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Künstler:innen

Anouar Brahem

Pressestimmen

Musikalische Meditationen über das Leben im Exil und Erinnerungen

Acht Jahre nach "Blue Maqams" meldet sich Anouar Brahem mit einem aufregenden neuen Projekt zur&uuml;ck. In der au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Besetzung mit Oud, Cello, Klavier und Kontrabass pr&auml;sentiert er auf "After The Last Sky" elf besonders bewegende St&uuml;cke.&nbsp;

<a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm/products/anouar-brahem-after-the-last-sky" target="_blank" rel="noopener">Dieses Album auf LP,</a> als Sonderedition mit signierter Art Card und mehr von ECM Records finden Sie in unserem&nbsp;<a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
Auf die Frage nach dem Wesen seiner k&uuml;nstlerischen Reise hat Anouar Brahem einmal mit einer Analogie geantwortet. Er verglich sie mit dem Wachstum eines Baumes, dessen &Auml;ste sich im Laufe der Jahre immer weiter &uuml;ber dem Boden ausbreiten, w&auml;hrend sich seine Wurzeln tiefer und tiefer in den Erde graben. Dieses offene Streben nach allen Seiten l&auml;sst sich auch auf Brahems musikalisches Schaffen &uuml;bertragen. Seit er 1991 mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/barzakh-lp-418494" target="_blank" rel="noopener">Barzakh</a>" sein erstes Album bei ECM Records ver&ouml;ffentlichte, ist seine Musik zunehmend inklusiver und vielf&auml;ltiger geworden. Obwohl die arabische Musik nach wie vor die wichtigste Inspirationsquelle des geb&uuml;rtigen Tunesiers ist, hat er sich in seinen eigenen Alben f&uuml;r ECM ("After The Last Sky" ist mittlerweile sein elftes) und in zahlreichen anderen Projekten (u.a. mit <a href="https://www.jazzecho.de/jangarbarek" target="_blank" rel="noopener">Jan Garbarek</a> und dem Orchestre National de Jazz) seit jeher mit Einfl&uuml;ssen und Idiomen aus aller Welt auseinandergesetzt. Das Spektrum reicht von improvisierter Musik einschlie&szlig;lich Jazz &uuml;ber die europ&auml;ische Klassik bis hin zur zeitgen&ouml;ssischen Komposition. Entstanden ist so&nbsp; eine unverwechselbar eigene Musik, mit der er nun schon seit nunmehr 35 Jahren ein breit gef&auml;chertes Publikum in aller Welt in seinen Bann zieht.
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"Besonders wandlungsf&auml;hig und anregend scheint mit heutzutage das Klangmaterial zu sein, das Tradition und Moderne verbindet,", sagte Brahem k&uuml;rzlich. "Die arabischen Maqams zum Beispiel, die den Kern meiner musikalischen Identit&auml;t bilden, faszinieren mich wegen ihres melodischen Reichtums und ihrer F&auml;higkeit, sich in zeitgen&ouml;ssische musikalische Kontexte einzuf&uuml;gen. Sie bieten einen unendlich fruchtbaren N&auml;hrboden f&uuml;r Experimente. Ich finde es spannend, diese alten modalen Strukturen und harmonischen Ans&auml;tzen aus dem Jazz gegen&uuml;berzustellen und so einen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Kulturen und Stilen zu schaffen."
Auf "After The Last Sky" stehen Brahem erneut der Pianist Django Bates und der Bassist Dave Holland, die bereits 2017 auf dem Vorg&auml;nger "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/blue-maqams-lp-409023" target="_blank" rel="noopener">Blue Maqams</a>" zu h&ouml;ren waren. An die Stelle des Schlagzeugers Jack DeJohnette ist die Cellistin Anja Lechner getreten, die auf dem Album gleich eine tragende Rolle &uuml;bernimmt. Brahems musikalisches Einvernehmen mit Holland - erstmals 1998 auf dem Album "<a href="https://www.jazzecho.de/daveholland/diskografie/thimar-70661">Thimar</a>" dokumentiert - ist inzwischen legend&auml;r. "Daves Spiel verleiht mir Fl&uuml;gel", sagte Anouar einmal. Und in der beeindruckenden Duo-Improvisation "The Eternal Olive Tree" wird dies hier best&auml;tigt. &Uuml;ber das ganze Album hinweg, von den ersten singenden T&ouml;nen in "Endless Wandering", einem vor Emotionen vibrierenden St&uuml;ck, bis zum packenden Drive von "Dancing Under The Meteorites", inspiriert Holland mit seinem beseelten Bassspiel Anouar Brahem zu einigen seiner faszinierendsten Darbietungen. Ein besonderes Vergn&uuml;gen ist es auch zu h&ouml;ren, wie sich die vier Musiker mit ihren individuellen Stimmen dennoch zu einem homogenen Gesamtklang zusammenf&uuml;gen. Dies zeugt sowohl von ihrem gro&szlig;en Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen als auch von der reichen Erfahrung, die jeder Einzelne in dieses Projekt einbringt. Das Auditorio Stelio Molo RSI in Lugano (in dem Brahem vor zehn Jahren bereits das Album "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/souvenance-226623" target="_blank" rel="noopener">Souvenance</a>" aufnahm) scheint mit seiner exzellenten und warmen Akustik der ideale Ort f&uuml;r dieses Quartett zu sein.&nbsp;
"After The Last Sky" ist &uuml;brigens das erste Album, auf dem Anouar Brahems Oud im Zusammenspiel mit einem Violoncello zu h&ouml;ren ist. Anja Lechner, die f&uuml;r eine klassisch ausgebildete Musikerin &uuml;ber ungew&ouml;hnlich viel Improvisationserfahrung verf&uuml;gt, ist tats&auml;chlich eine der f&uuml;hrenden Stimmen auf diesem Album. Sie ist seit langem mit Anouars Kompositionen vertraut und hat einige von ihnen in ihren eigenen Konzerten aufgef&uuml;hrt. Mit dem Pianisten Fran&ccedil;ois Couturier, der bekanntlich selbst intensiv mit dem Oud-Spieler gearbeitet hat, nahm Lechner f&uuml;r ihr gemeinsames Duo-Album "Lontano" (2020) au&szlig;erdem Brahems Komposition "Vague" auf, die hier auch das Programm von "After The Last Sky" beschlie&szlig;t. Das Cello hat auf diesem Album gewisserma&szlig;en das erste und letzte Wort. Es beginnt mit "Remembering Hind", einer ergreifenden Trauermusik, die von Lechner im Duo mit dem Pianisten Django Bates vorgetragen wird und Hind Rajab gewidmet ist, einem f&uuml;nfj&auml;hrigen pal&auml;stinensischen M&auml;dchen, das w&auml;hrend der israelischen Invasion des Gazastreifens get&ouml;tet wurde. Den Abschluss des Albums bildet "Vague", eines der beliebtesten St&uuml;cke Anouars, das er bereits f&uuml;r seine Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/khomsa-70282" target="_blank" rel="noopener">Khomsa</a>" (1995) und "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/le-voyage-de-sahar-95733" target="_blank" rel="noopener">Le Voyage De Sahar</a>" (2006) eingespielt hatte. Der sanfte Schwung dieser neuen Version erinnert an das Pl&auml;tschern der Wellen am Strand des &ouml;stlichen Mittelmeers.&nbsp;
Wie schon auf "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/blue-maqams-lp-409023" target="_blank" rel="noopener">Blue Maqams</a>" spielt das Klavier von Django Bates auch diesmal wieder eine wichtige geduldig unterst&uuml;tzende Rolle. Der Brite, der auf seinen eigenen Aufnahmen (z.B. auf "The Study Of Touch" mit seinem Trio Belov&egrave;d) oft Swing, Humor und scharfsinnige dynamische Kontraste in den Vordergrund stellt, wei&szlig;, dass ein kontinuierlicher Fluss f&uuml;r die Entwicklung von Anouars Musik entscheidend ist. Aber sie bietet ihm auch immer wieder Raum f&uuml;r individuelle musikalische Statements. Ein sch&ouml;nes Beispiel daf&uuml;r ist sein elegant perlendes Klaviersolo in dem vertr&auml;umten Song "Awake", das umso st&auml;rker wirkt, als er zuvor eher zur&uuml;ckhaltend agierte.
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Der Titel des Albums ist dem Gedicht "The Earth Is Closing On Us" von Mahmoud Darwisch (1941-2008) entlehnt, der als "poetische Stimme des pal&auml;stinensischen Volkes" bezeichnet wurde. Darin hei&szlig;t es:&nbsp; "Where should we go after the last frontiers? / Where should the birds fly after the last sky?" ("Wohin sollen wir gehen nach den letzten Grenzen? / Wohin sollen die V&ouml;gel fliegen nach dem letzten Himmel?").&nbsp; Diese Verse lieferten vor rund 40 Jahren schon einmal den Titel f&uuml;r das Buch "After The Last Sky: Palestinian Lives", eine Meditation &uuml;ber Exil und Erinnerung des pal&auml;stinensisch-amerikanischen Literaturkritikers und -theoretikers Edward Sa&iuml;d. In den Liner Notes des Albums betrachtet Adam Shatz die Musik Anouar Brahems im Kontext dieses &auml;sthetisch-literarischen Kontinuums sowie des andauernden Kampfes f&uuml;r die Rechte der Pal&auml;stinenser, ein Thema, das Brahem bei der Vorbereitung des Materials f&uuml;r dieses Album besch&auml;ftigte. In diesem Sinne werden die Titel der St&uuml;cke f&uuml;r den interessierten H&ouml;rer zu Wegweisern, die er beachten sollte. Aber, wie Anouar im Gespr&auml;ch mit Shatz erkl&auml;rt: "Musik, und insbesondere Instrumentalmusik, ist von Natur aus eine abstrakte Sprache, die keine expliziten Ideen vermittelt. Sie zielt vielmehr auf Emotionen und Empfindungen ab, und wie sie wahrgenommen wird, ist von Mensch zu Mensch verschieden. Was bei dem einen Traurigkeit hervorruft, kann bei einem anderen Nostalgie ausl&ouml;sen... Ich lade die Zuh&ouml;rerinnen und Zuh&ouml;rer ein, ihre eigenen Emotionen, Erinnerungen oder Vorstellungen auf sie zu projizieren, ohne zu versuchen, sie zu &lsquo;lenken&rsquo;."&nbsp;
Anl&auml;sslich der Ver&ouml;ffentlichung von "After The Last Sky" geht das Quartett auf eine Europatournee. Konzerte in Deutschland:
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<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://www.eventim.de/event/jazznights-2025-anouar-brahem-quartet-philharmonie-berlin-18821148/" target="_blank" rel="noopener">23. April-&nbsp; Berlin - Philharmonie</a></li>
<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://www.eventim.de/event/jazznights-2025-anouar-brahem-quartet-laeiszhalle-hamburg-18868092/" target="_blank" rel="noopener">1. Mai - Hamburg - Laeiszhalle</a></li>
<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://www.eventim.de/event/jazznights-2025-anouar-brahem-quartet-der-gasteig-hp8-18859387/" target="_blank" rel="noopener">2. Mai - M&uuml;nchen - Isarphilharmonie</a></li>
<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://enjoyjazz.reservix.de/tickets-anouar-brahem-quartet-in-mannheim-christuskirche-am-8-11-2025/e2385848" target="_blank" rel="noopener">8. November - Mannheim - Christuskirche</a></li>
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Anouar Brahem - Balanceakt zwischen zwei Musikwelten

F&uuml;r sein neues Album "Blue Maqams" f&auml;rbte der Oud-Meister Anouar Brahem das modale System der arabischen Musik im Zusammenspiel mit Django Bates, Dave Holland und Jack DeJohnette mit den "blue notes" des Jazz ein.

Als Jazzmusiker hat sich Anouar Brahem selbst nie betrachtet. Noch hatte er je die Ambition &uuml;berhaupt einer zu sein. Doch seit &uuml;ber 25 Jahren suchte der tunesische Meister der Oud-Laute immer wieder den musikalischen Austausch mit internationalen Kollegen aus dem Jazzlager. In diesem Zeitraum machte Brahem f&uuml;r ECM Records Aufnahmen mit u.a. Fran&ccedil;ois Couturier, Richard Galliano, Jan Garbarek, John Surman, Dave Holland, dem franz&ouml;sischen Orchestre National de Jazz und Gianluigi Trovesi. Doch so weit wie auf seinem neuen Album "Blue Maqams" hat er sich dem Jazz wohl noch nie zuvor angen&auml;hert. Befl&uuml;gelt hat ihn dabei, dass er hier mit drei absolut brillanten Improvisationsk&uuml;nstlern zusammenspielen konnte: Pianist Djano Bates, Bassist Dave Holland und Schlagzeuger Jack DeJohnette.
W&auml;hrend Brahem mit Holland 1997 schon sein gefeiertes Album "Thimar" f&uuml;r ECM aufgenommen hatte, trifft er auf "Blue Maqams" das erste Mal mit dem Schlagzeuger aus Chicago und dem quirligen britischen Pianisten zusammen. Holland und DeJohnette sind nat&uuml;rlich ein perfekt harmonierendes Rhythmusgespann. Seit sie Ende der 1960er Jahre das erste Mal zusammen in Miles Davis'&nbsp;bahnbrechender Band spielten, kreuzten sich ihre Wege immer wieder. F&uuml;r ECM nahmen sie mit dem j&uuml;ngst verstorbenen John Abercrombie vier Alben als Gateway-Trio auf. Au&szlig;erdem begleiteten sie Kenny Wheeler auf den Klassikern "Gnu High" und "Deer Wan" sowie George Adams auf "Sound Suggestions". Seit Brahem Holland und DeJohnette in den fr&uuml;hen 1990ern mit Betty Carter und Geri Allen live erlebt hatte, lieb&auml;ugelte er damit, selbst einmal mit dem Gespann zu arbeiten. "Diese charismatische Rhythmusgruppe hinterlie&szlig;&nbsp; einen sehr starken Eindruck", erinnert er sich. Das Zusammenspiel mit Holland im "Thimar"-Trio genoss er &uuml;ber die Ma&szlig;en. Als er den Entschluss fasste, bei der Einspielung von "Blue Maqams" wieder mit Holland zu arbeiten, kam ihm fast zwangsl&auml;ufig auch Jack DeJohnette in den Sinn. Das Jazzschlagzeug mit seiner sanft singenden Oud zusammenzubringen, stellte freilich eine besondere Herausforderung dar: "Aber ich war mir sicher: Wenn es einen gibt, der dies kreativ meistern kann, dann ist es Jack DeJohnette. Er ist einer der einf&uuml;hlsamsten und subtilsten Schlagzeuger."
Es war nicht einfach, den Pianisten f&uuml;r dieses Projekt auszuw&auml;hlen. "&Uuml;ber mehrere Monate h&ouml;rte ich mir eine Vielzahl von Pianisten an und hatte viele lange Diskussionen mit Manfred Eicher hinsichtlich der Eigenschaften die der Pianist f&uuml;r diese Aufnahme haben sollte. Schlie&szlig;lich spielte er mir eines Tages Musik vor, die er gerade mit Django Bates eingespielt hatte. Ich war sehr beeindruckt von Djangos Anschlag, seinem Timbre und rhythmischem Spiel. Im New Yorker Avatar Studio entdeckte ich dann noch eine Reihe weiterer Qualit&auml;ten bei Django. Es gelingen ihm auf dieser Aufnahme einige ganz besondere Momente, die die St&uuml;cke sehr bereichern."
Freiheit und Notentreue in die richtige Balance zu bringen, sieht Brahem als entscheidend an: "Ich m&ouml;chte, dass jedes St&uuml;ck eine eigene Identit&auml;t durch die auskomponierten Passagen beh&auml;lt. Die Rolle des Musikers ist es, sich innerhalb des Rahmens eines jeden St&uuml;ckes so auszudr&uuml;cken, dass seine Eigenheit bewahrt wird. Ein entscheidender Teil unseres Zusammenspiels dreht sich genau um diesen Aspekt &ndash; gemeinsam die richtige Balance aus aufgeschriebener und improvisierter Musik zu finden. Denn selbst in komponierten St&uuml;cken oder in Passagen, in denen vielleicht weniger Raum zur Interpretation bleibt, m&ouml;chte ich, dass die Musik klingt, als bewege sie sich vorw&auml;rts in einem stetigen Fluss."
Parallel zu dem neuen Album "Blue Maqams", das nun als CD, Vinyl-Doppelalbum und digitaler Download erh&auml;ltlich ist, wird auch Brahems erste ECM-Aufnahme "Barzakh" als audiophile 180-Gramm-Vinylpressung wiederver&ouml;ffentlicht. Im April 2018 wird das Quartett im Rahmen einer Europatournee auch f&uuml;r zwei Konzerte nach Deutschland kommen. Am 14. April gastiert es in der Philharmonie in M&uuml;nchen und einen Tag sp&auml;ter in der Elbphilharmonie in Hamburg.

"Souvenance" von Anouar Brahem - Anmutig, hypnotisierend und voller Dramatik

Auf seinem Album "Souvenance" verarbeitete der tunesische Oud-Spieler und Komponist Anouar Brahem musikalisch Eindr&uuml;cke vom "Arabischen Fr&uuml;hling".

Mit "Souvenance" pr&auml;sentiert der der tunesische Oud-Spieler und Komponist Anouar Brahem sein bislang aufw&uuml;hlendstes Werk. Und das ist nicht weiter verwunderlich. Schlie&szlig;lich entstand es unter dem nachhaltigen Eindruck der dramatischen Ereignisse, die Ende 2010 in seiner Heimat ihren Anfang nahmen und in den "Arabischen Fr&uuml;hling" m&uuml;ndeten. "Au&szlig;ergew&ouml;hnliche Ereignisse ersch&uuml;tterten pl&ouml;tzlich das allt&auml;gliche Leben von Millionen von Menschen", sagt Brahem. "Wir wurden ins Ungewisse geschleudert und erlebten dies mit einer Gef&uuml;hlsmischung aus gro&szlig;er Angst, Freude und Hoffnung. Was passierte, &uuml;berstieg schlicht unser Vorstellungsverm&ouml;gen." Und die politischen Umw&auml;lzungen besch&auml;ftigten ihn so sehr, dass er lange Zeit nicht in der Lage war, neue Musik zu schreiben. Doch als es ihm schlie&szlig;lich gelang, reflektierte er die Ereignisse nat&uuml;rlich auch in seinen neuen Kompositionen, die wechselweise bet&ouml;rend anmutig, hypnotisierend und angespannt sind sowie stets voller Dramatik. Dennoch r&auml;umt Brahem ein: "Ich m&ouml;chte nicht behaupten, dass es eine direkte Verbindung gibt zwischen meinen Kompositionen und den Ereignissen, die in Tunesien stattfanden, aber sie haben mich zutiefst beeinflusst." Deshalb hat er sein neues Doppelalbum, das nun bei ECM Records erscheint, auch "Souvenance" ("Erinnerung") genannt.
Im Mai 2014 nahm Anouar Brahem die neuen St&uuml;cke mit drei "alten Bekannten" in Lugano auf: mit Pianist Fran&ccedil;ois Couturier (der Brahem zuletzt 2005 auf dem Album "Le Voyage De Sahar" begleitete) sowie Bassklarinettist/Sopransaxophonist Klaus Gesing und Bassist Bj&ouml;rn Meyer (mit denen der Oud-Spieler 2008 sein letztes ECM-Album "The Astounding Eyes Of Rita" eingespielt hatte). Zugleich begab sich Brahem aber auch auf neues Terrain: Denn erstmals schrieb er einige seiner Kompositionen auch f&uuml;r ein Streichorchester. Eingespielt wurden sie f&uuml;r das Album mit dem Orchestra della Svizzera Italiana unter der Leitung von Pietro Mianiti. "Mir war sehr wichtig den Streichern in der Musik eine organische Funktion zu geben", sagt Anouar Brahem. "Bisher hatte ich mich bei meinen musikalischen Studien ausschlie&szlig;lich unserer traditionellen Musik gewidmet. Deshalb hatte ich keine kompositorischen Rollenmodelle, an denen ich mich h&auml;tte orientieren k&ouml;nnen. Und wie man schnell feststellen wird, reizte es mich nicht, die Kraft und Klangf&uuml;lle auszusch&ouml;pfen, die einem ein Orchester bieten kann. Ich finde es spannend, gegen die Streicher zu improvisieren, wenn sie ganz leise spielen - man h&ouml;rt so besser die klanglichen und strukturellen Details,die Feinheiten und kammermusikalischen Qualit&auml;ten. Und das kann sehr bewegend sein."
Am 4. Dezember wird Anouar Brahem sein ambitioniertes Projekt zum ersten Mal in Europa live vorstellen. Bei dem Auftritt im M&uuml;nchener Prinzregententheater begleiten ihn dann Fran&ccedil;ois Couturier, Klaus Gesing, Bj&ouml;rn Meyer und das Tallinn Chamber Orchestra. Auf der Seite <a href="http://www.muenchenticket.de/guide/tickets/tbx6/Anouar+Brahem+und+Band.html" target="_self">M&uuml;nchen Ticket</a> k&ouml;nnen Sie Karten bestellen.

Sounds And Silence - Auf Manfred Eichers (Ton)Spuren

&ldquo;Der Zauber von ECM, in einem gro&szlig;artigen, aufregenden, musikalischen Road-Movie&rdquo;, jubelte der ORF in einer Rezension des Dokumentarfilms &ldquo;Sounds And Silence&rdquo;. &Uuml;ber einen Zeitraum von f&uuml;nf Jahren folgten die Schweizer Filmemacher Norbert Wiedmer und Peter Guyer dem Produzenten Manfred Eicher und ECM-K&uuml;nstlern um die Welt: vom Labelsitz in Gr&auml;felfing bei M&uuml;nchen f&uuml;hrte die Reise u.a. nach Estland, Tunesien, Frankreich, D&auml;nemark, Griechenland und Argentinien. Der dabei entstandene Dokumentarfilm verschafft einem Einblicke in die Arbeitsweise des bekannten Produzenten, aber auch einzigartiger Musiker und Komponisten wie Arvo P&auml;rt, Eleni Karaindrou, Dino Saluzzi und Anja Lechner, Anouar Brahem, Gianluigi Trovesi und Gianni Coscia, Marilyn Mazur, Nik B&auml;rtsch&rsquo;s Ronin, Kim Kashkashian und Jan Garbarek. 2009 mit dem Berner Filmpreis ausgezeichnet, erscheint der Film nun endlich auf DVD und Blu-Ray sowie parallel dazu eine komplement&auml;re CD.

&ldquo;Der Zauber von ECM, in einem gro&szlig;artigen, aufregenden, musikalischen Road-Movie", jubelte der ORF in einer Rezension des Dokumentarfilms &ldquo;Sounds And Silence&rdquo;. &Uuml;ber einen Zeitraum von f&uuml;nf Jahren folgten die Schweizer Filmemacher Norbert Wiedmer und Peter Guyer dem Produzenten Manfred Eicher und ECM-K&uuml;nstlern um die Welt: vom Labelsitz in Gr&auml;felfing bei M&uuml;nchen f&uuml;hrte die Reise u.a. nach Estland, Tunesien, Frankreich, D&auml;nemark, Griechenland und Argentinien. Der dabei entstandene Dokumentarfilm verschafft einem Einblicke in die Arbeitsweise des bekannten Produzenten, aber auch einzigartiger Musiker und Komponisten wie Arvo P&auml;rt, Eleni Karaindrou, Dino Saluzzi und Anja Lechner, Anouar Brahem, Gianluigi Trovesi und Gianni Coscia, Marilyn Mazur, Nik B&auml;rtsch&rsquo;s Ronin, Kim Kashkashian und Jan Garbarek. 2009 mit dem Berner Filmpreis ausgezeichnet, erscheint der Film nun endlich auf DVD und Blu-Ray sowie parallel dazu eine komplement&auml;re CD.
W&auml;hrend der Film den Prozess des Musikmachens und Aufnehmens zeigt, enth&auml;lt die CD &ldquo;Sounds And Silence: Music For A Film&rdquo; nat&uuml;rlich die fertig produzierten Werke der K&uuml;nstler, so wie sie auf deren Alben f&uuml;r ECM erschienen sind. Mit einer aufregenden Ausnahme: zwei St&uuml;cke, die Eleni Karaindrou mit einem Orchester und den G&auml;sten Jan Garbarek und Kim Kashkashian bei einem Konzert in Frankfurt spielte, waren bisher noch nicht auf CD erh&auml;ltlich. Auch die DVD/Blu-Ray wartet mit spannendem Bonus-Material auf: in dem sieht man den Schlagzeuger Manu Katch&eacute; im New Yorker Studio bei den Aufnahmen f&uuml;r sein Album &ldquo;Playground".

ECM im Jubiläumsjahr: Ein Rückblick

Dass ein unabh&auml;ngiges Plattenlabel sein 40-j&auml;hriges Jubil&auml;um feiern kann, ist eine ausgemachte Rarit&auml;t. Oft werden die mit viel Enthusiasmus gestarteten unabh&auml;ngigen Labels nach einer Erfolgswelle von einem der gro&szlig;en Plattenkonzerne aufgekauft und verlieren dann so nach und nach ihr urspr&uuml;ngliches Gesicht. Nicht so Manfred Eichers ECM Records: Der rastlose Produzent bewahrte vier Jahrzehnte lang seine vollkommene Unabh&auml;ngigkeit und &uuml;berrascht selbst in einer Zeit, in der viele Plattenfirmen &uuml;ber zur&uuml;ckgehende Ums&auml;tze klagen und ihren kreativen Output drosseln m&uuml;ssen, mit ungebrochenem Elan und musikalischem Pioniergeist. 1969 als Jazzlabel gestartet, legte sich ECM Records 1984 mit der ECM New Series einen Klassikableger zu, der l&auml;ngst genauso profiliert ist wie das Jazzlabel und die Klassikwelt auf &auml;hnliche Weise revolutionierte. In der internationalen Presse wurde das Jubil&auml;um dieser au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Plattenfirma deshalb auch geb&uuml;hrend gefeiert.

Dass ein unabh&auml;ngiges Plattenlabel sein 40-j&auml;hriges Jubil&auml;um feiern kann, ist eine ausgemachte Rarit&auml;t. Oft werden die mit viel Enthusiasmus gestarteten unabh&auml;ngigen Labels nach einer Erfolgswelle von einem der gro&szlig;en Plattenkonzerne aufgekauft und verlieren dann so nach und nach ihr urspr&uuml;ngliches Gesicht. Nicht so Manfred Eichers ECM Records: Der rastlose Produzent bewahrte vier Jahrzehnte lang seine vollkommene Unabh&auml;ngigkeit und &uuml;berrascht selbst in einer Zeit, in der viele Plattenfirmen &uuml;ber zur&uuml;ckgehende Ums&auml;tze klagen und ihren kreativen Output drosseln m&uuml;ssen, mit ungebrochenem Elan und musikalischem Pioniergeist. 1969 als Jazzlabel gestartet, legte sich ECM Records 1984 mit der ECM New Series einen Klassikableger zu, der l&auml;ngst genauso profiliert ist wie das Jazzlabel und die Klassikwelt auf &auml;hnliche Weise revolutionierte. In der internationalen Presse wurde das Jubil&auml;um dieser au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Plattenfirma deshalb auch geb&uuml;hrend gefeiert. &ldquo;In einem Zeitalter zunehmender Standardisierung ist echte Individualit&auml;t nur begr&uuml;&szlig;enswert&rdquo;, hie&szlig; es etwa im britischen Klassikmagazin Gramophone, das ECM zum Label des Jahres k&uuml;rte. &ldquo;Jedes Jahr ehren wir ein Plattenlabel, das eine gewinnende Kombination von Kreativit&auml;t, Phantasie, gesch&auml;ftlichem Scharfsinn, Stil aufweist - alles Dinge, die man wiederum in diesem einen Wort zusammenfassen kann: Individualit&auml;t. Dieses Jahr richten wir den Scheinwerfer auf ein Label, das seinen einzigartigen Weg 40 Jahre lang mit betr&auml;chtlichem Erfolg verfolgt hat: ECM und, spezieller f&uuml;r &lsquo;Klassik&rsquo;-Fans, seine New Series. ECM ist eines dieser seltenen Labels, bei denen s&auml;mtliche Produktionen die Fingerabdr&uuml;cke eines einzigen Mannes tragen - jene des Vision&auml;rs Manfred Eicher, der weit mehr als nur ein &lsquo;A&amp;R-Mann&rsquo; ist. Er ist ECM und ECM ist Manfred Eicher.&rdquo; In der S&uuml;ddeutschen Zeitung schrieb der britische Schriftsteller Geoff Dyer, der laut Keith Jarrett mit &ldquo;But Beautiful&rdquo; (1991) das &ldquo;einzig empfehlenswerte Buch &uuml;ber Jazz&rdquo; verfasst hat: &ldquo;Der ECM-Sound ist so leicht erkennbar wie der von Blue Note aus den Sechzigern. ECM ist gleicherma&szlig;en Musikstil wie Label; im Unterschied zu Blue Note ist ECM jedoch nie formelhaft geworden. [...] Mutig zu seinen &Uuml;berzeugungen zu stehen, ist, wie Nietzsche gezeigt hat, eine ziemlich bescheidene Tugend; den Mut zu haben, die &Uuml;berzeugungen anzugreifen, ist eine v&ouml;llig andere Sache.&rdquo; Und indem er seine eigenen &Uuml;berzeugungen immer wieder hinterfragte, schaffte es Manfred Eicher, in diesen vierzig Jahren nie ins Formelhafte zu verfallen. Das Label selbst beging das Jubil&auml;um mit einer Reihe besonderer Aktionen: Das Spektrum reichte von speziellen ECM-Features bei Festivals in aller Welt (das Mannheimer Enjoy Festival widmet ECM beispielsweise gleich vier Tage mit Jazz- und Klassikkonzerten), der DVD-Ver&ouml;ffentlichung des 1990 von Manfred Eicher und Heinz B&uuml;tler gedrehten Films &ldquo;Holoz&auml;n&ldquo;, &uuml;ber die Publizierung eines zweiten Bands mit ECM-Cover-Art (&ldquo;Windfall Light - The Visual Language of ECM&rdquo; im Schweizer Lars M&uuml;ller Verlag) bis hin zur CD-Wieder- bzw. Erstver&ouml;ffentlichung von zahlreichen richtungsweisenden ECM-Klassikern. Auch f&uuml;r Freunde der guten alten Vinylscheibe hatte ECM 2009 eine &Uuml;berraschung parat: Nach f&uuml;nfzehn Jahren Pause kehrt das Vinyl bei dem M&uuml;nchner Label aus der Versenkung zur&uuml;ck - &ldquo;Yesterdays&rdquo;, das neueste Album von Keith Jarrett, Gary Peacock und Jack DeJohnette, sowie Enrico Ravas &ldquo;New York Days&rdquo; wurden auch als Doppel-LP, gepresst auf 180-Gramm-Vinyl, f&uuml;r Audiophile ver&ouml;ffentlicht. Markiert war das Jubil&auml;umsjahr aber nat&uuml;rlich auch von herausragenden Neuver&ouml;ffentlichungen. Der untrennbar mit der Labelgeschichte verbundene Pianist Keith Jarrett begeisterte die Jazzwelt nicht nur mit dem in Tokio aufgenommenen Trio-Album &ldquo;Yesterdays&rdquo;, sondern auch mit der drei CDs umfassenden Box &ldquo;Paris/London - Testament&rdquo;, die ihn einmal mehr als unvergleichlich improvisierenden Solisten pr&auml;sentierte. F&uuml;r beide Alben erntete er allerorten hervorragende Kritiken. Etwas kontrovers wurde in der deutschen Presse hingegen Keith Jarretts erster Soloauftritt in der Berliner Philharmonie diskutiert. W&auml;hrend ihn Stefan Hentz in der Zeit als &ldquo;bet&ouml;rend sch&ouml;nes Konzert&rdquo; feierte und Wolfgang Sandner Jarrett in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung als &ldquo;ph&auml;nomenalen K&uuml;nstler&rdquo; beschrieb, der &uuml;ber einen &ldquo;unersch&ouml;pflichen Reichtum an musikalischen Gedanken&rdquo; verf&uuml;gt, vertieften sich Journalisten anderer Publikationen mehr in die Randereignisse des Konzerts denn in die dargebotene Musik. &nbsp; F&uuml;r Furore - allerdings rein positiver Natur - sorgte auch Jan Garbarek mit seinem ersten Live-Album &ldquo;Dresden&rdquo;, das er mit Schlagzeuger Manu Katch&eacute;, Keyboarder Rainer Br&uuml;ninghaus und Bassist Yuri Daniel eingespielt hatte. &ldquo;Was die Konzertbesucher seit Jahrzehnten fasziniert&rdquo;, meinte Thorsten Meyer im JazzPodium, &ldquo;ist nun auch auf Tontr&auml;ger nachzuvollziehen: die schlicht-sch&ouml;nen Themen, die eingewoben werden in ein von stetiger Interaktion gepr&auml;gtes Klangbild, oder der durchg&auml;ngige Spannungsbogen der beiden Konzerth&auml;lften mit seinen mal kurzen, mal l&auml;ngeren Solokadenzen der Bandmitglieder (vor allem Pianist Rainer Br&uuml;ninghaus zeigt in &lsquo;Transformations&rsquo; seinen Ideenreichtum). Zudem hat Garbareks Musik durch Katch&eacute; zus&auml;tzlichen Drive gewonnen.&rdquo; Einen &ldquo;Sieg des Phantastischen &uuml;ber die Schwerkraft des Profanen&rdquo; errang Enrico Rava laut FAZ-Rezensent Alessandro Topa auf seinem j&uuml;ngsten Album &ldquo;New York Days&rdquo;: &ldquo;F&uuml;r sein neues Album hat sich der Trompeter Enrico Rava mit den Besten der Zunft [Pianist Stefano Bollani, Tenorsaxophonist Mark Turner, Bassist Larry Grenadier und Schlagzeuger Paul Motian] zusammengetan. Heraus kam ein Streifzug durch die Jazzgeschichte, der auch als Gesamtkunstwerk durchgeht.&rdquo; &nbsp; Ravas Pianist Stefano Bollani gl&auml;nzte nicht minder auf seinem eigenen ECM-Trio-Album &ldquo;Stone In The Water&rdquo;. &ldquo;Dass dieses Trio den Namen des italienischen Pianisten Stefano Bollani tr&auml;gt, ist keine Selbstverst&auml;ndlichkeit&rdquo;, meinte die Neue Z&uuml;rcher Zeitung. &ldquo;Tats&auml;chlich wird die Formation bisweilen nach ihrem Bassisten, dem D&auml;nen Jesper Bodilsen, benannt. Und auch als Band des d&auml;nischen Drummers Morten Lund k&ouml;nnte das Trio bestens durchgehen. Auf dem neuen Album &lsquo;Stone In The Water&rsquo; scheint dieses improvisierende Dreigespann mehr noch als andere Piano-Trios durch musikalische Dreieinigkeit&nbsp; gepr&auml;gt - durch den Umstand, dass sich alle einem Gesamtklang unterordnen, einf&uuml;gen. Und was jeder schon in seinem pers&ouml;nlichen Spiel beweist - Sensibilit&auml;t gegen&uuml;ber der klanglichen Tradition seines Instruments -, l&auml;uft im Zusammenspiel auf eine geradezu berauschende Klangkultur hinaus.&rdquo; Mit einem brandneuen Quintett - besetzt mit jungen, noch weitgehend unbekannten Musikern aus Finnland und D&auml;nemark (Pianist Alexi Tuomarila, Gitarrist Jakob Bro, Bassist Anders Christensen und Schlagzeuger Olavi Louhivuori) nahm der polnische Trompeter Tomasz Stanko sein faszinierendes Album &ldquo;Dark Eyes&rdquo; auf. &ldquo;Auf Tomasz Stanko ist Verlass&rdquo;, urteilte Wolf Kampmann in der Jazzthetik. &ldquo;Immer und unter allen Umst&auml;nden. Er hat in seiner langen Laufbahn nicht wenige Alben gemacht, doch sein hoher Anspruch an sich selbst lie&szlig; niemals nach. So schafft er es auch mit 67 Jahren noch, uns zu &uuml;berraschen. [...] Es ist schwer, Stankos Musik zu kategorisieren. Vielleicht n&auml;hert er sich mit seinem neuen Album informell ein wenig dem Jazzrock an, ohne ihn tats&auml;chlich zu spielen. Aber zumindest sein Klangverst&auml;ndnis ist elektrischer.&rdquo; Mit einer originell neubesetzten Band - Klaus Gesing (Bassklarinette), Bj&ouml;rn Meyer (Bass) und Khaled Yassine (Darbouka &amp; Bendir) - nahm der Oud-Spieler Anouar Brahem &ldquo;The Astounding Eyes Of Rita&rdquo; auf. &ldquo;Der tunesische Oud-Virtuose Anouar Brahem steht seit langem f&uuml;r unverwechselbare und origin&auml;re CD-Projekte&rdquo;, meinte der MDR in einer Besprechung des Albums. &ldquo;Dabei entzieht sich der Klangkosmos des musikalischen Grenzg&auml;ngers jeglichen Kategorien. Auch die Musik der aktuellen CD bewegt sich an den Schnittstellen zwischen Orient und Okzident, zwischen Worldmusic, Jazz und tradierter europ&auml;ischer Kunstmusik. Ohne die verschiedenen Idiome respektive Klangkulturen gegeneinander auszuspielen, versammelt Brahem die Musik des ganzen Mittelmeerraumes: Ein so bet&ouml;rendes wie kontemplatives Amalgam!&rdquo; Pianist Steve Kuhn setzte sich auf dem herzerweiternden Album &ldquo;Mostly Coltrane&rdquo; gemeinsam mit einem grandiosen Joe Lovano, Bassist David Finck und Drummer Joey Baron noch einmal mit der Arbeit seines fr&uuml;heren Chefs John Coltrane auseinander. Dass sie bei einem solchen Unternehmen Gefahr laufen k&ouml;nnten, ins Epigonale zu verfallen, war den Musikern bewu&szlig;t. &ldquo;Gerade deshalb meiden die vier wohlweislich jeden Klischee-Fallstrick&rdquo;, erkannte Reinhard K&ouml;chl in Jazz thing richtig. &ldquo;Sparsam, subtil, eher introvertiert, aber ohne Substanzverlust n&auml;hern sie sich den St&uuml;cken, die bis auf drei aus den verschiedenen Schaffensperioden des Meisters stammen. Was Wunder, wenn der Produzent Manfred Eicher hei&szlig;t. Die Intensit&auml;t glimmt von innen, w&auml;chst durch das dichte Interplay und flie&szlig;t wie ein m&auml;chtiger Fluss. Coltrane, einf&uuml;hlsam restauriert.&rdquo; Besuchen Sie f&uuml;r n&auml;here Informationen auch die <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;40 Jahre ECM&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;40 Jahre ECM&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;40 Jahre ECM&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:0,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.ecm40.de/news/details/article/77486/0/ecm-40-jahre-jubilaeum/&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">ECM-Jubil&auml;umsseite</a>.

ECM 40: Teil 10

Hinter dem r&auml;tselhaften Titel "As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls" versteckte sich ein biographisches Wortspiel. Bereis 1975 hatte Pat Metheny den Pianisten und Keyboarder Lyle Mays beim Wichita Falls Festival kennengelernt. Aus dieser Begegnung erwuchs zwei Jahre sp&auml;ter ein eigenes Quartett, das sich als musikalisch wegweisend f&uuml;r den Jazz-Sound der fr&uuml;hen Achtziger herausstellte. Und die beiden Musiker hatten sich derart viel zu sagen, dass sie im September 1980 als Duo ins Studio gingen, um die noch jungen Sph&auml;ren der synthetischen Kl&auml;nge mit ihrer Vorstellung von kammerjazziger Eleganz zu verkn&uuml;pfen. Als Gast stie&szlig; der brasilianische Perkussionist Nana Vasconcelos zu den beiden und gemeinsam entstand ein Album, das nicht nur wunderbare neue Standards wie "It's For You" enthielt, sondern mit dem Titelst&uuml;ck auch in Form einer collagierten Suite das Spektrum des Metheny/Mays'schen Sound-Kosmos extensiv entfaltete. So entstand Musik, die auch aus der Distanz der Gegenwart in ihrer eigenst&auml;ndigen &Auml;sthetik noch immer G&uuml;ltigkeit hat.

Pat Metheny &amp; Lyle Mays: As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls Hinter dem r&auml;tselhaften Titel "As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls" versteckte sich ein biographisches Wortspiel. Bereis 1975 hatte Pat Metheny den Pianisten und Keyboarder Lyle Mays beim Wichita Falls Festival kennengelernt. Aus dieser Begegnung erwuchs zwei Jahre sp&auml;ter ein eigenes Quartett, das sich als musikalisch wegweisend f&uuml;r den Jazz-Sound der fr&uuml;hen Achtziger herausstellte. Und die beiden Musiker hatten sich derart viel zu sagen, dass sie im September 1980 als Duo ins Studio gingen, um die noch jungen Sph&auml;ren der synthetischen Kl&auml;nge mit ihrer Vorstellung von kammerjazziger Eleganz zu verkn&uuml;pfen. Als Gast stie&szlig; der brasilianische Perkussionist Nana Vasconcelos zu den beiden und gemeinsam entstand ein Album, das nicht nur wunderbare neue Standards wie "It's For You" enthielt, sondern mit dem Titelst&uuml;ck auch in Form einer collagierten Suite das Spektrum des Metheny/Mays'schen Sound-Kosmos extensiv entfaltete. So entstand Musik, die auch aus der Distanz der Gegenwart in ihrer eigenst&auml;ndigen &Auml;sthetik noch immer G&uuml;ltigkeit hat. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Pat Metheny &amp; Lyle Mays: As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;Pat Metheny &amp; Lyle Mays: As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.jazzecho.de/produkte/cds/detail/product/71250/&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">Albumdetails</a> Jan Garbarek: Legend Of The Seven Dreams Legenden muss man erz&auml;hlen k&ouml;nnen. Der norwegische Saxofonist Jan Garbarek hatte sich diese Kunst &uuml;ber mehr als zwei Jahrzehnte hinweg erarbeitet, zun&auml;chst vergleichsweise frei, dann Schritt um Schritt im Austausch mit verschiedenen Formebenen und klangethnischen Systemen, die er in sein Bedeutungssystem integrierte. Die "Legend Of The Seven Dreams " erwies sich in diesem Prozess als ein Wendepunkt. Denn es war das erste Album, das ihn mit dem Keyboarder Rainer Br&uuml;hninghaus zusammen pr&auml;sentierte, der seitdem zu Jan Garbarek engen musikalischen Partnern z&auml;hlt. Es entwickelt au&szlig;erdem, in verschiedenen Besetzungen um den Bassisten Eberhard Weber und den Perkussionisten Nana Vasconcelos erg&auml;nzt, den atmosph&auml;risch dichten Motivkosmos, aus dem heraus sich dann der typische Sound der Gegenwart des Saxofonisten herleitete. Denn Jan Garbarek erz&auml;hlte in neun Stationen mit Saxofonen und Fl&ouml;ten Geschichten aus verschiedenen Ecken der Welt, imaginierte Klangstreifz&uuml;ge durch Hochl&auml;nder und weite R&auml;ume, faszinierend dicht in ihrer auf das Wesentliche reduzierten Tonsprache. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Jan Garbarek: Legend Of The Seven Dreams&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;Jan Garbarek: Legend Of The Seven Dreams&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.jazzecho.de/jangarbarek/diskografie/detail/product/71327/0/legend-of-the-seven-dreams/&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">Albumdetails</a> Jan Garbarek / Anouar Brahem / Ustad Shaukat Hussain: Madar Saxofon, Oud, Tabla &ndash; eine karge Besetzung. Madar war ein Experiment, aber eines das dank der Souver&auml;nit&auml;t der Musiker von Erfolg gekr&ouml;nt war. Denn zum einen waren Jan Garbarek, Anouar Brahem und Shaukat Hussain herausragende Musiker, die die Kunst der subtilen Steigerung und gezielten Dramaturgie perfekt beherrschten. Dar&uuml;ber hinaus brachten sie zu dem Aufnahmetermin im August 1992 ihre Erfahrungen aus drei verschiedenen Kulturkreisen mit, die sich &uuml;ber die pers&ouml;nliche Energie der Charaktere zu einem homogenen Klangkosmos verbanden. "Madar" ist eine Synthese von indischer, nordafrikanischer und nordeurop&auml;ischer Gestaltungskompetenz, oft in langen B&ouml;gen entwickelt, mit subtilen Querverweisen in viele verschiedene musikalische Traditionen von der Improvisation der kammerjazzigen Schule bis in die arabisch-klassisch gepr&auml;gten &Uuml;berlieferungen, basierend auf einem kulturellen Respekt untereinander, der die Aufnahmen als Ganzes wirken l&auml;sst. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Jan Garbarek / Anouar Brahem / Ustad Shaukat Hussain: Madar&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;Jan Garbarek / Anouar Brahem / Ustad Shaukat Hussain: Madar&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.jazzecho.de/produkte/cds/detail/product/70075/&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">Albumdetails</a> Keith Jarrett: Vienna Concert Ein Solo-Konzert ist ein Wagnis, wenn man sich der reinen Inspiration &uuml;berl&auml;sst. Denn sie ist kaum berechenbar, bedingt von Faktoren wie Raum, Stimmung, Publikum, Instrument. Keith Jarrett hatte nach der ersten Phase der Solo-Konzerte in den Siebzigern sich im folgenden Jahrzehnt vor allem anderen Projekten wie seinem Trio oder stil&uuml;bergreifenden Kompositionen zugewandt. Anfang der Neunziger aber war er wieder vermehrt auch als Spontankomponist allein am Fl&uuml;gel zu erleben. Und einer der besonderen Abende war der 13.Juli 1991 in der Wiener Staatsoper. Denn die Muse war ihm hold und so entstanden zwei intensive, dem Flow der k&uuml;nstlerischen Intuition folgende Konzerth&auml;lften, von denen Keith Jarrett sp&auml;ter selbst meinte: "Ich habe das Feuer lange Zeit gehortet und viele Funken sind in der Vergangenheit verflogen. Die Musik dieser Aufnahme aber spricht, endlich, die Sprache der Flamme selbst". Minutenlanger Applaus best&auml;tigt seine Einsch&auml;tzung. Es war einer dieser magischen Abende. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Keith Jarrett: Vienna Concert&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;Keith Jarrett: Vienna Concert&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.jazzecho.de/produkte/cds/detail/product/71117/&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">Albumdetails</a>

ECM 40: Highlights Teil 8

Manu Katch&eacute;: Playground: Spielwiese ist f&uuml;r Manu Katch&eacute; das gesamte Feld der Musik. Tats&auml;chlich hat ihn seine profunde Musikalit&auml;t genaus an die Seite von Pop-Gr&ouml;&szlig;en wie Peter Gabriel und Sting gebracht wie in die Bands von Joni Mitchell oder Al Di Meola. Nach langer Pause ver&ouml;ffentliche der franz&ouml;sische Drummer mit westafrikansichen Wurzeln 2005 sein zweites Solo-Album &ldquo;Neighbourhood&rdquo; unter anderem mit Tomasz Stanko und Jan Garbarek als Partner. &ldquo;Playground&rdquo; nun kn&uuml;pfte zwei Jahre sp&auml;ter daran an, mit verj&uuml;nger Band und mindestens ebenso viel Energie. Der Trompeter Mathias Eik und der Saxofonisten Trygve Seim erwiesen sich als ungemein wandlungsf&auml;hige Solisten, Marcin Wasilewski&nbsp; und Slawomir Kurkiewicz komplettierten an Klavier und Bass die Band zur kraftvollen Combo, die sich beim lyrischen Erz&auml;hlen ebenso bew&auml;hrte wie bei profundem Groove. Ein aufregendes Album mit viel Raum f&uuml;r kreativ agierende musikalische Pers&ouml;nlichkeiten.

<a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Manu Katch&eacute; Artist Page&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;Manu Katch&eacute; Artist Page&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.jazzecho.de/manukatche&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;opacity&quot;:&quot;&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0,&quot;cms_state&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_cms_state_inherit&quot;:0,&quot;cms_language&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;list_view&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_cms_language_inherit&quot;:1,&quot;flag_id_inherit&quot;:1,&quot;cms_history&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_cms_history_inherit&quot;:1,&quot;cms_owner&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;list_view&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_cms_owner_inherit&quot;:1,&quot;cms_creator&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;list_view&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_cms_creator_inherit&quot;:1,&quot;cms_created&quot;:null,&quot;flag_cms_created_inherit&quot;:0,&quot;cms_modifier&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;list_view&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_cms_modifier_inherit&quot;:1,&quot;cms_modified&quot;:null,&quot;flag_cms_modified_inherit&quot;:0,&quot;cms_locker&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;list_view&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_cms_locker_inherit&quot;:1,&quot;cms_locktime&quot;:null,&quot;flag_cms_locktime_inherit&quot;:0}">Manu Katch&eacute;: Playground</a> Spielwiese ist f&uuml;r Manu Katch&eacute; das gesamte Feld der Musik. Tats&auml;chlich hat ihn seine profunde Musikalit&auml;t genaus an die Seite von Pop-Gr&ouml;&szlig;en wie Peter Gabriel und Sting gebracht wie in die Bands von Joni Mitchell oder Al Di Meola. Nach langer Pause ver&ouml;ffentliche der franz&ouml;sische Drummer mit westafrikansichen Wurzeln 2005 sein zweites Solo-Album &ldquo;Neighbourhood&rdquo; unter anderem mit Tomasz Stanko und Jan Garbarek als Partner. &ldquo;Playground&rdquo; nun kn&uuml;pfte zwei Jahre sp&auml;ter daran an, mit verj&uuml;nger Band und mindestens ebenso viel Energie. Der Trompeter Mathias Eik und der Saxofonisten Trygve Seim erwiesen sich als ungemein wandlungsf&auml;hige Solisten, Marcin Wasilewski&nbsp; und Slawomir Kurkiewicz komplettierten an Klavier und Bass die Band zur kraftvollen Combo, die sich beim lyrischen Erz&auml;hlen ebenso bew&auml;hrte wie bei profundem Groove. Ein aufregendes Album mit viel Raum f&uuml;r kreativ agierende musikalische Pers&ouml;nlichkeiten. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21475&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Anouar Brahem K&uuml;nstlerseite bei Jazzecho (http://www.jazzecho.de/anouarbrahem)&quot;}">Anouar Brahem: Le Voyage de Sahar</a> Mit &ldquo;Le Pas du Chat Noir&rdquo; hatte sich Anouar Brahem in neue musikalische Regionen vorgewagt. Gemeinsam mit dem Pianisten Fran&ccedil;ois Couturier und dem Akkordeonisten Jean-Louis Matinier hatte er sich 2002 zum einen von europ&auml;isch-kammermusikalischer Seite gezeigt, auf der anderen Seite seine Qualit&auml;ten als minuti&ouml;s arbeitender Komponist unter Beweis gestellt. Damit waren aber die M&ouml;glichkeiten dieses ungew&ouml;hnlichen Trios noch lange nicht ersch&ouml;pft. Also gingen die drei im Februar 2005 erneut ins Studio und nahmen ein weiteres gemeinsames Programm auf, mit neuen St&uuml;cken aus Brahems Feder, aber auch alternativen Versionen einiger seiner bekanntesten Komposition wie &ldquo;Vague&rdquo;, &ldquo;Ela nave va&rdquo; und &ldquo;Halfaouine&rdquo;. Resultat ist eine gute Stunde pure Inspiration, eingefangen von drei starken k&uuml;nstlerischen Pers&ouml;nlichkeiten zwischen Orient und Okzident. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21027&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Jan Garbarek - Jazzecho (http://www.jazzecho.de/jangarbarek)&quot;}">Jan Garbarek: Twelve Moons</a> L&auml;ngst hatte Jan Garbarek seinen Stil und Sound gefunden, l&auml;ngst hatte er sich an die Spitze der internationalen Saxofonelite gespielt. So konnte der agile Norweger offen sein f&uuml;r die Einfl&uuml;sse verschiedener Klangkulturen, die die Musik seines Quartetts wirkungsvoll erweiterten. Mal verband er sie mit indischen oder tunesischen Klangelementen, mal lie&szlig; er sich auch durch die Eindr&uuml;cke aus unmittelbarer kultureller N&auml;he inspirieren. &ldquo;Twelve Moons&rdquo; brachte Jan Garbarek und sein Quartett im September 1992 nicht nur mit den subtilen Perkussionskl&auml;ngen von Marilyn Mazur zusammen, sondern integrierte dar&uuml;ber hinaus den eigenwilligen Gasang von Agnes Buen Garnas und Marie Boine in das musikalische System. So wurde &ldquo;Twelve Moons&rdquo; eine akustische Reise zu den Urspr&uuml;ngen der Emotionen, sorgsam die Balance zwischen den Kulturen wahrend und zugleich neue Pforten in die kammerfolkigen Jazzgefilde der sp&auml;ten Neunziger &ouml;ffnend. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21502&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Keith Jarrett K&uuml;nstlerseite auf JazzEcho mit News, Infos, Diskografie (http://www.keithjarrett.de/)&quot;}">Keith Jarrett: Luminessence</a> Es war ein Experiment f&uuml;r alle Beteiligten. Zwar hatte Keith Jarrett durch die Alben &ldquo;Facing You&rdquo; und &ldquo;Bremen/Lausanne&rdquo; bereits als kammermusikalisch virtuoser Spontankomponist auf sich aufmerksam gemacht und war au&szlig;erdem mit seinem skandinavischen Quartett erfolgreich. Trotzdem war ein Album f&uuml;r Streichorchester und improvisierendes Saxofon eine Herausforderung f&uuml;r die Klanggewohnheiten der fr&uuml;hen siebziger Jahre. Aufgenommen wurde &ldquo;Luminessence&rdquo; im April 1974 mit dem Steichersatz des Radiosymphonieorchesters Stuttgart und Jan Garbarek als Solist. Und wieder erwies sich Jarrett als ein Vision&auml;r des Klangs. Denn die drei St&uuml;cke dieses Albums waren feinsinnig austarierte Grenzg&auml;nge zwischen romantisch-experimenteller Kammermusik und Improvisation, die genau genommen vorweg nahmen, was viele Crossover-Projekte dann im kommenden Jahrzehnt versuchten. Und doch wurde das Album bald &uuml;berstrahlt vom Erfolg einer Aufnahme, die die Jazzwelt ver&auml;ndern sollte. Denn im Januar 1975 spielte Keith Jarrett sein &ldquo;K&ouml;ln Concert&rdquo; und schuf damit einen Monolithen der Musikkultur. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21138&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;www.ecm40.de (http://www.ecm40.de)&quot;}">Besuchen Sie die ECM40 Jubil&auml;umsseite</a>

ECM 40: Highlights Teil 7

Miroslav Vitous: Universal Syncopations: F&uuml;r Miroslav Vitous war es ein umfassendes Projekt. Anfang 2000 hatte der in Prag geborenen und f&uuml;r die Free- und Fusion-&Auml;ra ma&szlig;gebliche Bassist damit begonnen, Klangfarben einer Allstar-Band auszuforschen, die ihn mit Jan Garbarek, Chick Corea, John McLaughlin und Jack DeJohnette zusammenbrachte. Es wurde eine rundum kraftvolle Band der Allesk&ouml;nner, der er f&uuml;r einige Passagen weitere Bl&auml;ser entgegensetzte, die aber vor allem druch enorme musikalische Pr&auml;senz &uuml;berzeugte. &ldquo;Universal Syncopations&rdquo; entwickelte sich zu einem Kompendium modern jazziger Ausdrucksm&ouml;glichkeiten, situiert zwischen den Stilen, mal frei flei&szlig;end, dann streng gef&uuml;hrt, mal zart schweifend, dann wieder stringent und klar arrangiert. Und es wurde eines dieser Alben, das auch nach vielen Malen im CD-Player noch immer &uuml;berraschende, unerwartete Momente bereit h&auml;lt.

Miroslav Vitous: Universal Syncopations F&uuml;r Miroslav Vitous war es ein umfassendes Projekt. Anfang 2000 hatte der in Prag geborenen und f&uuml;r die Free- und Fusion-&Auml;ra ma&szlig;gebliche Bassist damit begonnen, Klangfarben einer Allstar-Band auszuforschen, die ihn mit Jan Garbarek, Chick Corea, John McLaughlin und Jack DeJohnette zusammenbrachte. Es wurde eine rundum kraftvolle Band der Allesk&ouml;nner, der er f&uuml;r einige Passagen weitere Bl&auml;ser entgegensetzte, die aber vor allem druch enorme musikalische Pr&auml;senz &uuml;berzeugte. &ldquo;Universal Syncopations&rdquo; entwickelte sich zu einem Kompendium modern jazziger Ausdrucksm&ouml;glichkeiten, situiert zwischen den Stilen, mal frei flei&szlig;end, dann streng gef&uuml;hrt, mal zart schweifend, dann wieder stringent und klar arrangiert. Und es wurde eines dieser Alben, das auch nach vielen Malen im CD-Player noch immer &uuml;berraschende, unerwartete Momente bereit h&auml;lt. Tomasz Stanko Quartet: Lontano Eine ideale Situation. F&uuml;r die Aufnahmen von &ldquo;Lontano&rdquo;, dem dritten Album, das der polnischen Startrompeter Tomasz Stanko mit seinem jungen Trio um den Pianisten Marcin Wasilewski verwirklichte, reisten die Musiker direkt im Anschluss an eine ausgedehnte Tournee durch Fernost im November 2005 ins s&uuml;dfranz&ouml;sische Studio, um an die Energie anzukn&uuml;pfen, die sich durch die gemeinsamen Konzerte angesammelt hatte. Heraus kam eine konzentrierte Mischung aus kollektiver Gruppenenergie und individueller Freiheit, die sich in &uuml;berwiegend eigenen Kompositionen manifestierte. Neun St&uuml;cke enstanden, mal suitenhaft ausladend, dann wieder balladesk und kompakt, in jedem Ton aber beseelt von einer Kraft und &auml;sthetischen Klarheit, die &ldquo;Lontano&rdquo; als konsequente Fortsetzung eines Weges der gemeinsamen Intution pr&auml;sentierte, die irgendwann in den Neunzigern in polnischen Clubs begonnen hatte. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21475&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Anouar Brahem K&uuml;nstlerseite bei Jazzecho (http://www.jazzecho.de/anouarbrahem)&quot;}">Anouar Brahem: Le pas du chat noir</a> Mit &ldquo;Barzakh&rdquo; hatte es in den fr&uuml;hen Neunzigern begonnen und f&uuml;hrte &uuml;ber viele Wege zu einem Meisterst&uuml;ck wie &ldquo;Le pas du chat noir&rdquo;. Der Oud-Meister Anouar Brahem hatte &uuml;ber die Jahre eine eigene Form der Kammermusik entwickelt, die zu gleichen St&uuml;cken in der orientalischen Tradition wie in der jazzget&ouml;nten Improvisation, in der Kammermusik wie in den individuellen kulturellen Anschauungen der Beteiligten gr&uuml;ndete. Das im Juli 2001 aufgenommene Album brachte ihn mit dem Akkordeonisten Jean-Louis Matinier und dem pianistischen Klangpoeten Fran&ccedil;ois Couturier zusammen. Alle zusammen atmeten diese besondere Luft der Introspektion, die intensive und zugleich verhaltene, ruhige und zugleich berauschende Musik entstehen lie&szlig;. Von allen Aufnahmen, die Anouar Brahem bis dahin gemacht hatte, war &ldquo;Le pas du chat noir&rdquo; die in ihrer Klangwirkung europ&auml;ischste, die zugleich die Wurzeln einer k&uuml;nstlerischen Sprache offenbarte, die weit in die Vergangenheit der arabischen musikalischen Erfahrungen hinein reichte. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21502&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Keith Jarrett K&uuml;nstlerseite auf JazzEcho mit News, Infos, Diskografie (http://www.keithjarrett.de/)&quot;}">Keith Jarrett: My Song</a> Es war eine Phase der &Uuml;bergangs. Bis Mitte der Siebziger hatte Keith Jarrett seine Kunst des Solo-Spiels mit spektakul&auml;ren Konzerten voran getrieben. Dann begann er, sich mehr auf die kompositorische Arbeit zu konzentrieren und mit Bands zu arbeiten, die ihm ungewohnte Klangfarben im System bescherten. Neben seinem amerikanischen Quartett war es vor allem die europ&auml;ische Band mit dem Saxofonisten Jan Garbarek, dem Bassisten Palle Danielsson und dem Schlagzeuger Jon Christensen, die ihn faszinierte. Denn hier liefen amerikanischen und europ&auml;ische Einfl&uuml;sse zusammen. Zeitgen&ouml;ssisches kombinierte sich mit freiem Spiel, kammermusikalischer Impetus mit expressionistischer Wucht, dazu ein v&ouml;llig eigenes Soundgef&uuml;hl, das seine skandinavischen Kollegen formulierten. &ldquo;My Song&rdquo; brachte diese Sprache im November 1977 auf den Punkt, mit sechs St&uuml;cken, die Keith Jarrett ebenso wie die &uuml;brigen Beteiligten die T&uuml;r zu neuen Klang- und Darstellungsr&auml;umen &ouml;ffneten. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21138&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;www.ecm40.de (http://www.ecm40.de)&quot;}">Besuchen Sie die ECM40 Jubil&auml;umsseite</a>

Ein Kreis schließt sich

Auf &ldquo;The Astounding Eyes Of Rita&rdquo; stellt sich Anouar Brahem mit einem neuen Ensemble vor, das mit dunkler klingenden Instrumenten (Oud, Ba&szlig;klarinette, Ba&szlig;gitarre und Handtrommeln) ebenso ausdrucksstarke wie kunstvoll geschlungene Melodien spielt. Hatte der Tunesier auf seinen beiden letzten Alben - &ldquo;Le Voyage De Sahar&rdquo;(2005) und &ldquo;Le Pas Du Chat Noir&rdquo; (2001) - im Trio mit Pianist Fran&ccedil;ois Couturier und Akkordeonspieler Jean Louis Matinier noch kammermusikalische T&ouml;ne angeschlagen, so hat man nun das Gef&uuml;hl, da&szlig; sich mit &ldquo;The Astounding Eyes Of Rita&rdquo; ein Kreis schlie&szlig;t. Auch das neue Album ist zwar durchaus modern, kn&uuml;pft aber st&auml;rker an die musikalischen Traditionen an, die Brahems erste ECM-Alben &ldquo;Barzakh&rdquo; (1990) und &ldquo;Conte De L&rsquo;incroyable Amour&rdquo; (1991) pr&auml;gten. In Brahems Kompositionen fanden westliche und nah&ouml;stliche Musikelemente schon vor geraumer Zeit zu erstaunlicher Balance. &ldquo;Ich brauche beide Elemente&rdquo;, begr&uuml;ndet der K&uuml;nstler dies. Wobei sich die Verh&auml;ltnisse nat&uuml;rlich von einem Projekt zum n&auml;chsten verschieben k&ouml;nnen.

Auf &ldquo;The Astounding Eyes Of Rita&rdquo; stellt sich Anouar Brahem mit einem neuen Ensemble vor, das mit dunkler klingenden Instrumenten (Oud, Ba&szlig;klarinette, Ba&szlig;gitarre und Handtrommeln) ebenso ausdrucksstarke wie kunstvoll geschlungene Melodien spielt. Hatte der Tunesier auf seinen beiden letzten Alben - &ldquo;Le Voyage De Sahar&rdquo;(2005) und &ldquo;Le Pas Du Chat Noir&rdquo; (2001) - im Trio mit Pianist Fran&ccedil;ois Couturier und Akkordeonspieler Jean Louis Matinier noch kammermusikalische T&ouml;ne angeschlagen, so hat man nun das Gef&uuml;hl, da&szlig; sich mit &ldquo;The Astounding Eyes Of Rita&rdquo; ein Kreis schlie&szlig;t. Auch das neue Album ist zwar durchaus modern, kn&uuml;pft aber st&auml;rker an die musikalischen Traditionen an, die Brahems erste ECM-Alben &ldquo;Barzakh&rdquo; (1990) und &ldquo;Conte De L&rsquo;incroyable Amour&rdquo; (1991) pr&auml;gten. In Brahems Kompositionen fanden westliche und nah&ouml;stliche Musikelemente schon vor geraumer Zeit zu erstaunlicher Balance. &ldquo;Ich brauche beide Elemente&rdquo;, begr&uuml;ndet der K&uuml;nstler dies. Wobei sich die Verh&auml;ltnisse nat&uuml;rlich von einem Projekt zum n&auml;chsten verschieben k&ouml;nnen.
&ldquo;Wenn ich Musik schreibe&rdquo;, erkl&auml;rt Anouar Brahem, &ldquo;dann richte ich meinen Fokus dabei einfach auf das melodische Universum. Ideen f&uuml;r die Instrumentierung kommen mir sp&auml;ter.&rdquo; Von einiger Bedeutung ist hier zweifelsfrei, da&szlig; Brahem die St&uuml;cke f&uuml;r &ldquo;The Astounding Eyes of Rita&rdquo; auf dem Oud komponierte, einer persischen Kurzhalslaute, die vor allem im Nahen Osten und im Mittelmeerraum gespielt wird. Das musikalische Konzept f&uuml;r sein vorletztes Album &ldquo;Le Pas De Chat Noir&rdquo; hingegen hatte der Tunesier am Klavier entworfen und ausgearbeitet. Die neue Musik wird nat&uuml;rlich auch von Brahems aktuellen Partnern mitgeformt, die aus Deutschland, Schweden und dem Libanon stammen. &ldquo;W&auml;hrend sich das neue Werk entwickelte, dachte ich dar&uuml;ber nach, vielleicht traditionelle Musiker und eine mehr nah&ouml;stliche Instrumentierung zu verwenden&rdquo;, verr&auml;t Brahem. &ldquo;Aber dann formten sich auch St&uuml;cke von ganz anderem Charakter. Ich wu&szlig;te zum Beispiel, da&szlig; ich eine Darbouka [eine kelchf&ouml;rmige Handtrommel arabischen Ursprungs] brauchte, und mir schwebte auch vor, einen Ba&szlig; einzusetzen. Es dauerte eine ganze Weile, bis ich die richtige Kombination der Instrumente und Pers&ouml;nlichkeiten gefunden hatte. In meiner Region kann ich m&uuml;helos fantastische traditionelle Musiker finden, aber bei denen vermisse ich dann spezifische Qualit&auml;ten, die europ&auml;ische Jazzmusiker besitzen... eine gewisse Offenheit f&uuml;r improvisatorische Ans&auml;tze und andere Aspekte, die mit Freiheit zu tun haben.&rdquo; In dem deutschen Ba&szlig;klarinettisten Klaus Gesing (Norma Winstone), dem schwedischen Bassisten Bj&ouml;rn Meyer (von Nik B&auml;rtsch&rsquo;s Ronin) und dem libanesischen Perkussionisten Khaled Yassine fand Brahem aber genau die Musiker, die er f&uuml;r dieses Projekt brauchte und die so wie er &uuml;ber eine nach vielen Seiten offene k&uuml;nstlerische Vision verf&uuml;gen. <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Brahem GWS&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:1,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.jazzecho.de/anouarbrahem/aktuell/gewinnspiel/win/289/0/album-gewinnen/&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">Hier klicken</a> und ein Album von Anouar Brahem gewinnen. Mehr Informationen zu Anouar Brahem finden sie auf seiner <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21475&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Anouar Brahem K&uuml;nstlerseite bei Jazzecho (http://www.jazzecho.de/anouarbrahem)&quot;}">K&uuml;nstlerseite</a>.

40 Jahre ECM - Highlights Teil 4

Krank war er, sehr krank. Ein chronisches Ersch&ouml;pfungssyndrom hatte Keith Jarrett dazu gezwungen, f&uuml;r Monate sich von der Kunst zur&uuml;ckzuziehen. Als dann die Talsohle der Krankheit &uuml;berwunden war, nahm der Pianist bei sich zuhause allein am Fl&uuml;gel ein knappes Durtzend Albumbl&auml;tter auf, &uuml;berwiegend Standards, die seine Dankbarkeit musikalisch dokumentierten, wieder zu seinem Instrument gefunden zu haben. Sie erschienen 1999 unter dem Titel &ldquo;The Melody At Night With You&rdquo; und werden von manchen Fans f&uuml;r die besten, weil pers&ouml;nlichsten Aufnahmen gehalten, die Keith Jarrett jemals gemacht hat.

Keith Jarrett: The Melody At Night With You
Krank war er, sehr krank. Ein chronisches Ersch&ouml;pfungssyndrom hatte Keith Jarrett dazu gezwungen, f&uuml;r Monate sich von der Kunst zur&uuml;ckzuziehen. Als dann die Talsohle der Krankheit &uuml;berwunden war, nahm der Pianist bei sich zuhause allein am Fl&uuml;gel ein knappes Dutzend Albumbl&auml;tter auf, &uuml;berwiegend Standards, die seine Dankbarkeit musikalisch dokumentierten, wieder zu seinem Instrument gefunden zu haben. Sie erschienen 1999 unter dem Titel &ldquo;The Melody At Night With You&rdquo; und werden von manchen Fans f&uuml;r die besten, weil pers&ouml;nlichsten Aufnahmen gehalten, die Keith Jarrett jemals gemacht hat. Anouar Brahem: Astrakan Caf&eacute;
Es ist Kammermusik, auf ihre Art. Im Juni 1999 hatte sich der tunesische Oud-Meister Anouar Brahem mit seinem Landsmann, dem Rahmentrommler und Perkussionisten Lassad Hosni, und dem t&uuml;rkischen Klarinettisten Barbaros Erk&ouml;se zusammengetan, um die pers&ouml;nlichen musikalischen Welten zu fusionieren. Es entstand &ldquo;Astrakan Caf&eacute;&rdquo;, ein Album wie eine Meditation, fern und nah zugleich, Musik, die in eigenartiger Weise im Inneren ber&uuml;hrt. Sie wirkt zeitlos, kultur&uuml;bergreifend, eine panmediterraneane Klangreise zu den Wurzeln von Klangtraditionen, die den Orient wie den Okzident geicherma&szlig;en betrifft. Ketil Bj&ouml;rnstad / Dave Darling: The River
F&uuml;r den norwegischen Pianisten Ketil Bj&ouml;rnstad war es ein Experiment: &ldquo;Ich verbrachte den Winter 1994/5 damit, Musik der sp&auml;ten Renaissance zu spielen und zu erforschen, mit besonderem Blick auf die Klarheit von William Byrds und Orlando Gibbons melodischer Inventionen, indem ich versuchte, einiges davon in eine moderne Klangsprache zu '&uuml;bersetzen'&rdquo;. Heraus kam das Duo-Album &ldquo;The River&rdquo;, eine kammermusikalische Suite in zw&ouml;lf Teilen gemeinsam mit dem Cellisten Dave Darling, die voll introvertierter Sch&ouml;nheit zwischen allen Stilen ihren Weg findet. Arvo P&auml;rt: Passio
F&uuml;r viele ist Bach der Ma&szlig;stab. Seine &ldquo;Passionen&rdquo; haben die Gattung gepr&auml;gt, ihr einen Stempel der Intensit&auml;t aufgedr&uuml;ckt, an der sich fortan Komponisten messen lassen mussten. Auch Arvo P&auml;rt hat gro&szlig;en Respekt vor dem Ahnherrn der modernen Klassik und doch wandte er sich 1982 seiner &ldquo;Passio Domini nostri Jesu Christi secundum &rdquo; zu. In zehn Sequenzen durchmisst er den Leidensweg Christi aus seiner musikalischen Perspektive und bezieht sich dabei auf Chor- und Stimmtraditionen, die noch vor Bach bis ins sp&auml;te Mittelalter zur&uuml;ckreichen. Mit der Starbesetzung des Hilliard Ensembles und eines spratanisch besetzten Kammerorchesters unter der Leitung von Paul Hillier nahm er das faszinierende Werk im M&auml;rz 1988 auf und bewies damit ein Feingef&uuml;hl f&uuml;r die Nuancen spiritueller Intensit&auml;t, das ihn als Koryph&auml;e zeitgen&ouml;ssischer Klanggestaltung auswies. Mehr Informationen finden sie auf <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21138&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;www.ecm40.de - 40 Jahre Jubil&auml;um des Traditionslabels ECM (http://www.ecm40.de)&quot;}">www.ecm40.de</a>

Anouar Brahem Trio - Le Voyage De Sahar

Der 1957 in Halfaouine/Tunesien geborene Anouar Brahem gilt als der wohl innovativste Oud-Spieler seines Landes. Als früherer Schüler des Oud-Meisters Ali Sriti ist er bestens mit den Geheimnissen und Feinheiten der klassischen arabischen Musik vertraut. Er hat das ihm vermittelte Wissen verinnerlicht und ist in die Welt hinausgezogen, um dort - als gebildeter moderner Musiker mit profunden historischen Kenntnissen - den Austausch mit gleichgesinnten Partnern aus anderen Kulturkreisen zu suchen.

Der 1957 in Halfaouine/Tunesien geborene Anouar Brahem gilt als der wohl innovativste Oud-Spieler seines Landes. Als früherer Schüler des Oud-Meisters Ali Sriti ist er bestens mit den Geheimnissen und Feinheiten der klassischen arabischen Musik vertraut. Er hat das ihm vermittelte Wissen verinnerlicht und ist in die Welt hinausgezogen, um dort - als gebildeter moderner Musiker mit profunden historischen Kenntnissen - den Austausch mit gleichgesinnten Partnern aus anderen Kulturkreisen zu suchen.In den frühen 80er Jahren lebte Brahem eine zeitlang in Paris. Dort erlag er der Faszination des Jazz - nicht zuletzt dank zahlreicher ECM-Alben, die er damals hörte. Und so trat Brahem mit dem ECM-Produzenten Manfred Eicher in Kontakt. Sein erstes eigenes ECM-Album, "Barzakh", konnte Anouar Brahem 1990 veröffentlichen. Im folgten "Conte De L'Incroyable Amour" (1991), "Madar" (1992 mit Jan Garbarek), "Khomsa" (1994), "Thimar" (1997 mit John Surman und Dave Holland), "Astrakan Café" (1999) und "Le Pas Du Chat Noir" (2001) sowie die allerdings nur in Frankreich erhältliche Anthologie "Vague". Sämtliche Alben wurden von der Kritik überschwenglich gelobt, mehr als alle anderen jedoch "Le Pas Du Chat Noir", das für Brahem sowohl als Komponist als auch als Instrumentalist einen riesigen Schritt nach vorne bedeutete. Eingespielt hatte Brahem das Album im Trio mit dem Pianisten François Couturier und dem Akkordeonspieler Jean-Louis Matinier. 
 
Das Magazin Acoustic Guitar bezeichnete dieses kleine Ensemble als "das eigenartigste Trio, das je zeitgenössische arabische Musik gespielt hat" und lobte das Werk folgendermaßen: "Das Ergebnis ist weit mehr als ein Ausdruck der arabischen Traditionen; in den Melodien schwingen Anklänge an Satie, die Musik Pariser Cafés, den Flamenco und die Musik des Balkans mit. Akkordeon, Oud und Piano wechseln beständig die Rolle, übernehmen mal den Melodie- oder Rhythmus-Part, mal ornamentale Filigranarbeit." Das Londoner Magazin Time Out konstatierte "raren Lyrizismus von außergewöhnlicher Schönheit. Die Reinheit, Schlichtheit und Subtilität ist dergestalt, daß es beinahe unmöglich ist, sich ein schöneres Zusammentreffen von arabischer und europäischer Musik vorzustellen." 
 
Nach der Veröffentlichung von "Le Pas Du Chat Noir" gingen Brahem, Couturier und Matinier auf beiden Seiten des Atlantiks auf eine ausgedehnte Tornee, in deren Verlauf die drei Musiker zu einer "richtigen Band" zusammenwuchsen und Brahem seinen beiden Partnern immer mehr Interpretationsfreiraum überließ. François Couturier und Jean-Louis Matinier sind in der europäischen Jazzszene als hervorragende Improvisatoren bekannt. 
 
Pianist François Couturier wurde in Frankreich 1980 mit dem begehrten Django Reinhardt Prize ausgezeichnet und zog dadurch internationale Aufmerksamkeit auf sich. Schon kurze Zeit später holte der Gitarrist John McLaughlin Couturier als Keyboarder in seine Band und nahm mit ihm die beiden Alben "Belo Horizonte" (1981) und "Music Spoken Here" (1983) auf. Mit Anouar Brahem arbeitete Couturier das erste Mal 1985 bei einem Projekt zusammen, das auch die beiden türkischen Musiker Barbaros Erköse und Kudsi Erguner involvierte. Als Brahem 1994 sein drittes ECM-Album "Khomsa" aufnahm, war der französische Pianist mit von der Partie. 1997 nahm Couturier mit dem Violinisten Dominique Pifarély, mit dem er sehr oft zusammenspielt, das Duo-Album "Poros" für ECM auf. Darüber hinaus arbeitete er unter anderem schon mit Robin Kenyatta, Eddy Louis, Jean-Marc Larché und Didier Levallet. Im Dezember 2005 war François Couturier im Studio, um mit Jean-Louis Matinier, dem Saxophonisten Jean-Marc Larché und der Cellistin Anja Lechner sein noch namenloses neues ECM-Album einzuspielen. 
 
Jean-Louis Matinier gab sein ECM-Debüt 2001 auf Brahems "Le Pas Du Chat Noir", spielte aber auch schon oft mit anderen Musikern wie Gianluigi Trovesi, Enrico Rava und Louis Sclavis zusammen, die mit dem ECM-Label assoziiert werden. Matinier begann seine Karriere als klassischer Musiker und fand erst später zum Jazz und anderen Formen der improvisierten Musik. Geschätzt wird er vor allem wegen seiner exzellenten Technik und stilistischen Vielseitigkeit. 
 
"Le Voyage De Sahar" enthält neben verführerischen und sehr emotionalen neuen Kompositionen Anouar Brahems auch neue Interpretationen dreier bereits bekannter Stücke: "Vague", "E la nave va" und "Halfaouine". 
 
Im März werden Brahem, Couturier und Matinier die Musik des neuen Albums "Le Voyage De Sahar" bei Konzerten in Portugal, Frankreich, Irland, Belgien, der Schweiz und Deutschland live vorstellen. Ein Höhepunkt dieser Tournee wird der gemeinsame Auftritt mit der Band von Rolf Lislevand am 8. April im Münchner Prinzregententheater sein.

Anouar Brahem: Musik von einer anderen Welt

Anouar Brahems neues Album "Le Pas Du Chat Noir" wartet nicht nur mit einer ausgefallenen Instrumentierung auf, auch die Musik und ihre Entstehungsgeschichte sind aussergew&ouml;hnlich.

Anouar Brahems neues Album "Le Pas Du Chat Noir" wartet nicht nur mit einer ausgefallenen Instrumentierung auf, auch die Musik und ihre Entstehungsgeschichte sind aussergew&ouml;hnlich.
Regelrecht ausgebrannt f&uuml;hlte sich Anouar Brahem nach den intensiven Aufnahmesessions, die er 1997 mit John Surman und Dave Holland f&uuml;r das aufregende Album <a href="http://www.jazzecho.de/mmc/MMC_DISPLAY.p_Product_Display?pvi_s=&amp;pni_c=2&amp;pni_l=0&amp;pni_product_id=5398881&amp;pvi_source=anouar_brahem" target="home">"Thimar"</a> gemacht hatte. So sehr, dass er erstmals in seinem Leben sein Instrument - die Oud, eine arabische Laute - beiseite legte und erst drei Jahre sp&auml;ter wieder ein Album mit ihm aufnahm. "Ich habe die Oud eine ganze Zeit lang nicht anger&uuml;hrt", berichtet Brahem. "Aber es war wichtig, mit der Musik in Kontakt zu bleiben. Ich h&ouml;rte nicht auf Musik zu h&ouml;ren oder zu schreiben. In meinem Atelier in Tunis habe ich ein Klavier, auf dem ich begann, neue St&uuml;cke zu komponieren."
Das Komponieren am Klavier er&ouml;ffnete Brahem v&ouml;llig neue musikalische Perspektiven: "Der Klang der Oud hat eine ganz eigene Identit&auml;t und einen spezifisch arabischen Charakter. Das Klavier gibt mir eine andere Klangf&uuml;lle, die ich sehr mag. Ich bin kein sonderlich guter Pianist, aber ich kann das Instrument dazu benutzen, modale Musik zu schreiben. Nach und nach kam so einiges an Material zusammen - Themen und Melodien - und ich stellte bald fest, dass es einen gewissen roten Faden gab, der die einzelnen Ideen miteinander verband - obwohl ich eigentlich ohne Plan an dieser Musik gearbeitet hatte."
Es sollten noch einige Jahre vergehen, bis die Musik ihre heutige Gestalt annahm, in Pianist Fran&ccedil;ois Couturier und Akkordeonist Jean-Louis Matinier die beiden richtigen musikalischen Partner gefunden waren und schliesslich auch die Oud ihren Platz in der Musik zur&uuml;ckerobert hatte. Obwohl Couturier und Matinier &uuml;beraus erfahrene Musiker sind, war es f&uuml;r sie nicht leicht, die sehr klar formulierte, spartanische Musik, diese "stillen Songs" von "Le Pas Du Chat Noir" zu spielen: "Diese Musik erfordert &auml;usserste Pr&auml;zision. Es ist unabdingbar, alle Tempo-Vorgaben und Pianissimos zu respektieren. Ausserdem erfordert die Interpretation Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen und das man so spielt, als w&uuml;rde man improvisieren. Man muss also hochkonzentriert sein. Bei der Elastizit&auml;t der Tempi - mal zieht das Tempo an, mal wird es zur&uuml;ckgenommen - muss man h&ouml;llisch aufpassen, um die innere Spannung aufrecht zu erhalten."
Die musikalische Einordnung der Kompositionen f&auml;llt nicht leicht. Kenner entdeckten Parallelen zu Werken von Satie, Ravel, Debussy, Mompou und sogar zu Arvo P&auml;rts "Spiegel im Spiegel" und "F&uuml;r Alina". "Ich kenne das europ&auml;ische Klavier-Repertoire nicht gut genug, um bewusst solche Anspielungen zu machen", gesteht Brahem. "Aber einige der Arbeiten Saties ber&uuml;hrten mich tats&auml;chlich sehr tief. Es war weder westliche noch &ouml;stliche Musik, irgendwie nicht von dieser Welt. Diese Musik sprach mich wirklich an. Und nachdem ich ein paar Themen geschrieben hatte, dachte ich, dass es da vielleicht eine gewisse Parallelen g&auml;be..."
Eines weiss Brahem aber ganz genau: Dass diese Musik mit Sicherheit nichts in der Abteilung "Weltmusik" verloren hat. "Diese Bezeichnung &auml;rgert mich immer mehr. Sie steht weder f&uuml;r eine Bewegung noch f&uuml;r eine bestimmte &auml;sthetik, sie ist nicht mehr als ein Marketing-Schildchen f&uuml;r Plattenl&auml;den der westlichen Welt und wirft Musiken in einen Topf, die nichts miteinander gemein haben. Es w&auml;re dasselbe, wenn man in einem Plattenladen in &auml;gypten Pierre Boulez, Keith Jarrett und Britney Spears zusammen unter `Weltmusik` einsortieren w&uuml;rde."
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Anouar Brahem - Le Pas Du Chat Noir

Anouar Brahems neues Album &ldquo;Le Pas Du Chat Noir&rdquo; wartet nicht nur mit einer ausgefallenen&nbsp; Instrumentierung auf, auch die Musik und ihre Entstehungsgeschichte sind au&szlig;ergew&ouml;hnlich. Regelrecht ausgebrannt f&uuml;hlte sich Anouar Brahem nach den intensiven Aufnahmesessions, die er 1997 mit John Surman und Dave Holland f&uuml;r das aufregende Album &ldquo;Thimar&rdquo; gemacht hatte. So sehr, da&szlig; er erstmals in seinem Leben sein Instrument - die Oud, eine arabische Laute - beiseite legte und erst drei Jahre sp&auml;ter wieder ein Album mit ihm aufnahm. &ldquo;Ich habe die Oud eine ganze Zeit lang nicht anger&uuml;hrt&rdquo;, berichtet Brahem. &ldquo;Aber es war wichtig, mit der Musik in Kontakt zu bleiben. Ich h&ouml;rte nicht auf Musik zu h&ouml;ren oder zu schreiben. In meinem Atelier in Tunis habe ich ein Klavier, auf dem ich begann, neue St&uuml;cke zu komponieren.

Anouar Brahems neues Album &ldquo;Le Pas Du Chat Noir&rdquo; wartet nicht nur mit einer ausgefallenen&nbsp; Instrumentierung auf, auch die Musik und ihre Entstehungsgeschichte sind au&szlig;ergew&ouml;hnlich.
Regelrecht ausgebrannt f&uuml;hlte sich Anouar Brahem nach den intensiven Aufnahmesessions, die er 1997 mit John Surman und Dave Holland f&uuml;r das aufregende Album &ldquo;Thimar&rdquo; gemacht hatte. So sehr, da&szlig; er erstmals in seinem Leben sein Instrument - die Oud, eine arabische Laute - beiseite legte und erst drei Jahre sp&auml;ter wieder ein Album mit ihm aufnahm. &ldquo;Ich habe die Oud eine ganze Zeit lang nicht anger&uuml;hrt&rdquo;, berichtet Brahem. &ldquo;Aber es war wichtig, mit der Musik in Kontakt zu bleiben. Ich h&ouml;rte nicht auf Musik zu h&ouml;ren oder zu schreiben. In meinem Atelier in Tunis habe ich ein Klavier, auf dem ich begann, neue St&uuml;cke zu komponieren.
&rdquo;Das Komponieren am Klavier er&ouml;ffnete Brahem v&ouml;llig neue musikalische Perspektiven: &ldquo;Der Klang der Oud hat eine ganz eigene Identit&auml;t und einen spezifisch arabischen Charakter. Das Klavier gibt mir eine andere Klangf&uuml;lle, die ich sehr mag. Ich bin kein sonderlich guter Pianist, aber ich kann das Instrument dazu benutzen, modale Musik zu schreiben. Nach und nach kam so einiges an Material zusammen - Themen und Melodien - und ich stellte bald fest, da&szlig; es einen gewissen roten Faden gab, der die einzelnen Ideen miteinander verband - obwohl ich eigentlich ohne Plan an dieser Musik gearbeitet hatte.&rdquo;
Es sollten noch einige Jahre vergehen, bis die Musik ihre heutige Gestalt annahm, in Pianist Fran&ccedil;ois Couturier und Akkordeonist Jean-Louis Matinier die beiden richtigen musikalischen Partner gefunden waren und schlie&szlig;lich auch die Oud ihren Platz in der Musik zur&uuml;ckerobert hatte. Obwohl Couturier und Matinier &uuml;beraus erfahrene Musiker sind, war es f&uuml;r sie nicht leicht, die sehr klar formulierte, spartanische Musik, diese &ldquo;stillen Songs&rdquo; von &ldquo;Le Pas Du Chat Noir&rdquo; zu spielen: &ldquo;Diese Musik erfordert &auml;u&szlig;erste Pr&auml;zision. Es ist unabdingbar, alle Tempo-Vorgaben und Pianissimos zu respektieren. Au&szlig;erdem erfordert die Interpretation Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen und das man so spielt, als w&uuml;rde man improvisieren. Man mu&szlig; also hochkonzentriert sein. Bei der Elastizit&auml;t der Tempi - mal zieht das Tempo an, mal wird es zur&uuml;ckgenommen - mu&szlig; man h&ouml;llisch aufpassen, um die innere Spannung aufrecht zu erhalten.&rdquo;
Die musikalische Einordnung der Kompositionen f&auml;llt nicht leicht. Kenner entdeckten Parallelen zu Werken von Satie, Ravel, Debussy, Mompou und sogar zu Arvo P&auml;rts &ldquo;Spiegel im Spiegel&rdquo; und &ldquo;F&uuml;r Alina&rdquo;. &ldquo;Ich kenne das europ&auml;ische Klavier-Repertoire nicht gut genug, um bewu&szlig;t solche Anspielungen zu machen&rdquo;, gesteht Brahem. &ldquo;Aber einige der Arbeiten Saties ber&uuml;hrten mich tats&auml;chlich sehr tief. Es war weder westliche noch &ouml;stliche Musik, irgendwie nicht von dieser Welt. Diese Musik sprach mich wirklich an. Und nachdem ich ein paar Themen geschrieben hatte, dachte ich, da&szlig; es da vielleicht eine gewisse Parallelen g&auml;be...&rdquo; Eines wei&szlig; Brahem aber ganz genau: Da&szlig; diese Musik mit Sicherheit nichts in der Abteilung &ldquo;Weltmusik&rdquo; verloren hat. &ldquo;Diese Bezeichnung &auml;rgert mich immer mehr. Sie steht weder f&uuml;r eine Bewegung noch f&uuml;r eine bestimmte &Auml;sthetik, sie ist nicht mehr als ein Marketing-Schildchen f&uuml;r Plattenl&auml;den der westlichen Welt und wirft Musiken in einen Topf, die nichts miteinander gemein haben. Es w&auml;re dasselbe, wenn man in einem Plattenladen in &Auml;gypten Pierre Boulez, Keith Jarrett und Britney Spears zusammen unter &rsquo;Weltmusik&rsquo; einsortieren w&uuml;rde.&rdquo;

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After The Last Sky

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<div data-olk-copy-source="MessageBody">Acht Jahre nach Blue Maqams kehrt Anouar Brahem mit einem gewichtigen Projekt zur&uuml;ck, das nach einer Verszeile des Dichters Mahmoud Darwish benannt ist, die lautet: &bdquo;Wohin sollen die V&ouml;gel nach dem letzten Himmel fliegen?&ldquo; &ndash; After the Last Sky. Die bestechenden Kompositionen f&uuml;r Oud, Cello, Klavier und Bass setzen sich auf subtile Weise mit dieser metaphysischen Frage und ihren umfassenden Verstrickungen in einer unruhigen Zeit auseinander. Zwar st&uuml;tzt sich Brahem auf die traditionellen Formen der arabischen Musik, doch setzt er sich gleichzeitig stets mit Einfl&uuml;ssen aus aller Welt auseinander und l&auml;sst sich von Quellen aus unterschiedlichen Kulturen inspirieren lassen. Der Bassist Dave Holland und der Pianist Django Bates sind erneut Teil des internationalen Quartetts des tunesischen Oud-Meisters, das hier nun durch die Cellistin Anja Lechner erg&auml;nzt wird.&nbsp;</div>
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<div>Brahems musikalisches Verst&auml;ndnis mit Holland &ndash; erstmals auf dem Album Thimar von 1998 festgehalten &ndash; ist inzwischen legend&auml;r. &bdquo;Daves Spiel verleiht mir Fl&uuml;gel&ldquo;, sagte Anouar &ndash; eine Beobachtung, die sich auf dem Album wiederholt best&auml;tigt. Django Bates' Klavier, durchweg eine wichtige begleitende Kraft, steuert wirbelnde Soli bei. Das Album markiert das erste Mal, dass Anouar ein Violoncello in eine Formation einbaut. Anja Lechner, die eine stimmf&uuml;hrende Rolle in der Aufnahme einnimmt, ist seit langem mit Brahems Kompositionen vertraut und hat sie u.a. in ihr eigenes Konzertrepertoire aufgenommen. Ihr Cello hat hier das erste und letzte Wort. After the Last Sky wurde im Mai 2024 im Auditorio Stelio Molo RSI in Lugano aufgenommen und von Manfred Eicher produziert. Das Album erscheint p&uuml;nktlich zur Europatournee des Quartetts mit Konzerten in Frankreich, Deutschland, den Niederlanden, der Schweiz und Belgien.</div>
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<div>Anouar Brahem&nbsp;-&nbsp;Oud;&nbsp;Anja Lechner&nbsp;- Violoncello;&nbsp;Django Bates&nbsp;- Piano;&nbsp;Dave Holland&nbsp;- Double Bass</div>
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Anouar Brahem - Pressestimmen | Deutsche Grammophon