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SCHUMANN Complete Works for Piano Trio / Dénes Várjon, Antje Weithaas, Marie-Elisabeth Hecker

Schumann: Complete Works for Piano Trio

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Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 63 Piano Trio No. 2 in F major, Op. 80 Piano Trio No. 3 in G minor, Op. 110 Fantasiest&uuml;cke, Op. 88

Auf diesem Album pr&auml;sentieren die Geigerin&nbsp;Antje Weithaas, die Cellistin Marie-Elisabeth Hecker und der Pianist D&eacute;nes V&aacute;rjon Schumanns vollst&auml;ndige Werke f&uuml;r Klaviertrio. Die drei K&uuml;nstler:innen erkunden dabei eine Musik, in der Intimit&auml;t und Leidenschaft, lyrische Innigkeit und rastlose Energie, Licht und Dunkelheit unmittelbar aufeinanderfolgen k&ouml;nnen.
Das Album vereint die drei Klaviertrios op. 63, 80 und 110 sowie die Fantasiest&uuml;cke op. 88. Letztere entstanden ab 1842 als Schumanns erste Komposition f&uuml;r Klaviertrio und wurden vor ihrer Ver&ouml;ffentlichung im Jahr 1850 &uuml;berarbeitet. Mit ihrer konzentrierten, poetischen Ausdruckskraft bilden die Fantasiest&uuml;cke einen reizvollen Gegenpol zu den drei nummerierten Trios.
Alle drei K&uuml;nstler:innen haben sich international als Solist:innen etabliert und zugleich die Kammermusik stets ins Zentrum ihres k&uuml;nstlerischen Schaffens gestellt. Ihre im Konzert entwickelte und im Studio weiter vertiefte gemeinsame Musiksprache erm&ouml;glicht es ihnen, Schumanns abrupten Stimmungswechseln zu folgen und sowohl verborgene musikalische Ideen als auch den sich stetig wandelnden Dialog der drei Stimmen h&ouml;rbar zu machen.
Das Album wurde an sieben intensiven Aufnahmetage im Februar und M&auml;rz 2025 eingespielt und erscheint im Jahr des 60. Geburtstags von Antje Weithaas. Es enth&auml;lt ein reich bebildertes 24-seitiges Booklet mit einem Essay von Elisabeth Richter, einem Interview mit den K&uuml;nstler:innen sowie Archivbildern und Fotografien aus den Aufnahmesessions.
Das ist digital und auf CD erh&auml;ltlich.&nbsp;Bestellen Sie die CD-Ausgabe im <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/antje-weithaas-robert-schumann-complete-works-for-piano-trio-121821?_pos=2&amp;_psq=antje+wei&amp;_psid=ad1fc6e42&amp;_ss=e">DG Store</a> vor.

Xiaofu Ju - W.A.Mozart: Lacrimosa from Requiem, K. 626 (Transcri. Xiaofu Ju)

STAGE+ Launches Its Offer for Academic Libraries Worldwide

Campus licences and consortial models bring classical music, jazz and audiovisual productions to universities and research institutions
Berlin, 27 October 2026. STAGE+, Deutsche Grammophon's streaming service for classical music and jazz, is launching an offer for libraries worldwide. Universities and research institutions can now obtain access through a campus licence or a consortium model. Students, faculty and researchers gain institutional access to a curated selection of audiovisual content, including livestreams, operas, concerts and documentaries, as well as more than 20,000 audio albums. The offer includes recordings spanning the past 119 years from the world's leading labels: Deutsche Grammophon, Decca Classics, ECM Records, Blue Note Records, Impulse!, Verve Records, Hyperion, Myrios and Carus. STAGE+ is the only service that meaningfully brings together audio and video catalogues as well as offerings from classical music and jazz. It therefore covers content types and genres that are otherwise spread across several existing academic platforms.
The academic offer is designed from the outset for institutional use: a campus licence gives access to all members of an institution, including off-campus access via IP authentication. Consortia and library networks can take out shared licences on attractive terms. STAGE+ thus complements individual consumer subscriptions with a model for research, teaching and shared library use. Depending on the production, audio is available in lossless quality up to 24-bit/48 kHz and Dolby Atmos, with video in 4K.
&ldquo;STAGE+ brings a distinctive proposition to the academic classical music and jazz market: it combines extensive audio catalogues with concert and opera productions, as well as live and on-demand video, on a platform available under institutional licences,&rdquo; says Dr Sven Fund, General Manager of STAGE+. &ldquo;The offer complements both research-oriented audio libraries and specialist video archives.&rdquo;
Libraries receive searchable metadata for works, composers, performers and ensembles through STAGE+. Opera subtitles are available to users in ten languages. Dedicated interfaces and usage statistics are also provided specifically for libraries.
The offer is available worldwide. Libraries and consortia can request trial access and pricing information at www.stage-plus.com/libraries&nbsp;
About STAGE+ STAGE+ is Deutsche Grammophon&rsquo;s streaming service for classical music and jazz. Each year, the platform presents more than 50 livestreams from renowned festivals, concert halls and opera houses around the world. Its programme brings together exclusive premieres, on-demand concert and opera productions, music videos, documentaries and interviews, alongside new audio releases and thousands of albums in high-quality audio and video. STAGE+ is available via TV, web and mobile apps. Depending on the production, video is available in up to 4K and audio in lossless, Hi-Res and Dolby Atmos formats; selected content can also be used offline on supported mobile devices. Partners include Carnegie Hall, the Royal Opera House, Staatsoper Berlin and Teatro alla Scala.
www.stage-plus.com &nbsp;

Deutsche Grammophon China and Xinghai Concert Hall Present the Inaugural DG Music Festival in Guangzhou

Curated by Daniel Hope, the four-day festival celebrates classical music, cross-cultural collaboration and China&rsquo;s emerging musical voices, November 15&ndash;18, 2026
GUANGZHOU, CHINA &mdash; Deutsche Grammophon China and Xinghai Concert Hall will jointly present the inaugural DG Music Festival in Guangzhou from November 15 to 18, 2026. The first officially presented in-person music festival in the label&rsquo;s nearly 130-year history will bring together leading Chinese and international artists for four days of concerts, exhibitions and encounters with audiences.
With the globally renowned violinist and DG artist Daniel Hope serving as the festival&rsquo;s Curator and Guest Artistic Director, the programme features three headline concerts alongside a wide-ranging series of exhibitions and public events. Participating artists include cellist Jian Wang, pianists Xiaofu Ju and Yingjia Xue, guzheng artist Yang Yang, vocalist Linna Gong and the AIR Ensemble. Immediately preceding the core festival performances, longstanding DG artist Yuja Wang will be appearing at Xinghai Concert Hall with Mahler Chamber Orchestra and kicking off the celebration.
Spanning solo recitals, chamber music, vocal performances and cross-cultural collaborations, the festival places classical masterworks alongside traditional melodies, new arrangements and original compositions. It invites audiences across the Greater Bay Area to experience music as a living dialogue between cultures and generations.
A Historic Partnership, a Long-Term Vision
Founded in 1898, Deutsche Grammophon has long been one of the world&rsquo;s most prestigious classical music labels. With nearly three decades of history, Xinghai Concert Hall is an internationally renowned, world-class concert hall and one of China&rsquo;s most influential performing arts venues.
Launched in 2025, DG China is dedicated to discovering and supporting Chinese musical talent in keeping with DG&rsquo;s artistic standards, and bringing China&rsquo;s voices to the world. The festival marks an important step in that commitment. More than a touring event, it is envisioned as a lasting cultural initiative developed together with Xinghai Concert Hall.
Guangzhou&rsquo;s longstanding openness to international exchange provides a fitting setting for this collaboration. Bringing DG&rsquo;s recording heritage into dialogue with Xinghai Concert Hall&rsquo;s dynamic artistic programme, the festival will create a shared space for established masters, emerging artists and audiences to listen, discover and connect.
Dr. Clemens Trautmann, President Deutsche Grammophon and New Business Strategy Global Classics at Universal Music: &ldquo;For nearly 130 years, Deutsche Grammophon has championed exceptional artists and brought their music to audiences around the world. The inaugural DG Music Festival in Guangzhou opens a new chapter in that mission, creating a space where our artistic heritage meets the energy and imagination of Chinese musicians. With Daniel Hope as Curator and Xinghai Concert Hall as our esteemed partner, we look forward to celebrating the power of live music to connect cultures, generations and communities.&rdquo;
&ldquo;We hope that what we create over these four days at Xinghai Concert Hall will be more than a few concerts: a truly open musical space that welcomes all music and conveys hope and energy,&rdquo; says Daniel Hope, Curator and Guest Artistic Director of DG Music Festival. &ldquo;Music&rsquo;s most precious power is not to show us how different we are, but to remind us to share, understand and discover together.&rdquo;
Three Concerts, Three Musical Journeys
Salut d&rsquo;Amour
November 16, 2026 | 8:00 p.m. Jian Wang and Yingjia Xue
The festival&rsquo;s opening headline concert pairs celebrated cellist Jian Wang with pianist Xue Yingjia in a programme of lyrical miniatures spanning the Classical era, Romanticism and the twentieth century.
Highlights include works by Schumann, Saint-Sa&euml;ns, Faur&eacute;, Tchaikovsky, Piazzolla and Elgar, alongside Chinese composer Liu Rongfa&rsquo;s Pastoral Song. Daniel Hope will also make a special appearance.
The first Chinese musician to sign an exclusive contract with DG, Jian Wang embodies a longstanding connection between the label and Chinese artistry. His newly recorded Bach Cello Suites, released in 2025, also marked DG China&rsquo;s first album release.
Music in Harmony
November 17, 2026 | 8:00 p.m. International Masters Meet DG China
Daniel Hope and Jian Wang join Nicola Mosca, principal cellist of the Zurich Chamber Orchestra, and DG China artists Xiaofu Ju and Yang Yang for an evening of musical exchange across generations and traditions.
Bringing together violin, cello, piano, guzheng and Irish harp, the programme includes selections from Tan Dun&rsquo;s Hero Concerto, Mendelssohn&rsquo;s Piano Trio No. 1 in D minor, and Xiaofu Ju&rsquo;s arrangements of Dowland&rsquo;s In Darkness Let Me Dwell and Mozart&rsquo;s Lacrimosa from Requiem.
Yang Yang contributes her original work Tianmu Yin and her own arrangement of Ludovico Einaudi&rsquo;s Nuvole Bianche. Autumn Moon over the Calm Lake, arranged by Paul Bateman, and Piazzolla&rsquo;s Winter in Buenos Aires further expand the evening&rsquo;s cross-cultural conversation.
A Night of Brilliance
November 18, 2026 | 8:00 p.m. Daniel Hope, AIR Ensemble and Special Guest Linna Gong
The final headline concert brings Daniel Hope together with the AIR Ensemble and acclaimed vocalist Linna Gong for a journey across more than four centuries of music.
Rooted in the Baroque tradition, the AIR Ensemble moves fluently between early music, folk traditions and cross-cultural arrangements. The programme travels from Renaissance and Baroque Europe to Ireland and China, featuring music by composers including Ortiz, Corelli, Purcell and Vivaldi, alongside Irish traditional melodies and special arrangements of Chinese favourites such as Jasmine Flower, Colourful Clouds Chasing the Moon and The Moon Reflected in Erquan.
Beyond the Concert Stage
Throughout the four-day festival, exhibitions and public events will invite audiences to explore the stories, ideas and craftsmanship behind the music.
Four themed exhibitions will showcase performances and artist interviews from DG STAGE+ platform; trace the evolution of DG&rsquo;s album-cover design; celebrate vinyl recordings and the label&rsquo;s recording heritage; and introduce official DG merchandise to China.
The public programme will include a talk marking the 120th anniversary of Dmitri Shostakovich&rsquo;s birth, alongside artist conversations, music-sharing salons, a session exploring concert etiquette, city walks, signing events and an after-party.
These activities will offer opportunities for audiences to meet musicians beyond the concert stage, extending the festival into a broader cultural experience that encourages curiosity, participation and a deeper connection with classical music.
Full programme details, activity announcements and ticketing conditions are available through Xinghai Concert Hall&rsquo;s official channels.
DG Music Festival 2026 November 15&ndash;18, 2026 Xinghai Concert Hall, Guangzhou, China presented by Deutsche Grammophon China and Xinghai Concert Hall
Public Tickets Contact：<a href="mailto:program@concerthall.com.cn">program@concerthall.com.cn</a>

Universal Music celebrates twelve wins at OPUS KLASSIK 2026 - Martha Argerich receives Lifetime Achievement Award

Berlin, 11 October 2026. Artists from Deutsche Grammophon, Decca Classics and DG partner labels CAvi-music, ECM and Myrios received twelve awards across eleven categories at OPUS KLASSIK 2026. Martha Argerich was honoured with the Lifetime Achievement Award, celebrating her extraordinary contribution to classical music. The gala at Konzerthaus Berlin featured performances by Alice Sara Ott, Andr&egrave; Schuen, Katharina Konradi and Sarah Willis with her band, The Sarahbanda. D&eacute;sir&eacute;e Nosbusch hosted the ceremony, accompanied by the Konzerthausorchester Berlin conducted by Anna Rakitina. The ceremony was televised by German public broadcaster ZDF.
The awards recognise a remarkable range of artists, repertoire and recording projects. Anna Lucia Richter was named Female Singer of the Year for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/mahler-songs-of-fate-anna-lucia-richter-14171">Mahler &ndash; Songs of Fate</a>, while Andr&egrave; Schuen received the Male Singer of the Year award for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/mozart-andre-schuen-13743">Mozart</a>. Sarah Willis, for<a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/cuban-christmas-sarah-willis-the-sarahbanda-14085"> Cuban Christmas</a>, and Yunchan Lim, for his recording of Bach&rsquo;s <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/bach-goldberg-variations-yunchan-lim-14306">Goldberg Variations</a> live from Carnegie Hall, were honoured as Instrumentalists of the Year.
Andris Nelsons was named Conductor of the Year for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/mendelssohn-oratorios-symphonies-andris-nelsons-14271">Mendelssohn: Symphonies &amp; Oratorios</a> with the Gewandhausorchester Leipzig. Mirga Gražinytė-Tyla received the Symphonic Recording of the Year award for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/back-to-nature-mirga-grazinyte-tyla-14009">Back to Nature: Čiurlionis &amp; Gražinis</a>. Alice Sara Ott won in the New Classic/Neoclassic category for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/johannsson-piano-works-alice-sara-ott-13864">J&oacute;hann J&oacute;hannsson &ndash; Piano Works</a>, featuring world premiere recordings of piano transcriptions. Katharina Konradi and Daniel Heide received the award for Vocal Solo Recording of the Year for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/liszt-songs-vol-iii-un-cycle-imaginaire-daniel-heide-katharina-konradi-14130">Franz Liszt: Un Cycle Imaginaire</a>.
Producer Rainer Maillard received the Innovative Listening Experience of the Year award for Mikhail Pletnev&rsquo;s <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/chopin-scriabin-preludes-mikhail-pletnev-14043">Chopin &amp; Scriabin: Pr&eacute;ludes</a>, DG&rsquo;s first entirely analogue new recording since the 1980s. The Chamber Music Recording of the Year award went to <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/pur-ti-miro-wu-wei-14258">Pur ti miro</a> by Wu Wei, Martin Stegner and Janne Saksala, which brings together the sheng, a Chinese mouth organ, with viola and double bass. Lang Lang received the Bestseller of the Year award for <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/piano-book-2-lang-lang-13779">Piano Book 2</a>, spanning music by Bach, Chopin and Liszt alongside film, anime and gaming music.
Argerich&rsquo;s Lifetime Achievement Award recognises a career that has inspired generations of musicians and listeners. Over almost six decades, she has built an exceptional discography at Deutsche Grammophon. At 85, she continues to perform worldwide and champion young musicians.
The gala brought several of the award-winning artists to the stage. Alice Sara Ott performed a nocturne from her DG recording <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/field-complete-nocturnes-alice-sara-ott-13665">John Field &middot; Complete Nocturnes</a>, while Andr&egrave; Schuen sang &ldquo;Non pi&ugrave; andrai&rdquo; from Mozart&rsquo;s Le nozze di Figaro. Sarah Willis and The Sarahbanda performed an arrangement of Mozart&rsquo;s Eine kleine Nachtmusik with vocals, followed by &ldquo;Horn Extravaganza&rdquo;. Katharina Konradi joined Jonas Kaufmann for &ldquo;Tanzen m&ouml;cht ich&rdquo; from Emmerich K&aacute;lm&aacute;n&rsquo;s Die Cs&aacute;rd&aacute;sf&uuml;rstin.
&ldquo;Our artists represent different generations, cultures and musical voices. From great classical works and Cuban rhythms to anime and gaming music, they bring fresh perspectives and create new ways for audiences to connect with classical music. This diversity keeps classical music alive &ndash; and we are proud to support our artists on their artistic journeys,&rdquo; says Kleopatra Sofroniou, General Manager Classics, Deutsche Grammophon.
Frank Briegmann, Chairman &amp; CEO Universal Music Europe, Australia, New Zealand, Canada &amp; Deutsche Grammophon: &ldquo;Twelve OPUS KLASSIK awards are a tremendous recognition of our artists and, at the same time, a powerful testament to the creative vitality of classical music. Martha Argerich has inspired generations for decades, while other artists are opening up new perspectives on great works today. That is precisely what makes classical music so special: the pursuit of the highest artistic standards, an enduring spirit of curiosity, and the courage to bring fresh perspectives to timeless works. I would like to extend my warmest congratulations to all the award winners. My sincere thanks also go to ZDF, the media partner of OPUS KLASSIK, for providing these exceptional artists and their music with such an outstanding platform.&rdquo;
OPUS KLASSIK honours outstanding classical artists and productions. The winners are selected by an independent, eleven-member expert jury from the music and media industry.

Deutsche Grammophon honoured at the 2026 Gramophone Awards

Berlin/London, 8 October 2026. Deutsche Grammophon recordings and partners have been honoured with two major wins at the 2026 Gramophone Classical Music Awards. Kaija Saariaho&rsquo;s Adriana Mater has won the Opera Award, while the Bamberg Symphony has been named Orchestra of the Year.
The Opera Award went to the world premiere recording of Kaija Saariaho&rsquo;s Adriana Mater, performed by the San Francisco Symphony and Chorus under Esa-Pekka Salonen. Recorded at Davies Symphony Hall in June 2023, the performance was captured only days after Saariaho&rsquo;s death. The production was directed by Peter Sellars and features Fleur Barron in the title role, alongside Axelle Fanyo, Nicholas Phan and Christopher Purves. Released by Deutsche Grammophon shortly after, Adriana Mater went on to win the 2025 GRAMMY&reg; Award for Best Opera Recording.
The Bamberg Symphony, meanwhile, has been voted Orchestra of the Year as it celebrates its 80th anniversary and a decade of Jakub Hrů&scaron;a as Chief Conductor. Its latest Deutsche Grammophon releases include Bomsori's second solo album, featuring the Bruch and Korngold violin concertos, and the critically acclaimed Bohuslav Martinů &ndash; The Symphonies, presenting the composer's complete six-symphony cycle and reflecting the orchestra's distinctive Bohemian sound and close artistic partnership with Hrů&scaron;a.
&ldquo;We are delighted to see Deutsche Grammophon recordings and partners recognised once again by Gramophone,&rdquo; says Dr Clemens Trautmann, President Deutsche Grammophon and New Business Strategy Global Classics. &ldquo;Adriana Mater is a profoundly moving testament to Kaija Saariaho&rsquo;s singular voice, while the Bamberg Symphony&rsquo;s Orchestra of the Year award recognises the exceptional artistry of the ensemble and its remarkable partnership with Jakub Hrů&scaron;a. My warmest congratulations to all involved.&rdquo;

Antje Weithaas, Marie-Elisabeth Hecker and Dénes Várjon perform Robert Schumann's complete works for piano trio

The new album brings together Schumann's three piano trios and the Fantasiest&uuml;cke, Op. 88
Deutsche Grammophon presents Schumann's complete works for piano trio: the Piano Trios, Opp. 63, 80 and 110, together with the Fantasiest&uuml;cke, Op. 88.
The album will be released on 30 October 2026 as a 2-CD set and digitally.
"You have to be willing to embrace darkness and, with Schumann, be able to leap from heaven to hell in a tenth of a second." Antje Weithaas
Violinist Antje Weithaas, cellist Marie-Elisabeth Hecker and pianist D&eacute;nes V&aacute;rjon devote their new album to Robert Schumann's complete works for piano trio. Robert Schumann: Complete Works for Piano Trio brings together the three piano trios (No. 1 in D minor, Op. 63, No. 2 in F major, Op. 80, and No. 3 in G minor, Op. 110), alongside the Fantasiest&uuml;cke, Op. 88. These compositions move between intimacy and passion, lyrical tenderness and restless energy. The three internationally acclaimed musicians combine established solo careers with many years of chamber-music experience. Their shared musical language, developed in rehearsal, concert and the studio, responds to Schumann's abrupt shifts of mood and brings the layered dialogue between the three instruments to the fore. The album was recorded over seven intensive days in February and March 2025 at the Deutschlandfunk Kammermusiksaal in Cologne; Christoph Franke was responsible for recording, editing, mixing and mastering.
Schumann's music can change its emotional temperature within a few bars. Bright lyrical moments turn into nervous agitation, dark energy gives way to unexpected calm, and seemingly stable forms begin to shift. For Antje Weithaas, this is precisely what makes these works both challenging and compelling. As she puts it, they demand the courage to embrace darkness and the ability, in Schumann, to leap from heaven to hell in a tenth of a second. D&eacute;nes V&aacute;rjon describes the music as personal as a diary - powerful and vulnerable at once. The album is released in the year in which Antje Weithaas celebrates her 60th birthday.
The Fantasiest&uuml;cke, Op. 88, occupy a special place in this overall picture. Schumann began them in December 1842 as his first work for piano trio and revised them before their publication in 1850. The four movements combine song-like and march-like characters with formal freedom and intricate dialogues. Piano Trio No. 1 in D minor, Op. 63, was written in 1847 and may be understood as a tribute to Mendelssohn. Canonic structures, triplets and syncopations drive the first movement, where dark energy and lyrical brightness rapidly alternate.
Piano Trio No. 2 in F major, Op. 80, was composed between 1847 and 1849 as a more melodic, sunnier companion to the first trio. Motifs from the Eichendorff song Dein Bildnis wunderselig run through the first two movements; in the lilting third movement and capricious finale, the interplay of the three voices unfolds further. Piano Trio No. 3 in G minor, Op. 110, dates from 1851. Its tense, at times sombre atmosphere is driven by unrelenting rhythmic restlessness; its later movements introduce unusual harmonies that already point towards the music of the future.
Taken together, the four works reveal how Schumann repeatedly reimagined the piano trio: as a tightly woven dialogue between equal voices, a space for extreme shifts of feeling and a realm of poetic ambiguity. For the three performers, recording this repertoire was a long-held ambition. Weithaas, Hecker and V&aacute;rjon approach Schumann's unusual notation and hidden musical ideas with great precision, without smoothing away the spontaneity and sense of risk in this music. The result is a multifaceted portrait of a composer whose chamber music remains at once powerful, sensitive and disconcertingly modern.
The three artists are in demand internationally both as soloists and chamber musicians. Antje Weithaas was named Instrumentalist of the Year at the 2025 OPUS KLASSIK Awards; Antje Weithaas and D&eacute;nes V&aacute;rjon received the 2024 annual prize from the Preis der deutschen Schallplattenkritik for their Beethoven recordings released by CAvi. Marie-Elisabeth Hecker won the Rostropovich Competition in 2005, while D&eacute;nes V&aacute;rjon is a winner of the G&eacute;za Anda Competition and a recipient of the Kossuth Prize. In Schumann's piano trios, they find music that brings together their different experiences while giving each instrument its own distinctive space.
The album Robert Schumann: Complete Works for Piano Trio will be released on 30 October 2026 as a 2-CD set and digitally in SD and HD. The third movement of the Fantasiest&uuml;cke, Op. 88, Duett. Langsam und mit Ausdruck, will be available to stream and download from 16 October 2026.

RIAS Kammerchor Berlin und Justin Doyle präsentieren Winter Tales - The Britten Christmas Album

Zum 50. Todestag Benjamin Brittens am 4. Dezember verbindet das Album bekannte Weihnachtsmusik mit selten gespielten Chorwerken
Bis auf&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard&nbsp;ist das gesamte Programm neu im Katalog von Deutsche Grammophon
Das Album erscheint am 16. Oktober 2026 auf CD und digital in Stereo und Dolby Atmos
&raquo;A Ceremony of Carols&nbsp;ist bekannt und beliebt, doch das &uuml;brige Repertoire d&uuml;rfte vielen weniger vertraut sein. Das Album ist als eine Art Weihnachtsstrumpf voller Entdeckungen gedacht.&laquo; Justin Doyle
Der&nbsp;RIAS Kammerchor Berlin&nbsp;und sein Chefdirigent und K&uuml;nstlerischer Leiter&nbsp;Justin Doyle&nbsp;widmen ihr neues Album der Chormusik Benjamin Brittens.&nbsp;Winter Tales - The Britten Christmas Album&nbsp;erscheint am 16. Oktober 2026, im Jahr des 50. Todestages des Komponisten, digital und auf CD. Im Zentrum stehen&nbsp;A Ceremony of Carols,&nbsp;A Boy was Born&nbsp;und die&nbsp;Missa brevis in D. Hinzu kommen&nbsp;A Hymn of St. Columba&nbsp;und&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard. Mit Ausnahme der&nbsp;Ballad&nbsp;ist das gesamte Programm neu im Katalog von&nbsp;Deutsche Grammophon. An der Aufnahme wirken au&szlig;erdem die Knaben des Staats- und Domchors Berlin, die Harfenistin Anna Viechtl, der Organist Marcel Andreas Ober und der Pianist Philip Mayers mit.
Die Zusammenstellung ist als Weihnachtsalbum angelegt, folgt aber keiner konventionellen Festtagsdramaturgie. Brittens bekannte Weihnachtsmusik steht neben Kompositionen, die deutlich seltener zu h&ouml;ren sind und unterschiedliche Seiten seines Chorschaffens erschlie&szlig;en. F&uuml;r Doyle ist dieses Repertoire eng mit der eigenen Biografie verbunden. Als ehemaliger Chorknabe der Westminster Cathedral lernte er mehrere der Werke bereits in jungen Jahren kennen. F&uuml;r die neue Einspielung arbeitete er zudem mit Partituren, die Brittens handschriftliche Eintragungen enthalten und Hinweise auf dessen Klangvorstellungen und Auff&uuml;hrungspraxis geben.
Britten begann&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;1942 auf der R&uuml;ckreise aus den Vereinigten Staaten nach Gro&szlig;britannien. Vor der Abfahrt von Halifax in Nova Scotia hatte er Gerald Bulletts Gedichtsammlung&nbsp;The English Galaxy of Shorter Poems&nbsp;erworben; auf See vertonte er f&uuml;nf Texte daraus, die den Kern der&nbsp;Ceremony&nbsp;bilden. Mittelalterliche Dichtung und gregorianischer Gesang verbinden sich mit Brittens charakteristischen Harmonien und melodischen Linien. Obwohl das Werk heute h&auml;ufig mit Kinderstimmen assoziiert wird, war es urspr&uuml;nglich f&uuml;r erwachsene Frauenstimmen gedacht.
Mit&nbsp;A Boy was Born&nbsp;steht der&nbsp;Ceremony&nbsp;ein Werk gegen&uuml;ber, das Britten bereits mit 19 Jahren komponierte: eine rund halbst&uuml;ndige Folge von A-cappella-Variationen f&uuml;r Erwachsenen- und Knabenstimmen. Die&nbsp;Missa brevis in D&nbsp;entstand 1959 f&uuml;r den Chor der Westminster Cathedral und seinen Leiter George Malcolm. Ihr rhythmisch bewegtes&nbsp;Gloria, das zw&ouml;lft&ouml;nige&nbsp;Sanctus&nbsp;und das beunruhigend verklingende&nbsp;Dona nobis pacem&nbsp;des&nbsp;Agnus Dei&nbsp;zeigen Brittens F&auml;higkeit, strenge kompositorische Verfahren unmittelbar in dramatischen Ausdruck zu verwandeln.
Die weiteren Werke f&uuml;hren in andere historische und geistige R&auml;ume.&nbsp;A Hymn of St. Columba&nbsp;entstand 1962 anl&auml;sslich des 1400. Jahrestags von Columbas Reise von Irland nach Iona und verbindet einen Text &uuml;ber das J&uuml;ngste Gericht mit tiefem Orgelgrollen und einer konzentrierten Chorpartie.&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard&nbsp;entstand w&auml;hrend des Zweiten Weltkriegs f&uuml;r Brittens Freund Richard Wood und weitere Musiker im Kriegsgefangenenlager Oflag VIIB bei Eichst&auml;tt. Britten schickte das Manuskript Seite f&uuml;r Seite auf Mikrofilm. Die Handlung erz&auml;hlt von verbotener Liebe, Eifersucht und Mord; seine Vertonung folgt ihr mit gro&szlig;er szenischer Unmittelbarkeit.
Aufgenommen wurde&nbsp;Winter Tales&nbsp;im Januar 2026 in der Berliner Auenkirche. Ihre klare und zugleich resonante Akustik sowie die frisch restaurierte Orgel boten besondere Voraussetzungen f&uuml;r Brittens pr&auml;zise gearbeitete Chorpartituren. Die ausschlie&szlig;lich auf Download- und Streamingplattformen verf&uuml;gbare&nbsp;Dolby-Atmos-Version&nbsp;l&auml;sst den Raumklang der Kirche sowie den Ein- und Auszug des Chores in&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;besonders sch&ouml;n hervortreten.
Die wechselnden Besetzungen, von Frauenstimmen und Harfe &uuml;ber den gro&szlig;en Chor mit Knabenstimmen bis zu M&auml;nnerstimmen und Klavier, geh&ouml;ren zur Dramaturgie des Albums. Sie machen die Vielgestaltigkeit von Brittens Musik f&uuml;r die Konzertb&uuml;hne h&ouml;rbar. Darin zeigt sich f&uuml;r Doyle ein grundlegender Gedanke: &raquo;Es spielt eigentlich keine Rolle, wer seine Musik singt. Wichtig ist nur, dass sie gut gesungen wird, mit der richtigen spirituellen oder dramatischen Aussage.&laquo;
Winter Tales &ndash; The Britten Christmas Album erscheint am 16. Oktober 2026 auf CD sowie digital in SD, HD und Dolby Atmos. There Is No Rose&nbsp;aus&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;ist ab dem 2. Oktober 2026 als Stream und Download erh&auml;ltlich. Unmittelbar nach Brittens 50. Todestag bringt der RIAS Kammerchor Berlin Teile des Albumprogramms auch auf die Konzertb&uuml;hne: am&nbsp;5. Dezember 2026&nbsp;im Berliner Dom und am&nbsp;6. Dezember 2026 in der Marktkirche Hannover, jeweils unter der Leitung von Justin Doyle.

Herbert Blomstedt, Gewandhausorchester Leipzig 

Gewandhausorchester, Herbert Blomstedt 

Herbert Blomstedt conducting the Gewandhausorchester Leipzig

Britten: Winter Tales

WINTER TALES The Britten Christmas Album / RIAS Kammerchor Berlin, Justin Doyle

Nelson Freire - Debussy: Estampes — Chopin: Trois nouvelles études & Scherzo No. 2

DEBUSSY Estampes · CHOPIN Trois nouvelles études & Scherzo No. 2 / Nelson Freire

Sarah Willis - Marais: Le Basque

LE BASQUE Sarah Willis, Kotowa Machida, Cordelia Höfer

Dmitry Sitkovetsky - J.S. Bach, Paganini, Prokovief, Andriasov

J.S. BACH · PAGANINI · PROKOFIEV · ANDRIASOV Dmitry Sitkovetsky

Justus Eichhorn: The Source

THE SOURCE Justus Eichhorn

Serkins letzte Beethoven-Aufnahmen

Anl&auml;sslich ihres 125. Geburtstages ver&ouml;ffentlicht Deutsche Grammophon im Rahmen ihrer neuen Reihe "The Lost Tapes" die letzten Beethoven-Aufnahmen des gro&szlig;en Pianisten Rudolf Serkin f&uuml;r die DG.

Es ist immer wieder beeindruckend, welche Sch&auml;tze in den Archiven der Deutschen Grammophon schlummern und was f&uuml;r Aufnahmen nach langer Zeit das Licht der Welt erblicken. Dass die DG in diesem Jahr ihren 125 Geburtstag begeht, ist ihr Anlass, sich und uns mit einer neuen Reihe zu beschenken: "The Lost Tapes": Aufnahmen, die lange zur&uuml;ckliegen, manche darunter, die aus verschiedensten Gr&uuml;nden nicht ver&ouml;ffentlicht wurden, ungeachtet ihrer Qualit&auml;t und der Exzellenz und Popularit&auml;t der K&uuml;nstler, mit denen sie entstanden.
Den Anfang macht diese neue Reihe mit den letzten Beethoven-Aufnahmen des gro&szlig;en Rudolf Serkin f&uuml;r die Deutsche Grammophon. Serkin, der am 28. M&auml;rz dieses Jahr 120 Jahre alt geworden w&auml;re, starb am 8. Mai 1991. Fast am Ende seines Lebens hatte er sich entschlossen, noch einmal die beiden Klaviersonaten op. 21 und op. 23 von Ludwig van Beethoven einzuspielen. Zwanzig Jahre zuvor hatte er noch vor, den gesamten Zyklus, also alle 32 Klaviersonaten ein weiteres Mal aufzunehmen. Er lie&szlig; diesen Plan fallen und konzentrierte sich stattdessen auf die letzten drei Klaviersonaten op. 109, 110 und 111. Gerade diese Triade hatte f&uuml;r Serkin eine so gro&szlig;e Bedeutung, dass er sie mehrfach einspielte und sie Mitte der Achtziger Jahre in den Mittelpunkt seiner &ouml;ffentlichen Auftritte stellte, bevor er sie im Oktober 1987 schlie&szlig;lich im Wiener Konzerthaus noch einmal aufnahm. Sie galten lange als seine letzten Beethoven-Aufnahmen. So lange, bis schlie&szlig;lich Judith Serkin, Cellistin und Tochter Rudolf Serkins sich entschloss, zwei Aufnahmen ihres Vaters freizugeben, die der Musikwelt bis dahin vorenthalten geblieben waren: die Klaviersonate Nr. 21, op.53, auch als "Waldstein"-Sonate bekannt &ndash; Rudolf Serkin hatte sie bereits im Fr&uuml;hjahr 1986 eingespielt - und die Klaviersonate Nr. 23 in f-Moll op. 57, die "Appassionata", eines von Beethovens bekanntesten Klavierwerken. Diese Aufnahme entstand im Sommer 1989, knapp zwei Jahre vor seinem Tod.
<h3>Akribie und Genauigkeit</h3>
Zu diesem Zeitpunkt war er schon zu krank, um noch ernsthaft &uuml;ber eine Freigabe der Aufnahmen zu entscheiden. Das wird niemanden verwundern, der um Serkins generelle Skepsis gegen&uuml;ber &uuml;ber Plattenaufnahmen und um seine Akribie und die Genauigkeit wei&szlig;, mit der er zu arbeiten pflegte. Sein Sohn, der Pianist Peter Serkin erz&auml;hlte, dass sein Vater auch auf Klavieren ge&uuml;bt habe, die eigentlich kaum spielbar gewesen seien - um bei den Konzerten auf jede Eventualit&auml;t, etwa die eines schlechten Fl&uuml;gels, vorbereitet zu sein. Was helfe einem Pianisten alles Gef&uuml;hl beim Musizieren, wenn man beim G-Dur Konzert von Beethoven keinen gleichm&auml;&szlig;igen Triller hinbekomme&hellip;
Und so wie die Beherrschung des Handwerks Serkin als Voraussetzung f&uuml;r das Musizieren &uuml;berhaupt galt, so war f&uuml;r ihn der vom Komponisten geschriebene Notentext unumst&ouml;&szlig;lich. Den erarbeitete er sich akribisch, oft aus den Faksimiles der Urschriften der Komponisten. Serkins immer wieder ge&auml;u&szlig;erte Bef&uuml;rchtung war, "&hellip;nicht gut genug zu spielen und die W&uuml;nsche des Komponisten nicht ausreichend zu respektieren".
<h3>Tiefes Verst&auml;ndnis f&uuml;r Menschlichkeit</h3>
Nat&uuml;rlich hatte Serkin beide Werke in seiner langen Pianisten-Karriere etliche Male erarbeitet, aufgef&uuml;hrt und eingespielt &ndash; f&uuml;r seine erste Studioaufnahme mit Klaviersolowerken im Jahr 1936 w&auml;hlte er gar die "Appassionata"! Aber es war eben diese Sorge Grund genug f&uuml;r Serkin, einige Aufnahmen, wie auch die jetzt vorliegende "Waldstein"-Sonate und die "Apassionata" nicht zur Ver&ouml;ffentlichung freizugeben.
Die Aufnahmen, sagt Judith Serkin, seien nicht "perfekt". &nbsp;Dennoch verdienten sie, geteilt zu werden, mit anderen Menschen, offenbarten sie doch "Beethovens wie auch Rudolf Serkins tiefes Verst&auml;ndnis daf&uuml;r, was es bedeutet, ein Mensch zu sein."&nbsp; Die jetzt erschienen "Lost Tapes" mit beiden Aufnahmen sind beeindruckendes Zeugnis dieser musikalischen und menschlichen Haltung.&nbsp;

Radikaler Bruch mit der musikalischen Tradition

Eine bahnbrechende und mittlerweile Kultstatus erlangende Serie, die Avantgarde-Reihe der Deutschen Grammophon erscheint jetzt erstmals in einer Edition mit 21 CDs.

Als die Deutsche Grammophon vor 55 Jahren ihre&nbsp;Avantgarde-Reihe startete, beschritt sie editorisches Neuland. Die vier 6-LP-Boxsets enthielten Musik, die seinerzeit noch als "gewagt" und "ungew&ouml;hnlich" beargw&ouml;hnt wurde.
Komponisten wie&nbsp;John Cage, Luciano Berio, Mauricio Kagel, Luigi Nono, Karl-Heinz Stockhausen, Bernd Alois Zimmermann, Leo K&uuml;pper oder Dieter Schnebel rissen Schranken nieder, die den nach ihrer &Uuml;berzeugung l&auml;ngst &uuml;berf&auml;lligen Fortschritt in der Musik hemmten. Jetzt hat Deutsche Grammophon diese spektakul&auml;re Sammlung als Edition ver&ouml;ffentlicht. Auffallend an dieser 21 CDs umfassenden Box ist das Bestreben, den Zirkel der Modernen Musik jener Jahre weit zu schlagen und dabei die enorme Bandbreite an Komponisten, die oft auch gleichzeitig die Interpreten ihrer Werke waren, darzustellen. &nbsp;Viele von ihnen gelten bis heute als herausragende Vertreter der Avantgarde und ihre Werke als beispielgebend f&uuml;r die Suche nach neuen Klangstrukturen und nach der Erweiterung musikalischer Ausdrucksm&ouml;glichkeiten.
<h3>Initialz&uuml;ndung einer neuen Musik</h3>
Gy&ouml;rgy Ligeti etwa - er beschrieb sein ber&uuml;hmtes 16-stimmiges mikropolyphonisches Chorwerk "Lux aeterna" aus dem Jahre 1966 selbst als ein Experiment mit harmonischer Klangfarbenmusik, bei dem die einzelnen Stimmen so dicht ineinanderflie&szlig;en, dass sie unh&ouml;rbar werden und nur noch als Klanggestalt wirken. Eine wichtige Wegmarke des kompositorischen Schaffens Ligetis war auch das 1961/62 f&uuml;r die Orgel komponierte "Volumina", das eine Art Initialz&uuml;ndung einer neuen Musik f&uuml;r die Orgel darstellte.
Als geradezu ikonischer Vertreter der Avantgarde gilt Karl-Heinz Stockhausen, f&uuml;r dessen musikalische Experimente der klassische Konzertsaal l&auml;ngst zu eng geworden war und dem das klassische Instrumentarium bei weitem nicht mehr ausreichte. Prominentes Beispiel daf&uuml;r ist sein "Solo f&uuml;r Melodie-Instrument mit R&uuml;ckkopplung" Part I und II. Bei der ersten kommerziellen Aufnahme erg&auml;nzte Stockhausen den Posaunisten Vinko Globokar durch Tonbandaufnahmen elektroakustisch verzerrte Milit&auml;rkapellenkl&auml;nge und technisch verfremdeten Live-Stimmen etwa beim Gesang der "Internationale" oder der deutschen Nationalhymne.
<h3>Reiz der Ver&auml;nderung</h3>
John Cage brach als Komponist radikal mit der musikalischen Tradition, im Vordergrund seines Schaffens stand nicht das Ergebnis, sondern der ergebnisoffene, sich immer wieder ver&auml;ndernde Arbeitsprozess. Als ein verbl&uuml;ffendes "Experiment mit dem Experiment" stellt sich die Simultanauff&uuml;hrung gleich dreier seiner Werke durch das Ensemble Musica Negativa unter Rainer Riehn dar. F&uuml;r "Atlas Eclipticalis" hatte er einfach transparente Notenbl&auml;tter auf Sternkarten gelegt. Die himmlischen L&auml;ngengrade der Sterne gaben den zeitlichen Verlauf des St&uuml;cks vor, die Breitengrade die Tonh&ouml;he. Dazu ins Verh&auml;ltnis werden das 1956 entstandene Klavierwerk "Wintermusic" und die "Cartridge Music" (1960) gesetzt - sie war einer von Cages fr&uuml;hesten Versuchen, elektronische Live-Musik zu produzieren.
Eine Sonderstellung im Repertoire dieser sorgsam aufgearbeiteten Box nimmt Heinz Holligers 1963 entstandenes Werk "Der magische T&auml;nzer" ein, "zwei Szenen f&uuml;r zwei S&auml;nger, zwei T&auml;nzer, zwei Schauspieler, gemischten Chor, Orchester und Tonband". Sie entstanden nach einem Text von Nelly Sachs und erweiterten den Spielraum der Modernen Musk auch auf den darstellenden Bereich.
<h3>Unerh&ouml;rte St&uuml;cke elektronischer Musik</h3>
Die umfangreiche Sammlung an charakteristischen Beispielen der Avantgarde-Szene setzt sich fort durch bis dato unerh&ouml;rte St&uuml;cke elektronischer Musik, wie Luigi Nonos "Contrappunto diallettico alla mente" oder Werke des belgischen Electronic-Pioniers Leo K&uuml;pper wie "Automatismes sonores" und "L&rsquo;enclume des forces" zu einem Text des franz&ouml;sischen Schauspielers Antonin Artaud.
Zur ganzen Bandbreite der Moderne geh&ouml;ren auch jene Werke, welche die traditionellen klassischen Strukturen bedienen, etwa das Streichquartett. Sch&ouml;pfungen dieses Genres durch Komponisten wie Krzysztof Penderecki, Witold Lutoslawski oder Earle Brown werden gespielt vom LaSalle Quartet, das f&uuml;r seine fabelhaften Interpretationen der Musik des 20. Jahrhunderts bekannt ist.
Dass dieses Kompendium der Avantgarde auch zahlreiche CD-Premieren enth&auml;lt, unterstreicht die Tatsache, wie viel es in der Musik der Moderne noch zu entdecken gibt.&nbsp;

Beseelt wie keiner – Noble Gesamtausgabe lässt Dirigenten-Legende Ferenc Fricsay hochleben

Deutsche Grammophon hat erstmals s&auml;mtliche f&uuml;r das Gelblabel get&auml;tigten Aufnahmen des gro&szlig;en &ouml;sterreichisch-ungarischen Dirigenten Ferenc Fricsay in einer Edition vereint: ein enormer musikalischer Kosmos von atemberaubender Intensit&auml;t. &nbsp;&nbsp;

Ferenc Fricsay nahm seit 1949 f&uuml;r Deutsche Grammophon auf. Im Jahr 1963 verstarb der 1914 in Budapest geborene Ausnahmedirigent bereits. In dem kurzen Zeitraum schuf er eine reichhaltige Diskografie mit zahllosen Referenzaufnahmen. Als Interpret zielte Fricsay auf Pr&auml;zision, leidenschaftlichen Ausdruck und formbewusstes, elegantes Musizieren. Mit seinem schlanken Stil &uuml;berwand er den pathetischen Ton der sp&auml;tromantischen &Auml;ra. Dadurch verstr&ouml;men seine Aufnahmen bis heute eine unwiderstehliche Frische und Originalit&auml;t.
Was man bei Fricsay bekommt, ist indes nicht nur Opern- und Orchestermusik mit emotionalem Tiefgang und einem fein austarierten Klang, sondern auch ein enorm breitgespanntes Repertoire. Im Gegensatz zu vielen Zeitgenossen machte Fricsay keinen Bogen um die musikalische Avantgarde.&nbsp;
<h3>Offen f&uuml;r Zeitgen&ouml;ssisches</h3>
Als Sch&uuml;ler von Neuerern wie B&eacute;la Bart&oacute;k oder Zolt&aacute;n Kod&aacute;ly besa&szlig; der hochbegabte Musikus, der bereits im Alter von sechs Jahren in die renommierte Franz-Liszt-Musikakademie in Budapest eingetreten war und dort Klavier, Violine, Klarinette, Posaune, Schlagzeug, Komposition und Dirigieren gelernt hatte, eine nat&uuml;rliche N&auml;he zu Komponisten der klassischen Moderne. Nicht zuf&auml;llig gelang ihm der internationale Durchbruch mit einem modernen Werk, Gottfried von Einems Musikdrama "Dantons Tod", das er 1947 bei den Salzburger Festspielen uraufgef&uuml;hrt hatte. Aber auch als Mozart-Spezialist oder berufener Beethoven- und Tschaikowski-Interpret, der romantische Sinfonien zum Tanzen bringen konnte, machte er sich einen Namen.
Die jetzt erschienene Gesamtedition, die erstmals alle Aufnahmen zusammenf&uuml;hrt, die der Dirigent f&uuml;r Deutsche Grammophon get&auml;tigt hat, tr&auml;gt dieser musikalischen Vielfalt Rechnung. Zu den Highlights der 86 CDs umspannenden Ausgabe z&auml;hlen neben den bedeutenden Bart&oacute;k- und Kod&aacute;ly-Aufnahmen die legend&auml;ren Mozart-Interpretationen des Maestros, allen voran die Opern, aber auch Klavierkonzerte des Wiener Klassikers, die Fricsay gemeinsam mit der gro&szlig;en Pianistin&nbsp;Clara Haskil zu einem hypnotisierenden H&ouml;r-Erlebnis machte. Jeder Klang entwickelte sich darin organisch aus einem vorherigen Klang. Ein ewiger Fluss, wie gemacht, um sich treiben zu lassen.
<h3>Beseelt wie keiner</h3>
Dass hinter Fricsays zauberischer Leichtigkeit harte Arbeit an klanglicher Vollendung stand, dokumentiert die Bonus-DVD der Edition, die den Dirigenten bei Proben und Aufnahmen zeigt. Aber auch in dem reich bebilderten, 212-seitigen Booklet der Ausgabe zeichnen sich die Konturen einer Pers&ouml;nlichkeit ab, die sich mit ganzer Seele der Musik verschrieb. Wer noch tiefer in die Welt von Ferenc Fricsay eintauchen m&ouml;chte, der sei last but not least auf ein Buch verwiesen, das in diesem Jahr &uuml;ber den gro&szlig;en Dirigenten erschienen ist.
Es tr&auml;gt den Titel "Ferenc Fricsay: Der Dirigent als Musiker". Verfasst hat es der Musikhistoriker&nbsp;Peter S&uuml;hring, der auf Basis der Diskografie und des Berliner Nachlasses von Ferenc Fricsay das Schaffen und die Biografie des Ausnahmedirigenten nachgezeichnet hat. Der Journalist Harald Eggebrecht schrieb nach Lekt&uuml;re des Buches in der S&uuml;ddeutschen Zeitung: "Es lohnt sich, diesen gro&szlig;artigen Dirigenten n&auml;her kennenzulernen." Die beste Gelegenheit dazu bietet die gerade erschienene Gesamtedition.

The Original Source – Ambitionierte Vinyl-Serie mit Aufnahmeklassikern von Carlos Kleiber, Herbert von Karajan, Emil Gilels und Claudio Abbado gestartet

Deutsche Grammophon hat den ersten Teil seiner audiophilen Vinyl-Serie "The Original Source" ver&ouml;ffentlicht: Bewegende Musik von Beethoven, Mahler, Schubert und Strawinsky, in gro&szlig;en Aufnahmen und &uuml;berw&auml;ltigender Tonqualit&auml;t.

Das Gelblabel legt in der Serie "<a href="https://www.the-original-source.com/">The Original Source</a>" LP-Klassiker seines Katalogs in audiophiler Gestalt neu auf. Es geht um Vinyl-Produkte der 1970er Jahre, die "quadrophonisch" auf 4-Spur-B&auml;ndern aufgenommen wurden. Das Publikum jedoch musste damals mit LPs vorliebnehmen, die von den Stereo-Kopien dieser Originale ihren Ausgang nahmen.
Jetzt haben die Emil Berliner Studios mit der Erfindung eines neuen Mischpults und unter Anwendung eines rein analogen Verfahrens erstmals die M&ouml;glichkeit geschaffen, die Originalb&auml;nder verlustfrei zu mischen, zu schneiden und "pure analogue" auf &nbsp;Platte zu bannen. Rainer Maillard, Produzent und Gesch&auml;ftsf&uuml;hrer des Unternehmens, sieht deutliche "Klangvorz&uuml;ge", die auf Anhieb h&ouml;rbar seien: "gr&ouml;&szlig;ere Klarheit, mehr Details und ein besserer Frequenzgang. Weniger Rauschen, weniger Verzerrungen, weniger Kompression."&nbsp;
Deutsche Grammophon pr&auml;sentiert nun 2023, dem Jahr ihres 125-j&auml;hrigen Bestehens, auf 14 Alben die Resultate des neu erarbeiteten Klangniveaus. Der erste Batch des Pakets ist soeben erschienen.
<h3>Ungeahnte Intensit&auml;ten</h3>
Auf dem Programm stehen Kultaufnahmen von Carlos Kleiber, Herbert von Karajan, Emil Gilels und Claudio Abbado, allesamt K&uuml;nstler, die in je individueller Weise besonderes Augenmerk auf die Klangfinesse legten. Karajan war bekannt daf&uuml;r, dass er an Innovationen der Aufnahmetechnik lebhaft Anteil nahm. Er verband dieses Interesse mit leidenschaftlichem Streben nach einem perfekt designten Orchesterklang. Dass er sich einem solchen ann&auml;herte, bezeugt nicht zuletzt seine legend&auml;re Einspielung von Mahlers Sinfonie Nr. 5 mit den Berliner Philharmonikern. Der str&ouml;mende Klang des Orchesters, die lyrische Tiefe und gleichzeitige Frische der Aufnahme entfalten im Medium der neu gewonnenen Klangqualit&auml;t ungeahnte Intensit&auml;ten.&nbsp;
&Auml;hnliche Erfahrungen kann man mit den Platten von Carlos Kleiber und Claudio Abbado machen. In Kleibers Aufnahme von Beethovens Sinfonie Nr. 7 in A-Dur mit den Wiener Philharmonikern verschafft sich der furiose Vorw&auml;rtsdrang und die klangliche Differenziertheit der Interpretation deutlich Geltung. In Abbados Aufnahme von Strawinskys "Le Sacre du printemps" mit dem London Symphony Orchestra besticht die Detailfreude des Orchesters.
<h3>Kammermusikalischer Schatz</h3>
Erfreulich ist, dass neben der wuchtigen Orchestermusik auch eine kammermusikalische Kostbarkeit in der ersten Folge von "The Original Source" vorkommt: Emil Gilels dynamische Aufnahme von Schuberts Forellenquintett eignet sich hervorragend f&uuml;r audiophile Verfeinerungen. Der Pianist bringt gemeinsam mit Streichern aus dem Amadeus Quartet und dem Bassisten Rainer Zepperitz einen harmonischen Farbenreichtum zum Vorschein, der bet&ouml;rend ist.&nbsp;
F&uuml;r alle vier Platten gilt, dass sie auf 180g Vinyl gepresst sind und in limitierter Auflage erscheinen. Jedes Exemplar ist nummeriert und wartet mit einem nobel gestalteten, aufklappbaren Cover auf. Das Artwork der Cover und die Begleittexte entsprechen den Originalen. Zus&auml;tzlich finden sich in den einzelnen LP-Ausgaben Fotos, Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons. &Uuml;ber die technischen Hintergr&uuml;nde der neuen Serie informiert ein gut lesbarer Text. Die Editionen sind u.a. im <a href="https://store.deutschegrammophon.com/p30-i3200">Online-Shop der Deutschen Grammophon</a> erh&auml;ltlich.

Das Mannheim Mozarts – eine musikalische Reise mit dem Freiburger Barockorchester

Das Album "Mozart&rsquo;s Mannheim" ist das erste Zeugnis der neuen Partnerschaft zwischen dem Freiburger Barockorchester und dem gelben Label. Im Zentrum stehen neben Werken von Mozart selbst Kompositionen, die der Tonsch&ouml;pfer in seiner Zeit in Mannheim geh&ouml;rt haben mag. Das Album wird am 19. Mai ver&ouml;ffentlicht.

Welche Musik mag Mozart geh&ouml;rt haben, als er einst in Mannheim weilte? Woraus sch&ouml;pfte er seine Inspiration und was pr&auml;gte seine eigene Kunst? Diese Fragen liegen dem besonderen Album zugrunde, das unter dem Titel "Mozart&rsquo;s Mannheim" nun bei Deutsche Grammophon erscheint. Zu erleben ist das Freiburger Barockorchester unter Leitung von Gottfried von der Goltz, das seine Zuh&ouml;rer mitnimmt in das Mannheim zu Mozarts Zeiten und verschiedene Werke interpretiert, die mit der ber&uuml;hmten Mannheimer Hofkapelle verbunden sind. Zudem erklingen Werke Mozarts, die einen direkten Bezug zu Mannheim haben. Das Album wird am 19. Mai ver&ouml;ffentlicht und ist nicht nur ein musikalisches Erlebnis, sondern dar&uuml;ber hinaus das klangvolle Zeichen der neuen kreativen Partnerschaft zwischen dem gelben Label und dem renommierten Ensemble.
<h3>Mannheim &ndash; musikalischer Inspirationsort f&uuml;r Mozart</h3>
Schon als Wunderkind war Wolfgang Amadeus Mozart auf seinen Konzertreisen durch Mannheim gekommen. Im Oktober 1777 kehrte er im Alter von 21 Jahren in die Stadt zur&uuml;ck. Mit gutem Grund: So war die s&uuml;ddeutsche Stadt durch die legend&auml;re Mannheimer Hofkapelle ein &auml;u&szlig;erst beliebtes Ziel f&uuml;r Kulturpilger des 18. Jahrhunderts. Mozart war damals begeistert von der Kraft und Pr&auml;senz des Mannheimer Orchesters, das nicht nur f&uuml;r seine Gr&ouml;&szlig;e und Virtuosit&auml;t bekannt war, sondern zudem f&uuml;r eine ganze Reihe erstaunlicher dynamischer Effekte. Wie sehr dieser musikalische Reichtum Mozart inspiriert haben muss, zeigt sich in all jenen Werken, die er nach seiner Mannheimer Zeit komponierte und die mit ihrer Individualit&auml;t und Originalit&auml;t in den Bann ziehen.
<h3>Intensive Recherche f&uuml;r das Album</h3>
Um die musikalischen Erfahrungen, die Mozart in Mannheim gemacht hat, m&ouml;glichst eindr&uuml;cklich wiederzugeben, fand im Vorfeld des Albums eine intensive Recherche statt. So hat Dr. R&uuml;diger Thomsen-F&uuml;rst, Experte f&uuml;r das Mannheimer Orchester und seine Komponisten, die Briefe Mozarts an seine Familie studiert, um herauszuarbeiten, mit wem Mozart welchen Kontakt hatte und schlie&szlig;lich auf dieser Basis das besondere Programm zu erarbeiten. "Wir erfahren etwas von der Musik, die Mozart in Mannheim h&ouml;rte und welche seiner Werke hier komponiert beziehungsweise aufgef&uuml;hrt wurden. So stellt die Auswahl f&uuml;r dieses Album den Versuch dar, Mozarts Mannheimer Klangwelt nahezukommen und den heutigen H&ouml;rer zum Ohrenzeugen dieser Epoche werden zu lassen&ldquo;, sagt Bail.
<h3>Vielgestaltige Werkschau</h3>
Auf "Mozart&rsquo;s Mannheim" machen verschiedene Werke die Atmosph&auml;re der Stadt von damals erlebbar. H&ouml;hepunkte des Albums sind gleich vier Weltersteinspielungen, darunter die Symphonie Nr. 55 in C-Dur von Cannabich, die den Mannheimer Klang in schillernden Schattierungen und reich an dramatischen Effekten und Kontrasten widerspiegelt. Au&szlig;erdem ist erstmals das Violinkonzert von Danner zu erleben sowie das "Sextett f&uuml;r Fl&ouml;te, Oboe, Violine, Viola, Fagott und Violoncello" von Carl Joseph Toeschi. Mit der Ouvert&uuml;re zu Ignaz Holzbauers Singspiel "G&uuml;nther von Schwarzburg" erklingt zudem ein Werk, &uuml;ber das Mozart seinem Vater Leopold damals schrieb, er sei erstaunt dar&uuml;ber, "wie viel Feuer in dieser Musik steckt". Neben diesen Entdeckungen stehen Werke von Mozart selbst im Zentrum, darunter die Konzertarie "Alcandro lo confesso &hellip; Non s&ograve; d&rsquo;onde vieni", die Anfang 1778 von Mozarts zuk&uuml;nftiger Schw&auml;gerin Aloysia uraufgef&uuml;hrt wurde und auf dem Album von der Sopranistin Nicole Chevalier gesungen wird. Au&szlig;erdem ist die Symphonie in C-Dur KV 208/102 zu h&ouml;ren, ehemals im Hause Cannabich uraufgef&uuml;hrt.
<h3>Beeindruckendes musikalisches Portr&auml;t</h3>
Dem Freiburger Barockorchester gelingt auf seinem ersten Album bei Deutsche Grammophon ein schillerndes Portr&auml;t der Musikoase Mannheim, in der Mozart aus dem Vollen sch&ouml;pfen konnte. Dabei leuchtet das renommierte Ensemble die unterschiedlichen Werke mit transparentem und wendigem Gesamtklang, hochsensibler Gestaltung der Phrasen und inniger Musikalit&auml;t eindrucksvoll aus. "Was Mozart in Mannheim lernte, kann in Bezug auf sein sp&auml;teres Leben gar nicht hoch genug eingesch&auml;tzt werden", sagt Dramaturg Martin Bail. "Mozart&rsquo;s Mannheim" zeigt diese Einfl&uuml;sse faszinierend auf und offenbart in den Werken Mozarts, welch deutliche Spuren die Mannheimer Zeit hinterlassen hat.
Das Konzept und das Programm des Albums wurden in Kooperation mit dem Forschungszentrum Hof | Musik | Stadt entwickelt, das auch das Notenmaterial zur Verf&uuml;gung stellte und das Projekt wissenschaftlich begleitete.

Mozart herangezoomt – Karl Böhms legendäre Einspielung des "Figaro" in einer audiophil remasterten Edition

Karl B&ouml;hms Einspielung von Mozarts Oper &bdquo;Le nozze di Figaro&ldquo; z&auml;hlt zu den bedeutendsten Aufnahmen der Schallplattengeschichte. Jetzt erscheint das Meisterst&uuml;ck des &ouml;sterreichischen Dirigenten in einer audiophil remasterten Fassung.

Karl B&ouml;hm bot alles auf, was Rang und Namen hatte, als er im M&auml;rz 1968 in Berlins Jesus-Christus-Kirche Mozarts beliebte Opera buffa "Le nozze di Figaro" aufnahm. Mit dem charismatischen Bariton Hermann Prey in der Titelrolle, der feinf&uuml;hligen schweizerischen Lyrikerin Edith Mathis als Susanna, Dietrich Fischer-Dieskau als Grafen und der erst 30-j&auml;hrigen und dennoch schon Ber&uuml;hmtheit genie&szlig;enden Gundula Janowitz als Gr&auml;fin waren gl&auml;nzende Voraussetzungen f&uuml;r eine Interpretation geschaffen, die nicht nur s&auml;ngerisch, sondern auch kraft ihrer schauspielerischen Durchdringung des Stoffs h&ouml;chste Ma&szlig;st&auml;be erwarten lie&szlig;.
Karl B&ouml;hm war zur Zeit der Berliner Produktion bereits 73 Jahre alt. Doch der damalige Grandseigneur der Klassikwelt durfte als "Jugendlicher im Sinne k&uuml;nstlerischer Unverw&uuml;stlichkeit" gelten. So jedenfalls charakterisierte der Musikkritiker Peter Coss&eacute; das energische Temperament des eigenwilligen Dirigenten, dem er die Haltung attestierte, "sich nie und nimmer mit dem lauen Durchschnitt" abzufinden. B&ouml;hms Figaro von 1968 war eines der eindrucksvollsten Zeugnisse hierf&uuml;r. Das britische Klassikmagazin Gramophone wies der Einspielung einen "Ehrenrang im Pantheon der Figaro-Aufnahmen" zu. Die Frische, Klarheit und Ger&auml;umigkeit der Aufnahme sei in sp&auml;teren Einspielungen kaum je wieder erreicht worden.
<h3>&nbsp;Abgr&uuml;ndige Komik der Liebe</h3>
Jetzt ist B&ouml;hms "Figaro" unter R&uuml;ckgriff auf die analogen Originalb&auml;nder neu gemastert worden. Im hochaufl&ouml;senden 24 bit/96 kHz-Format sch&auml;rfen sich die Konturen der S&auml;ngerinnen und S&auml;nger, und die Klangfarben des Chors und Orchesters der Deutschen Oper Berlin gewinnen eine intensivere Leuchtkraft als je zuvor. Mozarts Musik r&uuml;ckt dadurch n&auml;her, und die abgr&uuml;ndige Komik der menschlichen Erotik, wie sie Lorenzo Da Ponte in seinem an die Figaro-Kom&ouml;die von Beaumarchais anschlie&szlig;enden Libretto einf&auml;ngt, wird nachf&uuml;hlbarer.
B&ouml;hms Aufnahme erscheint erstmals in dieser audiophilen Gestalt auf 3 CDs und einer Blu-ray Audio Disc. Beigef&uuml;gt ist der Deluxe-Edition ein 28-seitiges Booklet, das neben fachkundigen Essays und einer Zusammenfassung der Oper mit bislang unver&ouml;ffentlichten Bildern der Aufnahmesessions aufwartet. Aus den Fotos spricht der ebenso konzentrierte wie enthusiastische Geist der Aufnahme, ein visueller Zusatz zu der mitrei&szlig;enden Musik.&nbsp;

Xiaofu Ju: Janáček - In the Mists, I. Andante

Saint-Saëns: Danse macabre, Op. 40 (Arr. Ferrière for Marimba and Piano)

F. Bridge: Come To Me In My Dreams

Arsenii Moon - Chopin: 12 Etudes, Op. 10: No. 1 in C Major "Waterfall"

Victor Le Masne - Ravel Recomposed: Il est bon, l'enfant, il est sage

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Titel

Mist Without

With Mist Without, recently signed pianist and poet Xiaofu Ju presents his debut album for DG China. This concept-driven recital transforms a single image into a richly imagined listening journey, introducing a distinctive artistic voice of a new generation.&nbsp;
Inspired by the German notion of Weltschmerz (pain of the world) and the spirit of Chinese Misty Poetry, the album reveals its emotional world through suggestion rather than direct expression. Meaning emerges gradually, like shapes appearing through mist, as music, text, and poetry come together to create a unified artistic experience.&nbsp;
More than a collection of masterpieces, Mist Without is conceived as a complete one-sitting experience &mdash; an immersive world that moves through mist, night, ghosts, mourning, and darkness before arriving at a moment of lucid stillness. The music comes to an end, yet the mist remains. &nbsp;

Wiederveröffentlichungen / Raritäten Klassik

KLASSIK

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ROBERT SCHUMANN

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