Violin Concerto · Violinkonzert No. 1 op. 6

Violin Concerto · Violinkonzert No.8 op. 47
»in modo di scena cantante«
Swedish Radio Symphony Orchestra
Eiji Oue
Int. Release 01 Sep. 2006
1 CD / Download
0289 477 6232 4


Niccolò Paganini (1782 - 1840)
Violin Concerto No. 1 in D Major, Op. 6, MS. 21


Louis Spohr (1784 - 1859)
Violin Concerto No.8 in A minor, Op.47 (Im Form einer Gesangsszene)

Hilary Hahn, Swedish Radio Symphony Orchestra, Eije Oue

再生時間合計 57:37

Hahn musical persona is one of sobriety . . . Her concerts and recitals consist of serious fare, with no concessions to fad or fashion.

Last night Hahn earned a standing ovation for a flawless rendition of Mendelssohn's E minor Violin Concerto. Backed by the UBS Verbier Festival Orchestra, she performed effortlessly with speed and energy, her fingers dancing devilishly across the strings . . . Her performances are evidently geared around producing the best possible result, regardless of what other factors are compromised. No beat is missed, no dynamic unnoticed and not once is the orchestra ever undermined by her playing. For her, emotions are conveyed through the music itself and not through exaggerated body language or tossing of hair, which is scraped back at all times.

. . . not just music, but music of the highest order and with deep honor and respect for the composer. Hilary Hahn had pulled it off, just as she had envisioned she could. Hats off to Hilary!! . . . Hahn¿s undeniably sweet tone and fleet technique carry this approach through the entire Paganini concerto and she gives us a fresh look . . . Hilary Hahn gives us a really compelling reading of the Spohr . . . I give a hearty thumbs up to this recording. If you like the Paganini, and I do as music qua music, it alone is worth the price of admission. The Spohr is an important piece, and deserves more attention. Hilary Hahn is proving to be a musical personality in her own right. She deserves all the attention she gets.

Paganini's concerto, which opens the disc, is a virtuoso showpiece filled with ricochet bowing, double-stopped thirds and spiraling runs, which Ms. Hahn plays with agile and efortless athleticism . . . Louis Spohr had written several operas by the time he finished his Violin Concerto No. 8 . . . Subtitled "In Moda di Scena Cantate," it takes the operatic theme even more literally. Short and infrequently performed, it is less showy and more serious in tone than the Paganini concerto but even more richly lyrical. Ms. Hahn plays the work with an ideal blend of dignity and stirring and stirring but never saccharine poignancy. The sound of violin in both of these dramatic, operatic concertos is like the ultimate contralto voice, ranging from a rich, throbbing alto through a warm mezzo to a light clear soprano . . . the Swedish Radio Symphony provides polished, robus accompaniment for Ms. Hahn as she sails gracefully through acrobatic passages and unfurls gleaming phrases with sumptuous tone.

The sound of her violin in both of these dramatic, operatic concertos is like an ultimate contralto voice, ranging from a rich, throbbing alto through a warm mezzo to a light, clear soprano . . . the Swedish Radio Symphony provides polished, robust accompaniment for Ms. Hahn as she sails gracefully through acrobatic passages and unfurls gleaming phrases with sumptuous tone.

Miss Hahn can let her hair down, as she does in these concertos, but she never lets her standards down. Her playing is both disciplined and musical. She is clean ¿ always ¿ but passionate. I would call her smartly passionate. Paganini's Rondo is a pure delight. And the Swedish Radio Symphony Orchestra, under Eiji Oue, collaborates admirably throughout the disc. Clearly, Miss Hahn is a complete violinist: She is justly celebrated as a Bach player, and she can trip through showy concertos with the best of them . . . might she compose some pieces for herself to play, one day? Her audience, I think, would be all ears.

After nearly 200 years Paganini still poses considerable challenges but Hilary Hahn's superior technique surmounts them easily, the highest and fastest passages accomplished with clarity, excellent intonation and no compromise on tonal quality. The notorious double-harmonics episode in the finale (tr 3, 2'00'') sounds so secure and beautiful that I began to suspect double-tracking, but no, all the other problems have been so well solved, there's no reason to believe she can't do it in one go. And Hahn's musicianship is of a high order; we hear the Concerto not as the patchwork of showy tricks and memorable tunes it often seems, but as a well crafted, unified work . . . I can't think of anyone who has excelled Hahn for finesse. Rather than striving to present the soloist as a heroic figure, she's content, with sympathetic orchestral support, to let us hear the concerto as a beautiful, enthralling piece. In the Spohr, Hahn plays the recitative sections with splendid, bold expressiveness, and in the brilliant final movement shows a winning combination of strength, delicacy and lyricism . . . It's an outstanding disc . . . and can only enhance Hahn's reputation.

Hilary Hahn plays the score complete and with such effortless command that the listener might be fooled into thinking that it really isn't all that difficult ¿ believe me, it is! Her legato is seamless, her intonation impossibly true under even the most fiendish pressure, her tone blemishless. Flying spiccato, forced harmonies, multiple stopping, sleight-of-hand arpeggios, rapid string-crossing ¿ all are seemingly child's play to this remarkable young player. Not only that, but Hahn goes beyond mere pyrotechnics, continually phrasing with the kind of sensitivity normally accorded bona fide masterpieces . . . this is easily the finest version of this once-popular work to have emerged since Zukerman's long-deleted account of the early 1970s for CBS. Lively and attentive accompaniments from Oue . . .

. . . a graceful rendition . . .

Hilary Hahn offers a thrilling, yet thoughtful performance . . .

. . . while Hahn¿s technique is more securely dazzling than ever, musical considerations come first . . . even the most jaw-dropping passage work has shape and a musical point.

[Hahn:] . . . 'in these recordings, no passage is meant to impress violinistically at the expense of its musical content.' Hahn certainly has the technique for such an approach: she makes very light work indeed of Paganini's First Violin Concerto's obstacle courses and at no point is virtuosity for its own sake permitted to take the upper hand. Spohr declared himself to have been 'alternately charmed and repelled' by Paganini's playing ¿ there is not much chance of anyone being repelled by Hahn's . . . everything is immaculately done.

Hilary Hahn is one of the hottest of today's young violin superstars . . . there seems to be nothing stopping her from overshadowing the competition in the crowded arena of concert violinists. It's not difficult to understand why Hahn is where she is today. She possesses an immense technical mastery of her instrument coupled with exceptional musicality and eloquence. She plays with a flashiness that isn't all-consuming but carefully balanced with refined expression and wrapped in polished articulation and execution . . . a wonderful recording . . . Hahn makes the virtuosity of the Paganini sound easy, maneuvering her way through the bravura writing with style and grace. She plays it with sparkling brilliance but also manages to effortlessly capture the work's inherent Italian lyricism. Hers isn't an excessive interpretation -- rather, it's intelligent, sincere and honest in its expressions and feelings. The Spohr contrasts forcefully with the Paganini . . . Hahn gives a remarkable performance that brings out the mellifluous character of the work wonderfully. Conductor Eiji Oue does a superb job accompanying Hahn. He allows her to shine and offers a fine balance between the soloist and the orchestra. And the Swedish Radio Symphony Orchestra plays luminously with clean articulation and polished phrasings.

She is certainly one of the brightest stars on the violin scene and she handles Paganini¿s First Concerto with aplomb ad sweetness in tone. And the Swedish Radio SO under Eiji Oue accompany Hahn well.

Paganini's Violin Concerto No 1 juxtaposes lyrical cantilenas against passages of breathtaking virtuosity, making huge demands on any soloist who dares to take it on . . . Hilary Hahn offers the most rhythmically accurate and technically secure account. She produces the most beguiling tone throughout, no matter what the level of difficulty.

Fingerbrecherische Virtuosität bewies sie mit dieser Einspielung [Spohr, Paganini] . . .

Hilary Hahn nimmt das jeweils berühmteste Konzert ihrer beiden Helden, um damit Paganinis Wort von der singenden Violine zu manifestieren. Das gelingt ihr gerade bei Paganinis D-Dur-Konzert ganz vorzüglich . . . Hilary Hahn spielt es mit der atemberaubenden Leichtigkeit einer Ausnahmegeigerin und verwandelt diese . . . Musik in ganz große Kunst. Spohrs berühmtes quasi einsätziges Konzert "in Form einer Gesangsszene" ist ungleich besser komponiert . . . Hilary Hahn spielt es sanglich elegant . . .

. . . ihr fabelhaft gespannter Ton, der nun von einer CD der Deutschen Grammophon erklingt, belebt mit seiner seelenvollen Aura noch die auftrumpfenden Kunststückchen der Ecksätze und findet im Mittelteil zu Ahnungen von Erhabenheit. Durch die schwedischen Rundfunk-Symphoniker unter . . . Eiji Oue begleitet, singt ihre Geige, nach Art des Belcanto. Ein "Gesangsalbum" nennt die Künstlerin denn auch ihre CD, auf der sie zusätzlich mit dem opernhaften achten Violinkonzert des fast vergessenen, dabei unterschätzten Paganini-Zeitgenossen Louis Spohr zu hören ist. "In Form einer Gesangsszene": Diese Musik und diese Künstlerin haben was zu sagen; macht nichts, dass die Worte fehlen.

Wo andere Paganini spielen, um zu zeigen, wie weit ihre Technik reicht, ist dieses Thema bei Hilary Hahn schnell abgehakt: an Technik muss man bei ihr keine Gedanken verschwenden. Zwar wird man anfänglich staunen, wie und vielleicht auch warum sie so leichtfüßig über alle Fallstricke des Handwerks hinwegtanzen kann, dann aber wird man sich einfach beruhigt zurücklehnen im wissen darüber, dass hier rein gar nichts schief gehen kann. Und wenn man sich zurückgelehnt hat, wird man nach einer Weile wieder staunen, wie viele Perspektiven Hahn einem Schaustück wie dem ersten Violinkonzert von Paganini und anschließend noch Spohrs selten gespielter »Gesangsszene« abgewinnt. Dabei tut sie das, verlässlich begleitet vom Schwedischen Rundfunksinfonieorchester unter Eiji Oue, ganz mühelos, mit einem klaren, doch weichen, an die Glanzzeiten von Itzhak Perlman erinnernden Ton, der mit geradezu chirurgischer Präzision jede musikalische Wendung blitzschnell, sauber und sehr individuell nachzeichnet und dabei nicht im Detail hängen bleibt, sondern mit einer bewundernswerten Natürlichkeit den Zusammenhang sucht und gestaltet und die Stücke dabei künstlerisch weiter trägt, als man es hätte vermuten mögen. Wie sehr Hahn musikalisch ¿ und nicht bloß instrumental oder gar geigerisch denkt ¿ zeigt auch die Werkauswahl selbst, die sich über die Konkurrenz der Zeitgenossen Paganini und Spohr hinwegsetzt und die Gemeinsamkeiten der Rivalen unterstreicht: ihre Liebe zum Melos, zum Gesang, zur großen, geschwungenen Linie als primären Antriebsmoment. Also: Hut ab vor dieser klugen Geigerin!

Die beste auf dem Geigen-Sektor ist Hilary Hahn. Die Amerikanerin kredenzt in ihrer neuen Einspielung Paganinis erstes Violinkonzert und Spohrs Konzert "in modo di scena cantante", aufmerksam und feinfühlig begleitet vom Swedish Radio Symphony Orchestra unter Eiji Oue. Ein Geschenk! Doppelgriffe von der Terz bis zur Oktave, Triller, Läufe ¿ klar, das beherrscht Hahn wie niemand sonst, und ihre Intonation ist von einem anderen Stern. Aber mit welch rhythmischer Präsenz, mit welcher Lust am Spiel sie immer hinter der Musik zurücktritt, sich nie produziert, das ist schlicht atemberaubend. Ein Hoch auf Hilary!

Wer immer sich diese CD als Hahn-Fan kauft, er wird nicht enttäuscht sein . . . Handwerklich beeindruckend, sauber, klar, imposant . . .

Natürlich hält Hilary Hahn jedem Vergleich stand . . . Ihre Kontrolle über alle manuellen Abläufe ist von einer unglaublichen Sicherheit, die Artikulation glasklar, die Intonation lupenrein. Das alles ist eine Qualität für sich . . . Hahns Interpretation lebt von Präzision, Tonschönheit und musikalischer Kultiviertheit . . . Es ist sehr erfreulich, wieder einmal einer Neuaufnahme von Louis Spohrs bekanntestem Violinkonzert, dem achten ("in modo di scena cantante"), zu begegnen. Auch hier zeichnet Hilary Hahn die kantablen Linien glasklar, nimmt Triller, Doppelgriffe und Staccati mit frappierender Leichtigkeit und gibt sich ganz ihrem Ideal von Tonschönheit hin.

Es war eine glückliche Programmidee, das D-Dur-Violinkonzert von Niccolò Paganini mit dem a-Moll-Konzert von Louis Spohr auf einer CD zu vereinigen, denn in beiden Werken verbindet sich zündende Virtuosität mit opernhaft-belcanto-artiger Kantabilität, und das Konzert von Spohr ist, wie schon sein Untertitel "In modo di scena cantante" besagt, sogar explizit einer Opernszene nachgebildet. Dieses gesangliche Moment hebt die Geigerin Hilary Hahn denn auch in besonderem Masse hervor ¿ und bringt dabei ihren berückend schönen, ebenmässigen Ton zu bester Geltung . . . An der phänomenalen geigerischen Überlegenheit der Solistin, die alle technischen Schwierigkeiten mit schattenloser Perfektion meistert und noch aus dem rasantesten Passagenwerk ein Maximum an melodischer Substanz herausfiltert, gibt es . . . nichts zu rütteln. Und dass sich Hahn für das etwas in Vergessenheit geratene Spohr-Konzert einsetzt, ist ihr hoch anzurechnen, denn dieses inspirierte gattungsübergreifende Werk aus dem Jahr 1816 macht neben dem . . . Paganini-Konzert eine mehr als gute Figur.

Das Paganini-Konzert muss man nicht lieben, das unterschätzte Spohr-Konzert "In Form einer Gesangsszene" aber schon. Wer Hilary Hahn hört, wird nie mehr ein böses Wort über Spohr sagen. Über Paganini auch nicht.

Hilary Hahn macht den tückischen Niccolò-Paganini-Parcours zur atemberaubenden Drahtseilnummer. Ihr markig-runder Ton bleibt nervig gespannt bis ins höchste Flageolett, wobei sie viel deklamatorisches Raffinement praktiziert. Paganini ist bei ihr nicht Zögling der Klassiker, dem man der perfekten satztechnischen Formung wegen jegliches Rubato eines abgefeimten Virtuosenauftritts opfern sollte. Doch es sind nicht die brillanten Effekte allein, die exorbitant schweren Doppelgriffe in Terzen, Sexten, Oktaven, Dezimen, die Kombination von Tremoli mit Melodien sowie Springbogen-Passagen, die in den Bann ziehen. Genussvoll kostet die Geigerin die lyrischen Momente im innigen zweiten Thema des Kopfsatzes aus und macht das "Adagio espressivo" nach dramatisch-pathetischer Einleitung des Orchesters zur ausdrucksvoll ausgesungenen Arie im Stil von Rossini ¿ sozusagen das innige Gebet eines Gefangenen um Befreiung. Das Gleichgewicht im Umgang mit den Spieltechniken wie mit musikalischen Substanzen berührt sympathisch. Da wird der diabolisch "verfluchten" Person Paganini große Ehre zuteil . . . [Spohr]: Sehr geschmackvoll schöpft Hilary Hahn den Wohllaut im 8. Violinkonzert aus, spielt pointiert dramatische Abschnitte und artikuliert griffig, was der Virtuose, Geigenlehrer und Dirigent Spohr an satztechnischen Feinheiten zu bieten hat.

. . . es [ist] ein Verdienst, wenn Hilary Hahn sich dieser Musik annimmt. Sie tut das nicht als furiose Zirkusvirtuosin, sondern mit uneiligem Ernst und schönem, geschmackvoll-schlankem Ton.

Die Klassik-CD des Monats [Dezember 2006]. Primadonna assoluta der Violine . . . Mit ihrer neuesten CD hat die erst 26 Jahre alte, aber längst zur Weltspitze zählende Hilary Hahn endgültig den Olymp der großen Geiger erklommen: Denn es gehört entschieden mehr dazu, das wunderbare, so opernhafte (und noch immer musikalische unterschätzte) erste Violinkonzert von Paganini ernst zu nehmen und es so vollkommen und so magisch zu spielen, anstatt es wie üblich zur puren Zirkusnummer zu degradieren. Hilary Hahn liefert hier eine in jeder Hinsicht perfekte, makellose und betörend schöne und fließende Aufführung, die selbst den abgebrühtesten Romantik-Skeptiker rühren muss . . . Und auch im vergessenen achten Spohr-Konzert, das eine grosse romantische Opernszene mit Rezitativ, Arioso und Cabaletta auf die Violine überträgt, zieht sie alle Register dramatischen Belcanto-Spiels und verzaubert uns durch ihr pulsierend-warmes, niemals verzuckertes, perfekt kontrolliertes Espressivo. Offenbar haben auch die schwedischen Radio-Symphoniker unter Eiji Oue diese Aura gespürt und mit schmissigen Tutti-Einsätzen effektvoll dagegengehalten. Ein dickes Lob gebührt auch dem Tonmeister, der die heikle Balance zwischen dem energischen Orchester und dem beseelten Soloinstrument sehr schön austariert hat.

. . . es [ist] ja nicht so, dass sie die halsbrecherischen Doppelgriffe, Sprünge, Staccati und Flageoletts im ersten Violinkonzert irgendwie klein spielt, verhehlt. Sie kommen glockenhaft-glasklar, mit schöner, runder Tongebung in der Tiefe, aber eben auch selbstverständlich, kontrolliert, mit einem gezielten Understatement ¿ als wolle sie in jedem Augenblilck kundtun: Auf all das kommt es nicht an . . . Es kommt, teilt uns die Amerikanerin mit, auf den Gesang auf der Geige an. Und tatsächlich: Wenn sie in den Seitenthemen und im langsamen Satz ihre Arien anstimmt, dann darf man sich beglückt zurücklehnen . . . Hahn bring mehr als nur eine Spur Belcanto ein, spielt intensiv, beseelt, leuchtend, in spürbarer Anverwandlung an die Stimme.

Wie auf weiter Bühne entwickelt sich so in Hahns erhabenem Paganini-Spiel der ganze paradoxe Zauber, zwischen Repräsentation und individuellem Ausdruck: der Virtuose zwischen Musiktheater und Manege. So selbstverständlich, blitzsauber, rhythmisch stabil und klar artikuliert klingen bei Hahn noch die verrücktesten Terz-Eskapaden, Doppelflageoletts und Perpetuum-mobile-Passagen, dass aus dem Akrobatischen heraus der musikalische Ausdruck wächst. Wie sie Spitzentöne belebt, mit welch geistesgegenwärtiger Überlegenheit sie die verschiedenen dramatischen Charaktere auf engstem Raum gegeneinander führt, bewirkt, dass das Paganinische Konzert nicht nur staunenswert ist, sondern auch berühren kann . . . Spohrs melancholisch-dunkles Konzert setzt ganz auf die kantable Linie, die virtuose Seite gibt sich eher perlend, in glitzernden Trillerketten, eleganten Läufen.

Hilary Hahn possède, sans contestation possible, une main gauche d'une vélocité et d'une précision époustouflantes et un archet d'une rapidité et d'une agilité mirobolantes. Même en cherchant bien, on ne trouve pas dans son exécution la moindre petite erreur d'intonation, la plus infime faiblesse d'articulation ou la plus petite bavure de phrasé . . . tout est beau, bien léché et nous sommes impressionnés . . . elle jette sur sa partition le même regard dénué de toute aménité, de tout humour, qu'elle a sur les photos du livret du CD.

Hilary Hahn nous propose l'une des interprétations les plus parfaites jamais gravées du pus célèbre des concertos de Paganini. Avec un contrôle phénoménal de l'intonation, de la sonorité et du moindre détail de virtuosité, elle repousse les limites de la perfection avec un aplomb et une autorité qui laissent pantois . . . Un dernier mot sur L'orchestre, qui s'adapte avec beaucoup de discipline au jeu de la virtuose américaine . . .

Sin miedo a disfrutar de su propia vena virtuosística, la intérprete se lanza, tras la prolongada introducción, a un lirismo sincero y penetrante que resulta tan fascinante como la personalidad de "II diavolo". ... Hahn refina al máximo la sonoridad del violín, para imitar con delicadeza la voz humana, en las distintas modulaciones a la que era sometida, tanto en la ópera francesa como en la italiana [Spohr]. ... Sin duda alguna, la violinista norteamericana ha dado una gran lección al rehuir las obras 'perfectas' y embellecer otras de menos consideración por los expertos, pero que tienen su tesoro en el amor con el que un intérprete sepa volverlas a la vida.
    Hilary Hahn – Life on the Road

Whether she is traveling, concertizing, recording, rehearsing or (rarely) relaxing in her Baltimore apartment, Hilary Hahn makes the most of her experiences. She invariably conveys enthusiasm, intelligence, fo­cus, a zeal for adventure, and a wide-eyed excitement about the possibilities that the future could bring. Forget the limos and the red carpet treatment, Hilary Hahn is a serious and modest musician who hoofs it to the concert hall with her violin case strapped to her back. Although her new CD presents works which – having been composed by legendary violin virtuosos Louis Spohr and Niccolò Paganini – are considered among the most technically challenging in the repertoire, this violinist prefers to downplay the fireworks and reveal the musical substance beneath, as she tells Amanda Holloway.

You seem to be in the jetsetting lifestyle. Seeing you one could get the impression that you’re always on the move: from Hong Kong to London, or from Berlin to Philadelphia. Do you see any parallels between your life on the road, and that of Spohr and Paganini, both of whom entertained audiences all over Europe?

Being on the road now is probably as different from a 19th-century soloist’s experience as a pop artist’s stadium tour is different from performing chamber music at a festival; it’s comparing apples and oranges. It’s true that the material on this album is very violinistic: that is, technically specific to the violin and particularly effective on that instrument. In fact, people tend to concentrate mainly on the violinistic, showy side of both the Paganini and the Spohr. But for me, the core of this music is its lyricism and operatic qualities – something which can also be violinistic, but in a way which plays up the vocal element of the violin’s range. That is a side of this music which can get lost when one subverts its emotional potential in favor of flashiness. I tried coming to the Paganini from a melodic perspective: instead of making the technical sections the central focus of the piece, tying them together with the melodic sections, I try to use virtuosity as ornamentation in the context of a very lyrical, vocal work. In other words, the technique becomes of secondary importance.

The Paganini seems to me to have been written in the context of an operatic culture, while the Spohr is more of a violin-centric adaptation of operatic styles of the time. Both are fascinating ways of composing for the violin; they’re very unique in that they’re so operatically oriented.

Would you agree that your image is not that of a showy, virtuoso violinist?

Showiness is not what I find important in the music so I don’t see any reason to play it up. At the same time, I place a lot of importance on technical, virtuosic accuracy – with the goal of making everything so clean and organic that no one knows how difficult any section truly is! The point of that is that the technique should be as good as possible, so that it enhances but doesn’t overpower the music within any given piece. But, inter­pretively, there’s no right or wrong; one has to do what feels right. Someone else might come at this music from the opposite perspective, but their version would be equally valid, though I might not feel comfortable adopting it. Nowadays, we think of Paganini as a pure, astonishing tech­nician, but in fact, in his day, Paganini was also renowned for his musicality and phrasing. His violin was nicknamed “The Cannon” because it had such a big tone and it just sang out – and we all know that a violin doesn’t play itself. Spohr was similarly famed for his musicality, and I’m sure that he wouldn’t have wanted technique to be the focus of his aptly-named “Gesangsszene”.

The Paganini is familiar to audiences today. Why do you think the Spohr is not so well-known?

It’s possible that the length of the Spohr makes it an awkward piece to program, considering that few audiences have ever heard of it – it’s about 20 minutes, kind of short to be the soloist’s only performance on a program, but a little long to pair with something else. It isn’t considered standard repertoire anymore, but to me it is, because the Spohr was one of my teacher Jascha Brodsky’s favorite works, so I learned it when I was still rather young. I remember him ­waxing poetic about it; he was born in 1907, and this piece was really popular in the early part of the 20th century, frequently played either in recital with piano, or in concert with orchestra. Perhaps it was played so often that people didn’t feel the need to program it anymore; then maybe a generation passed, and the format of orchestra concerts started to change, and it just faded out of the mainstream repertoire. Some people claim that the piece sounds dated, but I think it only sounds quaint when you don’t put the drama into it. When you let it sing, it’s modern beyond its time.

What inspired you to link these two together on one album?

I had wanted to record the Spohr for a quite a while, but it was important to me to wait till I had the right piece to pair it with. The right combination presented itself once I reached an age at which something like Paganini wouldn’t automatically be called prod­igy music when I played it. I realized that recording this Paganini Concerto was a challenge I wanted to take on, but I needed to present it in the right context, and because of the vocal emphasis shared by the two works, it seemed so natural to put the Paganini and the Spohr together. Interestingly enough, Spohr and Paganini knew each other, and for a long time, Spohr didn’t approve of how Paganini wrote for the violin – so I wonder if he’d be happy if he knew that their works were being paired together on the same album! On the other hand, maybe this is his chance to finally prove himself and my chance to get his music out to a new audience.

You said it was very much a violinists’ album?

By that, I meant that while Spohr and Paganini are beloved among violinists, a lot of other people might not be aware of them, especially the Spohr. I’d like to see the Spohr in particular played more often in performance and presented as something other than a student recital piece. That is pretty much how it’s approached nowadays – people learn it in school but don’t take it past that, and I don’t know why. I’d like to see the Paganini taken seriously as lyrical music and treated accordingly by performers and audience alike.

Are these pieces straightforward to play?

Each is unique, just like any other work within classical music. Ideally, one should approach everything with the attitude that “this isn’t like anything else, so I’m going to emphasize everything that I find enticing in it and try to do it justice”. Simply playing the notes is ineffective in any piece, no matter how simple or straightforward it might seem, but it’s very easy to fall into that trap because there’s so much to think about when playing the violin. These pieces are ­distractingly tricky to play, from the performer’s perspective, because one has to make everything fit naturally while twisting one’s fingers in knots to make all of the notes come out clearly. At the same time, one has to concentrate on how the music itself is communicating to the audience, since the essence of the vocal style is human communication.

Take the Spohr, for instance: the whole first movement is like an extended recitative, almost improvisational-sounding, so you have to heap on rhythmic freedom and musical flexibility to make it come alive.
The notes are simply the notes, but once you liberate them with rhythm and dynamics, they make for phenomenal music.

Do you like to think of yourself as maybe delivering that Concerto the way Spohr did?

No. Since there aren’t any recordings of Spohr playing, I wouldn’t pretend to know how he would have delivered anything. I know what I hear in it that I wish to bring out and what I feel I can offer in playing the piece, so that’s what I focus on. When a score has markings from the composer, I do try to stick to those as much as possible, but neither Spohr nor Paganini (who was very secretive about his music) left many markings behind in these cases. There are ­certain interpretive traditions which come into play in both concertos, and I respect those. Basically, my job as a performer is to apply my own perspective to music which has been played a zillion times before; to me, that means that I have a responsibility both to the past and to my particular view of the music.

My teachers taught me the importance of looking to previous generations for musical guidance, though they would have been the first to say that one should never copy another artist. In keeping with that, I’m not trying to change what’s already there, just to play the music the way I’d want to hear it played if I were in the audience.