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Künstler:innen

András Schiff

Pressestimmen

Die Summe ihrer musikalischen Tugenden – Yuuko Shiokawa und András Schiff mit Violinsonaten von Brahms und Schumann

ECM New Series hat ein neues Album von Andr&aacute;s Schiff und Yuuko Shiokawa ver&ouml;ffentlicht. Die Geigerin und der Pianist widmen sich darauf Violinsonaten von Brahms und Schumann. &nbsp;

Im Jahr 2000 deb&uuml;tierten Andr&aacute;s Schiff und Yuuko Shiokawa als Duo in der New Series von ECM. Damals widmeten sie sich der komplex verzweigten C-Dur-Fantasie f&uuml;r Violine und Klavier (D 934) von Franz Schubert und gaben sich jedem poetischen Detail dieser vision&auml;ren Komposition genussvoll hin. Das Londoner Musikmagazin &bdquo;Gramophone&ldquo; erkannte darin einen &bdquo;Hauch von Magie&ldquo;, und jener magische Zauber der Aufnahme weckte zusammen mit deren Publikumserfolg die Hoffnung, dass das Duo bald weitere Ver&ouml;ffentlichungen folgen l&auml;sst.&nbsp;
Doch Schiff und Shiokawa lie&szlig;en sich Zeit. Erst 2017 traten der Pianist und die Geigerin, die sich beim Kammermusikfest Lockenhaus im Burgenland kennen und lieben gelernt hatten, mit ihrem zweiten gemeinsamen ECM-Projekt hervor, diesmal mit Werken von Bach, Busoni und Beethoven. Jetzt ist ihre dritte Kooperation in der New Series erschienen.
Drittes Gemeinschaftsprojekt
Und wenn das erste Gemeinschaftsprojekt der beiden Solisten vor allem durch seine romantische Aura bestach und das zweite durch seine Pr&auml;zision und den harmonischen Farbenreichtum, so wirkt das dritte wie eine Synthese aus all ihren musikalischen Tugenden und virtuosen Fertigkeiten. Das Repertoire, das sie pr&auml;sentieren, eignet sich indes auch gut, um ein breites und kontrastreiches Spektrum an F&auml;higkeiten zur Geltung zu bringen.&nbsp;
Mit der Violinsonate Nr. 1 in G-Dur (op. 78) von Johannes Brahms, auch bekannt unter dem Namen &bdquo;Regenliedsonate&ldquo;, und Robert Schumanns Violinsonate Nr. 2 in d-Moll (op. 121) erklingen zwei kammermusikalische Preziosen der musikalischen Romantik, die in ihrer poetischen Anlage kaum unterschiedlicher sein k&ouml;nnten. Die Violinsonate von Brahms, sein erstes Werk in der Besetzung f&uuml;r Klavier und Geige, ist von seltsam schwebender Art.&nbsp;
Sie ist reich an originellen Melodien und scheint schier endlos zu flie&szlig;en, ohne je an irgendeinem Punkt zur Ruhe zu kommen. Bei Schiff und Shiokawa nimmt das Werk, das der Komponist in den Jahren 1878/79 schuf, impressionistische Z&uuml;ge an. Die beiden laden die Zuh&ouml;rerinnen und Zuh&ouml;rer mit diskreten Gesten ein, sich auch fallen zu lassen, mitzuschwingen und mitzutanzen.
Klangliche Reife und pl&ouml;tzlicher Furor
Die Stimmung bleibt indes merkw&uuml;rdig unentschieden zwischen Melancholie und Zuversicht. Aber gerade darin liegt der Reiz dieser Sonate, deren Balanceakt Schiff und Shiokawa in vollendeter Eleganz vollziehen. Schumanns Violinsonate in d-Moll aus dem Jahr 1851 verlangt eine vollkommen andere Herangehensweise. Das Werk ist eher introvertiert. Es f&uuml;hrt auf verlassene Pfade und birgt eine r&auml;tselhafte Spannung. Schiff und Shiokawa bauen diese Spannung allm&auml;hlich auf. Ungew&ouml;hnlich im Vergleich zu vielen anderen einschl&auml;gigen Aufnahmen ist, wie viel Zeit sie sich zu Beginn nehmen, bevor sie pl&ouml;tzlich fulminant beschleunigen. Aber genau so steht es in der Partitur: &bdquo;Ziemlich langsam &ndash; lebhaft&ldquo;.&nbsp;
&Uuml;ber die ganze Sonate sp&uuml;rt man, dass irgendetwas heraus muss, jedoch noch nicht heraus kann. Im zweiten Satz deutet es sich diskret an. Doch erst gegen Ende des viertes Satzes bricht es sich Bahn. Schiff und Shiokawa performen die Spannungsentladung mit energetischer Virtuosit&auml;t.&nbsp;&nbsp;

Oase der Stille – András Schiff interpretiert Bach auf dem Clavichord

Andr&aacute;s Schiff gilt als einer der feinsinnigsten Bach-Interpreten der Gegenwart. Auf seinem neuen ECM-Album widmet sich der Pianist einem historischen Instrument, das der Altmeister wahrscheinlich selbst bevorzugte: einem Clavichord.

Bach ist f&uuml;r Andr&aacute;s Schiff eine Obsession. Kein anderer Komponist zieht den ungarischen Pianisten so stark in Bann wie der vision&auml;re Thomaskantor. &bdquo;Zu Hause&ldquo;, bemerkt Schiff im Booklet seines neuen Albums, &bdquo;beginnen meine Tage immer mit Bach.&ldquo; Fr&uuml;her sa&szlig; er dabei am Klavier. Jetzt sitzt er bei seinen morgendlichen Bach-Exerzitien an einem Clavichord. Schiff sorgt seit knapp einem Jahrzehnt immer wieder mit historisch informierten Aufnahmen f&uuml;r Aufsehen. So hat er f&uuml;r die New Series Beethoven auf einem Bechstein-Fl&uuml;gel, Schubert auf einem Brodmann und zuletzt Brahms auf einem Bl&uuml;thner-Fl&uuml;gel aufgenommen.&nbsp;
All diese Aufnahmen bestechen in je individueller Weise durch sangliche Eleganz, forcierte Dynamik, &uuml;berraschende Farbpaletten und ein ungew&ouml;hnliches Ma&szlig; an harmonischer Transparenz. Ein moderner Fl&uuml;gel mag &uuml;ber mehr Volumen und ein ausgewogeneres Klangbild verf&uuml;gen, in kantabler und dynamischer Hinsicht besitzen historische Tasteninstrumente oft ungeahnte Vorteile. Mit seinem neuen Bach-Album tritt Schiff seinen vielleicht waghalsigsten Beweis f&uuml;r dieses Ph&auml;nomen an.
Sangliche Qualit&auml;ten
Das Clavichord, auf dem er nun pianistische Schl&uuml;sselwerke von Bach interpretiert, ist weit von der dem zeitgen&ouml;ssischen H&ouml;rgef&uuml;hl vertrauten, m&auml;chtigen Klanggestalt eines modernen Fl&uuml;gels entfernt. Doch je l&auml;nger man dem Instrument lauscht, desto deutlicher enth&uuml;llt es seine musikalischen Qualit&auml;ten. Es ist ein stiller, intimer Ton, der das Clavichord auszeichnet. F&uuml;r Schiff gleicht das Instrument, das der belgische Clavichord- und Orgelbauer Joris Potvlieghe 2003 als Nachbildung eines Specken-Clavichords von 1743 schuf, einer &bdquo;Oase mitten in unserer l&auml;rmigen Welt&ldquo;.&nbsp;
Der Pianist wei&szlig; die intimen Qualit&auml;ten des Instruments zu nutzen. Man f&uuml;hlt sich wie in einem Raum mit ihm, wenn er mit dem Capriccio in B-Dur (BWV 992), den Inventionen und Sinfonien (BWV 772-801), den Vier Duetten (BWV 802-805), dem Ricercar &agrave; 3 aus dem Zyklus &bdquo;Musikalisches Opfer&ldquo; (BWV 1079) und der Chromatischen Fantasie und Fuge (BWV 903) sein breitgespanntes Bach-Programm vortr&auml;gt.
Oase der Stille
Andr&aacute;s Schiff ist bekannt f&uuml;r einen Bach-Stil, der &auml;u&szlig;erste Pr&auml;zision mit einem sanften Anschlag und gesanglicher Noblesse verbindet. Diese Mittel bew&auml;hren sich auch am Clavichord, nehmen dort jedoch eine komplett andere F&auml;rbung an: Schiff trotzt dem Instrument eine Stimmung der maximalen Konzentration und poetischen Dichte ab. So wird man etwa bei der Chromatischen Fantasie und Fuge, die als H&ouml;hepunkt des Albums gelten kann, keinen Moment von der virtuosen Wucht des Werks abgelenkt oder gar &uuml;berw&auml;ltigt, sondern kann sich ganz auf die Sch&ouml;nheit und frappierende Modernit&auml;t der Harmonien einlassen.&nbsp;
In dieser Manier f&uuml;gt Schiff seinen Bach-Aufnahmen f&uuml;r die New Series eine wesentliche Neuerung hinzu, was seine feingliedrigen Einspielungen der Goldberg-Variationen (2001), der Sechs Partiten (2007) und des Wohltemperierten Klaviers (2012) nicht im Geringsten relativiert. Schiff hat nicht vor, sich vom modernen Klavier zu verabschieden. Aber seine Erfahrungen am Clavichord lassen auch an seinem klangvollen B&ouml;sendorfer Ver&auml;nderungen erwarten. &bdquo;Dank des Clavichords&ldquo;, so Schiff selbst, &bdquo;h&ouml;re und spiele ich Bach &ndash; selbst auf dem modernen Fl&uuml;gel &ndash; anders als einst: differenzierter, verst&auml;ndlicher.&ldquo;

Poesie der Zwischenräume – Jörg Widmann und András Schiff mit den visionären Klarinettensonaten von Johannes Brahms

Der Klarinettist und Komponist J&ouml;rg Widmann und der Klaviervirtuose Andr&aacute;s Schiff ver&ouml;ffentlichen ihr erstes gemeinsames ECM-Album. Auf dem Programm stehen Intermezzi f&uuml;r Klavier solo von J&ouml;rg Widmann und die sp&auml;ten Klarinettensonaten von Johannes Brahms.

Eigentlich wollte er nicht mehr komponieren. Seine Zeit schien vorbei, sein Werk abgeschlossen. Da lernte Johannes Brahms den Klarinettisten Richard M&uuml;hlfeld kennen, dessen Spiel ihn so sehr in Bann zog, dass er wieder zur Feder Griff. Im Jahre 1891 schuf er sein Klarinettentrio und sein Klarinettenquintett. 1894 folgten die beiden Klarinettensonaten op. 120, deren poetische Aura von so reduzierter und schwebender Gestalt ist, dass sie in ihrer Modernit&auml;t noch heute Staunen erregen. Dasselbe gilt f&uuml;r die Klavierwerke, die Brahms wenige Jahre vor seinem Tod schuf und deren abschiedliche Stimmung wie ein Hauch daherkam. Wie passten diese Exponate zu dem Bild eines Mannes, der in der Musikwelt als Traditionalist galt? Brahms hatte sich von der Neudeutschen Schule um Richard Wagner unbeeindruckt gezeigt. Er hielt an klassischen Formen fest. Seine Modernit&auml;t kam auf leisen Sohlen daher, wurde aber von Feingeistern des 20. Jahrhunderts wie Arnold Sch&ouml;nberg und Theodor W. Adorno fr&uuml;h schon erkannt.
Die sp&auml;ten Klavierwerke von Johannes Brahms haben den M&uuml;nchener Komponisten und Klarinettisten J&ouml;rg Widmann dazu inspiriert, eigene Intermezzi zu verfassen, die der "verst&ouml;renden Reduktion und lapidaren K&uuml;rze" des sp&auml;ten Brahms nachlauschen m&ouml;chten. Widmann schrieb die Intermezzi f&uuml;r den Pianisten Andr&aacute;s Schiff, mit dem er seit Jahren befreundet ist und die Klarinettensonaten von Brahms zahllose Male aufgef&uuml;hrt hat. Was lag da n&auml;her, als die Klarinettensonaten von Johannes Brahms und die Intermezzi von J&ouml;rg Widmann auf einem Album zu vereinen und so eine Klanglandschaft entstehen zu lassen, die neben den abschiedlichen Stimmungen des sp&auml;ten Brahms auch die knapp 120 Jahre danach erfolgte Resonanz des M&uuml;nchener Komponisten zum Vorschein bringt?&nbsp;
Magie des Hauches
Ein solches Album ist jetzt bei ECM New Series in M&uuml;nchen erschienen. Produziert von Manfred Eicher, aufgenommen im Historischen Reitstadel der oberpf&auml;lzischen Kreisstadt Neumarkt, gelingt es dem Projekt auf musikalisch nachf&uuml;hlbare Weise, die langen Linien von den poetischen Klangempfindungen des sp&auml;ten Brahms bis hin zu J&ouml;rg Widmanns eigenwilliger, jazzige Dimensionen streifender Reaktion zu ziehen. Dazu tr&auml;gt neben dem meditativen Fluss der Musik auch die intime Akustik des Reitstadels bei. Der dortige Klangraum erzeugt klare Konturen, &ouml;ffnet sich aber auch in die Tiefe. Wenn man die Klarinettensonaten h&ouml;rt, steigt man in die H&ouml;hlen der Geschichte hinab. Es ist, als wehten einem diese merkw&uuml;rdig leichten, melancholisch versetzten Kl&auml;nge von Ferne an, und der Raum und die Solisten w&auml;ren die Mittler, die den Zuruf des widerspr&uuml;chlichen, lakonischen Romantikers Johannes Brahms h&ouml;rbar machen.&nbsp;
J&ouml;rg Widmann reagiert mit seinen Intermezzi auf den quasi-impressionistischen Zuruf von Johannes Brahms. Es ist eine empfindsame, eine hochaufmerksame Reaktion, die das Brahmssche Erbe aufnimmt, mit dem Lebensgef&uuml;hl des 21. Jahrhunderts anreichert und zu etwas Eigenem verwandelt. Andr&aacute;s Schiff, der Poet unter den Klaviervirtuosen der Gegenwart, lotet mit seinem geschickten Einsatz des Pedals und seinem hauchzarten Anschlag die Zwischenr&auml;ume von Widmanns Miniaturen diskret aus. Genau darum geht es dem M&uuml;nchener Komponisten, um Intermezzi, Zwischenspiele im w&ouml;rtlichen Sinne: "Das Geheimnis nach einem Klingen", so Widmann, "auch das antizipierende Vor-Klingen &ndash; der Raum dazwischen macht f&uuml;r mich das Wesen von Musik aus. Also: Intermezzi."&nbsp;

Wegweisender Beethoven-Zyklus von András Schiff in digitaler Erstveröffentlichung 

Im Jahre 2016 ver&ouml;ffentlichte ECM New Series eine Box mit Andr&aacute;s Schiffs Gesamteinspielung von Beethovens Klaviersonaten. Jetzt erscheint der Zyklus erstmals in digitaler Gestalt.&nbsp;

Vor knapp vier Jahren legte der Pianist Andr&aacute;s Schiff eine vielbeachtete Gesamteinspielung von Beethovens Klaviersonaten vor. Live aufgezeichnet bei Soloauftritten in der Tonhalle Z&uuml;rich, erschien der Zyklus beim M&uuml;nchener Label ECM New Series in einer sorgf&auml;ltig edierten Box mit umfangreichem Booklet und elf Tontr&auml;gern, darunter eine auch gesondert erschienene Bonus-CD mit "Encores after Beethoven": Zugaben von Bach, Haydn, Mozart, Schubert und Beethoven, die Schiff bei seinen Recitals in Z&uuml;rich aufgef&uuml;hrt hatte und denen er eine poetisch-atmosph&auml;rische N&auml;he zu Beethovens Klaviersonaten attestierte.&nbsp;
&Ouml;ffentliche Reaktionen
Der Zyklus, der vor seiner kompakten Gesamtherausgabe im Jahre 2016 im Zeitraum 2004-2008 bereits in acht Einzelver&ouml;ffentlichungen erschienen war, erfuhr international viel Zuspruch. Als Vorz&uuml;ge von Schiffs Beethoven-Interpretation markierte die &Ouml;ffentlichkeit das klangsinnliche Gesp&uuml;r des Pianisten, seine Detailfreude und seine neugierige Haltung, mit der er sich dem schon so oft aufgenommenen Schl&uuml;sselwerk der Klavierliteratur gewidmet hatte. Schiffs Spiel besitze sowohl "Stimmungszauber" als auch "Klarheit", lobte das Klassik- und Jazzmagazin Fono Forum die klangliche Balance des Pianisten in der f&uuml;nften Folge des Zyklus mit den Sonaten Nr. 16-18 und 21 ("Waldstein-Sonate"). Einige Auff&uuml;hrungen der sp&auml;ten Sonaten seien so m&auml;chtig, trieb der Musikkritiker Andrew Clements im Guardian seine W&uuml;rdigung der Gesamtedition auf die Spitze, dass Schiff damit all seine Vorg&auml;nger hinwegfege.&nbsp;
Digitale Erstver&ouml;ffentlichung&nbsp;&nbsp;
Jetzt erscheint der binnen kurzer Zeit zur Referenzaufnahme avancierte Beethoven-Zyklus von Andr&aacute;s Schiff erstmals in digitaler Gestalt. Im Beethoven-Jahr 2020, dem 250. Geburtstag des Wiener Klassikers, ein notwendiger Schritt, wird so doch dem wachsenden Segment des Publikums, das entweder gar nicht mehr oder zumindest nicht mehr ausschlie&szlig;lich auf physische Ausgaben zugreift, Gen&uuml;ge getan. Diesen H&ouml;rerinnen und H&ouml;rern bietet sich jetzt die Chance, Schiffs ebenso durchdachte wie leidenschaftliche <a href="http://www.klassikakzente.de/ludwig-van-beethoven/home">Beethoven</a>-Interpretation kennenzulernen.&nbsp;
Einen tiefen Einblick in die K&uuml;nstlerpers&ouml;nlichkeit des Pianisten gew&auml;hrt das in der digitalen Ausgabe als PDF verf&uuml;gbare Booklet der Edition, das bei ausgew&auml;hlten Services zum Download bereit steht. Die Gespr&auml;che zwischen dem Schweizer Journalisten Martin Meyer und Andr&aacute;s Schiff sind von elektrisierender Klugheit. Die Fotos des Pianisten vermitteln auf der gestischen Ebene einen Eindruck von seinem nachdenklichen K&uuml;nstlertum. Wichtige intellektuelle Anregungen, die nicht allein f&uuml;r das Fachpublikum von Belang sind, bieten schlie&szlig;lich die zwei Essays aus Schiffs eigener Feder und der Beitrag von Martin Meyer.
Die Rezension der physischen Ver&ouml;ffentlichung k&ouml;nnen Sie <a href="https://www.klassikakzente.de/andras-schiff/news-und-rezensionen/noble-klanggemaelde-andras-schiff-legt-beethoven-zyklus-vor-241670" target="_blank" rel="noopener">hier lesen</a>.

Frühromantisches Klangempfinden – András Schiff widmet sich Schubert erneut auf einem Hammerklavier

Andr&aacute;s Schiff setzt seine Entdeckungsreise in fr&uuml;hromantische Klanggefilde fort. Sein zweites Schubert-Album mit Interpretationen auf dem Hammerklavier widmet sich dem vision&auml;ren Sp&auml;twerk des &ouml;sterreichischen Komponisten.

Andr&aacute;s Schiff setzt seine Entdeckungsreise in fr&uuml;hromantische Klanggefilde fort. Sein zweites Schubert-Album mit Interpretationen auf dem Hammerklavier widmet sich dem vision&auml;ren Sp&auml;twerk des &ouml;sterreichischen Komponisten. Der Stil eines Komponisten speist sich nicht allein aus seinen pers&ouml;nlichen Phantasien und individuellen F&auml;higkeiten. Zu allen Zeiten finden K&uuml;nstler bestimmte kulturelle Voraussetzungen vor, die sie sich in irgendeiner Weise anverwandeln m&uuml;ssen. Die Stimmung, das soziale Umfeld, aber auch die technischen Fertigkeiten einer Epoche sind von kaum zu untersch&auml;tzender Bedeutung, will man zum Beispiel einem Ph&auml;nomen wie dem der musikalischen Romantik auf die Spur kommen.
Wienerischer Geschmack: Das Fortepiano von Franz Brodmann
Andr&aacute;s Schiff tut dies auf seine Weise. Der intellektuelle Pianist erkundet seit Jahren im Medium des Hammerklaviers das spezielle Klangempfinden von Franz Schubert. Schiff spielt ein Fortepiano von Franz Brodmann, das um 1820 in Wien gefertigt wurde. Das Instrument besitzt eine hohe sangliche und dynamische Qualit&auml;t. Zwar klingt es nicht so ausgewogen wie ein moderner Fl&uuml;gel. Daf&uuml;r verf&uuml;gt es &uuml;ber eine breite Palette an Klangfarben und eine erstaunliche Gelenkigkeit, die insbesondere den liedhaften und t&auml;nzerischen Neigungen von Franz Schubert entgegenkommt. "Es ist f&uuml;r mich ideal f&uuml;r Schuberts Tastenwerke geeignet", so Andr&aacute;s Schiff. "Es gibt etwas ganz Wienerisches in seinem Timbre, seiner zarten Sanftheit, seiner melancholischen Cantabilit&agrave;." &nbsp;
Der vision&auml;re Schubert: Eigenwilliges Sp&auml;twerk
Im Jahre 2015 ver&ouml;ffentlichte Andr&aacute;s Schiff bei ECM New Series sein erstes Album mit Schubert-Interpretationen auf dem Fortepiano und erntete daf&uuml;r international viel Zuspruch. Jetzt setzt er das Projekt mit Sp&auml;twerken von Franz Schubert fort. Schiff widmet sich auf seinem neuen Album den Klaviersonaten in c-Moll (D 958) und A-Dur (D 959), den "Vier Impromptus" (D 899) sowie den von Johannes Brahms posthum herausgegebenen "Drei Klavierst&uuml;cken" (D 946) des &ouml;sterreichischen Komponisten.
Was diese Werke bei all ihrer Mannigfaltigkeit eint, ist ihr innovativer Charakter, ihr moderner Atem. So stark Beethovens Einfluss immer noch nachwirkt, so deutlich tritt Schubert in seinen letzten Lebensjahren aus dem Schatten seines &uuml;berm&auml;chtigen Vorbilds heraus. Misha Donat analysiert dies in seinem eloquenten Booklet-Essay in erhellender Weise.
Bar jeder Nostalgie: Schiffs Modernit&auml;t 
Dabei erhebt sich allerdings unweigerlich die Frage, ob der weit in die musikalische Zukunft vorausblickende, der vision&auml;re Schubert auf einem modernen Fl&uuml;gel nicht viel besser aufgehoben w&auml;re? Man k&ouml;nnte dies meinen. Aber wenn man Schiffs neues Album h&ouml;rt, dann verfl&uuml;chtigt sich dieser Zweifel. Das prononcierte Spiel des ungarischst&auml;mmigen Pianisten und die Klangfarbenpracht seines Instruments funktionieren bar jeder Nostalgie. Es sind sogar vornehmlich die besonders modern anmutenden Ideen von Franz Schubert, die sich auf dem Fortepiano ausgezeichnet verwirklichen lassen.
So nimmt der fast ununterbrochene sangliche Fluss der "Vier Impromptus" bei Schiff fast rauschhafte Dimensionen an, und der schockierende Gef&uuml;hlstaumel, dem Schubert im zweiten Satz seiner sp&auml;ten Klaviersonate in A-Dur Ausdruck verleiht, entfaltet auf dem Hammerklavier eine noch drastischere Wirkung.
Dadurch verfestigt sich der Eindruck, dass sowohl Schuberts pers&ouml;nliche Gesten als auch sein wienerischer Einschlag auf dem Fortepiano ungefilterter zur Geltung kommen. Jedenfalls gelingt es Andr&aacute;s Schiff mit seinem empfindsamen, nicht selten improvisatorisch anmutenden Spiel, den seltsam quer zur Restaurationsepoche stehenden, innovativen Geist der Fr&uuml;hromantik im Wien der 1820er Jahre lebhaft zu vergegenw&auml;rtigen. &nbsp;&nbsp;

Ergreifende Zeitreise – Schiff spielt Schubert auf dem Hammerklavier

ECM New Series ver&ouml;ffentlicht ein Doppelalbum mit Schubert-Interpretationen von Andr&aacute;s Schiff. Das Besondere: Wir h&ouml;ren Schubert in Wiener Manier.

Als die historische Auff&uuml;hrungspraxis ihre Bl&uuml;tezeit hatte, konnte er die allgemeine Begeisterung nicht teilen. Obgleich ein zutiefst gebildeter Pianist, dem Werktreue nicht fremd war, wies er den dogmatischen Eifer mancher Interpreten doch entschieden zur&uuml;ck.
<h3>Singendes Klavier</h3>
Es waren die 1980er Jahre, und <a href="http://www.klassikakzente.de/andras-schiff" target="_self">Andr&aacute;s Schiff</a> schaltete sich mit scharfen Kommentaren in die Diskussion ein. "Die Zeit wird noch kommen", so der junge Pianist, "da wir Schubert-Sonaten auf Hammerklavieren von Conrad Graf spielen werden." Drei&szlig;ig Jahre sp&auml;ter muss er nun feststellen, dass seine Prognose eingetreten ist. Aber er ist keinesfalls b&ouml;se dar&uuml;ber, sondern r&auml;umt selbstironisch ein, dass sich seine "Prophezeiung erf&uuml;llt hat &ndash; durch mich selbst".
Das alles kann man nachlesen in seinem fulminanten Bekenntnis, das neben informativen Beitr&auml;gen von Misha Donat und Michael Ladenburger im CD-Booklet seines neuen Schubert-Albums abgedruckt ist. Schiff outet sich hier als Konvertit, der sich inzwischen mit gro&szlig;er Begeisterung historischen Fragen der Interpretation widmet. In moderater Form war dies allerdings schon immer so. Schiff spielte Schubert mit Vorliebe auf einem B&ouml;sendorfer-Fl&uuml;gel, den er im Gegensatz zu einem Steinway f&uuml;r wienerischer, gesanglicher hielt.
<h3>Schuberts Farben</h3>
Er verglich diesen Unterschied mit dem Gegensatz von Hochsprache und Dialekt. Danach hat der Steinway keinen Dialekt. Er verk&ouml;rpert die pr&auml;zise Neutralit&auml;t der Hochsprache. Der Fl&uuml;gel von B&ouml;sendorfer hingegen spricht wienerisch, und das hei&szlig;t eben: er singt. Er hat einen Geschmack, eine Herkunft, ein Geschlecht, und Schiff hat es seit jeher geliebt, den harmonischen Farben, dem Geschmack Schuberts auf die Spur zu kommen. Auf seinem neuen Album treibt er dieses Spiel nun einen Schritt weiter. Auf dem Hammerfl&uuml;gel von Franz Brodmann, der um 1820 in Wien hergestellt wurde, entdeckt er Klangnuancen Schuberts, die man in dieser Form noch nicht geh&ouml;rt hat. Das Hammerklavier kann zwar mit der klanglichen Ausgewogenheit eines modernen Fl&uuml;gels nicht mithalten. Daf&uuml;r f&ouml;rdert es aber Harmonien zu Tage, die bei einem modernen Fl&uuml;gel &uuml;bert&ouml;nt zu werden drohen. Das Hammerklavier hat d&uuml;nnere Bassseiten. Dadurch ist sein Klang weniger volumin&ouml;s. Andererseits geraten dadurch die h&ouml;heren T&ouml;ne nicht in den Hintergrund.&nbsp; &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
<h3>Gesteigerte Sogwirkung</h3>
Imponierend ist auch die Klangvielfalt des Instruments. Manchmal klingen die T&ouml;ne des Hammerklaviers wie eine Harfe, ein andermal wie ein Fagott. Das hat mit den Pedalen zu tun, die Schiff mit &auml;u&szlig;erster Akribie einsetzt. Und obwohl es zun&auml;chst fremd anmutet, Schubert auf dem Fortepiano dargeboten zu bekommen, erschlie&szlig;t sich das Experiment doch nach und nach. Der schlanke Klang entwickelt sogar eine Sogwirkung, und irgendwann hat man das Gef&uuml;hl, Schubert nie anders geh&ouml;rt zu haben. Wenn man dann zum Vergleich Schiffs Schubert-Interpretationen auf einem modernen Fl&uuml;gel&nbsp; heranzieht, ist man erstaunt, dass einem diese Aufnahmen jetzt auf einmal fremd vorkommen und man sich bereits nach dem Hammerklavier sehnt. Ein atemberaubendes Experiment, das auch durch die Auswahl der Schubert-Werke und Schiffs unfassbar weichen Anschlag zu einem poetischen Hochgenuss wird.
<h3>Tr&auml;umer und Perfektionist</h3>
Mit den ebenso t&auml;nzerischen wie melancholischen Moments musicaux (D 780, op. 94) und den vier tiefsinnigen Impromptus (D 935, op. 142) finden sich aphoristische Klanggebilde auf dem Album, die zu den Spezialit&auml;ten Franz Schuberts geh&ouml;rten. In dieses Feld passt auch die Ungarische Melodie in h-Moll (D 817) und das Allegretto in c-Moll (D 915). Die beiden Sonaten in G-Dur (D 894, op. 78) und B-Dur (D 960) wiederum zeigen, dass Schubert seine unersch&ouml;pfliche Imaginationskraft auch traumhaft sicher in klassische Formen zu bannen wusste. Andr&aacute;s Schiff, der nicht nur ein poetischer Tr&auml;umer, sondern auch ein leidenschaftlicher Perfektionist ist, stellt dies eindrucksvoll unter Beweis.&nbsp;

Ludwig van Beethovens Diabelli-Variationen in der Interpretation von Andras Schiff

Andr&aacute;s Schiff hat nach seiner vielfach preisgekr&ouml;nten CD-Einspielung s&auml;mtlicher 32 Klaviersonaten von Beethoven bei ECM nun eine Aufnahme der Diabelli-Variationen vorgelegt, die in mehrerer Hinsicht au&szlig;ergew&ouml;hnlich genannt werden muss.

&Uuml;ber den Rang der Diabelli-Variationen als Opus magnum im pianistischen &OElig;uvre von Beethoven und als eines der musikhistorisch gewichtigsten des Genres &uuml;berhaupt &ndash; mit den Goldberg-Variationen von Bach als Erbgut und den &bdquo;H&auml;ndel-Variationen&ldquo; von Brahms als Konsequenz &ndash; herrscht lange schon Einigkeit.
Dabei hat die Gr&ouml;&szlig;e des Werkes auf manche Pianisten &ndash; und nicht die unbedeutendsten &ndash; auch einsch&uuml;chternd gewirkt. Edwin Fischer oder Wilhelm Kempff haben zeitlebens ehrf&uuml;rchtig einen Bogen um dieses angeblich so sperrige Hauptwerk gemacht, das bisweilen als melancholischer, oft grimmig humorvoller Kommentar zur gesamten Musikliteratur erscheint und manchmal auch wie ein avantgardistischer Blick auf die Musik des zwanzigsten oder gar einundzwanzigsten Jahrhunderts wirkt.
Einen Mikrokosmos des Beethovenschen Genies nannte Hans von B&uuml;low dieses kompositorische Monument, das kein Variationenwerk im traditionellen Sinne darstellt, weil es das simple Thema nicht ornamental umspielt, sondern in seine Teile zerlegt, um aus dem musikalischen Material eine ganze Enzyklop&auml;die des Klavierspiels zu entwickeln.
Andr&aacute;s Schiff hat nach seiner vielfach preisgekr&ouml;nten CD-Einspielung s&auml;mtlicher zweiunddrei&szlig;ig Klaviersonaten von Beethoven bei ECM nun eine Aufnahme der Diabelli-Variationen vorgelegt, die in mehrerer Hinsicht au&szlig;ergew&ouml;hnlich genannt werden muss.
Zun&auml;chst hat der ungarische K&uuml;nstler das kolossale Variationenwerk mit zwei weiteren sp&auml;ten Hauptwerken f&uuml;r Klavier, der Sonate op. 111 und den Bagatellen op. 126 kombiniert. Im Falle der Sonate, die schon den markanten Schlusspunkt seiner Gesamtaufnahme aller Sonaten auf acht Alben bei ECM gesetzt hat, wird hier in dieser Neuaufnahme noch einmal auf eindrucksvolle Weise der innere Zusammenhang zu den Diabelli-Variationen bewusst gemacht. Das Thema der Arietta von op. 111 und der Walzer von Diabelli stehen beide in der Tonart C-Dur, sind auftaktig und im Dreiermetrum gestaltet. Noch auff&auml;lliger sind die gleichen Intervalle, die fallende Quarte C-G und die fallende Quinte D-G, die beide Themen charakterisieren. Und die Bagatellen sind alles andere als das, was der Begriff suggerieren mag. Es sind die letzten Auseinandersetzungen Beethovens mit seinem bevorzugten Instrument. Andr&aacute;s Schiff hat sie als ebenso poetische wie tiefsinnige Aphorismen, die vierte Bagatelle gar als &bdquo;eine geradezu d&auml;monischer Musik von erstaunlicher Modernit&auml;t&ldquo; bezeichnet.
Die Aufnahmen sind aber noch aus anderen Gr&uuml;nden bemerkenswert. Denn Andr&aacute;s Schiff hat seine Einspielung nicht auf einem modernen Steinway durchgef&uuml;hrt, vielmehr in zwei verschiedenen Fassungen auf zwei &auml;lteren Instrumenten: einem Hammerfl&uuml;gel aus der Zeit Beethovens, der die ganze reiche Klangwelt des Komponisten aufscheinen l&auml;sst, und einen originalen Bechsteinfl&uuml;gel von 1921, das bevorzugte Instrument eines Wilhelm Backhaus und eines Artur Schnabel, das auch f&uuml;r Andr&aacute;s Schiff ein nahezu vergessenes Klangideal darstellt. Die CD 1 enth&auml;lt die Sonate op. 111 und die Diabelli-Variationen, aufgenommen auf dem Bechsteinfl&uuml;gel, CD 2 dann eine zweite Fassung der Diabelli-Variationen und die Bagatellen op. 126 in einer Einspielung auf einem Fortepiano von Franz Brodmann aus dem Jahre 1821 aus Wien. Man hat somit die einmalige Gelegenheit eines Vergleichs dieser so unterschiedlichen, sehr differenzierten, auch durch die zus&auml;tzlichen Pedale au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Klangwelten, die sich so sehr von dem ausgeglichenen, k&uuml;hl-objektiven Ton eines modernen Instruments unterscheiden.
Schlie&szlig;lich hat Andr&aacute;s Schiff f&uuml;r seine Einspielung auf die Beethovensche Originalhandschrift des Werkes zur&uuml;ckgreifen k&ouml;nnen, die bisher unzug&auml;nglich gewesen ist und auch dank seiner Initiative und Unterst&uuml;tzung seit dem Jahr 2009 zur Sammlung des Bonner Beethoven-Hauses geh&ouml;rt. Mehr als jede andere Quelle des Werkes gibt dieses Original Aufschluss &uuml;ber den Schaffensprozess der Komposition, wobei Schriftduktus und Schriftdynamik subtile Hinweise auf Spannungsb&ouml;gen, Crescendi und Tempi geben. Die Handschrift verschafft Einblicke in die Werkstatt des Komponisten und ist zugleich unsch&auml;tzbare Br&uuml;cke zu den Intentionen Beethovens.
Das 2-CD-Set enth&auml;lt ein 52-seitiges Booklet mit Texten von Andr&aacute;s Schiff, Michael Ladenburger und Paul Griffiths sowie Musikerfotos und Faksimiles von Beethovens Originalhandschrift.

Große Musik spricht für sich selbst - András Schiff spielt das Wohltemperierte Clavier

Nach seinen hochgelobten Neueinspielungen der "Goldberg-Variationen" und der sechs Partiten widmete sich Andr&aacute;s Schiff auch dem Wohltemperierten Clavier erneut im Rahmen einer Aufnahme f&uuml;r ECM New Series, die neue interpretatorische Ma&szlig;st&auml;be setzt.

Bereits dem jungen Andr&aacute;s Schiff wurde w&auml;hrend der 1980er Jahre weltweit gro&szlig;e Anerkennung f&uuml;r seine Aufnahmen von Bachs Klavierwerken zuteil. Im Zuge seiner Langzeitverbindung mit ECM New Series legte er w&auml;hrend der zur&uuml;ckliegenden Jahre Revisionen aus der Perspektive eines altersweisen Interpreten vor, die noch gr&ouml;&szlig;ere Begeisterung ausl&ouml;sten: die "Goldberg-Variationen" (2001) und die sechs Partiten BWV 825-830 (2007), beides intime Konzertaufnahmen. Seine neuerliche Einspielung des Wohltemperierten Claviers entstand im August 2011. Im Auditorium Radiosvizzera Italiana in Lugano gelang eine wundervolle Studioaufnahme der B&uuml;cher I und II, die neue Ma&szlig;st&auml;be der Interpretation setzt. Schiffs pers&ouml;nlicher Steinway-Fl&uuml;gel wurde eigens angeliefert, um das Spiel des Meisterpianisten auf dem Instrument seiner Wahl einzufangen. Gipfelwerk der Klavierliteratur Das aus zwei B&uuml;chern bestehende Wohltemperierte Clavier durchmisst in jeweils 12 Satzpaaren aus je einem Pr&auml;ludium und einer Fuge in chromatischer Abfolge aufsteigend den gesamten Raum der Dur- und Molltonarten. Von Bach verfasst zum "Nutzen und Gebrauch der Lehrbegierigen Musicalischen Jugend", als Spiel- und Kompositionsanleitung sowie als systematische Erforschung der aus Werckmeisters wohltemperierter Stimmung resultierenden modulatorischen M&ouml;glichkeiten gilt das Werk un&uuml;bertroffen in Bezug auf den &Uuml;berfluss seines Erfindungsreichtums und seinen Einfluss auf nachfolgende Komponistengenerationen. "Haydn, Mozart, Beethoven, Bart&oacute;k &ndash; sie kommen alle von Bach", erkl&auml;rte Schiff einmal im Hinblick auf das Wohltemperierte Clavier, "Bach verk&ouml;rpert den Gipfel der europ&auml;ischen Musikgeschichte." "Anfl&uuml;ge von Sentimentalit&auml;t" Im Einf&uuml;hrungstext zu seiner ECM-Einspielung der sechs Partiten legt <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;196441&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Andr&aacute;s Schiff auf KlassikAkzente mit News, H&ouml;rproben, Terminen, Videos, Bildern u.v.m. (http://www.klassikakzente.de/andras-schiff)&quot;}">Andr&aacute;s Schiff</a> seine Motivation zur wiederholten Aufnahme von Bachs Klavierzyklen dar: "Gro&szlig;e Werke sind viel gr&ouml;&szlig;er als ihre Interpreten. Wir bem&uuml;hen uns ein Leben lang, ihre Geheimnisse zu entdecken, ihre einzigartige Botschaft zu vermitteln. Wenn wir das imagin&auml;re Ziel auch nie ganz erreichen werden, gewinnen wir durch zahlreiche Auff&uuml;hrungen doch Erfahrungen und Kenntnisse, die uns Jahre fr&uuml;her noch verborgen geblieben waren." Auf eine Frage nach etwaigen M&auml;ngeln seiner fr&uuml;heren Aufnahmen, die er zu korrigieren beabsichtige, antwortete Schiff unl&auml;ngst: "Es gab Anfl&uuml;ge von Sentimentalit&auml;t, die ich seinerzeit nicht als sentimental empfand - doch mag ich Sentimentalit&auml;t nun einmal nicht. Vielleicht gewinnt man mit dem Alter an Sicherheit - man versp&uuml;rt nicht mehr die Notwendigkeit zu beeindrucken. Man wei&szlig;, dass es sich um ein gro&szlig;es Musikst&uuml;ck handelt, das f&uuml;r sich selbst sprechen kann." Die Kunst des pedallosen Spiels Als essenziell f&uuml;r das Verst&auml;ndnis von Bachs Kompositionen f&uuml;r Tasteninstrumente erachtet Andr&aacute;s Schiff die Entscheidung f&uuml;r einen modernen Konzertfl&uuml;gel. "Die Frage nach dem richtigen Instrument f&uuml;r Bach l&auml;sst sich unm&ouml;glich beantworten. Man kann nicht sagen, f&uuml;r welches Instrument etwa das Wohltemperierte Klavier geschrieben wurde. &lsquo;Clavier&rsquo; ist ein Sammelwort. Es steht f&uuml;r alle Tasteninstrumente, die Bach seinerzeit zur Verf&uuml;gung standen", erkl&auml;rt er. Heute sei im einzelnen kaum noch nachvollziehbar, welche der Pr&auml;ludien und Fugen Bach f&uuml;r Clavichord, Cembalo, Orgel oder Pedal-Cembalo schrieb. Der Konzertfl&uuml;gel kenne die Einschr&auml;nkungen der historischen Instrumente nicht und werde, davon ist Schiff &uuml;berzeugt, allen Werken des Wohltemperierten Claviers gerecht. Auf den Einsatz des Pedals verzichtet er grunds&auml;tzlich. "Die Klarheit der Polyphonie und die Stimmf&uuml;hrung m&uuml;ssen selbstverst&auml;ndlich sein, da gibt&rsquo;s keinen Platz f&uuml;r Konfusionen."

Die Geister, die Robert Schumann rief …

Robert Schumann k&auml;mpfte sein Leben lang. Erst rang er um die eigene Tonsprache, die Anerkennung als Komponist, um die Gunst von Clara Wieck und deren Hand bei ihrem strengen Vater, schlie&szlig;lich mit spieltechnischen Beschr&auml;nkungen, physischen und zuletzt auch psychischen Problemen. Da er ein hochsensibler Mensch war, fanden viele dieser Auseinandersetzung direkt oder indirekt auch ihren Weg in die Musik. Bei keinem anderen Komponisten der Romantik h&ouml;rt man in &auml;hnlicher Konsequenz die Stimmung, die den K&uuml;nstler bei der Kreation seines Werks beeinflusste.

Robert Schumann k&auml;mpfte sein Leben lang. Erst rang er um die eigene Tonsprache, die Anerkennung als Komponist, um die Gunst von Clara Wieck und deren Hand bei ihrem strengen Vater, schlie&szlig;lich mit spieltechnischen Beschr&auml;nkungen, physischen und zuletzt auch psychischen Problemen. Da er ein hochsensibler Mensch war, fanden viele dieser Auseinandersetzung direkt oder indirekt auch ihren Weg in die Musik. Bei keinem anderen Komponisten der Romantik h&ouml;rt man in &auml;hnlicher Konsequenz die Stimmung, die den K&uuml;nstler bei der Kreation seines Werks beeinflusste. Manches wirkt in wunderbarer Weise unbeschwert, anderes erscheint, als w&uuml;rde eine schwere B&uuml;rde auf den Schultern lasten. Dazwischen unendlich viele Variationen der Farben und harmonischen, melodischen Schattierungen. Robert Schumann ist der wom&ouml;glich komplexeste Romantiker, sicher aber einer von denen, die am schwersten zu spielen sind, will man &uuml;ber einen Standard der Wirkung hinauskommen. Andr&aacute;s Schiff wei&szlig; das und n&auml;hert sich dem Komponisten auf beeindruckend empathische Weise, ohne dabei in die Fallgruben der Sentimentalit&auml;t zu tappen. Zehn Jahre nach dem Erfolg des grandiosen &bdquo;In Concert&ldquo;-Programms baut er einen ganzen Kosmos auf, angefangen bei fr&uuml;hen Albumbl&auml;ttern wie den &bdquo;Papillons&ldquo;, die noch Unbek&uuml;mmertheit nur so zu schweben scheinen, &uuml;ber die opulente &bdquo;Klaviersonate fis-Moll op.11&ldquo;, die m&auml;chtige &bdquo;Fantasie C-Dur&ldquo; und die genrehaften &bdquo;Kinderszenen&ldquo; bis hin und den malerischen &bdquo;Waldszenen&ldquo;, dem r&auml;tselhaft verhangenen &bdquo;Thema mit Variationen&ldquo;, das den Beinamen &bdquo;Geistervariationen&ldquo; tr&auml;gt, und einer Wiederaufnahme des dritten Satzes der &bdquo;Fantasie C-Dur&ldquo;, die Schumann in seinen sp&auml;ten Jahren vor dem Wahnsinn noch einmal &uuml;berarbeitete. Gerade die selten gespielten &bdquo;Geistervariationen&ldquo; stellen in diesem Zusammenhang ein Juwel der Interpretation dar. Clara Schumann notierte 1854 in ihr Tagebuch, ihr Mann Robert sei nachts aufgestanden und habe ein Thema zu Papier gebracht, was ihm die Engel eingegeben h&auml;tten. Die ganzen restlichen Stunden bis zum Morgengrauen seien ihm Visionen erschienen und tats&auml;chlich wurde das kurze Werk das letzte vollst&auml;ndige, das er noch vollendete. F&uuml;r Andr&aacute;s Schiff f&uuml;hrt es unmittelbar zur Ausgabe letzter Hand der Fantasie, die er selbst in der Sz&eacute;ch&eacute;nyi-Bibliothek in Budapest anhand des originalen Manuskripts erforscht hat und die f&uuml;r den Pianisten weit schl&uuml;ssiger erscheint als die &uuml;blicherweise bevorzugt Notenfassung. Aufgenommen wurde dieses bewegende Schumann-Programm im Reitstadl von Neumarkt unter der &Auml;gide des Produzenten von ECM und ECM New Series Manfred Eicher, dem es hier in Kooperation mit Andr&aacute;s Schiff gelingt, ein musikalisches Dokument zu schaffen, das die Vorstellung der Interpretation der Klaviermusik der Romantik pr&auml;gen wird.

40 Jahre ECM - Highlights Teil 2

Kim Kashkashian / Eleni Karaindrou: Ulysses' Gaze: Es war das dritte Album, das die griechische Komponistin Eleni Karaindrou mit Musik f&uuml;r Filme ihres Landsmanns Theo Angelopoulos aufnahm. Und es ist eine besondere Klangreise durch die elegischen R&auml;ume der musikalischen Phantasie, die sie unter anderem mit der Viola-Spielerin Kim Kashkashian zusammenbrachte. Aufgenommen wurde im Dezember 1994 und bereits im folgenden Jahr zog &ldquo;Ulysses' Gaze&rdquo; die Aufmerksamkeit der internationalen Kultur&ouml;ffentlichkeit auf sich. Denn der Film von Angelopoulos wurden in Cannes mit dem Gro&szlig;en Preis der Jury ausgezeichnet. Und das war nicht zuletzt auch ein Verdienst von Eleni Karaindrous kongenialer Musik.

Kim Kashkashian / Eleni Karaindrou: Ulysses' Gaze Es war das dritte Album, das die griechische Komponistin Eleni Karaindrou mit Musik f&uuml;r Filme ihres Landsmanns Theo Angelopoulos aufnahm. Und es ist eine besondere Klangreise durch die elegischen R&auml;ume der musikalischen Phantasie, die sie unter anderem mit der Viola-Spielerin Kim Kashkashian zusammenbrachte. Aufgenommen wurde im Dezember 1994 und bereits im folgenden Jahr zog &ldquo;Ulysses' Gaze&rdquo; die Aufmerksamkeit der internationalen Kultur&ouml;ffentlichkeit auf sich. Denn der Film von Angelopoulos wurden in Cannes mit dem Gro&szlig;en Preis der Jury ausgezeichnet. Und das war nicht zuletzt auch ein Verdienst von Eleni Karaindrous kongenialer Musik. Andr&aacute;s Schiff: Bach &ndash; Goldbergvariationen Inzwischen ist der ungarische Starpianist Andr&aacute;s Schiff wieder zu Bach zur&uuml;ckgekehrt, nachdem er w&auml;hrend der vergangenen Jahre vor allem durch seinen Beethoven-Zyklus Furore gemacht hatte. Es ist ein Rekurs auf Aufnahmen wie die der &ldquo;Goldbergvariationen&rdquo;, die im Oktober 2001 entstanden waren &ndash; &uuml;brigens bereits die zweite ihrer Art, nachdem Schiff zwei Jahrzehnte zuvor sich des Zyklus' f&uuml;r die Decca angenommen hatte. Der Live-Mitschnitt aus Basel jedenfalls hatte alles, um als Sensation gefeiert zu werden. Denn selten zuvor war es einem Pianisten gelungen, derart intensiv und zugleich analytisch dieses Bach'sche Meisterst&uuml;ck zu interpretieren. Eine Aufnahme mit Referenz-Charakter. John Abercrombie: Timeless Das Album hei&szlig;t &ldquo;Timeless&rdquo; und das ist es auch noch nach 35 Jahren. Denn im Juni 1974 fanden sich der damals noch wenig bekannte Gitarrist und Spezialist des f&uuml;r ihn typischen &ldquo;Single Note&rdquo;-Stil John Abercrombie, der Organist und Pianist Jan Hammer und der Schlagzeuger Jack DeJohnette im Studio ein, um an einer Klangvorstellung zu arbeiten, die sich irgendwo zwischen Funk und Postbop, Fusion und Modern Sound bewegte. Heraus kamen sechs St&uuml;cke, die l&auml;ssiger kaum klingen konnten. Hammers dezent groovende Orgel, DeJohnettes transparent flie&szlig;ende Rhythmen und Abercrombies minimalistische alterierte Tongirlanden verschmolzen zu einer jenseits der damaligen Stilvorstellungen funktionierenden Klangeinheit. &ldquo;Timeless&rdquo; eben. Chick Corea: Return To Forever Der Bassist Stanley Clarke, vor kurzem auf seine wichtigsten musikalischen Erfahrungen hin angesprochen, meinte, er habe vieles gemacht, sei aber besonders dankbar, dass er damals bei einer wegweisenden Combo wie &ldquo;Return To Forever&rdquo; h&auml;tte dabei sein d&uuml;rfen. Tats&auml;chlich ver&auml;nderte das gleichnamige Album die Vorstellung von modernem Fusion-Sound. Der Pianist Chick Corea, die S&auml;ngerin Flora Purim, der Schlagzeuger Airto Moreira und Joe Farrell an Fl&ouml;te und Saxofon lie&szlig;en Brasilianisches und Amerikanisches, Rockmusikalisches und befreit Jazzendes ineinander laufen und schufen damit im Februar 1972 einen komplette eigenst&auml;ndigen Sound. Und sie formulierten mit St&uuml;cken wie &ldquo;La Fiesta&rdquo; Standards des modern jazzigen Repertoires. Ein Klassiker. Besuchen Sie <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;40 Jahre ECM&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;40 Jahre ECM&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:0,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.ecm40.de&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;opacity&quot;:&quot;&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">www.ecm40.de</a>

Jahresrückblick 2008 Teil 1 - Von Kaufmann bis Karajan

Alle Jahre wieder kommt die Krise. Zeitungen sind voll von schlechten Nachrichten, fast m&ouml;chte man meinen, das letzte St&uuml;ndlein des Abendlandes habe geschlagen. Dabei reicht ein Blick auf die Kultur, um die Skeptiker vom Gegenteil zu &uuml;berzeugen. Denn gerade 2008 hat eine k&uuml;nstlerische und vor allem musikalische Vielfalt geboten, die den Trend der vergangenen Jahre hin zu einer neuen Begeisterung f&uuml;r Konzert, Oper &amp; Co mehr als best&auml;tigte. Es war das Jahr gro&szlig;er Jubil&auml;en von Herbert von Karajan bis Giacomo Puccini. Es war das Jahr neuer Stars wie Jonas Kaumann oder Danielle De Niese und es war auch das Jahr technischer Innovationen vom boomenden digitalen Markt bis hin zum High End Video Format Blue Ray. Da gibt es viel zu erz&auml;hlen und berichten, zu staunen und zu loben. Ein kleiner Jahresr&uuml;ckblick mit reichlich Pressestimmen erinnert daher an einige der H&ouml;hepunkte

Alle Jahre wieder kommt die Krise. Zeitungen sind voll von schlechten Nachrichten, fast m&ouml;chte man meinen, das letzte St&uuml;ndlein des Abendlandes habe geschlagen. Dabei reicht ein Blick auf die Kultur, um die Skeptiker vom Gegenteil zu &uuml;berzeugen. Denn gerade 2008 hat eine k&uuml;nstlerische und vor allem musikalische Vielfalt geboten, die den Trend der vergangenen Jahre hin zu einer neuen Begeisterung f&uuml;r Konzert, Oper &amp; Co mehr als best&auml;tigte. Es war das Jahr gro&szlig;er Jubil&auml;en von Herbert von Karajan bis Giacomo Puccini. Es war das Jahr neuer Stars wie Jonas Kaumann oder Danielle De Niese und es war auch das Jahr technischer Innovationen vom boomenden digitalen Markt bis hin zum High End Video Format Blue Ray. Da gibt es viel zu erz&auml;hlen und berichten, zu staunen und zu loben. Ein kleiner Jahresr&uuml;ckblick mit reichlich Pressestimmen erinnert daher an einige der H&ouml;hepunkte.
Der Januar begann mit einem Paukenschlag. Nachdem die Wiener Philharmoniker in gewohnter Bravour ihr Neujahrskonzert pr&auml;sentiert hatten und mit dem 83-j&auml;hrigen Georges Pr&ecirc;tre zum ersten Mal in der Geschichte der Reihe einen franz&ouml;sischer Dirigent an das Pult des Kulturereignisses geladen hatten, erlebte die Opernwelt eine ungemein spannende Premiere. Jonas Kaufmann, der charmante Tenor aus M&uuml;nchen, gab mit &bdquo;Romantic Arias&ldquo; seinen Einstand bei der Deutschen Grammophon. Das Echo auf das Album mit Melodien von Weber bis Bizet war gewaltig. Kaufmann galt schnell als &bdquo;Shootingstar der deutschen Opernszene&ldquo; (Morgenpost am Sonntag) und wurde neben den Fachorganen auch ausf&uuml;hrlich in der Tagespresse gefeiert, als jemand der &bdquo;die Herzen zum Schmelzen&ldquo; (Mannheimer Morgen) bringe und &bdquo;13 Zauberst&uuml;cke der Operngeschichte in Klang-Magie verwandelt&ldquo; (Bild am Sonntag). Etwas sperriger, daf&uuml;r eine Musik, die &bdquo;den H&ouml;rer wie in einer Kathedrale umherf&uuml;hren&ldquo; (taz) kann, stellte der franz&ouml;sische Pianist Pierre-Laurent Aimard mit seiner Interpretation von Johann Sebastian Bachs &bdquo;Kunst der Fuge&ldquo; vor. Die Einspielung gelang ihm derart nachhaltig, dass sich die Rezensenten selbst inspiriert f&uuml;hlten. Das Album sei &bdquo;eine Erz&auml;hlung von abenteuerlicher Versunkenheit in Klang und Mensch&ldquo; (Berliner Zeitung), die &bdquo;absolute technische Beherrschung mit fast meditativer Versenkung verbindet&ldquo; (Partituren), &bdquo;ein kompliziertes Sudoku&ldquo; (Die Zeit), das die &bdquo;Einsamkeit in der H&ouml;he des Gipfels&ldquo; (Musikforum Berlin) erahnen l&auml;sst.
Der Februar ist der Monat der Masken und Verkleidungen. Im Karneval werden die b&ouml;sen Geister vertrieben und das Faur&eacute; Quartett setzte mit einer spektakul&auml;ren Einspielung der Klavierquartette von Johannes Brahms Ma&szlig;st&auml;be. Tats&auml;chlich muss man lange suchen, um ein Kammermusikensemble zu finden, das mit vergleichbarer Verve sich dieser gro&szlig;en Werke annimmt. Dementsprechend meinte auch die Neue Z&uuml;richer Zeitung in &Uuml;bereinstimmung mit zahlreichen Kollegen, das sei eine &bdquo;restlos packende Aufnahme&ldquo; und der Rezensent der Fachzeitschrift Partituren schw&auml;rmte von &bdquo;delikatestem Fingerspitzengef&uuml;hl&ldquo;&nbsp; und der &bdquo;Transparenz und Detailgenauigkeit&ldquo; der Aufnahme.
Neues gab es auch aus dem Hause Wunderlich zu vermelden. Mit Sorgfalt werden inzwischen die musikalischen Erbst&uuml;cke des fr&uuml;h verstorbenen genialen Tenors ediert und so wurde unter anderem ein Album pr&auml;sentiert, das Fritz Wunderlich als Bach-Interpreten mit Passagen aus der &bdquo;Matth&auml;us-Passion&ldquo;, dem &bdquo;Magnificat&ldquo;, der &bdquo;Osterkantate&ldquo; und dem &bdquo;Oster-Oratorium" in Erinnerung rief. Im Sommer folgte dann mit Verdis &bdquo;Requiem&ldquo; ein "Kultobjekt f&uuml;r die Nachwelt" (Crescendo), von dem man in der Neuen Frankfurter Presse lesen konnte. "Es ist ein einmaliges Dokument der Musikgeschichte ... weil es die einzige Aufnahme dieses gro&szlig;artigen Werkes mit dem legend&auml;ren Tenor Fritz Wunderlich".
Er war kein wirkliches Comeback, denn genau genommen hatte sich der Startenor Rolando Villaz&oacute;n nur eine kurze Auszeit geg&ouml;nnt. Um so begeisterter reagierte die Klassikwelt, als sich der Stimmvirtuose im M&auml;rz mit seinem neuen Album &bdquo;Cielo e mar&ldquo; auf der B&uuml;hne zur&uuml;ckmeldete. Voll frischer Kraft wandte &bdquo;der mexikanische Wundertenor&ldquo; (Freundin) mit der &bdquo;Traumstimme&ldquo; (Bild am Sonntag) sich heute vergessenen Komponisten wie dem Brasilianer Ant&ocirc;nio Carlos Gomes, dessen italienischen Kollegen Saverio Mercadante, Giuseppe Pietri oder auch selten gesungenen Arien wie aus Gaetano Donizettis &bdquo;Poliuto&ldquo; zu und entf&uuml;hrte mit &bdquo;leidenschaftliche[m] Sichverstr&ouml;men&ldquo; (Frankfurter Allgemeine Zeitung) die Opernfans auf &bdquo;eine emotionale Reise&ldquo; (Neue Z&uuml;richer Zeitung). Ein gro&szlig;er Wurf gelang der amerikanischen Geigerin Hilary Hahn. Sie hatte sich vom ungew&ouml;hnlichen Spiel der Farben, Stimmungen und Ausdrucksm&ouml;glichkeiten von Arnold Sch&ouml;nbergs Violinkonzert begeistern lassen und es nach mehreren Jahren auf der B&uuml;hne mit dem Schwedischen Radio-Symphonieorchester unter Esa-Pekka Salonen auf CD festgehalten, zusammen mit einem weiteren Klassiker des anspruchsvollen Konzerterlebens, dem Violinkonzert von Jean Sibelius. Aus aller Welt kam das Lob f&uuml;r Hahns gelungene Interpretation und die ersten Preise bekam sie daf&uuml;r bereits zugesprochen. So war sie die Nummer eins der Leserwahl &bdquo;Choc des Lecteurs&ldquo; des einflussreichen franz&ouml;sischen Magazins Le Monde de la Musique und wurde gleich f&uuml;r zwei Grammys nominiert, die im Februar 2009 entschieden werden.
Der April stand ganz im Zeichen Herbert von Karajans, der am 5. des Monats seinen 100. Geburtstag gefeiert h&auml;tte. Bereits von Jahresbeginn an wurde die Musik&ouml;ffentlichkeit durch zahlreiche Ver&ouml;ffentlichungen aus dem Hause Universal Classics &amp; Jazz von den fr&uuml;hen Decca-Recordings &uuml;ber Brahms und die Kompilation &bdquo;Gold&ldquo; bis hin zu Eliette von Karajans H&ouml;rbuch &bdquo;Mein Leben an seiner Seite&ldquo; auf diese Jubil&auml;um eingestimmt. Es sei daher &bdquo;kein Gedenkjahr, sondern ein Festjahr&ldquo;, konstatierte die Augsburger Allgemeine. &bdquo;Der Mythos lebt weiter&ldquo; meinte die Badische Zeitung, der Tagesspiegel feierte Karajan als &bdquo;Generalmusikdirektor Europas&ldquo; und in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung hie&szlig; es knapp und pr&auml;gnant &bdquo;Karajan ist und bleibt das Nonplusultra&ldquo;. &bdquo;Karajan Gold&ldquo; mit den popul&auml;rsten Aufnahmen aus der DG Diskografie auf zwei CDs erwies sich als Bestseller und kletterte sogar bis auf Platz 31 der Popcharts. &bdquo;Karajan - das Portrait&ldquo; von Robert Dornhelm f&uuml;hrte auf DVD mit&nbsp;Proben- und&nbsp;Interview-Auschnitten Karajans und zahlreichen Statements von Anne-Sophie Mutter, Helmut Schmidt, Simon Rattle und Christa Ludwig in Werk und Leben des Dirigenten ein und die Biografie von Richard Osborne &bdquo;Karajan Mensch und Mythos&ldquo; als H&ouml;rbuch mit Joachim Kr&oacute;l als Sprecher komplettierte das Angebot.
Trotzdem hatte der Monat noch mehr zu bieten. Danielle de Niese zu Beispiel. &bdquo;Es l&auml;sst sich nicht leugnen; de Niese ist ein Star&ldquo;, meinte die ehrw&uuml;rdige The Times und sagte der jungen australisch-amerikanischen Sopranistin eine glorreiche Zukunft voraus. Mit ihrem Deb&uuml;t bei der Deutschen Grammophon &bdquo;Handel Arias&ldquo; wurde sie diesem Anspruch gerecht, zeigte eine &bdquo;strahlend-zauberhafte Stimme&ldquo; und &bdquo;sensationell perfekte Koloraturen wie aus dem Opernbilderbuch&ldquo; (Neue W&uuml;rttembergische Zeitung), &bdquo;stimmliche Butterkrem&ldquo;, wie die Hannoversche Neue Presse s&uuml;ffisant anmerkte.
Ein weitere, konstanter H&ouml;hepunkt war au&szlig;erdem die Pr&auml;sentation der sechsten Folge des Beethoven-Zyklus' des ungarischen Klaviermeister Andr&aacute;s Schiff bei ECM New Series. Sie stellte einen vorl&auml;ufigen H&ouml;hepunkt der achtteiligen Gesamteinspielung des Sonatenwerks dar und die wurde schlie&szlig;lich im September mit den letzten Volumes abgeschlossen. Inzwischen vielfach international pr&auml;miert f&uuml;hrt Schiff damit den Beweis, dass er nicht nur zu internationalen Spitze der Klavierelite geh&ouml;rt, sondern dar&uuml;ber hinaus durch die feinsinnige Kraft seine Spiels selbst einem Monument wie Beethovens Sonatenzyklus neue Dimensionen abgewinnen kann.
Alles neu macht der Mai und im Fall von Gustavo Dudamel scheint das Sprichwort zuzutreffen. Denn der venezolanische Dirigent und sein Sim&oacute;n Bol&iacute;var Youth Orchestra of Venezuela stellte mit &bdquo;Fiesta&ldquo;, flankiert von der DVD-Doku &bdquo;The Promise Of Music&ldquo;, viel ungew&ouml;hnliches Repertoire aus S&uuml;damerika vor&nbsp; und traf damit den Nerv der Zeit. &bdquo;Ein echter Kracher! Dampfende Rhythmen, sch&auml;umende Bl&auml;ser, schmachtende Streicher&ldquo;, jubilierte der Rezensent in Partituren. Der Kollege von Stereoplay schw&auml;rte, es sei &bdquo;ein wunderbarer Einstieg in die bunte Welt der lateinamerikanischen Musik&ldquo; und Dudamels Orchester klinge &bdquo;herrlich vital und zugleich beseelt, elegant und pr&auml;zise, funkenspr&uuml;hend und transparent&ldquo;. Er spiele &bdquo;mit vollem Risiko, wild, ekstatisch, furios&ldquo; brachte es schlie&szlig;lich die Besprechung im Hifi-Magazin Audio auf den Punkt.
Oper hie&szlig; das Zauberwort in der neuen Folge der Infotainment-Serie &bdquo;Der kleine H&ouml;rsaal&ldquo;, die vor allem junge H&ouml;rer an die Geheimnisse der klassischen Musik heranf&uuml;hrt. Diesmal lies sich die Theaterfrau und Bayreuth-Spezialistin Katharina Wagner von den neugierigen Kindern im Studio L&ouml;cher in den Bauch fragen und kam damit auch bei der Presse gut an. "Man wei&szlig; nicht, was man mehr bewundern soll: die kluge Gespr&auml;chsf&uuml;hrung Katharina Wagners oder die hellwachen Einw&auml;nde und Anmerkungen der Kinder, von denen die Regisseurin sp&uuml;rbar beeindruckt ist&ldquo;, konnte man in der Westdeutschen Allgemeinen Zeitung lesen. &bdquo;Beeindruckt sein wird auch so manch erwachsener H&ouml;rer, der ebenfalls einen unbeschwerten, vielleicht sogar den entscheidenden Zugang zur klassischen Musik erh&auml;lt." Diese Meinung konnte sich sogar bei den gestrengen Kollegen der Fachzeitschrift Opernglas durchsetzen, die da urteilten: "So ist diese f&uuml;nfte Folge des 'Kleinen H&ouml;rsaals' ebenso unterhaltsam wie informativ und eignet sich f&uuml;r Erwachsene wie f&uuml;r Kinder, um mehr von 'H&auml;nsel und Gretel', aber auch &uuml;ber das Regief&uuml;hren zu erfahren - inklusive der Feststellung Katharina Wagners: 'Eine richtige Regie gibt es nicht!'"
Die wirkliche &Uuml;berraschung des Monats, ja sogar des ganzen Klassiksommers waren aber die M&ouml;nche des Stifts Heiligenkreuz im Wienerwald. Denn die musikalischen Zisterzienser hatten im Anschluss an einen Wettbewerb eine CD mit liturgischen Ges&auml;ngen und dem schlichten Titel &bdquo;Chant &ndash; Music For Paradise&ldquo; aufgenommen, die international die Hitparaden hinauf wanderte. Es war ein &bdquo;&uuml;berirdischer Klang&ldquo; (Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung), den Pater Karl und seine Br&uuml;der pr&auml;sentierten und der offenbar ein Bed&uuml;rfnis vieler Menschen nach Spirituellem traf. &bdquo;Die Liturgie als Chill Out&ldquo; zu verwenden verwunderte das Hamburger Abendblatt, das sich aber ebenso wie viele Kollegen von denn &bdquo;bet&ouml;rende[n] gregorianische[n] Litaneien&ldquo; faszinieren lie&szlig;.
Zur&uuml;ck ins Weltliche, ja ins prall gef&uuml;llte Klangerleben f&uuml;hrte im Juni der Pianist Wladimir Horovitz. &nbsp;Am 21. Juni 1987 war der umschw&auml;rmte Meister der Goldenen &Auml;ra des Klavierspiels im Rahmen seiner Abschiedstournee in der Hamburger Laeiszhalle zu Gast. Der Norddeutsche Rundfunk zeichnete den Abend auf und verwahrte daraufhin die B&auml;nde sorgsam in seinem Archiv. Im Juni 2008 nun, im 100. Jahr des Bestehens der Hamburger Konzerthalle, wurden die Aufnahmen wieder hervorgeholt und wurden zu einer kleinen Sensation des Klassiksommers. So konnte man stellvertretend f&uuml;r viele Kollegen die Juni-Ausgabe des Magazins KulturSpiegel&nbsp; lesen: &bdquo;Der Altmeister war, anders als etwa vorher in Berlin, gut in Form. Schon das Eingangsst&uuml;ck, Mozarts Rondo K 485, wurde dank subtil ged&auml;mpfter Vorschlagnoten und artiger Launenwechsel zum Kabinettst&uuml;ck, &auml;hnlich wie vor der Pause Liszts 'Soir&eacute;es de Vienne'; dazwischen gelang Mozarts B-Dur-Sonate K 333 inniger als vorher im Studio. Schumanns 'Kinderszenen', einen seiner Paradezyklen, tauchte Horowitz ins milde Licht der Weisheit; mit einer Chopin-Mazurka im schwebenden Piano und der legend&auml;r herben As-Dur-Polonaise (trotz kleiner Fehler hier geradezu eine Et&uuml;de &uuml;ber die M&ouml;glichkeit des Klavierspielens selbst) endete der offizielle Teil. Mit einem 'Moment musical' von Schubert und der hinrei&szlig;enden Piano-Akrobatik von Moszkowskis 'Feuerfunken' verabschiedete der 83-J&auml;hrige dann sein Publikum&ldquo;.
Neues gab es auch von Juan Diego Fl&oacute;rez zu h&ouml;ren. Der peruanische Startenor versammelte auf &bdquo;Bel Canto Spectacular&ldquo; nicht nur einige der sch&ouml;nsten Arien des Genres von Rossini, Donizetti und Bellini auf einer CD, sondern mit Partnerinnen wie Anna Netrebko, Patrizia Ciofi und Daniela Barcellona und f&uuml;r einen Bonus Track sogar Placido Domingo herausragende K&uuml;nstler, die an seiner Seite die Opernwelt bet&ouml;rten. Er sei ein &bdquo;melancholieumd&uuml;sterter M&auml;rchenprinz wie aus einer anderen Epoche&ldquo; r&auml;sonierte daraufhin Die Welt, die Stuttgarter Zeitung lobte die &bdquo;vokalartistische Meisterleistung&ldquo; und der Rezensent der Frankfurter Allgemeinen Zeitung meinte treffend: &bdquo;F&uuml;r die Stimme von Florez gibt es die Gesetze der Schwerkraft nicht&ldquo;. Ein Magier gab sich die Ehre.
(Fortsetzung folgt)

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Es war ein langer Weg und er hat András Schiff zu einem großen Ziel geführt, das für ihn jedoch nur eine weitere Station einer Entwicklung bedeutet, die er als prinzipiell unvollendbar versteht. "Wie Restauratoren alter Gemälde", meint der Meisterpianist im Begleittext der achten Folge seines Beethovenzyklus', der gemeinsam mit Volume VII nun bei ECM New Series erscheint, "müssen wir Interpreten die Krusten der Konvention, all den Staub und Schmutz entfernen, um diese Werke in ihrer originalen Frische neu erstrahlen lasen zu können. Als Musiker erreichen wie niemals die absolute Spitze, wir müssen immer fortfahren mit dem Anstieg. Und je höher wir kommen, desto weiter wird der Horizont. Wir sind dankbar für diese Momente, die unser Leben bereichern" - und auch das der Zuhörer, die in den Genuss kommen, an diesen lichten Augenblicken teilzuhaben.

Es war ein langer Weg und er hat András Schiff zu einem großen Ziel geführt, das für ihn jedoch nur eine weitere Station einer Entwicklung bedeutet, die er als prinzipiell unvollendbar versteht. "Wie Restauratoren alter Gemälde", meint der Meisterpianist im Begleittext der achten Folge seines Beethovenzyklus', der gemeinsam mit Volume VII nun bei ECM New Series erscheint, "müssen wir Interpreten die Krusten der Konvention, all den Staub und Schmutz entfernen, um diese Werke in ihrer originalen Frische neu erstrahlen lasen zu können. Als Musiker erreichen wie niemals die absolute Spitze, wir müssen immer fortfahren mit dem Anstieg. Und je höher wir kommen, desto weiter wird der Horizont. Wir sind dankbar für diese Momente, die unser Leben bereichern" - und auch das der Zuhörer, die in den Genuss kommen, an diesen lichten Augenblicken teilzuhaben. Zeit seines Lebens war Ludwig van Beethoven fasziniert vom Klavier und schrieb dafür einige seiner zentralen Werke. Das verwundert wenig, denn zum einen war es eines der modernsten Instrumente seiner Epoche und bot auf der anderen Seite die Möglichkeit, in konkret-analytischer Weise die Übersicht und Kontrolle über die Musik zu behalten. Die 32 Klaviersonaten als wichtiges Experimentierfeld mit den Optionen struktureller, formaler Arbeit und deren Relativierung entstanden zwischen 1795 und 1822. Sie begleiteten den Komponisten von jungen Jahren bis ins hohen Alter, ließen ihn verspielt mit der Wiener Klassik kokettieren oder im Falle der rätselhaften "Sonate Nr.32 in c-moll, op.111" die formalen Grenzen der Gattung in Frage stellen. Sie wurden zu Hits wie die "Mondscheinsonate", zu Klassikern des Salonpianos wie die "Pathétique" und dokumentierten in vielfacher Art die künstlerische Gestaltungskompetenz des Komponisten. Insofern stellt es eine besondere Herausforderung dar, den Zyklus komplett von den Werken des jungen Virtuosen bis zu denen des introvertierten Sonderlings zu interpretieren, der bereits ertaubt nur noch im Geiste mit den Harmonien jonglierte. Der ungarische Pianist András Schiff hat sich in bereits sechs hoch gelobten Folgen chronologisch dieser Grundlagenwerke angenommen und führt nun mit den späten Sonaten in den Folgen VII und VIII den Zyklus zu Ende. Hans von Bülow meinte einmal, die späten Beethoven-Sonaten seien das Neue Testament der Musik und bis heute gelten die zwischen 1814 und 1822 entstandenen Werke ab der Opuszahl 90 als besonders kunstvolle Monumente der Tonkunst. Tatsächlich bergen sie auch für den Interpreten zahlreiche Besonderheiten. So meint András Schiff etwa über die "Hammerklaviersonate" op.106, sie sei "wahrscheinlich das schwierigste Werk der gesamten Klavierliteratur, sowohl technisch, wie strukturell, atmosphärisch als auch metaphysisch". Gelungen ist ihm die Darstellung in atemberaubender Feinheit und zugleich mitreißender Energie, die im Konzert Publikum wie Kritik hinriss. Denn auch die sechs abschließenden Sonaten wurden mit der Inspiration von Live-Aufnahmen festgehalten, im Frühling und Herbst 2006 in der Tonhalle in Zürich und dem Reitstadl in Neumarkt, sowohl auf Bösendorfer wie auf Steinway Flügeln, je nach klanglichen und charakterlichen Bedürfnissen der Werke. Aufgenommen in bestmöglicher Qualität von den erfahrenen Klangspezialisten der ECM New Series und herausgegeben in exklusiver Edition, ausführlich im Booklet vom Künstler mit Interviews und Stellungnahmen begleitet, bieten sie derzeit die Ultima Ratio in punkto Beethoven-Sonaten und sind für sich Meisterwerke der Interpretation, die die Visionen des klassischen Genies sympathetisch in die Gegenwart umsetzen. Mehr Informationen zu Andras Schiff und den Aufnahmen von ECM finden sie unter <A class=sololink href="http://www.ecm-records.de">www.ecm-records.de</A>

Zart und flehend, humorvoll mit Esprit

Es gab bereits viel Lob für András Schiff. Eben erst bekam die Folge IV seiner Neueinspielung der Klaviersonatenwerks von Ludwig van Beethoven den Vierteljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik in der Sparte "Klaviermusik" überreicht. Die durch Klarheit, Sensibilität und wegweisende Klanggestaltung gekennzeichneten Aufnahmen gelten bereits vor ihrer vollständigen Veröffentlichung als Musterbeispiel zeitgenössischer und zugleich zeitloser Interpretation, bei der der Genius des Komponisten und der des Musikers sich komplementär ergänzen. Da macht auch die Folge V mit den mittleren "Sonaten op.31" und der "Waldsteinsonate, op.53" keine Ausnahme.

Es gab bereits viel Lob für András Schiff. Eben erst bekam die Folge IV seiner Neueinspielung der Klaviersonatenwerks von Ludwig van Beethoven den Vierteljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik in der Sparte "Klaviermusik" überreicht. Die durch Klarheit, Sensibilität und wegweisende Klanggestaltung gekennzeichneten Aufnahmen gelten bereits vor ihrer vollständigen Veröffentlichung als Musterbeispiel zeitgenössischer und zugleich zeitloser Interpretation, bei der der Genius des Komponisten und der des Musikers sich komplementär ergänzen. Da macht auch die Folge V mit den mittleren "Sonaten op.31" und der "Waldsteinsonate, op.53" keine Ausnahme.Kategorisierungen helfen zwar der Übersicht, behindern aber auch den Blick auf das einzelne. "Gerade der Beethoven-Spieler muss sich alle erdenkliche Mühe gehen, niemals schematisch oder stereotyp zu verfahren" meinte András Schiff bereits mit Blick auf die gängigen Unterscheidungen in die drei Schaffensphasen des Komponisten früh, mittel und spät. "Aber obwohl wir innerhalb der ersten Gruppe eine Fülle von verschiedenen Formen und Stoffen bemerken, glaube ich doch einen gewissen Grundzug zu bemerken. Zwischen 1795 und 1801 etablierte sich Beethoven als ein grandioser Meister der Charakterisierungskunst wie der Experimentierfreude. Sechs Jahre genügen, den Typus 'Klaviersonate' in allen möglichen Konstellationen zu entfalten ... Dagegen zeitigt dann die mittlere Periode eher eine Konzentration der Kräfte, sowohl im Umgang mit dem thematischen Material wie im Satzbau - Beethoven wird hier nicht unbedingt strenger, aber gewissermaßen entschlossener. Als Interpreten kommen wir nicht umhin, solche Entwicklungen der Handschrift unsererseits verstehbar und erfahrbar zu machen". Das gilt zum einen für die ersten Werke der mittleren Periode, vor allem aber auch für die drei unter der Werkzahl op.31 entstandenen Sonaten der Jahre 1801 und 1802 und die über den Zeitraum 1803/4 geschriebene "Sonate C-Dur op.53", die aufgrund der Widmung an Beethovens Förderer und Freund Graf Ferdinand Ernst von Waldstein unter dem Beinamen "Waldstein-Sonate" bekannt wurde.   Gerade letztere gehört bereits in die Phase des Übergangs zu den späten, philosophischeren Werken des Komponisten. Bereits der erste Satz von op.53 übertrifft aller bisherigen Kopfsätze der Sonaten an Umfang und unkonventioneller Gestaltung. Das Thema etwa, ein aufgelöster C-Dur-Dreiklang in der Basslage und die Antwort im Diskant erzeugen enorme Spannung, die Wiederholung und das Seitenthema in E-Dur unerwartete Klangfarbe, die vor allem durch die Sechzehntelfiguren im Bass flächige Eindrücke hervorrufen. Auf die drei übrigen Werke bezogen charakterisiert Schiff seine Vorstellung folgendermaßen: "Die erste Sonate in G-Dur ist ein extrem geistreiches Werk, vielleicht Beethovens geistreichste Sonate überhaupt. Außerdem ist sie virtuos, extrovertiert und voll von überraschenden Inspirationen. Die zweite Sonate hat den nicht unpassenden Beinamen 'Der Sturm'. Sie ist durchgehend dunkel in der Stimmung und ihre Effekte sind hochdramatisch, mit einer allgegenwärtigen 'literarischen' Haltung. Die dritte Sonate in Es-Dur schließlich ist wahrscheinlich am schwersten in Worte zu fassen: Auf der einen Seite erscheint sie zart, flehend, inständig, mit einer lyrischen, sehr evidenten Grundstimmung. Andererseits enthält sie im Scherzo und im Finale ein hochgeistiges und nachdrückliches Gespür für Bewegung". Die Aufnahmen von op. 31 und op.53 entstanden im Dezember 2005 live in Zürich im Rahmen des groß angelegten Konzertzyklus von András Schiff, der in die CD-Versionen für ECM New Series mündet. Und sie wurden wie schon die vorangegangenen Folgen auf zwei verschiedenen Flügeln, einem Bösendorfer (op. 31) und einem Steinway Grand (op. 53), festgehalten, um ein Höchstmaß an Klangfarbenreichtum und Variabilität zu gewährleisten.

András Schiff - Auf den Spuren des Meisters

András Schiff hat es sich zur Aufgabe gemacht, das Sonatenwerk von Ludwig van Beethoven vollständig nach seinen Vorstellungen einzuspielen. Schrittweise geht er vor, Edition für Edition, und ist nun bei der vierten Folge seiner Aufnahmen angelangt. Es handelt sich um vier Werke der mittleren Schaffensphase, die Sonaten opp. 26, 27(1/2) und 28, die mit der berühmten "Mondscheinsonate" zu den bekanntesten Stücken der Klavierliteratur überhaupt gehören. Und Schiff ist sich seiner Verantwortung durchaus bewusst, der bereits umfassenden Aufnahmegeschichte eine weitere, ungewohnte Interpretation hinzuzufügen.

Andr&aacute;s Schiff hat es sich zur Aufgabe gemacht, das Sonatenwerk von Ludwig van Beethoven vollst&auml;ndig nach seinen Vorstellungen einzuspielen. Schrittweise geht er vor, Edition f&uuml;r Edition, und ist nun bei der vierten Folge seiner Aufnahmen angelangt. Es handelt sich um vier Werke der mittleren Schaffensphase, die Sonaten opp. 26, 27(1/2) und 28, die mit der ber&uuml;hmten "Mondscheinsonate" zu den bekanntesten St&uuml;cken der Klavierliteratur &uuml;berhaupt geh&ouml;ren. Und Schiff ist sich seiner Verantwortung durchaus bewusst, der bereits umfassenden Aufnahmegeschichte eine weitere, ungewohnte Interpretation hinzuzuf&uuml;gen.
Das Pedal ist Ansichtssache. Je nachdem, welcher Tradition ein K&uuml;nstler folgt, hat er eine eher skeptische, liebevolle oder auch brachiale Vorstellung vom Einsatz dieses zentralen Mittels pianistischen Ausdrucks. War es zu Mozarts Zeiten noch ein Mechanismus, der unter dem Tastenbrett angebracht und mit dem Knie bet&auml;tigt wurde, differenzierte sich die Instrumententechnik w&auml;hrend der folgenden Jahrzehnte und erm&ouml;glichte auf f&uuml;r Beethoven neue Klangvariationen. Dabei ist die Bedeutung des rechten Pedals immens. Es hebt nicht nur die D&auml;mpfer von den Saiten und erm&ouml;glicht ihnen dadurch die nat&uuml;rliche Dauer des Klangs, sondern f&uuml;hrt auf diese Weise auch dazu, dass eine gro&szlig;e Anzahl von Obert&ouml;nen jeder einzelnen Saite freigesetzt wird, was durchaus zu Schwingungskollisionen f&uuml;hren kann. Andr&aacute;s Schiff, der mit der in Ungarn und den in sozialistischen Bruderstaaten seiner Jugend gepflegten pathetisch und pedalgewogenen Darstellungstraditionen musikalisch sozialisiert wurde, hat daher ein vieldeutiges Verh&auml;ltnis zu diesem markanten Ausdrucksmittel und formuliert es in der Sonate in cis-Moll, op.27/2 mit aller Deutlichkeit. Denn indem er nahezu w&auml;hrend des gesamten ersten Satzes das Pedal liegen l&auml;sst, &uuml;berh&ouml;ht er die romantizistischen Interpretationsgewohnheiten und kontrastiert dazu einen Raum voller hintergr&uuml;ndiger, behutsamer Dissonanzen. Das ist ebenso radikal wie provozierend, greift aber durchaus auf die Seelenlagen eines Komponisten zur&uuml;ck, der w&auml;hrend der Entstehungszeit der Sonaten opp.26-28 (1800/01) bereits von einsetzender Taubheit und anhaltenden Leibschmerzen geplagt war und erst gegen Ende 1801 sich von den massiven gesundheitlichen Einschnitten zumindest zeitweilig erholte: "Etwas angenehmer lebe ich jetzt wieder, indem ich mich mehr unter Menschen gemacht. Du kannst es kaum glauben, wie &ouml;de, wie traurig ich mein Leben seit 2 Jahren zugebracht; wie ein Gespenst ist mir mein schwaches Geh&ouml;r &uuml;berall erschienen, und ich floh die Menschen, mu&szlig;te Misanthrop scheinen und bin's doch so wenig" (Beethoven an Franz Wegeler, 16. November 1801). &nbsp; Der Komponist ist die eine Seite, der Interpret die andere. So gro&szlig;artig die Werke erscheinen m&ouml;gen, so sind sie doch nur so gut, wie ein K&uuml;nstler sie darzustellen vermag. Im Fall von Andr&aacute;s Schiff ist sich die Kritik bereits nach er H&auml;lfte der Einspielungen einig, dass seine Vorstellungen und Umsetzungen von Beethovens zentralem Klavier-Oeuvre zu den herausragenden Interpretationen unserer Tage geh&ouml;rt. So merkte der Kritiker des englischen Observer angesichts der im Herbst ver&ouml;ffentlichten dritten Folge der Sonaten-Aufnahmen an: "Wie immer ist Schiff ein Meister des Details. Oft re-phrasiert er Passagen, von denen man dachte, man w&uuml;rde sie gut kennen, und entwickelt feine Nuancen, wobei er niemals den &Uuml;berblick &uuml;ber die &uuml;bergreifende Architektur des St&uuml;cks verliert. Live in der Z&uuml;richer Tonhalle aufgenommen und dank Schiffs Glaube an die Vitalit&auml;t des Spiels vor Publikum, wurde dies zu einer ausgezeichneten Folge eines au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Zyklus'". An diese ausgewiesene Differenziertheit schlie&szlig;t der inzwischen 53j&auml;hrige Pianist nun mit dem vierten Teil seiner Besch&auml;ftigung mit Beethoven an. "Zwischen 1795 und 1801 etablierte sich Beethoven als ein herausragender Meister der Kunst der Charakterisierung", meint Schiff im Gespr&auml;ch mit dem Musikwissenschaftler Martin Meyer und erg&auml;nzt: "Und er schwelgte au&szlig;erdem in Experimenten". Genau diese Balance gelingt es Schiff,&nbsp; aus der Perspektive der Gegenwart zu rekonstruieren und in seinem Sinne zu verarbeiten.

Formakrobat, Ausdrucksjogleur

Die Klaviersonaten begleiteten Beethoven von jungen Jahren bis ins hohen Alter, ließen ihn juvenil mit der Wiener Klassik kokettieren oder im Falle der enigmatischen "Sonate Nr.32 in c-moll, op.111" die formalen Grenzen der Gattung in Frage stellen. Sie wurden zu Hits wie die "Mondscheinsonate", zu Klassikern des Salonpianos wie die "Pathétique" und dokumentierten in vielfacher Weise die künstlerische Gestaltungskompetenz des Komponisten. Auf der anderen Seite sind sie ein Destillat von Beethovens künstlerischem Schaffen, das selbst Pianisten vom Range eines András Schiff reizt, sie systematisch zu erforschen. Mit dem dritten Teil seiner Kompletteinspielung der Sonaten, nähert er sich nun den Werken am Übergang von der frühen zur mittleren Phase des Komponisten.

Die Klaviersonaten begleiteten Beethoven von jungen Jahren bis ins hohen Alter, ließen ihn juvenil mit der Wiener Klassik kokettieren oder im Falle der enigmatischen "Sonate Nr.32 in c-moll, op.111" die formalen Grenzen der Gattung in Frage stellen. Sie wurden zu Hits wie die "Mondscheinsonate", zu Klassikern des Salonpianos wie die "Pathétique" und dokumentierten in vielfacher Weise die künstlerische Gestaltungskompetenz des Komponisten. Auf der anderen Seite sind sie ein Destillat von Beethovens künstlerischem Schaffen, das selbst Pianisten vom Range eines András Schiff reizt, sie systematisch zu erforschen. Mit dem dritten Teil seiner Kompletteinspielung der Sonaten, nähert er sich nun den Werken am Übergang von der frühen zur mittleren Phase des Komponisten.Es gehörte in Wien zum gesellschaftlichen Umgang, bei Fürst Lichnowsky die Kammermusikabende Beethovens zu besuchen. Der junger Hofmusiker aus Bonn hatte es nach seiner Ankunft in der Musikmetropole Wien 1792 schnell geschafft, sich als Klaviervirtuose und Lebemann in der höfischen Gesellschaft zu etablieren. Es waren unbekümmerte Jahre für den Mitzwanziger. Mäzene hielten ihm der Rücken frei, Verleger kauften seine Werke für ansehnliche Preise. An seinen Bonner Freund Franz Wegeler schrieb er im Juni 1801: "Meine Komposizionen tragen mir viel ein, und ich kann sagen, dass ich mehr Bestellungen habe, als fast möglich ist, dass ich machen kann. Auch habe ich auf jede Sache 6, 7 Verleger und noch mehr; wenn ich's mir angelegen sein lassen will, man accordiert nicht mehr mit mir, ich fordere und man zahlt". Bis auf erste Anzeichen beginnender Taubheit ging es Beethoven so gut wie wenigen anderen Komponisten seiner Zeit. Er revanchierte sich bei seinen Gönnern, indem er ihnen zahlreiche Werke widmete, und Musik schrieb, die in den Salons der Adeligen aufgeführt werden konnte. Die Klaviersonaten gehören darüber hinaus zu Beethovens künstlerischem Lebensweg über mehr als zwei Jahrzehnte hinweg, von den erfolgreichen bis zu den eigenbrödlerischen Phasen. Sie waren zum einen Spielwiese seiner gestalterischen Fähigkeiten, wo er im kleinen mit Form und Struktur experimentieren konnten. Sie entwickelten sich darüber hinaus zu einem der Höhepunkte von Beethovens Klavierwerk überhaupt, denn mit ihnen perfektionierte er sowohl den Sonatenhauptsatz als auch den Sonatenzyklus als übergeordnetes Schema und beeindruckte damit nicht nur sein Publikum, sondern auch zahlreiche nachfolgende Musikkollegen. Von Franz Liszt etwa stammt die Einteilung der 32 Werke in drei Phasen - "l'adolescent" (op.2 - op. 22), "l'homme" (op. 26 - op. 90) und "le dieu" (op. 101 - op. 111) -, die sich bis heute als gängige Gliederung erhalten hat. Und die Chronologie erscheint weiterhin so sinnvoll, dass auch Koryphäen wie der Starpianist András Schiff ihr folgen: "Meine Entscheidung soll dem Zuhörer den ungeheuren Prozesscharakter des Sonatenwerks vergegenwärtigen - nicht nur die Vielfalt der Formen  und Stimmungen innerhalb einer Periode, sondern auch die geschichtliche Entwicklung über Jahrzehnten. Dabei verweist Früheres auf Späteres, und das Spätere holt - natürlich mit je spezifischen Mitteln - Elemente der Vorangegangenen ein. Schließlich ist es auch für mich selbst spannend, diesen Schaffensbogen so nachzugestalten, als wäre er wie zum ersten Mal zu überblicken und in eine große Erzählung zu bringen. Man macht da selbst beim scheinbar Vertrautesten überraschende Entdeckungen". Teil drei der "Piano Sonatas" besteht aus den zwischen 1795 und 1797 Sonaten op.49 (die nur wegen ihrer späten Veröffentlichung in der Chronologie höhere Nummern zugeordnet bekamen), außerdem dem beiden Sonaten op.14 und der Sonate op.22. Das gelegentlich geäußerte Argument, die Werke op. 49 wären noch Präludien späterer Meisterschaft, lässt Schiff nicht gelten. "Beethoven ist bereits in den frühen Sonaten ein Psychologe nicht nur für die Organisation der Sätze nach ihrer inneren Logik, sondern auch für den Satzverbund, was wir bei späteren Werken noch intensiver bemerken und spüren mögen". Was der Interpret damit meint, kann der Hörer nun am CD-Beispiel nachvollziehen, und Schiff in einen betörenden Kosmos differenzierten und humorvoll pointierten Ausdrucks folgen.

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Titel

Capella Andrea Barca András Schiff

ANDRÁS SCHIFF AT THE TEATRO OLIMPICO, VICENZA (Visual Album)

András Schiff at the Teatro Olimpico, Vicenza - Capella Andrea Barca

MOZART Symphony No. 35 in D Major, K. 385 "Haffner" Don Giovanni, K. 527: Overture Piano Concerto No. 20 in D Minor, K. 466 J.S. BACH Chromatic Fantasia and Fugue in D Minor, BWV 903

Bach: Goldberg Variations BWV 988 (2LP + Hi-Res Download)

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Andr&aacute;s Schiffs R&uuml;ckkehr zu den Goldberg-Variationen bei ECM New Series im Jahr 2003 &ndash; nach einer ersten Aufnahme f&uuml;r Decca zwanzig Jahre zuvor &ndash; wurde als eine der gro&szlig;en Einspielungen der klassischen Musik gefeiert. Die Sunday Times sprach vom &bdquo;Ergebnis einer lebenslangen Hingabe an Bach&ldquo;.&nbsp; Nun erscheint Schiffs &uuml;berragende Interpretation von Bachs Schl&uuml;sselwerk erstmals als Doppel-LP in einer aufwendig gestalteten Neuausgabe, verpackt in einem Tip-on-Gatefold und begleitet von einem 12-seitigen Booklet mit einem von Andr&aacute;s Schiff verfassten &bdquo;Reisef&uuml;hrer&ldquo; durch die Goldberg-Variationen. Darin fragt er abschlie&szlig;end: &bdquo;Ist es nicht verst&auml;ndlich, dass jeder Musiker dieses wunderbare Werk spielen m&ouml;chte? Seine tiefe Menschlichkeit und Spiritualit&auml;t, sein Optimismus und seine intellektuelle Kraft sprechen uns in diesen &sbquo;wirren Zeiten&lsquo; unmittelbar an. Dies ist eine jener wenigen Reisen, die man immer wieder unternehmen kann.&ldquo;
Die New York Times urteilte: &bdquo;Herr Schiff ist bei Bach ein Ph&auml;nomen. Er hat diese Musik ganz und gar verinnerlicht. Er f&uuml;hrt sie nicht einfach auf &ndash; er l&auml;sst sie vielmehr aus sich herausstr&ouml;men, atmet sie.&ldquo; Die M&uuml;helosigkeit seines Spiels in diesem Konzertmitschnitt aus Basel ist auf stille Art &uuml;berw&auml;ltigend; sein hochdifferenzierter Anschlag und sein Gesp&uuml;r f&uuml;r die Architektur des Werkes machen die Goldberg-Variationen in all ihrer klanglichen und strukturellen Vielfalt erfahrbar.
&bdquo;Er hat sich unendlich mehr Gedanken gemacht, als in Worte zu fassen sind. Sein Klavierspiel ist ruhig, &uuml;bersichtlich, in den Tempi unspektakul&auml;r. Nie gibt er den Neunmalklugen, den Experimentator, jede Variation ist bei ihm ein atmendes Gebilde. Aber seine Details grenzen an Wahnsinn. Weil der Ungar jede vorgeschriebene Wiederholung spielt, gewinnt er Raum f&uuml;r seine Methodik der Abweichung. Es ergeben sich neue T&ouml;nungen wie Echos, die sich verselbstst&auml;ndigen, oder dialektische Man&ouml;ver in Phrasierung und Artikulation. Schiff l&auml;sst sich &uuml;berdies &ndash; darin Barocker Praxis nahe &ndash; Verzierungen einfallen, dass man aus dem Staunen nicht herauskommt.&ldquo; &ndash; Die Zeit
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András Schiff - Pressestimmen | Deutsche Grammophon

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