.«

Kenneth Chalmers
Übersetzung: Eva Zöllner