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Diverse Künstler

Anna Viechtl &middot; Marcel Andreas Ober Philip Mayers RIAS Kammerchor &middot; Staats- und Domchor Berlin Justin Doyle

WINTER TALES The Britten Christmas Album / RIAS Kammerchor Berlin, Justin Doyle

Winter Tales - The Britten Christmas Album

CD 1

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The Britten Christmas Album
Works by Benjamin Britten

Auf ihrem anstehenden Album Winter Tales feiern der RIAS Kammerchor Berlin und Justin Doyle Weihnachten mit einem Programm, das Benjamin Brittens Chorwerke in den Mittelpunkt stellt.
Das Album erscheint anl&auml;sslich des 50. Todestages Brittens und verbindet einige seiner beliebtesten Weihnachtswerke mit selten aufgef&uuml;hrten Kompositionen. So er&ouml;ffnet es eine &uuml;berraschende Perspektive auf einen der pr&auml;gendsten britischen Komponisten des 20. Jahrhunderts.
Justin Doyle, ehemaliger Chorknabe der Westminster Cathedral, besch&auml;ftigt sich seit seiner Kindheit intensiv mit Brittens Musik und gilt heute als einer ihrer f&uuml;hrenden Interpreten. F&uuml;r diese Aufnahme arbeitete er mit Partituren, die Brittens eigene handschriftliche Eintragungen enthalten und wertvolle Einblicke in dessen Auff&uuml;hrungspraxis und Klangvorstellungen geben.
Der RIAS Kammerchor Berlin, einer der weltweit f&uuml;hrenden professionellen Kammerch&ouml;re, wird dabei von den Knaben des Staats- und Domchors Berlin, Anna Viechtl (Harfe), Marcel Andreas Ober (Orgel) und Philip Mayers (Klavier) begleitet. Das Ergebnis ist eine Aufnahme, die Brittens beliebteste Weihnachtsmusik mit einigen besonders lohnenden Entdeckungen aus seinem &OElig;uvre verbindet.
Das Album erscheint digital und auf CD am 16. Oktober. Bestellen Sie die CD-Ausgabe im <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/anna-viechtl/products/rias-kammerchor-justin-doyle-philip-mayers-anna-viechtl-knabenstimmen-des-staats-und-domchores-berlin-marcel-andreas-ober-winter-tales-the-britten-christmas-album-121135">DG Store</a> vor.

Xiaofu Ju - W.A.Mozart: Lacrimosa from Requiem, K. 626 (Transcri. Xiaofu Ju)

RIAS Kammerchor Berlin und Justin Doyle präsentieren Winter Tales - The Britten Christmas Album

Zum 50. Todestag Benjamin Brittens am 4. Dezember verbindet das Album bekannte Weihnachtsmusik mit selten gespielten Chorwerken
Bis auf&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard&nbsp;ist das gesamte Programm neu im Katalog von Deutsche Grammophon
Das Album erscheint am 16. Oktober 2026 auf CD und digital in Stereo und Dolby Atmos
&raquo;A Ceremony of Carols&nbsp;ist bekannt und beliebt, doch das &uuml;brige Repertoire d&uuml;rfte vielen weniger vertraut sein. Das Album ist als eine Art Weihnachtsstrumpf voller Entdeckungen gedacht.&laquo; Justin Doyle
Der&nbsp;RIAS Kammerchor Berlin&nbsp;und sein Chefdirigent und K&uuml;nstlerischer Leiter&nbsp;Justin Doyle&nbsp;widmen ihr neues Album der Chormusik Benjamin Brittens.&nbsp;Winter Tales - The Britten Christmas Album&nbsp;erscheint am 16. Oktober 2026, im Jahr des 50. Todestages des Komponisten, digital und auf CD. Im Zentrum stehen&nbsp;A Ceremony of Carols,&nbsp;A Boy was Born&nbsp;und die&nbsp;Missa brevis in D. Hinzu kommen&nbsp;A Hymn of St. Columba&nbsp;und&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard. Mit Ausnahme der&nbsp;Ballad&nbsp;ist das gesamte Programm neu im Katalog von&nbsp;Deutsche Grammophon. An der Aufnahme wirken au&szlig;erdem die Knaben des Staats- und Domchors Berlin, die Harfenistin Anna Viechtl, der Organist Marcel Andreas Ober und der Pianist Philip Mayers mit.
Die Zusammenstellung ist als Weihnachtsalbum angelegt, folgt aber keiner konventionellen Festtagsdramaturgie. Brittens bekannte Weihnachtsmusik steht neben Kompositionen, die deutlich seltener zu h&ouml;ren sind und unterschiedliche Seiten seines Chorschaffens erschlie&szlig;en. F&uuml;r Doyle ist dieses Repertoire eng mit der eigenen Biografie verbunden. Als ehemaliger Chorknabe der Westminster Cathedral lernte er mehrere der Werke bereits in jungen Jahren kennen. F&uuml;r die neue Einspielung arbeitete er zudem mit Partituren, die Brittens handschriftliche Eintragungen enthalten und Hinweise auf dessen Klangvorstellungen und Auff&uuml;hrungspraxis geben.
Britten begann&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;1942 auf der R&uuml;ckreise aus den Vereinigten Staaten nach Gro&szlig;britannien. Vor der Abfahrt von Halifax in Nova Scotia hatte er Gerald Bulletts Gedichtsammlung&nbsp;The English Galaxy of Shorter Poems&nbsp;erworben; auf See vertonte er f&uuml;nf Texte daraus, die den Kern der&nbsp;Ceremony&nbsp;bilden. Mittelalterliche Dichtung und gregorianischer Gesang verbinden sich mit Brittens charakteristischen Harmonien und melodischen Linien. Obwohl das Werk heute h&auml;ufig mit Kinderstimmen assoziiert wird, war es urspr&uuml;nglich f&uuml;r erwachsene Frauenstimmen gedacht.
Mit&nbsp;A Boy was Born&nbsp;steht der&nbsp;Ceremony&nbsp;ein Werk gegen&uuml;ber, das Britten bereits mit 19 Jahren komponierte: eine rund halbst&uuml;ndige Folge von A-cappella-Variationen f&uuml;r Erwachsenen- und Knabenstimmen. Die&nbsp;Missa brevis in D&nbsp;entstand 1959 f&uuml;r den Chor der Westminster Cathedral und seinen Leiter George Malcolm. Ihr rhythmisch bewegtes&nbsp;Gloria, das zw&ouml;lft&ouml;nige&nbsp;Sanctus&nbsp;und das beunruhigend verklingende&nbsp;Dona nobis pacem&nbsp;des&nbsp;Agnus Dei&nbsp;zeigen Brittens F&auml;higkeit, strenge kompositorische Verfahren unmittelbar in dramatischen Ausdruck zu verwandeln.
Die weiteren Werke f&uuml;hren in andere historische und geistige R&auml;ume.&nbsp;A Hymn of St. Columba&nbsp;entstand 1962 anl&auml;sslich des 1400. Jahrestags von Columbas Reise von Irland nach Iona und verbindet einen Text &uuml;ber das J&uuml;ngste Gericht mit tiefem Orgelgrollen und einer konzentrierten Chorpartie.&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard&nbsp;entstand w&auml;hrend des Zweiten Weltkriegs f&uuml;r Brittens Freund Richard Wood und weitere Musiker im Kriegsgefangenenlager Oflag VIIB bei Eichst&auml;tt. Britten schickte das Manuskript Seite f&uuml;r Seite auf Mikrofilm. Die Handlung erz&auml;hlt von verbotener Liebe, Eifersucht und Mord; seine Vertonung folgt ihr mit gro&szlig;er szenischer Unmittelbarkeit.
Aufgenommen wurde&nbsp;Winter Tales&nbsp;im Januar 2026 in der Berliner Auenkirche. Ihre klare und zugleich resonante Akustik sowie die frisch restaurierte Orgel boten besondere Voraussetzungen f&uuml;r Brittens pr&auml;zise gearbeitete Chorpartituren. Die ausschlie&szlig;lich auf Download- und Streamingplattformen verf&uuml;gbare&nbsp;Dolby-Atmos-Version&nbsp;l&auml;sst den Raumklang der Kirche sowie den Ein- und Auszug des Chores in&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;besonders sch&ouml;n hervortreten.
Die wechselnden Besetzungen, von Frauenstimmen und Harfe &uuml;ber den gro&szlig;en Chor mit Knabenstimmen bis zu M&auml;nnerstimmen und Klavier, geh&ouml;ren zur Dramaturgie des Albums. Sie machen die Vielgestaltigkeit von Brittens Musik f&uuml;r die Konzertb&uuml;hne h&ouml;rbar. Darin zeigt sich f&uuml;r Doyle ein grundlegender Gedanke: &raquo;Es spielt eigentlich keine Rolle, wer seine Musik singt. Wichtig ist nur, dass sie gut gesungen wird, mit der richtigen spirituellen oder dramatischen Aussage.&laquo;
Winter Tales &ndash; The Britten Christmas Album erscheint am 16. Oktober 2026 auf CD sowie digital in SD, HD und Dolby Atmos. There Is No Rose&nbsp;aus&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;ist ab dem 2. Oktober 2026 als Stream und Download erh&auml;ltlich. Unmittelbar nach Brittens 50. Todestag bringt der RIAS Kammerchor Berlin Teile des Albumprogramms auch auf die Konzertb&uuml;hne: am&nbsp;5. Dezember 2026&nbsp;im Berliner Dom und am&nbsp;6. Dezember 2026 in der Marktkirche Hannover, jeweils unter der Leitung von Justin Doyle.

Floating Points veröffentlicht neuen Mere Mortals-Track Pandora’s Creation

Mere Mortals erscheint am 28. August 2026 in allen Formaten
Pandora&rsquo;s Creation wird am 24. Juli digital ver&ouml;ffentlicht&nbsp;
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Floating Points&nbsp;pr&auml;sentiert&nbsp;Pandora&rsquo;s Creation, den zweiten Track aus seinem kommenden Deutsche Grammophon Album&nbsp;Mere Mortals. Nach der Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Her Gift&nbsp;bietet die neue Single einen weiteren eindrucksvollen Einblick in Sam Shepherds genre&uuml;bergreifende Komposition, in der orchestrales Schreiben und elektronische Klangwelten zu einem vielschichtigen und immersiven Musikerlebnis verschmelzen.
Mere Mortals&nbsp;von Floating Points erscheint am&nbsp;28. August 2026. Das mit dem&nbsp;San Francisco Ballet Orchestra&nbsp;aufgenommene Album mit 14 Tracks enth&auml;lt Shepherds erste Ballettpartitur, die urspr&uuml;nglich von Tamara Rojo, der k&uuml;nstlerischen Leiterin des San Francisco Ballet, in Auftrag gegeben wurde. Das Werk interpretiert den Mythos von Pandora aus einer zeitgen&ouml;ssischen Perspektive neu und besch&auml;ftigt sich mit Themen wie Neugier, Ver&auml;nderung und der Beziehung des Menschen zu Technologie und Natur.
&Uuml;ber das Projekt sagt Shepherd: &bdquo;Bei Pandora geht es nicht darum, die H&ouml;lle auf die Erde zu bringen. Sie steht vielmehr f&uuml;r Neugier und Ver&auml;nderung.&ldquo; Diese neue Interpretation pr&auml;gt eine Partitur, die nahtlos zwischen lyrischen Orchesterpassagen, kraftvollen Bl&auml;serkl&auml;ngen und pulsierender Elektronik wechselt. So entsteht eine musikalische Erz&auml;hlung, die auf Tontr&auml;ger ebenso fesselnd ist wie auf der B&uuml;hne.
Floating Points wird bei der Europapremiere von&nbsp;Mere Mortals&nbsp;mit dem San Francisco Ballet beim&nbsp;Edinburgh International Festival 2026&nbsp;live auftreten: am 28. August mit dem Royal Scottish National Orchestra sowie bei weiteren Auff&uuml;hrungen am 29. und 30. August. Anschlie&szlig;end wird das Werk vom 9. bis 12. September mit der Royal Ballet Sinfonia im&nbsp;Sadler&rsquo;s Wells Theatre in London aufgef&uuml;hrt.

Deutsche Grammophon China verpflichtet die Guzheng-Künstlerin Yang Yang und den Pianisten Ju Xiaofu

Yang Yang wird die erste chinesische traditionelle Instrumentalistin bei DG China, Ju Xiaofu erster unter Vertrag stehender Pianist
BEIJING / BERLIN, 14. April&nbsp;&mdash;&nbsp;Deutsche Grammophon China (DG China), das in China gestartete Klassiklabel von Universal Music Greater China (UMGC) in Zusammenarbeit mit&nbsp;Deutsche Grammophon, gab heute die exklusive Verpflichtung zweier herausragender junger chinesischer Musiker bekannt &ndash; der Guzheng-K&uuml;nstlerin&nbsp;Yang Yang&nbsp;und des Pianisten&nbsp;Ju Xiaofu. Die Vertragsabschl&uuml;sse stellen einen bedeutenden Meilenstein in den fortlaufenden Investitionen von DG China in die Zukunft der chinesischen klassischen Musik dar. Im Rahmen langfristiger Vereinbarungen wird DG China beide K&uuml;nstler durch eine integrierte Partnerschaft unterst&uuml;tzen, die Aufnahmen, Konzerte, K&uuml;nstlermanagement, Tourneen, Repertoireentwicklung und Markenkooperationen umfasst &ndash; ein ganzheitliches Modell zur F&ouml;rderung nachhaltiger k&uuml;nstlerischer Karrieren. Seit der Gr&uuml;ndung im Jahr 2025 hat es sich DG China zur Aufgabe gemacht, eine neue Generation chinesischer Klassikk&uuml;nstler zu entdecken und zu f&ouml;rdern &ndash; basierend auf dem Erbe und der k&uuml;nstlerischen F&uuml;hrungsrolle von Deutsche Grammophon sowie der lokalen Marktkenntnis und globalen Infrastruktur von UMGC. Die Verpflichtung von Yang Yang und Ju Xiaofu setzt diese Mission konkret um und erweitert zugleich die k&uuml;nstlerische Vision des Labels &ndash; erstmals in der fast 130-j&auml;hrigen Geschichte von Deutsche Grammophon wird damit auch chinesische traditionelle Musik einbezogen. Timothy Xu, Chairman &amp; CEO von Universal Music Greater China, sagte: &bdquo;DG China wurde gegr&uuml;ndet, um au&szlig;ergew&ouml;hnliche chinesische Musiker mit einer langfristigen Perspektive, erstklassigen Ressourcen und einer wirklich globalen Plattform zu unterst&uuml;tzen. Yang Yang und Ju Xiaofu sind beide bemerkenswerte K&uuml;nstler mit eigenst&auml;ndigen Stimmen, gro&szlig;er musikalischer Integrit&auml;t und dem Potenzial, weit &uuml;ber China hinaus zu wirken. Wir sind stolz, sie bei DG China willkommen zu hei&szlig;en und eine umfassende Partnerschaft zu beginnen, die sie in allen Dimensionen ihrer k&uuml;nstlerischen Entwicklung begleiten wird.&ldquo; Dr. Clemens Trautmann, President Deutsche Grammophon und New Business Strategy Global Classics, sagte: &bdquo;Deutsche Grammophon hat stets daran geglaubt, K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler zu f&ouml;rdern, deren Individualit&auml;t, Vorstellungskraft und k&uuml;nstlerische Exzellenz kultur&uuml;bergreifend wirken k&ouml;nnen. Yang Yang und Ju Xiaofu repr&auml;sentieren jeweils eine faszinierende Facette der reichen und sich wandelnden Musiklandschaft Chinas. Universal Music ist in einer einzigartigen Position, ihre Karrieren in China und dar&uuml;ber hinaus nachhaltig und ganzheitlich zu entwickeln. Wir freuen uns darauf, f&uuml;r unsere bei DG China gearbeiteten K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler weltweit sichtbare Aufnahmeprojekte zu realisieren sowie neue M&ouml;glichkeiten f&uuml;r Live-Touring und Markenpartnerschaften zu erschlie&szlig;en.&ldquo; Yang Yang, die erste chinesische traditionelle Instrumentalistin mit einem exklusiven Full-Service-Vertrag bei DG China, steht f&uuml;r eine neue Generation von Musikerinnen, die Tradition in einen zeitgen&ouml;ssischen Kontext &uuml;berf&uuml;hren. Die junge Guzheng-K&uuml;nstlerin, die derzeit ihren Master am Central Conservatory of Music absolviert, verbindet virtuoses Spiel mit Komposition, Arrangement, Produktion und Gesang und verk&ouml;rpert damit eine ausgepr&auml;gt multidimensionale k&uuml;nstlerische Identit&auml;t. Die Guzheng, eine gezupfte chinesische Zither mit &uuml;ber zweitausendj&auml;hriger Geschichte, z&auml;hlt zu den pr&auml;gendsten Instrumenten der chinesischen Musiktradition. Yang Yang hat Guo Wenjings &bdquo;Chun Wang (Spring Gazing)&ldquo; sowohl im Wiener Konzerthaus als auch im National Centre for the Performing Arts in Peking aufgef&uuml;hrt und mit ihrer nuancierten und zugleich intensiven Interpretation Publikum und Kritik gleicherma&szlig;en begeistert. Dar&uuml;ber hinaus hat sie sich mit eigenen Projekten und einer digitalen Fangemeinde von nahezu einer Million Followern eine starke Anh&auml;ngerschaft unter j&uuml;ngeren Zielgruppen in China aufgebaut. Yang Yang&nbsp;sagte: &bdquo;Es ist eine gro&szlig;e Ehre, Teil von DG China zu werden und mit dem ikonischen Yellow Label, das ich seit langem bewundere, ein neues Kapitel zu beginnen. Als Guzheng-K&uuml;nstlerin m&ouml;chte ich eine unverwechselbar &ouml;stliche Stimme in dieses traditionsreiche Klassiklabel einbringen &ndash; durch die 21 Saiten meines Instruments &ndash; und erforschen, wie chinesische traditionelle Musik heutige Publikumsschichten auf frische und zugleich authentische Weise erreichen kann. Ich bin DG China sehr dankbar f&uuml;r die umfassende Unterst&uuml;tzung in den Bereichen Aufnahme, Performance, k&uuml;nstlerische Planung und langfristige Entwicklung und freue mich darauf, meine Musik mit einem noch gr&ouml;&szlig;eren Publikum in China und weltweit zu teilen.&ldquo; Ju Xiaofu ist der erste Pianist, der bei DG China unter Vertrag steht, und bringt eine eigenst&auml;ndige k&uuml;nstlerische Handschrift mit, die von zeitgen&ouml;ssischem Gesp&uuml;r und poetischer Vorstellungskraft gepr&auml;gt ist. Nach seinem Studium an der Juilliard School setzt er seine Ausbildung derzeit in Hannover fort. Er trat bereits in renommierten H&auml;usern wie dem Wiener Musikverein, dem Salzburger Festspielhaus, dem Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie, dem Lincoln Center und der Zankel Hall der Carnegie Hall auf und arbeitete mit Orchestern wie dem China Philharmonic Orchestra und dem China NCPA Orchestra. Sein besonderes Interesse gilt dem zeitgen&ouml;ssischen Repertoire; so brachte er unter anderem Philip Glass&rsquo; Klavierkonzert Nr. 3 und Messiaens &bdquo;Oiseaux Exotiques&ldquo; erstmals in China zur Auff&uuml;hrung und ver&ouml;ffentlichte 2025 sein Deb&uuml;talbum &bdquo;Waldeinsamkeit&ldquo;. Ju Xiaofu&nbsp;sagte: &bdquo;Der Beitritt zu DG China ist f&uuml;r mich von gro&szlig;er Bedeutung und eine tiefe Inspiration. Das Yellow Label begleitet meine musikalische Vorstellungskraft seit meiner Kindheit, und es ist eine gro&szlig;e Ehre, nun Teil dieses Verm&auml;chtnisses zu werden. Gemeinsam mit Universal Music und DG China hoffe ich, viele meiner k&uuml;nstlerischen Ziele verwirklichen zu k&ouml;nnen, weitere Aufnahmen zu ver&ouml;ffentlichen und meine Musik auf noch gr&ouml;&szlig;ere B&uuml;hnen zu bringen. Ich bin DG China sehr dankbar f&uuml;r das Vertrauen und bin &uuml;berzeugt, dass dies eine enge und erf&uuml;llende Zusammenarbeit sein wird, in der wir mit Aufrichtigkeit, Fantasie und Freiheit neue Werke schaffen k&ouml;nnen.&ldquo; Zhao Zheng, Head of DG China, sagte: &bdquo;Seit Beginn von DG China ist es unser Anspruch, eine Plattform zu schaffen, die K&uuml;nstler umfassend unterst&uuml;tzt &ndash; von der Talentf&ouml;rderung und k&uuml;nstlerischen Ausrichtung &uuml;ber Aufnahmen, Tourneen und Management bis hin zu Medienprojekten und Markenkooperationen. Yang Yang und Ju Xiaofu verk&ouml;rpern genau die Art von jungen K&uuml;nstlern, die wir f&ouml;rdern m&ouml;chten: engagiert, individuell und in der Lage, neue Perspektiven auf klassische Musik und k&uuml;nstlerischen Ausdruck im heutigen China zu er&ouml;ffnen. Wir freuen uns darauf, langfristig eng mit beiden zusammenzuarbeiten und sie einem noch breiteren Publikum im In- und Ausland vorzustellen.&ldquo;

harmonia mundi künftig im DG Store und auf STAGE+ verfügbar

Berlin, 25. M&auml;rz 2026 &ndash; Eine neue wegweisende Partnerschaft zwischen harmonia mundi und Deutsche Grammophon startet im April dieses Jahres. Das renommierte franz&ouml;sische Traditionslabel wird mit einer kuratierten Auswahl von Aufnahmen sowohl im physischen Store von Deutsche Grammophon als auch auf der Streaming-Plattform STAGE+ vertreten sein. &nbsp; 1958 gegr&uuml;ndet, z&auml;hlt harmonia mundi zu den international f&uuml;hrenden Klassiklabels. Gepr&auml;gt vom Pioniergeist seines Gr&uuml;nders Bernard Coutaz hat sich das in Arles ans&auml;ssige Label als ma&szlig;gebliche Instanz der historisch informierten Auff&uuml;hrungspraxis etabliert und zugleich ein breit gef&auml;chertes Repertoire von Alter Musik bis hin zu zeitgen&ouml;ssischen Werken erschlossen. Harmonia mundi arbeitet mit herausragenden K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern wie William Christie, Ren&eacute; Jacobs, Pablo Heras-Casado, Nikolai Lugansky, Paul Lewis, Isabelle Faust und Tabea Zimmermann und f&ouml;rdert mit der Reihe harmonia#nova gezielt junge Talente. Zahlreiche Auszeichnungen, darunter mehrfach &bdquo;Label of the Year&ldquo; sowie zuletzt die Gramophone-Auszeichnung &bdquo;Recording of the Year 2025&ldquo; f&uuml;r Bachs h-Moll-Messe mit Pygmalion unter der Leitung von Rapha&euml;l Pichon, unterstreichen die internationale Bedeutung des Labels. &nbsp; Den Auftakt der Zusammenarbeit bilden zu Ostern zwei hochkar&auml;tige Neuver&ouml;ffentlichungen: Johann Sebastian Bachs Johannespassion mit dem Ensemble Pygmalion unter der Leitung von Rapha&euml;l Pichon sowie Joseph Haydns Die sieben letzten Worte unseres Erl&ouml;sers am Kreuze in der Oratorienfassung, eingespielt vom RIAS Kammerchor und dem Konzerthausorchester Berlin unter Justin Doyle. &nbsp; Zun&auml;chst wird der DG Store eine Auswahl zentraler Katalogtitel anbieten, darunter ma&szlig;gebliche Referenzeinspielungen, aktuelle Produktionen, hochwertige LP-Ver&ouml;ffentlichungen sowie ausgew&auml;hlte CD-Boxsets. Parallel dazu startet STAGE+ ein wachsendes Streaming-Angebot, das schrittweise den gesamten Audiokatalog von harmonia mundi umfassen soll. &nbsp; Dar&uuml;ber hinaus wird STAGE+ sein audiovisuelles Programm um Produktionen des Labels erweitern. Zu den Highlights z&auml;hlen die gefeierten Schumann-Konzerte mit Isabelle Faust, Alexander Melnikov, Jean-Guihen Queyras und dem Freiburger Barockorchester unter der Leitung von Pablo Heras-Casado. Erg&auml;nzt wird das Angebot durch au&szlig;ergew&ouml;hnliche Videoformate, darunter Anne Teresa De Keersmaekers Tanztheater-Inszenierung zu Bachs Cellosuiten mit Jean-Guihen Queyras sowie Rapha&euml;l Pichons Interpretation von Bachs Matth&auml;uspassion aus Aix-en-Provence. &nbsp; Mit der Integration von harmonia mundi setzen Deutsche Grammophon und STAGE+ ein weiteres Zeichen f&uuml;r kuratierte Exzellenz und die Verbindung von Tradition und Innovation im digitalen Klassikmarkt.

Kazuki Yamada gibt sein Debüt bei Deutsche Grammophon  – mit William Walton

Erstmals im DG-Katalog: Drei Werke von Walton mit Musikdirektor Kazuki Yamada und dem City of Birmingham Symphony Orchestra
Das Album erscheint am 6. M&auml;rz 2026 mit Livemitschnitten der Symphonien Nr. 1 und 2 sowie dem Kr&ouml;nungsmarsch Orb and Sceptre
&raquo;Dirigent und Orchester &ndash; eine Einheit&laquo;
Bachtrack &uuml;ber ein aktuelles CBSO-Konzert unter Leitung von Kazuki Yamada
Der renommierte Dirigent Kazuki Yamada &uuml;bernahm 2023 die Leitung des City of Birmingham Symphony Orchestra. Seither schreibt er die Erfolgsgeschichte des Orchesters fort, die Vorg&auml;nger wie Sir Simon Rattle, Sakari Oramo, Andris Nelsons und Mirga Gražinytė-Tyla gepr&auml;gt haben. Jetzt ver&ouml;ffentlicht Yamada sein Deb&uuml;talbum bei Deutsche Grammophon. Auf dieser zugleich ersten Aufnahme mit dem CBSO spielen er und seine Musiker:innen drei Werke von William Walton: Orb and Sceptre sowie die beiden Symphonien des Komponisten &ndash; alle drei neu im DG-Katalog.
Die Livemitschnitte aus der Symphony Hall in Birmingham erscheinen am 6. M&auml;rz 2026 digital und auf CD. Orb and Sceptre ist bereits am 20. Februar als Stream und Download verf&uuml;gbar.
Yamadas Vertrag mit dem CBSO wurde Anfang letzten Jahres bis zum Ende der Saison 2028/29 verl&auml;ngert; nur wenige Wochen sp&auml;ter erhielt er den Conductor Award 2025 der Royal Philharmonic Society. Ein &raquo;local hero&laquo; sei er, beschied die RPS-Jury: &raquo;Den Konzerten in der Symphony Hall hat Yamada eine Finesse und einen Esprit gegeben, die man einfach nicht verpassen darf &hellip; Er bringt so viel Spa&szlig; in die Arbeit mit dem CBSO-Jugendorchester und begeistert die Menschen im Einkaufszentrum Bullring und selbst in den Stra&szlig;enbahnen der Stadt!&laquo;
&raquo;Es ist ein echtes Privileg, die besondere Beziehung zu diesen talentierten Musiker:innen vertiefen zu d&uuml;rfen&laquo;, sagt Yamada seinerseits. &raquo;F&uuml;r mich ist es wie eine wunderbare Best&auml;tigung des Vertrauens und des gegenseitigen Respekts, die wir aufgebaut haben.&laquo;
Die enge Verbundenheit ist in den drei Aufnahmen des Walton-Albums deutlich zu sp&uuml;ren. Einen englischen Komponisten f&uuml;r die Aufnahme zu w&auml;hlen, verstand sich dabei von selbst. Dem Er&ouml;ffnungswerk Orb and Sceptre kommt &uuml;berdies eine eigene Bedeutung zu. Der Marsch wurde 1953 zur Kr&ouml;nung von K&ouml;nigin Elizabeth II. komponiert &ndash; in diesem Jahr w&auml;re sie 100 Jahre alt geworden.
Energie, Leidenschaft und Intensit&auml;t zeichnen Waltons Symphonie Nr. 1 (1932&ndash;35) aus und machen sie zu einer echten Herausforderung f&uuml;r die Musiker:innen. &raquo;Es ist ein bisschen wie Surfen!&laquo;, sagt Yamada. &raquo;Wenn man die Welle der Begeisterung erwischt, l&auml;uft es sehr gut.&laquo; Die 25 Jahre sp&auml;ter entstandene Symphonie Nr. 2 ist ebenso einfallsreich, doch introspektiver. Sie ist das Werk eines reiferen, erfahreneren Komponisten, und ihre Musik entstand aus einer Nachkriegswelt heraus. &raquo;Nach dem Krieg herrschte zwar Frieden &ndash; aber ist er echt?&laquo;, fragt Yamada. &raquo;Es f&uuml;hlt sich an wie Frieden &ndash; aber h&auml;lt er?&laquo;
Kazuki Yamada begann seine Karriere in Japan bei f&uuml;hrenden Ensembles wie dem Japan Philharmonic Orchestra und dem Yomiuri Nippon Symphony Orchestra. Als Sieger des Internationalen Dirigierwettbewerbs Besan&ccedil;on 2009 erlangte er weltweite Aufmerksamkeit und erhielt Engagements als Erster Gastdirigent beim Orchestre de la Suisse Romande, beim Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo und beim CBSO. 2016 wurde er K&uuml;nstlerischer und Musikalischer Leiter in Monte Carlo; dieses Amt gibt er im August 2026 ab und &uuml;bernimmt im September den Posten des Chefdirigenten und K&uuml;nstlerischen Leiters des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin.
Doch auch Japan bleibt er treu: Er ist Musikdirektor und Vorsitzender des Philharmonic Chorus of Tokyo und &uuml;bernimmt im April 2026 die K&uuml;nstlerische Leitung (Musik) am Metropolitan Theatre in Tokio. 2024 wurde er mit dem Suntory Music Award ausgezeichnet; die Jury befand: &raquo;Sein unstillbarer Drang, m&ouml;glichst viele Menschen zu begeistern, sollte der klassischen Musik den Weg weisen.&laquo;
Zu Yamadas kommenden Engagements geh&ouml;ren Pell&eacute;as et M&eacute;lisande an der Op&eacute;ra de Monte-Carlo (22.&ndash;28. Februar 2026), Konzerte in Gro&szlig;britannien mit dem CBSO und den Solisten Steven Osborne (4. M&auml;rz), dem DG-Pianisten Bruce Liu (5. M&auml;rz) und Nelson Goerner (9. April), Werke von Song Aa Park, Lalo und Debussy mit dem Orchestre National du Capitole de Toulouse (18. April), ein Konzert in der Berliner Philharmonie mit dem DSO Berlin und dem DG-Pianisten Seong-Jin Cho (26. April) sowie sein Antrittskonzert als K&uuml;nstlerischer Leiter am Metropolitan Theatre in Tokio (10. Mai).

Deutsche Grammophon sechsfach nominiert für die 68. GRAMMY Awards

Berlin, Samstag, 8. November 2025. Gestern wurden in einem speziellen Livestream-Event die Nominierungen f&uuml;r die 68. j&auml;hrlichen GRAMMY Awards bekannt gegeben. Als renommierteste Auszeichnung der Musikindustrie w&uuml;rdigen sie au&szlig;ergew&ouml;hnliche k&uuml;nstlerische und technische Leistungen. Aufnahmen von Deutsche Grammophon haben in diesem Jahr eine ph&auml;nomenale Bilanz von insgesamt sechs Nominierungen in vier der Hauptkategorien f&uuml;r klassische Musik erzielt.
Das wegweisende Schostakowitsch-Projekt der Deutschen Grammophon in Zusammenarbeit mit dem Boston Symphony Orchestra und dessen Musikdirektor Andris Nelsons, das 2015 begann, erreichte 2025 mit der Ver&ouml;ffentlichung einer monumentalen Anthologie seinen H&ouml;hepunkt, die den kompletten Sinfoniezyklus sowie andere wichtige Werke umfasst. Drei Aufnahmen, die Teil dieses Projekts von 2025 sind, wurden nun f&uuml;r einen GRAMMY Award nominiert: Die beiden Neuaufnahmen der gesamten Klavier- und Cellokonzerte des Komponisten mit den Solist: innen <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/shostakovich-piano-concertos-solo-works-yuja-wang-andris-nelsons-13763" target="_blank" rel="noopener">Yuja Wang</a> und <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/shostakovich-cello-concertos-yo-yo-ma-andris-nelsons-13798" target="_blank" rel="noopener">Yo-Yo Ma</a> wurden jeweils in der Kategorie Best Classical Instrumental Solo nominiert. Die erste kommerzielle Audiover&ouml;ffentlichung seit fast 20 Jahren von Schostakowitschs einziger abendf&uuml;llender Oper, <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/shostakovich-lady-macbeth-andris-nelsons-13732" target="_blank" rel="noopener">Lady Macbeth von Mzensk</a>, ist f&uuml;r Best Engineered Album, Classical nominiert.
Die Pianistin und GRAMMY-Preistr&auml;gerin des Jahres 2024, Yuja Wang, wurde zusammen mit Dirigent Andris Nelsons und dem Boston Symphony Orchestra au&szlig;erdem in der Kategorie Best Orchestral Performance f&uuml;r ihre gefeierte Aufnahme von Messiaens ausladender <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/messiaen-turangalla-nelsons-wang-13655" target="_blank" rel="noopener">Turangal&icirc;la-Symphonie</a> nominiert.
Dirigent Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin und das Philadelphia Orchestra setzen ihr Engagement f&uuml;r die Aufnahme vernachl&auml;ssigter amerikanischer Werke mit ihrem Album <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/still-bonds-yannick-nezet-seguin-the-philadelphia-orchestra-14200">Still &amp; Bonds: Symphonies &amp; Variations</a> fort, welches ebenfalls f&uuml;r Best Orchestral Performance nominiert wurde.
Die Weltpremiere-Aufnahme von Jeanine Tesoris kraftvoller Oper, <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/tesori-grounded-yannick-nezet-seguin-emily-dangelo-14189" target="_blank" rel="noopener">Grounded</a>, wurde f&uuml;r Best Opera Recording nominiert und ehrt damit die verstorbene Komponistin. Die Mezzosopranistin Emily D&rsquo;Angelo brilliert in der anspruchsvollen Hauptrolle der Jess. Die Oper wird von Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin dirigiert, der das Metropolitan Opera Orchestra leitet.
Zu den Nominierungen f&uuml;r Best Album Notes geh&ouml;rt die Aufnahme After The Last Sky des von der Deutschen Grammophon vertriebenen Labels ECM mit Anouar Brahem, Anja Lechner, Django Bates, Dave Holland und dem Verfasser der Albumnotizen Adam Shatz.
&bdquo;Wir sind ungemein stolz, dass die Bandbreite und das Engagement des Gelben Labels f&uuml;r herausragende Aufnahmeprojekte mit diesen bedeutenden GRAMMY-Nominierungen gew&uuml;rdigt wurden&ldquo;, sagt Dr. Clemens Trautmann, Pr&auml;sident Deutsche Grammophon und New Business Strategy Global Classics. &bdquo;Dieser Erfolg best&auml;tigt unsere Schl&uuml;sselkooperationen: K&uuml;nstler und Partner, mit denen wir seit mehr als einem Jahrzehnt zusammenarbeiten und bahnbrechende Produktionen im symphonischen und Opern-Repertoire sowie im Solo-Konzertgenre geschaffen haben. Besonders erfreulich ist, dass Yuja Wang und Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin jeweils zweimal mit unterschiedlichen Projekten nominiert wurden und Andris Nelsons mit dem Boston Symphony Orchestra sogar insgesamt vier Nominierungen erhielt, darunter drei f&uuml;r ihren bahnbrechenden Schostakowitsch-Zyklus. Herzlichen Gl&uuml;ckwunsch auch an Emily D&lsquo;Angelo, Yo-Yo Ma, die Metropolitan Opera und das Philadelphia Orchestra sowie an unsere Freunde bei ECM Records. Wir sind besonders stolz auf die spannenden musikalischen Entdeckungen, die diese Partnerschaften sowohl mit brandneuem als auch mit zeitlosem Repertoire erm&ouml;glicht haben.&ldquo;
Die 68. GRAMMY Awards finden am Sonntag, den 1. Februar 2026 in der Crypto.com Arena in Los Angeles statt.
Best Opera Recording <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/tesori-grounded-yannick-nezet-seguin-emily-dangelo-14189" target="_blank" rel="noopener">TESORI: GROUNDED</a> Emily D&rsquo;Angelo, Ellie Dehn, Ben Bliss, Kyle Miller, Greer Grimsley, The Metropolitan Opera
 Best Orchestral Performance <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/messiaen-turangalla-nelsons-wang-13655" target="_blank" rel="noopener">MESSIAEN: TURANGAL&Icirc;LA-SYMPHONIE</a> Andris Nelsons &amp; Boston Symphony Orchestra
<a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/still-bonds-yannick-nezet-seguin-the-philadelphia-orchestra-14200" target="_blank" rel="noopener">STILL &amp; BONDS: SYMPHONIES &amp; VARIATIONS</a> Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin &amp; The Philadelphia Orchestra
 Best Classical Instrumental Solo
<a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/shostakovich-cello-concertos-yo-yo-ma-andris-nelsons-13798" target="_blank" rel="noopener">SHOSTAKOVICH: THE CELLO CONCERTOS</a>
Yo-Yo Ma; Andris Nelsons, conductor (Boston Symphony Orchestra)
&nbsp;
<a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/shostakovich-piano-concertos-solo-works-yuja-wang-andris-nelsons-13763" target="_blank" rel="noopener">SHOSTAKOVICH: THE PIANO CONCERTOS &amp; SOLO WORKS</a>
Yuja Wang; Andris Nelsons, conductor (Boston Symphony Orchestra)
&nbsp;
Best Engineered Album, Classical
<a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/shostakovich-lady-macbeth-andris-nelsons-13732" target="_blank" rel="noopener">SHOSTAKOVICH: LADY MACBETH OF THE MTSENSK DISTRICT</a> Andris Nelsons, Kristine Opolais, G&uuml;nther Groissb&ouml;ck, Peter Hoare,
Brenden Gunnell &amp; Boston Symphony Orchestra 
Best Album Notes
AFTER THE LAST SKY&nbsp;(ECM)
Adam Shatz, album notes writer (Anouar Brahem, Anja Lechner, Django Bates, Dave Holland)

Herbert Blomstedt, Gewandhausorchester Leipzig 

Gewandhausorchester, Herbert Blomstedt 

Herbert Blomstedt conducting the Gewandhausorchester Leipzig

Dmitry Sitkovetsky - J.S. Bach, Paganini, Prokovief, Andriasov

J.S. BACH · PAGANINI · PROKOFIEV · ANDRIASOV Dmitry Sitkovetsky

Justus Eichhorn: The Source

THE SOURCE Justus Eichhorn

MUSSORGSKY · RAVEL · GINASTERA Hans-Christian Wille

Kagel: Exotica

EXOTICA Kagel

Albert Lortzing: Der Wildschütz

LORTZING Der Wildschütz (Highlights) / Ferdinand Leitner, Wolfgang Sawallisch

Floating Points: Mere Mortals

MERE MORTALS Floating Points

Serkins letzte Beethoven-Aufnahmen

Anl&auml;sslich ihres 125. Geburtstages ver&ouml;ffentlicht Deutsche Grammophon im Rahmen ihrer neuen Reihe "The Lost Tapes" die letzten Beethoven-Aufnahmen des gro&szlig;en Pianisten Rudolf Serkin f&uuml;r die DG.

Es ist immer wieder beeindruckend, welche Sch&auml;tze in den Archiven der Deutschen Grammophon schlummern und was f&uuml;r Aufnahmen nach langer Zeit das Licht der Welt erblicken. Dass die DG in diesem Jahr ihren 125 Geburtstag begeht, ist ihr Anlass, sich und uns mit einer neuen Reihe zu beschenken: "The Lost Tapes": Aufnahmen, die lange zur&uuml;ckliegen, manche darunter, die aus verschiedensten Gr&uuml;nden nicht ver&ouml;ffentlicht wurden, ungeachtet ihrer Qualit&auml;t und der Exzellenz und Popularit&auml;t der K&uuml;nstler, mit denen sie entstanden.
Den Anfang macht diese neue Reihe mit den letzten Beethoven-Aufnahmen des gro&szlig;en Rudolf Serkin f&uuml;r die Deutsche Grammophon. Serkin, der am 28. M&auml;rz dieses Jahr 120 Jahre alt geworden w&auml;re, starb am 8. Mai 1991. Fast am Ende seines Lebens hatte er sich entschlossen, noch einmal die beiden Klaviersonaten op. 21 und op. 23 von Ludwig van Beethoven einzuspielen. Zwanzig Jahre zuvor hatte er noch vor, den gesamten Zyklus, also alle 32 Klaviersonaten ein weiteres Mal aufzunehmen. Er lie&szlig; diesen Plan fallen und konzentrierte sich stattdessen auf die letzten drei Klaviersonaten op. 109, 110 und 111. Gerade diese Triade hatte f&uuml;r Serkin eine so gro&szlig;e Bedeutung, dass er sie mehrfach einspielte und sie Mitte der Achtziger Jahre in den Mittelpunkt seiner &ouml;ffentlichen Auftritte stellte, bevor er sie im Oktober 1987 schlie&szlig;lich im Wiener Konzerthaus noch einmal aufnahm. Sie galten lange als seine letzten Beethoven-Aufnahmen. So lange, bis schlie&szlig;lich Judith Serkin, Cellistin und Tochter Rudolf Serkins sich entschloss, zwei Aufnahmen ihres Vaters freizugeben, die der Musikwelt bis dahin vorenthalten geblieben waren: die Klaviersonate Nr. 21, op.53, auch als "Waldstein"-Sonate bekannt &ndash; Rudolf Serkin hatte sie bereits im Fr&uuml;hjahr 1986 eingespielt - und die Klaviersonate Nr. 23 in f-Moll op. 57, die "Appassionata", eines von Beethovens bekanntesten Klavierwerken. Diese Aufnahme entstand im Sommer 1989, knapp zwei Jahre vor seinem Tod.
<h3>Akribie und Genauigkeit</h3>
Zu diesem Zeitpunkt war er schon zu krank, um noch ernsthaft &uuml;ber eine Freigabe der Aufnahmen zu entscheiden. Das wird niemanden verwundern, der um Serkins generelle Skepsis gegen&uuml;ber &uuml;ber Plattenaufnahmen und um seine Akribie und die Genauigkeit wei&szlig;, mit der er zu arbeiten pflegte. Sein Sohn, der Pianist Peter Serkin erz&auml;hlte, dass sein Vater auch auf Klavieren ge&uuml;bt habe, die eigentlich kaum spielbar gewesen seien - um bei den Konzerten auf jede Eventualit&auml;t, etwa die eines schlechten Fl&uuml;gels, vorbereitet zu sein. Was helfe einem Pianisten alles Gef&uuml;hl beim Musizieren, wenn man beim G-Dur Konzert von Beethoven keinen gleichm&auml;&szlig;igen Triller hinbekomme&hellip;
Und so wie die Beherrschung des Handwerks Serkin als Voraussetzung f&uuml;r das Musizieren &uuml;berhaupt galt, so war f&uuml;r ihn der vom Komponisten geschriebene Notentext unumst&ouml;&szlig;lich. Den erarbeitete er sich akribisch, oft aus den Faksimiles der Urschriften der Komponisten. Serkins immer wieder ge&auml;u&szlig;erte Bef&uuml;rchtung war, "&hellip;nicht gut genug zu spielen und die W&uuml;nsche des Komponisten nicht ausreichend zu respektieren".
<h3>Tiefes Verst&auml;ndnis f&uuml;r Menschlichkeit</h3>
Nat&uuml;rlich hatte Serkin beide Werke in seiner langen Pianisten-Karriere etliche Male erarbeitet, aufgef&uuml;hrt und eingespielt &ndash; f&uuml;r seine erste Studioaufnahme mit Klaviersolowerken im Jahr 1936 w&auml;hlte er gar die "Appassionata"! Aber es war eben diese Sorge Grund genug f&uuml;r Serkin, einige Aufnahmen, wie auch die jetzt vorliegende "Waldstein"-Sonate und die "Apassionata" nicht zur Ver&ouml;ffentlichung freizugeben.
Die Aufnahmen, sagt Judith Serkin, seien nicht "perfekt". &nbsp;Dennoch verdienten sie, geteilt zu werden, mit anderen Menschen, offenbarten sie doch "Beethovens wie auch Rudolf Serkins tiefes Verst&auml;ndnis daf&uuml;r, was es bedeutet, ein Mensch zu sein."&nbsp; Die jetzt erschienen "Lost Tapes" mit beiden Aufnahmen sind beeindruckendes Zeugnis dieser musikalischen und menschlichen Haltung.&nbsp;

Radikaler Bruch mit der musikalischen Tradition

Eine bahnbrechende und mittlerweile Kultstatus erlangende Serie, die Avantgarde-Reihe der Deutschen Grammophon erscheint jetzt erstmals in einer Edition mit 21 CDs.

Als die Deutsche Grammophon vor 55 Jahren ihre&nbsp;Avantgarde-Reihe startete, beschritt sie editorisches Neuland. Die vier 6-LP-Boxsets enthielten Musik, die seinerzeit noch als "gewagt" und "ungew&ouml;hnlich" beargw&ouml;hnt wurde.
Komponisten wie&nbsp;John Cage, Luciano Berio, Mauricio Kagel, Luigi Nono, Karl-Heinz Stockhausen, Bernd Alois Zimmermann, Leo K&uuml;pper oder Dieter Schnebel rissen Schranken nieder, die den nach ihrer &Uuml;berzeugung l&auml;ngst &uuml;berf&auml;lligen Fortschritt in der Musik hemmten. Jetzt hat Deutsche Grammophon diese spektakul&auml;re Sammlung als Edition ver&ouml;ffentlicht. Auffallend an dieser 21 CDs umfassenden Box ist das Bestreben, den Zirkel der Modernen Musik jener Jahre weit zu schlagen und dabei die enorme Bandbreite an Komponisten, die oft auch gleichzeitig die Interpreten ihrer Werke waren, darzustellen. &nbsp;Viele von ihnen gelten bis heute als herausragende Vertreter der Avantgarde und ihre Werke als beispielgebend f&uuml;r die Suche nach neuen Klangstrukturen und nach der Erweiterung musikalischer Ausdrucksm&ouml;glichkeiten.
<h3>Initialz&uuml;ndung einer neuen Musik</h3>
Gy&ouml;rgy Ligeti etwa - er beschrieb sein ber&uuml;hmtes 16-stimmiges mikropolyphonisches Chorwerk "Lux aeterna" aus dem Jahre 1966 selbst als ein Experiment mit harmonischer Klangfarbenmusik, bei dem die einzelnen Stimmen so dicht ineinanderflie&szlig;en, dass sie unh&ouml;rbar werden und nur noch als Klanggestalt wirken. Eine wichtige Wegmarke des kompositorischen Schaffens Ligetis war auch das 1961/62 f&uuml;r die Orgel komponierte "Volumina", das eine Art Initialz&uuml;ndung einer neuen Musik f&uuml;r die Orgel darstellte.
Als geradezu ikonischer Vertreter der Avantgarde gilt Karl-Heinz Stockhausen, f&uuml;r dessen musikalische Experimente der klassische Konzertsaal l&auml;ngst zu eng geworden war und dem das klassische Instrumentarium bei weitem nicht mehr ausreichte. Prominentes Beispiel daf&uuml;r ist sein "Solo f&uuml;r Melodie-Instrument mit R&uuml;ckkopplung" Part I und II. Bei der ersten kommerziellen Aufnahme erg&auml;nzte Stockhausen den Posaunisten Vinko Globokar durch Tonbandaufnahmen elektroakustisch verzerrte Milit&auml;rkapellenkl&auml;nge und technisch verfremdeten Live-Stimmen etwa beim Gesang der "Internationale" oder der deutschen Nationalhymne.
<h3>Reiz der Ver&auml;nderung</h3>
John Cage brach als Komponist radikal mit der musikalischen Tradition, im Vordergrund seines Schaffens stand nicht das Ergebnis, sondern der ergebnisoffene, sich immer wieder ver&auml;ndernde Arbeitsprozess. Als ein verbl&uuml;ffendes "Experiment mit dem Experiment" stellt sich die Simultanauff&uuml;hrung gleich dreier seiner Werke durch das Ensemble Musica Negativa unter Rainer Riehn dar. F&uuml;r "Atlas Eclipticalis" hatte er einfach transparente Notenbl&auml;tter auf Sternkarten gelegt. Die himmlischen L&auml;ngengrade der Sterne gaben den zeitlichen Verlauf des St&uuml;cks vor, die Breitengrade die Tonh&ouml;he. Dazu ins Verh&auml;ltnis werden das 1956 entstandene Klavierwerk "Wintermusic" und die "Cartridge Music" (1960) gesetzt - sie war einer von Cages fr&uuml;hesten Versuchen, elektronische Live-Musik zu produzieren.
Eine Sonderstellung im Repertoire dieser sorgsam aufgearbeiteten Box nimmt Heinz Holligers 1963 entstandenes Werk "Der magische T&auml;nzer" ein, "zwei Szenen f&uuml;r zwei S&auml;nger, zwei T&auml;nzer, zwei Schauspieler, gemischten Chor, Orchester und Tonband". Sie entstanden nach einem Text von Nelly Sachs und erweiterten den Spielraum der Modernen Musk auch auf den darstellenden Bereich.
<h3>Unerh&ouml;rte St&uuml;cke elektronischer Musik</h3>
Die umfangreiche Sammlung an charakteristischen Beispielen der Avantgarde-Szene setzt sich fort durch bis dato unerh&ouml;rte St&uuml;cke elektronischer Musik, wie Luigi Nonos "Contrappunto diallettico alla mente" oder Werke des belgischen Electronic-Pioniers Leo K&uuml;pper wie "Automatismes sonores" und "L&rsquo;enclume des forces" zu einem Text des franz&ouml;sischen Schauspielers Antonin Artaud.
Zur ganzen Bandbreite der Moderne geh&ouml;ren auch jene Werke, welche die traditionellen klassischen Strukturen bedienen, etwa das Streichquartett. Sch&ouml;pfungen dieses Genres durch Komponisten wie Krzysztof Penderecki, Witold Lutoslawski oder Earle Brown werden gespielt vom LaSalle Quartet, das f&uuml;r seine fabelhaften Interpretationen der Musik des 20. Jahrhunderts bekannt ist.
Dass dieses Kompendium der Avantgarde auch zahlreiche CD-Premieren enth&auml;lt, unterstreicht die Tatsache, wie viel es in der Musik der Moderne noch zu entdecken gibt.&nbsp;

Beseelt wie keiner – Noble Gesamtausgabe lässt Dirigenten-Legende Ferenc Fricsay hochleben

Deutsche Grammophon hat erstmals s&auml;mtliche f&uuml;r das Gelblabel get&auml;tigten Aufnahmen des gro&szlig;en &ouml;sterreichisch-ungarischen Dirigenten Ferenc Fricsay in einer Edition vereint: ein enormer musikalischer Kosmos von atemberaubender Intensit&auml;t. &nbsp;&nbsp;

Ferenc Fricsay nahm seit 1949 f&uuml;r Deutsche Grammophon auf. Im Jahr 1963 verstarb der 1914 in Budapest geborene Ausnahmedirigent bereits. In dem kurzen Zeitraum schuf er eine reichhaltige Diskografie mit zahllosen Referenzaufnahmen. Als Interpret zielte Fricsay auf Pr&auml;zision, leidenschaftlichen Ausdruck und formbewusstes, elegantes Musizieren. Mit seinem schlanken Stil &uuml;berwand er den pathetischen Ton der sp&auml;tromantischen &Auml;ra. Dadurch verstr&ouml;men seine Aufnahmen bis heute eine unwiderstehliche Frische und Originalit&auml;t.
Was man bei Fricsay bekommt, ist indes nicht nur Opern- und Orchestermusik mit emotionalem Tiefgang und einem fein austarierten Klang, sondern auch ein enorm breitgespanntes Repertoire. Im Gegensatz zu vielen Zeitgenossen machte Fricsay keinen Bogen um die musikalische Avantgarde.&nbsp;
<h3>Offen f&uuml;r Zeitgen&ouml;ssisches</h3>
Als Sch&uuml;ler von Neuerern wie B&eacute;la Bart&oacute;k oder Zolt&aacute;n Kod&aacute;ly besa&szlig; der hochbegabte Musikus, der bereits im Alter von sechs Jahren in die renommierte Franz-Liszt-Musikakademie in Budapest eingetreten war und dort Klavier, Violine, Klarinette, Posaune, Schlagzeug, Komposition und Dirigieren gelernt hatte, eine nat&uuml;rliche N&auml;he zu Komponisten der klassischen Moderne. Nicht zuf&auml;llig gelang ihm der internationale Durchbruch mit einem modernen Werk, Gottfried von Einems Musikdrama "Dantons Tod", das er 1947 bei den Salzburger Festspielen uraufgef&uuml;hrt hatte. Aber auch als Mozart-Spezialist oder berufener Beethoven- und Tschaikowski-Interpret, der romantische Sinfonien zum Tanzen bringen konnte, machte er sich einen Namen.
Die jetzt erschienene Gesamtedition, die erstmals alle Aufnahmen zusammenf&uuml;hrt, die der Dirigent f&uuml;r Deutsche Grammophon get&auml;tigt hat, tr&auml;gt dieser musikalischen Vielfalt Rechnung. Zu den Highlights der 86 CDs umspannenden Ausgabe z&auml;hlen neben den bedeutenden Bart&oacute;k- und Kod&aacute;ly-Aufnahmen die legend&auml;ren Mozart-Interpretationen des Maestros, allen voran die Opern, aber auch Klavierkonzerte des Wiener Klassikers, die Fricsay gemeinsam mit der gro&szlig;en Pianistin&nbsp;Clara Haskil zu einem hypnotisierenden H&ouml;r-Erlebnis machte. Jeder Klang entwickelte sich darin organisch aus einem vorherigen Klang. Ein ewiger Fluss, wie gemacht, um sich treiben zu lassen.
<h3>Beseelt wie keiner</h3>
Dass hinter Fricsays zauberischer Leichtigkeit harte Arbeit an klanglicher Vollendung stand, dokumentiert die Bonus-DVD der Edition, die den Dirigenten bei Proben und Aufnahmen zeigt. Aber auch in dem reich bebilderten, 212-seitigen Booklet der Ausgabe zeichnen sich die Konturen einer Pers&ouml;nlichkeit ab, die sich mit ganzer Seele der Musik verschrieb. Wer noch tiefer in die Welt von Ferenc Fricsay eintauchen m&ouml;chte, der sei last but not least auf ein Buch verwiesen, das in diesem Jahr &uuml;ber den gro&szlig;en Dirigenten erschienen ist.
Es tr&auml;gt den Titel "Ferenc Fricsay: Der Dirigent als Musiker". Verfasst hat es der Musikhistoriker&nbsp;Peter S&uuml;hring, der auf Basis der Diskografie und des Berliner Nachlasses von Ferenc Fricsay das Schaffen und die Biografie des Ausnahmedirigenten nachgezeichnet hat. Der Journalist Harald Eggebrecht schrieb nach Lekt&uuml;re des Buches in der S&uuml;ddeutschen Zeitung: "Es lohnt sich, diesen gro&szlig;artigen Dirigenten n&auml;her kennenzulernen." Die beste Gelegenheit dazu bietet die gerade erschienene Gesamtedition.

The Original Source – Ambitionierte Vinyl-Serie mit Aufnahmeklassikern von Carlos Kleiber, Herbert von Karajan, Emil Gilels und Claudio Abbado gestartet

Deutsche Grammophon hat den ersten Teil seiner audiophilen Vinyl-Serie "The Original Source" ver&ouml;ffentlicht: Bewegende Musik von Beethoven, Mahler, Schubert und Strawinsky, in gro&szlig;en Aufnahmen und &uuml;berw&auml;ltigender Tonqualit&auml;t.

Das Gelblabel legt in der Serie "<a href="https://www.the-original-source.com/">The Original Source</a>" LP-Klassiker seines Katalogs in audiophiler Gestalt neu auf. Es geht um Vinyl-Produkte der 1970er Jahre, die "quadrophonisch" auf 4-Spur-B&auml;ndern aufgenommen wurden. Das Publikum jedoch musste damals mit LPs vorliebnehmen, die von den Stereo-Kopien dieser Originale ihren Ausgang nahmen.
Jetzt haben die Emil Berliner Studios mit der Erfindung eines neuen Mischpults und unter Anwendung eines rein analogen Verfahrens erstmals die M&ouml;glichkeit geschaffen, die Originalb&auml;nder verlustfrei zu mischen, zu schneiden und "pure analogue" auf &nbsp;Platte zu bannen. Rainer Maillard, Produzent und Gesch&auml;ftsf&uuml;hrer des Unternehmens, sieht deutliche "Klangvorz&uuml;ge", die auf Anhieb h&ouml;rbar seien: "gr&ouml;&szlig;ere Klarheit, mehr Details und ein besserer Frequenzgang. Weniger Rauschen, weniger Verzerrungen, weniger Kompression."&nbsp;
Deutsche Grammophon pr&auml;sentiert nun 2023, dem Jahr ihres 125-j&auml;hrigen Bestehens, auf 14 Alben die Resultate des neu erarbeiteten Klangniveaus. Der erste Batch des Pakets ist soeben erschienen.
<h3>Ungeahnte Intensit&auml;ten</h3>
Auf dem Programm stehen Kultaufnahmen von Carlos Kleiber, Herbert von Karajan, Emil Gilels und Claudio Abbado, allesamt K&uuml;nstler, die in je individueller Weise besonderes Augenmerk auf die Klangfinesse legten. Karajan war bekannt daf&uuml;r, dass er an Innovationen der Aufnahmetechnik lebhaft Anteil nahm. Er verband dieses Interesse mit leidenschaftlichem Streben nach einem perfekt designten Orchesterklang. Dass er sich einem solchen ann&auml;herte, bezeugt nicht zuletzt seine legend&auml;re Einspielung von Mahlers Sinfonie Nr. 5 mit den Berliner Philharmonikern. Der str&ouml;mende Klang des Orchesters, die lyrische Tiefe und gleichzeitige Frische der Aufnahme entfalten im Medium der neu gewonnenen Klangqualit&auml;t ungeahnte Intensit&auml;ten.&nbsp;
&Auml;hnliche Erfahrungen kann man mit den Platten von Carlos Kleiber und Claudio Abbado machen. In Kleibers Aufnahme von Beethovens Sinfonie Nr. 7 in A-Dur mit den Wiener Philharmonikern verschafft sich der furiose Vorw&auml;rtsdrang und die klangliche Differenziertheit der Interpretation deutlich Geltung. In Abbados Aufnahme von Strawinskys "Le Sacre du printemps" mit dem London Symphony Orchestra besticht die Detailfreude des Orchesters.
<h3>Kammermusikalischer Schatz</h3>
Erfreulich ist, dass neben der wuchtigen Orchestermusik auch eine kammermusikalische Kostbarkeit in der ersten Folge von "The Original Source" vorkommt: Emil Gilels dynamische Aufnahme von Schuberts Forellenquintett eignet sich hervorragend f&uuml;r audiophile Verfeinerungen. Der Pianist bringt gemeinsam mit Streichern aus dem Amadeus Quartet und dem Bassisten Rainer Zepperitz einen harmonischen Farbenreichtum zum Vorschein, der bet&ouml;rend ist.&nbsp;
F&uuml;r alle vier Platten gilt, dass sie auf 180g Vinyl gepresst sind und in limitierter Auflage erscheinen. Jedes Exemplar ist nummeriert und wartet mit einem nobel gestalteten, aufklappbaren Cover auf. Das Artwork der Cover und die Begleittexte entsprechen den Originalen. Zus&auml;tzlich finden sich in den einzelnen LP-Ausgaben Fotos, Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons. &Uuml;ber die technischen Hintergr&uuml;nde der neuen Serie informiert ein gut lesbarer Text. Die Editionen sind u.a. im <a href="https://store.deutschegrammophon.com/p30-i3200">Online-Shop der Deutschen Grammophon</a> erh&auml;ltlich.

Das Mannheim Mozarts – eine musikalische Reise mit dem Freiburger Barockorchester

Das Album "Mozart&rsquo;s Mannheim" ist das erste Zeugnis der neuen Partnerschaft zwischen dem Freiburger Barockorchester und dem gelben Label. Im Zentrum stehen neben Werken von Mozart selbst Kompositionen, die der Tonsch&ouml;pfer in seiner Zeit in Mannheim geh&ouml;rt haben mag. Das Album wird am 19. Mai ver&ouml;ffentlicht.

Welche Musik mag Mozart geh&ouml;rt haben, als er einst in Mannheim weilte? Woraus sch&ouml;pfte er seine Inspiration und was pr&auml;gte seine eigene Kunst? Diese Fragen liegen dem besonderen Album zugrunde, das unter dem Titel "Mozart&rsquo;s Mannheim" nun bei Deutsche Grammophon erscheint. Zu erleben ist das Freiburger Barockorchester unter Leitung von Gottfried von der Goltz, das seine Zuh&ouml;rer mitnimmt in das Mannheim zu Mozarts Zeiten und verschiedene Werke interpretiert, die mit der ber&uuml;hmten Mannheimer Hofkapelle verbunden sind. Zudem erklingen Werke Mozarts, die einen direkten Bezug zu Mannheim haben. Das Album wird am 19. Mai ver&ouml;ffentlicht und ist nicht nur ein musikalisches Erlebnis, sondern dar&uuml;ber hinaus das klangvolle Zeichen der neuen kreativen Partnerschaft zwischen dem gelben Label und dem renommierten Ensemble.
<h3>Mannheim &ndash; musikalischer Inspirationsort f&uuml;r Mozart</h3>
Schon als Wunderkind war Wolfgang Amadeus Mozart auf seinen Konzertreisen durch Mannheim gekommen. Im Oktober 1777 kehrte er im Alter von 21 Jahren in die Stadt zur&uuml;ck. Mit gutem Grund: So war die s&uuml;ddeutsche Stadt durch die legend&auml;re Mannheimer Hofkapelle ein &auml;u&szlig;erst beliebtes Ziel f&uuml;r Kulturpilger des 18. Jahrhunderts. Mozart war damals begeistert von der Kraft und Pr&auml;senz des Mannheimer Orchesters, das nicht nur f&uuml;r seine Gr&ouml;&szlig;e und Virtuosit&auml;t bekannt war, sondern zudem f&uuml;r eine ganze Reihe erstaunlicher dynamischer Effekte. Wie sehr dieser musikalische Reichtum Mozart inspiriert haben muss, zeigt sich in all jenen Werken, die er nach seiner Mannheimer Zeit komponierte und die mit ihrer Individualit&auml;t und Originalit&auml;t in den Bann ziehen.
<h3>Intensive Recherche f&uuml;r das Album</h3>
Um die musikalischen Erfahrungen, die Mozart in Mannheim gemacht hat, m&ouml;glichst eindr&uuml;cklich wiederzugeben, fand im Vorfeld des Albums eine intensive Recherche statt. So hat Dr. R&uuml;diger Thomsen-F&uuml;rst, Experte f&uuml;r das Mannheimer Orchester und seine Komponisten, die Briefe Mozarts an seine Familie studiert, um herauszuarbeiten, mit wem Mozart welchen Kontakt hatte und schlie&szlig;lich auf dieser Basis das besondere Programm zu erarbeiten. "Wir erfahren etwas von der Musik, die Mozart in Mannheim h&ouml;rte und welche seiner Werke hier komponiert beziehungsweise aufgef&uuml;hrt wurden. So stellt die Auswahl f&uuml;r dieses Album den Versuch dar, Mozarts Mannheimer Klangwelt nahezukommen und den heutigen H&ouml;rer zum Ohrenzeugen dieser Epoche werden zu lassen&ldquo;, sagt Bail.
<h3>Vielgestaltige Werkschau</h3>
Auf "Mozart&rsquo;s Mannheim" machen verschiedene Werke die Atmosph&auml;re der Stadt von damals erlebbar. H&ouml;hepunkte des Albums sind gleich vier Weltersteinspielungen, darunter die Symphonie Nr. 55 in C-Dur von Cannabich, die den Mannheimer Klang in schillernden Schattierungen und reich an dramatischen Effekten und Kontrasten widerspiegelt. Au&szlig;erdem ist erstmals das Violinkonzert von Danner zu erleben sowie das "Sextett f&uuml;r Fl&ouml;te, Oboe, Violine, Viola, Fagott und Violoncello" von Carl Joseph Toeschi. Mit der Ouvert&uuml;re zu Ignaz Holzbauers Singspiel "G&uuml;nther von Schwarzburg" erklingt zudem ein Werk, &uuml;ber das Mozart seinem Vater Leopold damals schrieb, er sei erstaunt dar&uuml;ber, "wie viel Feuer in dieser Musik steckt". Neben diesen Entdeckungen stehen Werke von Mozart selbst im Zentrum, darunter die Konzertarie "Alcandro lo confesso &hellip; Non s&ograve; d&rsquo;onde vieni", die Anfang 1778 von Mozarts zuk&uuml;nftiger Schw&auml;gerin Aloysia uraufgef&uuml;hrt wurde und auf dem Album von der Sopranistin Nicole Chevalier gesungen wird. Au&szlig;erdem ist die Symphonie in C-Dur KV 208/102 zu h&ouml;ren, ehemals im Hause Cannabich uraufgef&uuml;hrt.
<h3>Beeindruckendes musikalisches Portr&auml;t</h3>
Dem Freiburger Barockorchester gelingt auf seinem ersten Album bei Deutsche Grammophon ein schillerndes Portr&auml;t der Musikoase Mannheim, in der Mozart aus dem Vollen sch&ouml;pfen konnte. Dabei leuchtet das renommierte Ensemble die unterschiedlichen Werke mit transparentem und wendigem Gesamtklang, hochsensibler Gestaltung der Phrasen und inniger Musikalit&auml;t eindrucksvoll aus. "Was Mozart in Mannheim lernte, kann in Bezug auf sein sp&auml;teres Leben gar nicht hoch genug eingesch&auml;tzt werden", sagt Dramaturg Martin Bail. "Mozart&rsquo;s Mannheim" zeigt diese Einfl&uuml;sse faszinierend auf und offenbart in den Werken Mozarts, welch deutliche Spuren die Mannheimer Zeit hinterlassen hat.
Das Konzept und das Programm des Albums wurden in Kooperation mit dem Forschungszentrum Hof | Musik | Stadt entwickelt, das auch das Notenmaterial zur Verf&uuml;gung stellte und das Projekt wissenschaftlich begleitete.

Mozart herangezoomt – Karl Böhms legendäre Einspielung des "Figaro" in einer audiophil remasterten Edition

Karl B&ouml;hms Einspielung von Mozarts Oper &bdquo;Le nozze di Figaro&ldquo; z&auml;hlt zu den bedeutendsten Aufnahmen der Schallplattengeschichte. Jetzt erscheint das Meisterst&uuml;ck des &ouml;sterreichischen Dirigenten in einer audiophil remasterten Fassung.

Karl B&ouml;hm bot alles auf, was Rang und Namen hatte, als er im M&auml;rz 1968 in Berlins Jesus-Christus-Kirche Mozarts beliebte Opera buffa "Le nozze di Figaro" aufnahm. Mit dem charismatischen Bariton Hermann Prey in der Titelrolle, der feinf&uuml;hligen schweizerischen Lyrikerin Edith Mathis als Susanna, Dietrich Fischer-Dieskau als Grafen und der erst 30-j&auml;hrigen und dennoch schon Ber&uuml;hmtheit genie&szlig;enden Gundula Janowitz als Gr&auml;fin waren gl&auml;nzende Voraussetzungen f&uuml;r eine Interpretation geschaffen, die nicht nur s&auml;ngerisch, sondern auch kraft ihrer schauspielerischen Durchdringung des Stoffs h&ouml;chste Ma&szlig;st&auml;be erwarten lie&szlig;.
Karl B&ouml;hm war zur Zeit der Berliner Produktion bereits 73 Jahre alt. Doch der damalige Grandseigneur der Klassikwelt durfte als "Jugendlicher im Sinne k&uuml;nstlerischer Unverw&uuml;stlichkeit" gelten. So jedenfalls charakterisierte der Musikkritiker Peter Coss&eacute; das energische Temperament des eigenwilligen Dirigenten, dem er die Haltung attestierte, "sich nie und nimmer mit dem lauen Durchschnitt" abzufinden. B&ouml;hms Figaro von 1968 war eines der eindrucksvollsten Zeugnisse hierf&uuml;r. Das britische Klassikmagazin Gramophone wies der Einspielung einen "Ehrenrang im Pantheon der Figaro-Aufnahmen" zu. Die Frische, Klarheit und Ger&auml;umigkeit der Aufnahme sei in sp&auml;teren Einspielungen kaum je wieder erreicht worden.
<h3>&nbsp;Abgr&uuml;ndige Komik der Liebe</h3>
Jetzt ist B&ouml;hms "Figaro" unter R&uuml;ckgriff auf die analogen Originalb&auml;nder neu gemastert worden. Im hochaufl&ouml;senden 24 bit/96 kHz-Format sch&auml;rfen sich die Konturen der S&auml;ngerinnen und S&auml;nger, und die Klangfarben des Chors und Orchesters der Deutschen Oper Berlin gewinnen eine intensivere Leuchtkraft als je zuvor. Mozarts Musik r&uuml;ckt dadurch n&auml;her, und die abgr&uuml;ndige Komik der menschlichen Erotik, wie sie Lorenzo Da Ponte in seinem an die Figaro-Kom&ouml;die von Beaumarchais anschlie&szlig;enden Libretto einf&auml;ngt, wird nachf&uuml;hlbarer.
B&ouml;hms Aufnahme erscheint erstmals in dieser audiophilen Gestalt auf 3 CDs und einer Blu-ray Audio Disc. Beigef&uuml;gt ist der Deluxe-Edition ein 28-seitiges Booklet, das neben fachkundigen Essays und einer Zusammenfassung der Oper mit bislang unver&ouml;ffentlichten Bildern der Aufnahmesessions aufwartet. Aus den Fotos spricht der ebenso konzentrierte wie enthusiastische Geist der Aufnahme, ein visueller Zusatz zu der mitrei&szlig;enden Musik.&nbsp;

Xiaofu Ju: Janáček - In the Mists, I. Andante

Saint-Saëns: Danse macabre, Op. 40 (Arr. Ferrière for Marimba and Piano)

F. Bridge: Come To Me In My Dreams

Arsenii Moon - Chopin: 12 Etudes, Op. 10: No. 1 in C Major "Waterfall"

Victor Le Masne - Ravel Recomposed: Il est bon, l'enfant, il est sage

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With Mist Without, recently signed pianist and poet Xiaofu Ju presents his debut album for DG China. This concept-driven recital transforms a single image into a richly imagined listening journey, introducing a distinctive artistic voice of a new generation.&nbsp;
Inspired by the German notion of Weltschmerz (pain of the world) and the spirit of Chinese Misty Poetry, the album reveals its emotional world through suggestion rather than direct expression. Meaning emerges gradually, like shapes appearing through mist, as music, text, and poetry come together to create a unified artistic experience.&nbsp;
More than a collection of masterpieces, Mist Without is conceived as a complete one-sitting experience &mdash; an immersive world that moves through mist, night, ghosts, mourning, and darkness before arriving at a moment of lucid stillness. The music comes to an end, yet the mist remains. &nbsp;

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