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Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler &ndash; manchmal &uuml;ber viele Jahre? Dieser Ebene hinter der Musik widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann regelm&auml;&szlig;ig mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern des Labels ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

Der einflussreiche Pionier der Minimal Music wird 90 Jahre alt

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. Aus diesem Anlass wird ECM Records drei bahnbrechende, fr&uuml;he Alben des Komponisten unter dem Titel "Steve Reich: Recordings on ECM" zusammen in einer audiophilen AAA Vinyl-Box wiederver&ouml;ffentlichen.

<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120093" target="_blank" rel="noopener">Ab sofort kann die AAA Vinyl-Box exklusiv vorbestellt werden.&nbsp;</a>
"Es gibt nur eine Handvoll lebender Komponisten, die zu Recht behaupten k&ouml;nnen, den Lauf der Musikgeschichte ver&auml;ndert zu haben. Steve Reich ist einer von ihnen", schrieb der Anfang dieses Jahres verstorbene Klassikkritiker Andrew Clements einst im britischen Guardian &uuml;ber den Pionier der amerikanischen Minimal Music. Reich lie&szlig; sich als Teenager stark durch die Musik von Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane, Kenny Clarke und Max Roach inspirieren. Zun&auml;chst lieb&auml;ugelte er mit einer Karriere als Jazzschlagzeuger und gr&uuml;ndete sogar ein eigenes Bebop-Quintett, bevor er sich im Alter von 21 Jahren an der renommierten New Yorker Juilliard School einschrieb und ein Kompositionsstudium begann. Mit seinen Werken&nbsp;und Aufnahmen hat Steve Reich, den der New Yorker einmal den&nbsp;"gr&ouml;&szlig;ten musikalischen Denker unserer Zeit"&nbsp;nannte, seit den 1960er Jahren Einfluss auf K&uuml;nstler:innen und Bands der verschiedensten Genres ausge&uuml;bt, darunter Michael Nyman, Brian Eno, King Crimson, The Residents, Lou Reed, Aphex Twin, Bj&ouml;rk, Sonic Youth Autechre,&nbsp;Tortoise und Peter Gabriel.
Ma&szlig;geblich dazu beigetragen haben die drei fr&uuml;hen Alben, die er zwischen 1978 und 1982 bei dem Label ECM Records ver&ouml;ffentlichte: "Music for 18 Musicians", "Octet/Music for a Large Ensemble/Violin Phase" und "Tehillim". P&uuml;nktlich zu seinem 90. Geburtstag&nbsp;am 3. Oktober werden diese drei Meilensteine unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/steve-reich-recordings-on-ecm-3lp-box-1295079" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" zusammen auf Vinyl wiederver&ouml;ffentlicht. Die Alben erscheinen &nbsp;in einer hochwertig ausgestatteten, vollst&auml;ndig analogen Vinyl-Box (AAA) mit Booklet, die auf Grundlage der originalen Masterb&auml;nder produziert wurde und sind <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120093" target="_blank" rel="noopener">exklusiv vorbestellbar.</a>
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Der Klang des Wesentlichen

Mit &bdquo;Alina&ldquo; schuf Arvo P&auml;rt eine Aufnahme, die sich ganz auf den Kern seiner musikalischen Sprache konzentriert. Die nun erstmals auf Vinyl erscheinende Einspielung f&uuml;hrt zur&uuml;ck zu den Urspr&uuml;ngen des Tintinnabuli-Stils und zu zwei Werken &ndash; &bdquo;F&uuml;r Alina&ldquo; und &bdquo;Spiegel im Spiegel&ldquo; &ndash;, die bis heute zu den bekanntesten Kompositionen des estnischen Komponisten z&auml;hlen.

<a href="https://mlp.universal-music.de/arvo-paert/arvo-paert-90/2832/de" target="_blank" rel="noopener">Mehr Info zu Arvo P&auml;rt, seine Ver&ouml;ffentlichungen und mehr finden Sie hier.&nbsp;</a>
"Die gr&ouml;&szlig;te Gefahr beim H&ouml;ren von Alina besteht darin, dass vieles von dem, was man danach h&ouml;rt, pl&ouml;tzlich wie L&auml;rm wirkt &ndash; zu viel L&auml;rm.&ldquo; Mit diesen Worten beschrieb der Kritiker Rob Cowan im Magazin Gramophone die Wirkung eines Albums, das seit seiner Ver&ouml;ffentlichung zu den wichtigsten Aufnahmen des Komponisten gez&auml;hlt wird. Tats&auml;chlich entfaltet "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/arvo-paert-alina-62207" target="_blank" rel="noopener">Alina</a>&ldquo; mit denkbar wenigen Mitteln eine au&szlig;ergew&ouml;hnliche Pr&auml;senz. Fast drei Jahrzehnte nach seiner Entstehung wirkt das Album noch immer zeitlos. 
Entstanden ist die Aufnahme im Juli 1995 in der Frankfurter Festeburgkirche. Gemeinsam mit Produzent Manfred Eicher versammelte Arvo P&auml;rt vier Musiker, die seiner musikalischen Sprache besonders nahestanden: den Geiger Vladimir Spivakov, den Cellisten Dietmar Schwalke sowie die Pianisten Sergej Bezrodny und Alexander Malter. Im Mittelpunkt standen das Klavierst&uuml;ck "F&uuml;r Alina&ldquo; von 1976 und das zwei Jahre sp&auml;ter entstandene "Spiegel im Spiegel&ldquo;. Aus ihren verschiedenen Interpretationen entstand ein Album, das mit nur wenigen musikalischen Mitteln einen erstaunlichen Spannungsbogen entfaltet. Hermann Conen bezeichnet das Konzept in den Liner Notes als eine Konzentration auf einen "unverzichtbaren Kern des Materials&ldquo;.
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Eingerahmt werden die beiden Fassungen von "F&uuml;r Alina&ldquo; durch drei Interpretationen von "Spiegel im Spiegel&ldquo;. Der Titel verweist dabei unmittelbar auf das musikalische Prinzip des Werkes: Bewegungen werden gespiegelt, melodische Linien kehren zu ihrem Ausgangspunkt zur&uuml;ck. Die Aufnahmen mit Vladimir Spivakov und Sergej Bezrodny er&ouml;ffnen und beschlie&szlig;en das Album, w&auml;hrend Dietmar Schwalke und Alexander Malter dazwischen eine Fassung f&uuml;r Violoncello und Klavier pr&auml;sentieren. Die unterschiedlichen Besetzungen lassen das Werk jedes Mal in einem neuen Licht erscheinen.
F&uuml;r P&auml;rt selbst markiert "F&uuml;r Alina&ldquo; einen entscheidenden Wendepunkt. Das kurze Klavierst&uuml;ck entstand 1976 nach einer langen Phase der Suche und gilt heute als das Werk, mit dem sein Tintinnabuli-Stil erstmals deutlich Gestalt annahm. R&uuml;ckblickend beschrieb der Komponist seinen damaligen Zustand mit "Ich war wie ein Auftakt, der in der Luft hing und darauf wartete, dass der Satz beginnt.&ldquo; Tats&auml;chlich wirkt "Alina&ldquo; wie ein Neubeginn. Fast alles &Uuml;berfl&uuml;ssige ist aus der Musik verschwunden. Es gibt kein festes Metrum, kein vorgegebenes Tempo und kaum mehr als einige wenige T&ouml;ne, die sich aus der Stille heraus entfalten.
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Die besondere Stellung von "Alina&ldquo; zeigt sich auch in seiner Wirkungsgeschichte. Jeremy Eichler bezeichnete das Album in der New York Times als eine der wichtigsten Aufnahmen f&uuml;r den Einstieg in P&auml;rts Werk und lobte die Weise, in der sie den fr&uuml;hen Tintinnabuli-Stil in seiner "wesentlichsten Form&ldquo; erfahrbar mache. Andere Kritiker hoben die Verbindung von &auml;u&szlig;erster Einfachheit und emotionaler Tiefe hervor. L&auml;ngst reicht diese Wirkung weit &uuml;ber die Klassikwelt hinaus: K&uuml;nstler wie Bj&ouml;rk, Thom Yorke oder Stuart Braithwaite von Mogwai haben P&auml;rts Musik als pr&auml;gende k&uuml;nstlerische Erfahrung beschrieben. 
Mit der nun erscheinenden Vinyl-Ausgabe erh&auml;lt dieses stille Schl&uuml;sselwerk eine neue Form. Ver&ouml;ffentlicht wird "Alina" in einer LP-Ausgabe mit vierseitigem Beileger und den Liner Notes von Hermann Conen. Vor allem aber bietet die Wiederver&ouml;ffentlichung die Gelegenheit, eine Aufnahme neu zu entdecken, die bis heute eindrucksvoll zeigt, wie viel Ausdruck in gr&ouml;&szlig;tm&ouml;glicher Reduktion liegen kann.
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Monk, Monk und noch mehr Monk

Sie hei&szlig;t zwar Meredith Monk, aber ein m&ouml;nchisches Dasein f&uuml;hrt die interdisziplin&auml;re K&uuml;nstlerin auch mit 83 Jahren nicht. Im M&auml;rz kommt die Amerikanerin f&uuml;r ein Konzert und eine Preisverleihung nach Berlin. Und auch sonst ist sie emsig wie eh und je.

Es wird langsam schwierig, Preise zu finden, die Meredith Monk noch nicht gewonnen hat. Im Oktober des vergangenen Jahres erhielt die vielseitige K&uuml;nstlerin, die seit dem Wintersemester 2025/26 als Professorin an der <a href="https://www.folkwang-uni.de/home/hochschule/vollanzeige/meredith-monk-wird-pina-bausch-professorin-an-folkwang" target="_blank" rel="noopener">Folkwang </a><a href="https://www.folkwang-uni.de/home/hochschule/vollanzeige/meredith-monk-wird-pina-bausch-professorin-an-folkwang" target="_blank" rel="noopener">Universit&auml;t der K&uuml;nste</a> in Essen lehrt, auf der <a href="https://www.labiennale.org/en/music/2025/biennale-musica-2025/golden-lion-lifetime-achievement-meredith-monk-2025-10-20-12-00" target="_blank" rel="noopener">Biennale Musica in Venedig den &ldquo;Goldenen L&ouml;wen&rdquo; f&uuml;r ihr Lebenswerk</a>. Die Jury schrieb in ihrer Begr&uuml;ndung: &ldquo;Meredith Monk hat die Musik und die darstellenden K&uuml;nste mit einem Ansatz revolutioniert, der das Potenzial der menschlichen Stimme erweitert und sie in ein Vehikel f&uuml;r beispiellose klangliche Erkundungen verwandelt hat.&rdquo; Am 18. M&auml;rz wird der inzwischen 83-J&auml;hrigen in Berlin nun der <a href="https://adk.de/presse/pressemitteilungen/pm-grosser-kunstpreis-berlin-2026-an-meredith-monk" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Gro&szlig;e Kunstpreis&rdquo; der Akademie der K&uuml;nste</a> verliehen. &ldquo;Mit dem Preis an Meredith Monk wird ein einzigartiges und einflussreiches 60-j&auml;hriges Lebenswerk gew&uuml;rdigt, das sich durch eine besondere Durchdringung verschiedener Disziplinen und Wahrnehmungsformen und eine humorvolle gro&szlig;e Gestaltungskraft auszeichnet&rdquo;, hei&szlig;t es in der Pressemitteilung der AdK. &ldquo;Als Komponistin, Vokalk&uuml;nstlerin, Regisseurin und Choreografin von Weltruhm hat Meredith Monk neue Opern, Musiktheater, Filme und Installationen geschaffen, die ihr Zentrum in einem interdisziplin&auml;ren Performanceansatz haben.&rdquo;
Nur drei Tage nach der Preisverleihung wird Meredith Monk beim <a href="https://www.berlinerfestspiele.de/maerzmusik/programm/2026/kalender/meredith-monk-in-concert" target="_blank" rel="noopener">MaerzMusik Festival in Berlin</a> auftreten. Am 21. M&auml;rz ab 19:00 Uhr wird sie mit zwei Mitgliedern ihres Gesangsensembles, Katie Geissinger (Stimme) und Allison Sniffin (Stimme, Violine, Keyboards), auf der Gro&szlig;en B&uuml;hne des Hauses der Berliner Festspiele Songs aus mehr als vier Jahrzehnten auff&uuml;hren. Das Repertoire enth&auml;lt auch einige St&uuml;cke ihres im Oktober 2025 erschienenen, dreizehnten ECM-Albums &ldquo;Cellular Songs&rdquo;, &uuml;ber das Wolf Kampmann in Jazzthing schrieb: &ldquo;Was kann man mit einem Chor alles machen? Meredith Monk, die wohl gr&ouml;&szlig;te lebende Komponistin f&uuml;r Vokalmusik, sprengt seit jeher alle Konventionen von Chorgesang. Auf &lsquo;Cellular Songs&rsquo;, ihrem ersten Album&nbsp; mit neuen Songs seit neun Jahren, wird sie den hohen Erwartungen, die in ihren Namen gesetzt werden, voll gerecht. Ihre nonverbalen Stimmcollagen muten archaisch an, als k&auml;men sie aus der Erde selbst. [&hellip;] Die grandiose Trance-Musik von Monk b&uuml;&szlig;t bis heute nichts von ihrer hypnotischen Durchdringungskraft ein. &lsquo;Cellular Songs&rsquo; ist ein weiteres Meisterwerk einer zuverl&auml;ssigen Sch&ouml;pfungsinstanz.&rdquo; Gerahmt wird das Konzert durch zwei Filmvorf&uuml;hrungen auf der Seitenb&uuml;hne: Um 16:00 Uhr wird dort zun&auml;chst der Portr&auml;tfilm &ldquo;Monk in Pieces&rdquo; gezeigt, der 2025 bei der <a href="https://www.berlinale.de/en/2025/programme/202503759.html" target="_blank" rel="noopener">Berlinale Premiere</a> feierte; um 21:00 Uhr folgt der 1988 entstandene Film &ldquo;Book of Days&rdquo;, bei dem Meredith Monk Regie f&uuml;hrte und die Musik komponierte.
Und wem das alles noch nicht Monk genug ist, dem sei die einst&uuml;ndige <a href="https://www.arte.tv/de/videos/123392-000-A/meredith-monk-die-welt-in-ihrer-stimme/" target="_blank" rel="noopener">Arte-Doku &ldquo;Meredith Monk - Die Welt in ihrer Stimme&rdquo;</a>&nbsp;ans Herz gelegt. Sie wird erstmals am Sonntag, den 29. M&auml;rz um 23:00 Uhr im Fernsehen ausgestrahlt und kann bis zum 30. November 2030 auf www.arte.tv gestreamt werden.
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Zum Gedenken an Ralph Towner, 1940-2026

Im Alter von 85 Jahren ist am 18. Januar 2026 Ralph Towner gestorben. Der Multiinstrumentalist, der vor allem als Meister der klassischen und der 12-saitigen Gitarre bekannt war, z&auml;hlte &uuml;ber 50 Jahre lang zu den wichtigsten Aufnahmek&uuml;nstlern von ECM.

Ralph Towner, 1940 in der Kleinstadt Chehalis im US-Bundesstaat Washington geboren, wuchs in einer musikalischen Familie auf und lernte im Alter von drei Jahren Klavierspielen. Er studierte zun&auml;chst in den USA klassisches Klavier und Komposition, bevor er in den 1960er Jahren ein weiteres Studium der klassischen Gitarre an der Universit&auml;t f&uuml;r Musik und darstellende Kunst in Wien absolvierte. Ende der 1960er Jahre begann er seine Karriere in New York, wo er als von Bill Evans stark beeinflusster freischaffender Pianist und Gitarrist mit unterschiedlichsten Gr&ouml;&szlig;en wie dem Trompeter Freddie Hubbard und dem Singer-Songwriter Tim Hardin zusammenarbeitete. Nach einem Zwischenspiel im Ensemble des Weltmusikpioniers Paul Winter gr&uuml;ndete er 1970 mit Paul McCandless, Glen Moore und Collin Walcott die kammermusikalische Fusion-Gruppe Oregon, mit der er in den 1980er Jahren auch drei Alben f&uuml;r ECM Records aufnahm. Towner selbst gab 1973 mit dem Album "Trios/Solos", an dem als G&auml;ste seine damaligen Oregon-Kollegen mitwirkten, sein Deb&uuml;t bei dem M&uuml;nchner Label. Zu den zahlreichen Aufnahmen, die er f&uuml;r ECM Records machte, geh&ouml;ren Soloalben, Duo-Projekte (mit John Abercrombie, Gary Peacock, Gary Burton und Paolo Fresu) sowie Einspielungen mit Bands unter seiner Leitung, darunter das beliebte Solstice-Quartett mit Jan Garbarek, Eberhard Weber und Jon Christensen. Dar&uuml;ber hinaus wirkte er auch auf Alben von Keith Jarrett, Jan Garbarek, Kenny Wheeler und Egberto Gismonti mit und war Gastmusiker bei der Gruppe Azimuth.
Als Instrumentalist hatte Towner eine eigene Sprache f&uuml;r seine klassische und seine zw&ouml;lfsaitige Gitarre entwickelt. Er selbst beschrieb seine Herangehensweise an die Gitarre einmal als "pianistisch: mein Gehirn will Zugang zu all diesen Noten auf einmal haben." Als Komponist kombinierte er barocke Kontrapunktik mit von brasilianischer Musik und der Jazztradition inspirierten Rhythmen und Melodien. Au&szlig;erdem verfolgte er einen sehr pers&ouml;nlichen Ansatz bei der harmonischen und melodischen Entwicklung seiner Musik. W&auml;hrend er sich bei einigen Aufnahmen ganz aufs Spielen der klassischen und zw&ouml;lfsaitigen Gitarre konzentrierte, griff der Multiinstrumentalist auf anderen Alben zur Erweiterung der Klangfarben und Ausdrucksm&ouml;glichkeiten auch auf Klavier, Synthesizer, Perkussion, Trompete und Waldhorn zur&uuml;ck.
Das letzte neue Album, das Ralph Towner bei ECM Records ver&ouml;ffentlichte, war im M&auml;rz 2023 das Soloalbum "At First Light". Darauf pr&auml;sentierte er nicht nur acht eigene Kompositionen, sondern interpretierte zudem drei Jazzstandards auf der klassischen Gitarre. Zwei Tage vor Towners Tod erschien in der "Luminessence"-Serie von ECM zum ersten Mal das Album "Oracle" auf Vinyl, das er 1994 im Duo mit dem Kontrabassisten Gary Peacock eingespielt hatte. Ralph Towner, der seit den 1990er Jahren in Italien lebte und mit der italienischen Schauspielerin Mariella Lo Sardo verheiratet war, ist am 18. Januar 2026 im Alter von 85 Jahren in Rom verstorben.

Pressespiegel Scofield & Holland - Gipfeltreffen auf höchstem Niveau

Mit ihrem Duo-Album &ldquo;Memories of Home&rdquo; scheinen John Scofield und Dave Holland nicht nur bei Jazzfans einen Nerv getroffen zu haben. Der Strom der begeisterten Kritiken rei&szlig;t nicht ab, wir haben einige davon zusammengestellt.

Gitarrist John Scofield und Bassist Dave Holland, zwei zeitgen&ouml;ssische Meister des Jazz, haben im Laufe der Jahre in verschiedenen Zusammenh&auml;ngen gemeinsam gespielt &ndash; darunter Projekte mit Herbie Hancock und Joe Henderson sowie eine energiegeladene Gruppe mit Joe Lovano und Al Foster.&nbsp;"Memories of Home" ist ihr erstes Duo-Album, das sie nach ausgiebigen Tourneen in den NRS Studios in Catskill, New York, f&uuml;r das ECM Label&nbsp;aufgenommen haben. Damit scheinen beide auch bei Kritikern einen Nerv getroffen zu haben, wie der folgende Pressespiegel demonstriert.
&ldquo;Virtuoser k&ouml;nnen zwei Musiker kaum zusammenspielen. John Scofield zaubert auf der Gitarre aberwitzige Tonfolgen. Dave Holland entlockt dem Kontrabass ebenb&uuml;rtige Melodielinien. Beide bevorzugen eine eher harsche, pr&auml;gnante Intonation, die kaum Raum f&uuml;r l&auml;ngeres Nachklingen der Saiten l&auml;sst. Umso bewundernswerter, wie ihr Spiel ineinandergreift und wie intim sie im Zwischenland von Komposition und Improvisation agieren [&hellip;] Das gegenseitige Verst&auml;ndnis dieser Giganten ist tief.&rdquo; (Werner Stiefele, Audio/Stereoplay)
&ldquo;Man h&ouml;rt hier, wie gut sie sich nach zwei Touren verstehen, und ist wieder einmal gl&uuml;cklich, dass die besten Jazzer bei okayem Lebenswandel selbst jenseits der 70 nicht schlechter werden. Hollands Linien klingen auch melodisch, wenn er begleitet, auch wenn er nichts gegen abstrakte Grooves hat. Scofield nimmt einen im Alter noch starker an die H&ouml;rerhand in seinen Soli, die alles k&ouml;nnen: aus der Harmonie schleichen und unmerklich wieder reinkommen, weit gedehnte Akkorde als Wohlklang verkaufen. Beide durchdringen ihre alten und neuen Songs gespenstisch, als spukten sie spielerisch durch das Harmoniegeb&auml;ude.&rdquo; (Tobi M&uuml;ller, Rolling Stone)
&ldquo;Was &lsquo;Memories Of Home&rsquo; so besonders macht, ist nicht nur die musikalische Brillanz, sondern auch die reflektierte Einfachheit: Scofield und Holland verzichten auf bombastische Effekte, auf &uuml;ppiges Vibrato oder &uuml;bertriebene Dramaturgie, und konzentrieren sich stattdessen auf klare Intonation und dicht verwobene melodische Linien. [&hellip;] Ein Werk zweier Gro&szlig;meister, deren musikalische Freundschaft in jedem Ton sp&uuml;rbar ist.&rdquo; (Sebastian Mei&szlig;ner, Sounds and Books)
&ldquo;Die beiden Altmeister, die zu unterschiedlichen Zeiten in der Band von Miles Davis spielten, haben einander viel zu erz&auml;hlen. Keiner von ihnen muss mehr etwas beweisen, sie k&ouml;nnen die Sache ganz gelassen angehen, denn selbst wenn sie einfach nur auf ihren Instrumenten plaudern, passiert das immer noch auf allerh&ouml;chstem Niveau. [&hellip;] &lsquo;Memories of Home&rsquo; ist ein aufregend unaufgeregter Austausch, dem zuzuh&ouml;ren nicht nur ein Vergn&uuml;gen ist, sondern ein Privileg.&rdquo; (Wolf Kampmann, Eclipsed)
&ldquo;Es w&auml;re f&uuml;r diese Virtuosen ein Leichtes gewesen, sich von ihrer Technik mitrei&szlig;en zu lassen und daraus ein Fest des Ausspielens zu machen. Stattdessen setzen sie auf Dialog und Storytelling, komplex und spannend zugleich. Die Arrangements sind sparsam gehalten. Jede einzelne Geschichte ist somit transparent zu erkunden. Hollands Ton ist reichhaltig resonierend. Scofield f&uuml;gt ihm Nuancen und Farben hinzu, die melodisch und perkussiv zugleich fein funkeln.&rdquo; (Michael Loesl, Aachener Zeitung)
&ldquo;Beide sind nicht nur anerkannte Gro&szlig;meister ihrer Instrumente, sondern auch emphatische Dialogpartner und ausschweifende Geschichtenerz&auml;hler. Und so flie&szlig;en die neun St&uuml;cke &ndash; f&uuml;nf von Scofield, vier von Holland, einige fr&uuml;her in gr&ouml;&szlig;eren Besetzungen eingespielt &ndash; in perfekter Harmonie dahin, ebenso konzentriert wie l&auml;ssig im Auskosten der Harmonien und spontanem Melodienerfinden.&nbsp;(Reinhold Unger, M&uuml;nchner Merkur)
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Der Postbote pfeift Für Alina - zu Arvo Pärts 90. Geburtstag

Arvo P&auml;rt gilt als r&auml;tselhafte, m&ouml;nchsgleiche Pers&ouml;nlichkeit. Er ist au&szlig;erdem wahrscheinlich der popul&auml;rste klassische Komponist unserer Zeit. In den letzten 30 Jahren hat er eng mit ECM-Produzent Manfred Eicher und dem Chor-Ensemble Vox Clamantis zusammengearbeitet. Dessen neues Album And I heard a voice ist ein atemberaubendes Zeugnis dieser fruchtbaren Beziehungen, ver&ouml;ffentlicht&nbsp; kurz vor P&auml;rts 90. Geburtstag am 11. September.
Die genauen Gr&uuml;nde f&uuml;r Arvo P&auml;rts immense Popularit&auml;t beim Publikum bleiben unklar. Nicht ganz so schwer zu erkl&auml;ren ist, warum sich das klassische Musik-Establishment zu seinen zur&uuml;ckhaltenden Kompositionen hingezogen f&uuml;hlt: Sie ziehen einfach mehr und auch andere Menschen in die Konzerthallen als die meisten seiner Zeitgenoss:innen.
Laut Steve Reich liegt die Anziehungskraft des musikalischen Minimalismus darin, dass er Konventionen von Harmonie und Rhythmus wiederherstellt, die in der ersten H&auml;lfte des 20. Jahrhunderts aufgegeben wurden. In Alvier Luciers &ldquo;Eight Lectures on Experimental Music&rdquo; argumentiert Reich, dies sei der Hauptgrund gewesen, warum die zeitgen&ouml;ssische klassische Musik den Anschluss zum breiten Publikum verloren habe &ndash; eine Entwicklung, die er mit dem humorvollen Bonmot adressierte, es gebe &ldquo;keinen Postboten auf Erden, der Arnold Schoenbergs Lieder pfeift.&rdquo;
&Auml;hnlich wie die amerikanischen Minimalist:innen (wie Reich) in den 1960er Jahren, haben es Arvo P&auml;rts Arbeiten geschafft, ein breiteres Publikum zu erreichen, ohne je trivial zu sein. Die &Auml;hnlichkeiten h&ouml;ren jedoch genau dort auf &ndash; P&auml;rt ist eindeutig kein Minimalist im Reich&rsquo;schen Sinne, aber er hat sich einen eigenen Platz geschaffen mit seinem Tintinnabuli genannten Kompositionsstil, der sich auf fr&uuml;he Polyphonie, gregorianische Ges&auml;nge und andere heilige Formen von Musik bezieht.
Der begnadete Komponist studierte bei Meistern in Tallinn und Moskau hat und begann in den mittleren 1950er Jahren damit, Musik in einem relativ traditionellen &ldquo;neo-klassischen&rdquo; Stil zu schreiben (der &uuml;brigens nichts damit zu tun hat, was heute manchmal als &lsquo;Neoklassik&rsquo; bezeichnet wird). Noch an der Universit&auml;t begann er damit, Sch&ouml;nbergs 12-Ton-Technik und die daraus resultierenden serialistischen Innovationen der Neuen Musik der Nachkriegszeit zu studieren und diese komplexen Methoden mit seinem Interesse an heiligen Schriften zu verbinden.
1968 h&ouml;rte P&auml;rt zeitweilig auf zu komponieren; er steckte in einer kreativen Sackgasse. Das Sowjetregime hatte offen die religi&ouml;sen Untert&ouml;ne wie auch die westlichen Einfl&uuml;sse in seinem Oeuvre missbilligt. Kurzzeitig schwenkte er auf einen Stil um, der von Collage-Techniken inspiriert war, doch P&auml;rt erkannte bald die nat&uuml;rlichen Grenzen dieses Ansatzes. Als er sich vom aktiven Komponieren zur&uuml;ckzog, wandte er sich der christlich-orthodoxen Theologie und der Fr&uuml;hen Musik zu und begann in seinen mittleren Drei&szlig;igern eine intensive Zeit des Studiums und der Einkehr.
Nach einer langen Pause kehrte P&auml;rt 1976 mit dem asketischen Klavierst&uuml;ck F&uuml;r Alina zur&uuml;ck. W&auml;hrend seines R&uuml;ckzugs aus der &Ouml;ffentlichkeit hatte er eine neue Musiksprache entwickelt, die er Tintinnabuli nannte und die sein melodisches und harmonisches Material auf den essentiellen Kern reduzierte. Die perfekte Balance zwischen formaler Klarheit und emotionaler Resonanz zu erreichen war schwierig, denn er wollte, dass die Zuh&ouml;rer:innen ihre Verbindung zur Musik intensivieren konnten, indem sie einfach nur den scheinbar einfachen Melodien mit akuter Aufmerksamkeit folgten.
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F&uuml;r Alina markierte einen Quantensprung f&uuml;r P&auml;rt, eine Art kreativen Durchbruch und die Grundlage vieler weiterer Kompositionen in diesem Stil, die noch kommen sollten. Fast 20 Jahre sp&auml;ter, im Juli 1995, orchestrierte der renommierte deutsche Musikproduzent Manfred Eicher neue Einspielungen von F&uuml;r Alina und einer weiteren Schl&uuml;sselkomposition P&auml;rts, Spiegel im Spiegel, in der Festeburgkirche in Frankfurt am Main. Der Komponist war bei den Aufnahmen anwesend und unterst&uuml;tzte den Produzenten und die Musiker mit wertvollen Anmerkungen und Inspiration.
Eicher hatte P&auml;rts Musik zuerst in den fr&uuml;hen 1980er Jahren im Radio geh&ouml;rt, w&auml;hrend einer schicksalhaften Autobahnfahrt von Stuttgart nach Z&uuml;rich. Obwohl die &Uuml;bertragung wegen schlechten Empfangs st&auml;ndig unterbrochen wurde, h&ouml;rte der Produzent genug, um nachhaltig von dem estnischen Komponisten verzaubert zu werden. Sp&auml;ter fand er heraus, dass es Tabula Rasa war, was er geh&ouml;rt hatte &ndash; ein St&uuml;ck f&uuml;r Klavier und Streicher, das 1977 uraufgef&uuml;hrt wurde.
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Heute scheint es unvorstellbar, dass P&auml;rt alles andere als ein g&auml;ngiger Name im damaligen Westeuropa war. Seit Jahrzehnten werden seine Arbeiten nun schon quer &uuml;ber den Globus konstant gespielt und aufgef&uuml;hrt &ndash; doch das war seinerzeit noch nicht der Fall. P&auml;rts Musik wurde immer noch haupts&auml;chlich in Russland rezipiert, obwohl der Komponist bereits in Wien lebte, nachdem er sich 1980 aus politischen Gr&uuml;nden gezwungen sah, die Sowjetunion zu verlassen.
Manfred Eicher rief ECM New Series, eine Unterabteilung des ber&uuml;hmten Labels f&uuml;r Jazz und improvisierte Musik, das er 1969 mit gegr&uuml;ndet hatte, ins Leben, um jene P&auml;rt-Komposition zu ver&ouml;ffentlichen, der er so fasziniert im Radio zugeh&ouml;rt hatte. Er hatte bereits einige Ausfl&uuml;ge in die zeitgen&ouml;ssische Klassik unternommen, vor allem mit Aufnahmen von Steve Reichs Musik, doch diese waren noch unter dem regul&auml;ren ECM-Banner ver&ouml;ffentlicht worden. Tabula Rasa wurde das erste Album, das das ECM New Series-Logo trug &ndash; der offizielle Start f&uuml;r das neue Sub-Label im Jahr 1984.
Seitdem hat ECM New Series &ldquo;sich unzweifelhaft einen ganz eigenen Platz im &Ouml;kosystem der klassischen Musik geschaffen&rdquo;, wie sich die New York Times k&uuml;rzlich begeisterte, &ldquo;und seine n&uuml;chterne visuelle &Auml;sthetik und der ger&auml;umige, kristallklare Klang sind wiedererkennbare Visitenkarten.&rdquo;
Obwohl Eicher und sein Team riesige Erfolge mit der Musik von Meredith Monk, Keith Jarrett, Andras Schiff, dem Danish String Quartet oder dem Hilliard Ensemble feierten, ist Arvo P&auml;rt doch der Schl&uuml;sselkomponist des Labels geblieben, und f&uuml;r P&auml;rt bleibt ECM die ideale Labelheimat &ndash; sowohl Tabula Rasa von 1984 als auch das Album Alina von 1999, das die erw&auml;hnten Frankfurter Aufnahmen von F&uuml;r Alina und Spiegel im Spiegel enth&auml;lt, sind perfekte Einf&uuml;hrungen in seine reiche Diskografie.
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In den letzten 40 Jahren hat ECM einige Platten ver&ouml;ffentlicht, die sich sehr gut verkauft haben, doch Eicher betrachtet Musik nicht durch die Brille kommerziellen Erfolges. Er ist ein Mann der K&uuml;nste, stets auf der Suche nach Wahrheit und Authentizit&auml;t, und er sieht ECM, wie er der New York Times erz&auml;hlte, als &ldquo;ein zuvorderst kulturelles Projekt, das sich an Zuh&ouml;rer richtet, die sich f&uuml;r Musik begeistern.&rdquo; Eicher hat diese Hingabe selbst immer wieder bewiesen, indem er schwierigen bis ber&uuml;chtigten Alben ein Forum geboten hat. Doch f&uuml;r jeden obskuren barocken Komponisten, den er auftat, ver&ouml;ffentlichte er auch eine Platte wie Officium, das unerwartet beliebte Album des norwegischen Saxophonisten Jan Garbarek mit dem Hilliard Ensemble, eines der meistverkauften ECM-Alben aller Zeiten.
Falls es so etwas wie einen Schl&uuml;ssel zum Erfolg gibt, ist es f&uuml;r Eicher, langlebige musikalische Partnerschaften zu entwickeln, so wie die symbiotische Verbindung zu Arvo P&auml;rt. Im gleichen New York Times-Artikel wird Eicher zitiert, wie er seine Philosophie der Arbeit mit K&uuml;nstler:innen beschreibt: &ldquo;Ich glaube, was ausschlaggebend war, war das nat&uuml;rliche Wachstum von Beziehungen &ndash; dieses Einbinden von Musikern und Komponisten &ndash; und die Zeit, die wir dessen Entwicklung einger&auml;umt haben.&rdquo;
Man kann klar sagen, dass sich die Eicher/P&auml;rt-Verbindung seit ihren ersten gemeinsamen Aufnahmen nur intensiviert hat. And I heard a voice ist bereits das 18. P&auml;rt-Album auf ECM New Series. Es konzentriert sich auf den heiligen, transzendenten Aspekt der Musik des estnischen Komponisten. Aufgenommen in den Jahren 2021 und 2022 in der Haapsalu-Kirche in Estland und produziert von Manfred Eicher, wurde es kurz vor P&auml;rts 90. Geburtstag am 11. September 2025 ver&ouml;ffentlicht. Ein besonderes Release-Konzert wird an diesem Tag in der Kirche K&auml;rdla auf der estnischen Insel Hiiumaa stattfinden.
Nachdem er Jahrzehnte in Russland, &Ouml;sterreich und Deutschland lebte, ist P&auml;rt bereits vor vielen Jahren in sein Heimatland zur&uuml;ckgekehrt. Man sagt, er lebe dort ein ruhiges, m&ouml;nchsartiges Leben, gepr&auml;gt von Zur&uuml;ckhaltung und Einkehr. Im Alter von 90 Jahren ist er immer noch aktiv als Komponist. Er hat einen beeindruckenden Katalog von Arbeiten aufgebaut, die l&auml;ngst den Test der Zeit bestanden haben und weiterhin unfassbar popul&auml;r sind, auch jenseits der Kernzielgruppe des klassischen Publikums. Steve Reich mag Recht gehabt haben und die klassischen Musikliebhaber:innen unter den Postbot:innen werden niemals Sch&ouml;nberg pfeifen &ndash;&nbsp;aber vielleicht pfeifen sie bereits F&uuml;r Alina.
Geschrieben von Stephan Kunze

80 am 8. - Konzertmitschnitt "New Vienna" angekündigt

Am 30. Mai erscheint mit "New Vienna" ein Konzertmitschnitt aus der letzten Solo-Tournee, die Keith Jarrett 2016 durch Europa unternahm.&nbsp;

Das Album auf 2LP und als <a href="https://store.jazzecho.de/products/keith-jarrett-new-vienna-1">Sonderedition mit Art Card</a> und mehr von Keith Jarrett und ECM Records finden Sie in unserem <a href="https://store.jazzecho.de/collections/keith-jarrett" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
"New Vienna" ist ein beeindruckender Konzertmitschnitt von Keith Jarretts letzter, triumphaler Solotournee durch Europa. Das Album, das am 30. Mai erscheinen wird, erhielt seinen Titel, weil es - wie jeder Jarrett-Aficionado wissen d&uuml;rfte &ndash; in der umfangreichen Diskografie des Pianisten bereits ein legend&auml;res Album mit dem Titel "Vienna Concert" gibt. Es entstand 1991 bei einem Soloauftritt in der Wiener Staatsoper. Von der Musik dieses Albums hat der K&uuml;nstler einmal gesagt, dass sie "die Sprache der Flamme selbst spreche", nachdem er jahrelang "das Feuer umworben" habe. Als Keith Jarrett am 9. Juli 2016 in die &ouml;sterreichische Hauptstadt zur&uuml;ckkehrte, lie&szlig; er die Flammen der Inspiration an einem anderen historischen Ort mit lebendiger Akustik wieder auflodern. Diesmal trat er im Goldenen Saal des Musikvereins auf, wo zu Beginn des vergangenen Jahrhunderts Werke von Arnold Sch&ouml;nberg, Alban Berg und Anton Webern uraufgef&uuml;hrt wurden, die den Kurs der modernen Musik ver&auml;ndern sollten.
Die Musik, die Keith Jarrett in Wien aus dem Stegreif formte, war von einer geradezu enzyklop&auml;discher Breite.&nbsp; Wie in der letzten Phase von Jarretts Konzertleben &uuml;blich, bestand das Programm aus k&uuml;rzeren, in sich geschlossenen und stark kontrastierenden St&uuml;cken, die in ihrer Gesamtheit aber einen fast schon suitenartigen Charakter annahmen. Einer der H&ouml;hepunkte des Konzerts war nach Meinung vieler im Publikum "Part V", eine wunderbare zehnmin&uuml;tige Ballade, wie sie nur Keith Jarrett ad hoc erfinden kann. "Was von diesem bemerkenswerten Abend in Erinnerung bleibt", konnte man hinterher in der lokalen Berichterstattung lesen, "ist wie Jarrett wahrhaft erhabene Musik schuf, in und aus dem Moment heraus, in dem er sie spielte, so zart, kostbar und fl&uuml;chtig."
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Zum 80. Geburtstag des Pianisten am 8. Mai erscheint "Part V" nun vorab als Single. In einer Mitteilung von Keith Jarretts Label ECM Records hei&szlig;t es: "Anl&auml;sslich dieses runden Geburtstags blicken wir mit Dankbarkeit auf eine au&szlig;ergew&ouml;hnliche musikalische Reise zur&uuml;ck, die in einer Diskografie von beispielloser kreativer Bandbreite dokumentiert ist. Bei ECM begann die Geschichte 1971 mit &lsquo;<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/facing-you-104063" target="_blank" rel="noopener">Facing You</a>&rsquo; - der ersten von vielen Kollaborationen des Pianisten mit dem Produzenten Manfred Eicher - und sie setzt sich mit dem in wenigen Wochen erscheinenden &lsquo;New Vienna&rsquo; fort."
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<a href="https://www.stage-plus.com/de/artist/artist_85P78QBJEHFJCD9I6OR0" target="_blank" rel="noopener">Auf der Streaming-Plattform Stage+ der Deutschen Grammophon findet man zudem exklusive Videoaufzeichnungen von f&uuml;nf kompletten Konzerten, die Jarrett zwischen 1985 und 2002 mal als Solist, mal mit seinem "Standards"-Trio in Japan geben hat:&nbsp;</a>
<ul data-border="0" data-indent="0" data-list-tree="true" data-stringify-type="ordered-list">
<li data-olk-copy-source="MessageBody">Keith Jarrett: Klavier Solo Live&nbsp;Konzert, Tokio, 2002</li>
<li>Keith Jarrett Trio: Tokio '96,&nbsp;Konzert, Orchard Hall</li>
<li>Keith Jarrett Trio: Standards II,&nbsp;Konzert, Tokio, 1986</li>
<li>Keith Jarrett Trio: Standards I,&nbsp;Konzert, Tokio, 1985</li>
<li>Keith Jarrett Trio: Live im Open Theater East, Konzert, Tokio, 1993&nbsp;</li>
</ul>
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Balsam für Seele und Ohren in unruhigen Zeiten 

Auf seinem neuen Album "After The Last Sky", das am 28. M&auml;rz auf CD erscheint und sein erstes Projekt seit "Blue Maqams" von 2017 ist, setzt sich der Oud-Spieler Anouar Brahem auf poetisch-musikalische Weise mit der pal&auml;stinensischen Frage auseinander.&nbsp;

Acht Jahre musste die Welt auf ein neues Album des Oud-Spielers Anouar Brahem warten. Acht Jahre, in denen sie sich rasant schnell ver&auml;ndert hat...&nbsp; und leider nicht zum Besseren. Geblieben ist der Zauber, der von Brahems Musik ausgeht und der in all dem schrillen Chaos, das sie umgibt, Balsam f&uuml;r Seele und Ohren ist. Am 7. M&auml;rz erscheint bei ECM Records endlich ein neues Album des geb&uuml;rtigen Tunesiers: "After The Last Sky". 
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Der Titel ist dem Gedicht "The Earth Is Closing On Us" von Mahmoud Darwish (1941-2008) entlehnt, der als "poetische Stimme des pal&auml;stinensischen Volkes" bezeichnet wurde. Darin hei&szlig;t es:&nbsp; "Where should we go after the last frontiers? / Where should the birds fly after the last sky?" ("Wohin sollen wir gehen nach den letzten Grenzen? / Wohin sollen die V&ouml;gel fliegen nach dem letzten Himmel?"). Mit diesen metaphysischen Fragen setzt sich Anouar Brahem auf seinem elften Album "After The Last Sky" musikalisch auseinander. "Musik, und insbesondere Instrumentalmusik, ist von Natur aus eine abstrakte Sprache, die keine expliziten Ideen vermittelt", r&auml;umt Brahem ein. "Sie zielt vielmehr auf Emotionen und Empfindungen ab, und wie sie wahrgenommen wird, ist von Mensch zu Mensch verschieden. Was bei dem einen Traurigkeit hervorruft, kann bei einem anderen Nostalgie ausl&ouml;sen... Ich lade die Zuh&ouml;rerinnen und Zuh&ouml;rer ein, ihre eigenen Emotionen, Erinnerungen oder Vorstellungen zu projizieren, ohne zu versuchen, sie zu 'lenken'." Zur Seite stehen Brahem erneut der Pianist Django Bates und der Bassist Dave Holland, die bereits 2017 auf dem Vorg&auml;nger "Blue Maqams" zu h&ouml;ren waren. Anstelle des Schlagzeugers Jack DeJohnette r&uuml;ckte nun die Cellistin Anja Lechner in das Ensemble, die auf dem Album gleich eine tragende Rolle &uuml;bernimmt. Nachdem das dramatische Titelst&uuml;ck des Albums bereits vor einigen Wochen vorab ver&ouml;ffentlicht wurde und auf ein begeistertes Echo stie&szlig;, erscheint nun als zweite Single der vertr&auml;umte Song "Awake", der von einem elegant perlenden Klaviersolo von Django Bates gekr&ouml;nt wird.
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Zum Tod von Barre Phillips - ein Freidenker von radikaler Originalität

Im Alter von 90 Jahren verstarb am 28. Dezember 2024 der amerikanische Bassist Barre Phillips, der sich in der internationalen Szene einen Namen als Improvisator von radikaler Originalit&auml;t und musikalischer Freidenker gemacht hatte.

FolgtDer 1934 in San Francisco geborene Barre Phillips lie&szlig; sich 1962 in New York nieder, wo er sich mit Leib und Seele der Erkundung neuer Musik in allen erdenklichen stilistischen Auspr&auml;gungen widmete. So wirkte er zusammen mit Eric Dolphy an Auff&uuml;hrungen von Werken des "Third Stream"-Komponisten Gunther Schuller mit und pendelte zwischen dem hitzigen Avantgarde-Jazz Archie Shepps ("New Thing At Newport") und der kontrapunktischen Poesie Jimmy Giuffres ("New York Concerts: The Jimmy Giuffre 3 &amp; 4"), um - wie er es formulierte - "verschiedene Arten von Intensit&auml;t" auszuloten. Ende der 1960er Jahre verlagerte er seinen Wirkungskreis nach London und arbeitete dort unter anderem mit dem Spontaneous Music Ensemble, Chris McGregor, Mike Westbrook, aber auch John Lennon und Yoko Ono zusammen. In dieser Zeit kn&uuml;pfte Phillips auch eine lang anhaltende kreative Allianz mit John Surman und nahm ein Album mit Solo-Bass-Improvisationen auf, das allgemein als die erste Solo-Bass-Platte &uuml;berhaupt gilt und unter verschiedenen Titel erschien: in den USA als "Journal Violone", in England als "Unaccompanied Barre" und in Frankreich als "Basse Barre". In den fr&uuml;hen 1970er Jahren lie&szlig; er sich dann in S&uuml;dfrankreich in Puget-Ville bei Toulon nieder, wo er ein halbes Jahrhundert lang lebte, bis er 2021 schlie&szlig;lich in die USA zur&uuml;ckkehrte.
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Mit "Music From Two Basses", seiner ersten Aufnahme f&uuml;r ECM, schrieb Barre Phillips im Februar 1971 gleich wieder Geschichte. Das mit <a href="https://www.jazzecho.de/daveholland" target="_blank" rel="noopener">Dave Holland</a> eingespielte Album ging als erste Platte mit weitgehend improvisierten Kontrabassduetten in die Annalen ein. Im Laufe der Jahrzehnte nahm er noch elf weitere Alben unter seinem Namen f&uuml;r das Label von Manfred Eicher auf. Mal pr&auml;sentierte er sich auf ihnen wieder als Solobassist ("Call Me When You Get There", 1984), dann im Zusammenspiel mit u.a. John Surman, Dieter Feichtner, Stu Martin, John Abercrombie, Terje Rypdal, Trilok Gurtu, Aina Kemanis, Pierre Favre, Alain Joule, Joe und Mat Maneri sowie dem Folks&auml;nger Robin Williamson. Dar&uuml;ber hinaus wirkte er auch auf ECM-Alben von Terje Rypdal ("<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/what-comes-after-618647" target="_blank" rel="noopener">What Comes After</a>",1973), Alfred Harth ("This Earth!", 1983) und Joe Maneri ("Tales of Rohnlief", 1998) mit und machte zwei Trio-Alben mit dem Pianisten <a href="https://www.jazzecho.de/paul-bley" target="_blank" rel="noopener">Paul Bley</a> und dem Saxofonisten Evan Parker ("<a href="https://www.jazzecho.de/paul-bley/diskografie/time-will-tell-70249" target="_blank" rel="noopener">Time Will Tell</a>", 1994, und "<a href="https://www.jazzecho.de/paul-bley/diskografie/sankt-gerold-75474" target="_blank" rel="noopener">Sankt Gerold</a>", 2000). In den 1980er und 1990er Jahren spielte er zudem regelm&auml;&szlig;ig mit dem London Jazz Composers Orchestra unter der Leitung seines Bassistenkollegen Barry Guy. Au&szlig;erdem komponierte er Filmmusik f&uuml;r Marcel Camus, Jacques Rivette, Robert Kramer und Fr&eacute;d&eacute;ric Fisbach, ist auf&nbsp; den Soundtracks von William Friedkins "Cruising" und David Cronenbergs "Naked Lunch" zu h&ouml;ren und schrieb Ballettmusik f&uuml;r Carolyn Carlson.
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2016 rief Barre Phillips Manfred Eicher an, um ihm mitzuteilen, dass er gerne noch ein Soloalbum aufnehmen w&uuml;rde, um "die letzten Seiten eines Tagebuchs zu dokumentieren, das vor f&uuml;nfzig Jahren begann". Das Ergebnis war "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/end-to-end-450930" target="_blank" rel="noopener">End To End</a>", ein gro&szlig;artiges Zeugnis der Kunst des Solobasses. Es folgte "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/face-a-face-744182" target="_blank" rel="noopener">Face &agrave; Face</a>", ein Duo-Album mit Gy&ouml;rgy Kurt&aacute;g Jr. an Synthesizern und digitaler Perkussion, aufgenommen im Jahr 2020. Kurt&aacute;g ging in den Liner Notes auf die Art der Herausforderung ein und beschrieb Barre liebevoll als "ein Individuum in Bewegung... Ich habe es mit einem Musiker zu tun, dessen Spiel und Phrasierung sich st&auml;ndig ver&auml;ndert, und zwar auf die unvorhersehbarste Weise." Nach Barres eigenem Verst&auml;ndnis folgte er einfach dem Klang, der ihn manchmal an &uuml;berraschende Orte f&uuml;hre. "Meine aktive Rolle besteht darin, mein Bestes zu geben, um auf meinem Instrument das zu spielen, was mir mein Ohr sagt. Ich h&ouml;re meinen Part fast so, als w&auml;re er von jemand anderem komponiert worden."
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Von Renaissancemusik bis ins 20. Jahrhundert - Das Delian Quartett und Anna Gourari mit neuen ECM-Alben

ECM New Series ver&ouml;ffentlicht zwei neue Alben. Die Pianistin Anna Gourari ist mit Kompositionen von Schnittke und Hindemith zu erleben, das Delian Quartett pr&auml;sentiert gemeinsam mit Claudia Barainsky (Sopran) Werke von Byrd, Purcell und Schumann.

Das 2007 gegr&uuml;ndete Delian Quartett ist in der Kammermusikszene zun&auml;chst mit beredten Schumann- und Haydn-Interpretationen hervorgetreten. Zu den Schwerpunkten des Ensembles geh&ouml;rt aber auch die Besch&auml;ftigung mit zeitgen&ouml;ssischen Komponisten wie Alberto Colla, Christian Jost oder Uljas Pulkkis. Auf ihrem neuen Album "Im wachen Traume" versammelt die Gruppe, der die Frankfurter Allgemeine Zeitung eine "wunderbare Klangf&uuml;lle und verbl&uuml;ffende Plastizit&auml;t der Strukturen" attestierte, Werke von William Byrd, Henry Purcell und Robert Schumann.&nbsp;
F&uuml;r &Uuml;berraschung d&uuml;rfte Schumanns bekannter Liederzyklus "Frauenliebe und Leben" (op. 42) sorgen, der auf dem Album in einer Fassung f&uuml;r Streichquartett und Sopran zu erleben sein wird und den das Delian Quartett gemeinsam mit der renommierten Sopranistin Claudia Barainsky aufgenommen hat. Die Bearbeitung ist von dem vor kurzem im Alter von 88 Jahren verstorbenen Pianisten und gro&szlig;en Komponisten Aribert Reimann f&uuml;r das Delian Quartett und Claudia Barainsky besorgt worden.
Reimanns Arrangement erscheint auf dem Album in einer Ersteinspielung. Diesen Status besitzen auch etliche der Byrd- und Purcell-Werke, die bis auf die instrumentalen St&uuml;cke "Pavane" und "Chaconne" allesamt von dem italienischen Komponisten Stefano Pierini neu eingerichtet worden sind. Den gesanglichen Part &uuml;bernimmt auch hier Claudia Barainsky, die in Byrds "Lullaby, my sweet little baby" und Purcells "Hear my prayer, O Lord" Verst&auml;rkung von dem jungen Bariton Mikhail Timoshenko erf&auml;hrt.&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Anna Gourari mit Orchester&nbsp;
Die russische Klaviervirtuosin Anna Gourari hat sich vor allem mit luziden Interpretationen sp&auml;tromantischer und neuerer Klavierliteratur einen Namen gemacht. Das Hauptmerkmal ihres Spiels ist ihre klare Diktion, die sich wie selbstverst&auml;ndlich mit emotionalem Tiefgang verbindet. Nach drei Soloklavier-Projekten in der New Series pr&auml;sentiert die Pianistin nun ein Programm mit Concerti bzw. konzertartiger Musik von Paul Hindemith und Alfred Schnittke.
An der Seite des Orchestra della Svizzera italiana unter der Leitung von Markus Poschner ist sie mit Schnittkes "Konzert f&uuml;r Klavier und Streichorchester" (1979) und Hindemiths Klavierkonzert "Die vier Temperamente" (1940) zu erleben. Dar&uuml;ber hinaus enth&auml;lt das Album, als reines Orchesterwerk, Hindemiths bekannteste Arbeit, seine Sinfonie "Mathis der Maler" (1934). In ihr kann Poschners Ensemble, das harmonische Details mit &auml;u&szlig;erster Akribie und in den richtigen Proportionen darzubieten wei&szlig;, seine ganze Klasse ausspielen.&nbsp;&nbsp;
Anna Gouraris variantenreiches Spiel passt zu Schnittkes Concerto, das breitfl&auml;chige Akkorde, sanfte Lyrik und pl&ouml;tzlich aufbrandende Spannung in sich vereint. In Hindemiths Werk "Die vier Temperamente" ist nicht nur Gouraris Individualit&auml;t am Klavier gefordert, sondern auch ihre F&auml;higkeit, zuzuh&ouml;ren und auf ein solistisches Gegen&uuml;ber zu reagieren, denn im zweiten Satz muss sie sich auf einen komplexen Dialog mit der Geige, die auf ihrem neuen Album von Robert Kowalski gespielt wird, einlassen.

Zum Tod von Palle Danielsson

Im Alter von 77 Jahren ist am 18. Mai der Kontrabassist Palle Danielsson gestorben, der &uuml;ber Jahrzehnte hinweg - u.a. an der Seite von Keith Jarrett und Jan Garbarek - einige der ikonischsten ECM-Alben mitgepr&auml;gt hat.

<span style="font-size: 11.0pt; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-language: EN-US;">Nils Paul "Palle" Danielsson kam 1946 in Stockholm zur Welt und wuchs in einer musikalischen Familie auf. W&auml;hrend seine sechs Jahre &auml;ltere Schwester Monica Dominique. Klavier lernte und zu einer in Schweden bekannten Jazz- und Klassikpianistin avancierte, lernte Palle zun&auml;chst Geige, bevor er als Teenager zum Kontrabass wechselte. Noch w&auml;hrend seiner Studienzeit an der K&ouml;niglichen Musikhochschule in Stockholm (1962-1966) sammelte er parallel praktische Spielerfahrung im ber&uuml;hmten Club Gyllene Cirkeln (Golden Circle), wo er bei Auftritten oft US-amerikanischer Jazzmusiker begleitete. Einer von ihnen war der Pianist Bill Evans, mit dem Palle im November 1965, kurz nach seinem 19. Geburtstag, im Trio zusammenspielen durfte - ein erster H&ouml;hepunkt in seiner noch jungen Laufbahn. Die Konzerte wurden damals im schwedischen Radio &uuml;bertragen und erschienen 1991 auf der CD "Bill Evans Trio - Stockholm1965". Weitere fr&uuml;he Aufnahmen machte er u.a. an der Seite von Lee Konitz, Pony Poindexter, Phil Woods, Leo Wright und Steve Kuhn.
<span style="font-size: 11.0pt; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-language: EN-US;">Als Palle Danielsson 1974 als Mitglied des Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet den Orbit von ECM betrat, war er bereits ein kompletter Musiker, ein melodisch fantasievoller Bassist mit einem warmen, runden Klang und&nbsp; einem gro&szlig;artigen Sinn f&uuml;r Dynamik. "Die F&uuml;lle seines Tons, insbesondere in den unteren Lagen, war das erste, was mir auffiel", schrieb Alyn Shipton in einem Nachruf f&uuml;r Jazzwise. "Aber auch seine Beweglichkeit als Solist &uuml;ber die gesamte Bandbreite des Basses war bemerkenswert, ebenso wie sein intuitives Zusammenspiel mit dem Schlagzeuger Jon Christensen." Im Tandem mit Christensen war Palle Danielsson auf etlichen ECM-Alben von u.a. Jan Garbarek, Keith Jarrett, Enrico Rava, Charles Lloyd und Tomasz Stańko zu h&ouml;ren, die allesamt l&auml;ngst als Klassiker gelten. Ganz gleich, in welchem Kontext er in Erscheinung trat, Palle Danielsson gab stets sein Bestes. "Mit seinem ganz besonderen Sinn f&uuml;r Beseeltheit und Pr&auml;zision und seiner Entschlossenheit, sich in den Dienst des gesamten Bandklangs zu stellen, schien Palle immer in der Lage zu sein, die Musik zu illuminieren und sie auf die n&auml;chste Ebene zu heben", merkt Manfred Eicher an, der als Produzent oft mit dem Bassisten arbeitete.

Das neue Solo Album von Fred Hersch wird im April veröffentlicht

Unter dem Titel &ldquo;Silent, Listening&rdquo; hat Fred Hersch ein neues Solo-Klavier-Album f&uuml;r ECM eingespielt.

Silent, Listening ist sowohl ein h&ouml;chst individuelles musikalisches Angebot als auch ein wichtiger Beitrag zu ECMs Reihe innovativer Solo-Piano-Aufnahmen. Der US-amerikanische Pianist <a href="https://fredhersch.com/" target="_blank" rel="noopener">Fred Hersch</a>, einer der herausragenden Solisten des Jazz, legt einen poetischen Schwerpunkt auf eine wache, offene Improvisation, w&auml;hrend er auch Eigenkompositionen und einige Standardst&uuml;cke in den anmutigen kreativen Bogen des Albums einbezieht. Indem er zwischen Songs und spontan komponierten St&uuml;cke abwechselt, formt und erh&auml;lt Hersch eine musikalische Atmosph&auml;re, die er als "n&auml;chtlich" beschreibt, eine Atmosph&auml;re erh&ouml;hter Klangsensibilit&auml;t.
"Ich glaube immer noch an die Idee eines Albums als komplettes musikalisches Statement von Anfang bis Ende", sagt er und f&uuml;gt hinzu, dass diese Perspektive in einer von Ungeduld gepr&auml;gten Zeit verloren geht. "F&uuml;r mich muss ein Album eine Geschichte erz&auml;hlen." Silent, Listening baut auf Herschs Allianz mit Manfred Eicher auf, die mit The Song Is You, Freds Duoalbum mit dem italienischen Trompeter Enrico Rava, begonnen wurde.
Das Album umfasst sieben Eigenkompositionen sowie eine Handvoll Standards, darunter Billy Strayhorns "Star-Crossed Lovers", Sigmund Rombergs "Softly, As In A Morning Sunrise", Alec Wilders "Winter Of My Discontent" und Russ Freemans "The Wind". Hersch geht die Musik durchweg mit jener seltenen Konzentration, Sensibilit&auml;t und Eleganz an, f&uuml;r die der Jazz-Doyen bekannt ist. Das Album wurde in der besonderen Akustik des Studios in Lugano entwickelt und im Mai 2023 aufgenommen.
Hersch genie&szlig;t die Herausforderung, neue musikalische L&ouml;sungen f&uuml;r neue R&auml;ume zu finden, und seine bevorstehenden Tourneen umfassen Solo-Piano-Performances in den USA und Europa. Zu den Terminen geh&ouml;ren Konzerte in der Merkin Concert Hall, New York City (16. April), Piedmont Piano Company, Oakland CA (28. April), Dakota, Minneapolis MN (29. April), SPACE, Chicago IL (30. April), Cleveland OH (31. April), Florenz, Italien (11. Mai), Festival Ste Germain, Paris, Frankreich (18. Mai), Stadtcasino, Basel, Schweiz (21. Mai), Innsbruck, &Ouml;sterreich (23. Mai), Flagey, Br&uuml;ssel, Belgien (31. Mai), und in Gent, Belgien, 1. Juni. Dar&uuml;ber hinaus gibt Fred Hersch in Frankreich Duo-Konzerte mit Avishai Cohen in Nantes (6. Mai) und Coutances (8. Mai) und tritt am 17. Mai mit dem Stockholm Jazz Orchestra in Stockholm, Schweden, auf. Am 25. Mai spielt er im Trio mit Drew Gress und Joey Baron in Treviso, Italien. Im Oktober kehrt Hersch dann f&uuml;r eine weitere Reihe von Konzerten nach Europa zur&uuml;ck.
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Silent, Listening&nbsp;wird am 19. April auf CD und Vinyl ver&ouml;ffentlicht.&nbsp;

Luminessence Audiophile: Vinyl Reissue Series in 2024

ECMs audiophile Vinyl-Reissue-Serie Luminessence wird im M&auml;rz 2024 mit drei Ver&ouml;ffentlichungen fortgesetzt.

Diese LPs der Luminessence Serie und mehr von ECM finden Sie im&nbsp;<a href="https://store.jazzecho.de/collections/luminessence-vinyl-serie" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
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ECMs audiophile Vinyl-Reissue-Serie Luminessence wird im M&auml;rz 2024 mit drei Ver&ouml;ffentlichungen fortgesetzt. Diese sind: die titelgebenden Jan Garbarek-Aufnahme von Keith Jarrett-Kompositionen f&uuml;r Streichorchester und Saxophon &ndash; Luminessence &ndash; von 1975, Jan Garbareks erstes Album f&uuml;r das Label, Afric Pepperbird, aufgenommen im Jahr 1970, sowie das Deb&uuml;talbum von Azimuth, das 1977 erschien und die besondere Synergie von Norma Winstone, John Taylor und Kenny Wheeler dokumentiert. Die Serie ist ein Kaleidoskop, das die Juwelen des umfangreichen Label-Katalogs in eleganten, hochwertigen Editionen beleuchtet. Das Markenzeichen der Reihe: au&szlig;erordentliche Musik, herausragend gespielt und kongenial produziert. Die Aufnahmen unterstreichen den Umfang und die Vielfalt der Klangwelt von ECM und die LPs erscheinen in verschiedenen Formaten.
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Weitere Titel, die 2024 erscheinen werden, sind Madar &ndash; das einmalige Zusammentreffen dreier Improvisationsgr&ouml;&szlig;en aus unterschiedlichen musikalischen Traditionen mit Jan Garbarek, Oud-Meister Anouar Brahem und Tabla-Legende Ustad Shaukat Hussain, gefolgt von Kenny Wheeler, Lee Konitz, Dave Holland und Bill Frisells Angel Song, Das Gateway-Deb&uuml;t mit Dave Holland, John Abercrombie und Jack DeJohnette, Pat Methenys Bright Size Life, Rainer Br&uuml;ninghaus mit Freigeweht, Zakir Hussains Making Music mit Hariprasad Chaurasia, John McLaughlin und Jan Garbarek sowie Bennie Maupins l&auml;ngst auf vinyl vergriffenes Album The Jewel and The Lotus. Weitere Alben folgen.

Auftakt zu einer einzigartigen Solo-Odyssee: "Solo Concerts: Bremen Lausanne" von Keith Jarrett

Vor 50 Jahren setzte Keith Jarrett mit "Solo Concerts: Bremen Lausanne" einen neuen musikalischen Meilenstein. Zum Jubil&auml;um erscheint in der "Luminessence"-Vinyl-Reihe nun eine Faksimile-Edition mit den drei LPs.

Diese LP-Box und weitere der Luminessence Serie und von ECM finden Sie im&nbsp;<a href="https://store.jazzecho.de/collections/luminessence-vinyl-serie" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
Wie&nbsp;Keith Jarrett 1973 in seinem Begleittext zu "Solo Concerts: Bremen Lausanne" schrieb, dokumentiert dieses Dreifach-Album Momentaufnahmen "eines K&uuml;nstlers, der auf spontane Weise etwas erschafft, das von der Atmosph&auml;re, dem Publikum, dem Ort (sowohl dem Raum als auch der geografischen Lage) und dem Instrument bestimmt wird; all dies wird bewusst durch den K&uuml;nstler kanalisiert, sodass die Bem&uuml;hungen aller gleicherma&szlig;en belohnt werden, obwohl der Erfolg oder Misserfolg vollst&auml;ndig dem K&uuml;nstler selbst geh&ouml;rt. Der K&uuml;nstler ist f&uuml;r jede Sekunde verantwortlich." Die Box, die nun als Teil der gefeierten "Luminessence"-Vinyl-Reihe von ECM in einer Faksimile-Edition wiederver&ouml;ffentlicht wird, enth&auml;lt zwei &uuml;ber einst&uuml;ndige Mitschnitte der beiden Solokonzerte, die der Pianist im M&auml;rz und Juli 1973 in Lausanne respektive Bremen gegeben hatte. Die Aufnahmen bildeten den Auftakt zu Jarretts einzigartiger Solo-Odyssee, die sich &uuml;ber mehr als vier Jahrzehnte erstrecken und insgesamt achtzehn Live-Alben (viele davon&nbsp;Mehrfach-Alben) von seinen Solokonzerten hervorbringen sollte. Bis heute haben diese Aufnahmen, bei denen Jarrett mit seinen fantasievollen und epischen Solo-Improvisationen ad hoc Musikgeschichte schrieb, nichts von ihrer urspr&uuml;nglichen Faszinationskraft eingeb&uuml;&szlig;t.
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Als "Solo Concerts: Bremen Lausanne" vor f&uuml;nfzig Jahren zum ersten Mal erschien, war die Begeisterung von Musikfans und Kritikern in aller Welt schier &uuml;berw&auml;ltigend. Das Album wurde mit Auszeichnungen &uuml;bersch&uuml;ttet und im Time Magazine, in der New York Times, in Down Beat und Stereo Review in den USA, im Jazz Forum in Polen und im Swing Journal in Japan als Album des Jahres gefeiert. In Deutschland wurde es mit dem Gro&szlig;en Deutschen Schallplattenpreis ausgezeichnet. Wie hoch es auch heute noch bei Musikh&ouml;rer(inne)n im Kurs steht, zeigt sich erst k&uuml;rzlich bei einer Umfrage des britischen Mojo-Magazins zu Jarretts Gesamtwerk, bei der die Leser/innen "Solo Concerts: Bremen Lausanne" auf Platz 1 w&auml;hlten. "Dies ist das Nonplusultra des Jarrett-Solo-Livekonzerts in all seiner improvisatorischen Pracht", merkte die Redaktion an. Und in einer ausf&uuml;hrlichen Rezension, die im August 2023 bei Pitchfork erschien, bezeichnete Mark Richardson das Album als ein&nbsp;"karrierebestimmendes Jazz-Meisterwerk" und schrieb, dass die "strukturelle Koh&auml;renz dieser langen Improvisationen &uuml;ber zwei einst&uuml;ndige Sets hinweg erstaunlich ist".
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Rites (Luminessence Serie LP)

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JazzEcho Everything Jazz

Jan Garbareks kraftvolles Doppelalbum Rites, auf dem der Meistersaxofonist von seinen langj&auml;hrigen Weggef&auml;hrten Rainer Br&uuml;ninghaus und Eberhard Weber sowie der Perkussionistin Marilyn Mazur und dem Elektronikk&uuml;nstler Bugge Wesseltoft begleitet wird, galt bei seiner urspr&uuml;nglichen Ver&ouml;ffentlichung 1998 gleicherma&szlig;en als Magnum Opus und als eindrucksvolle Retrospektive der k&uuml;nstlerischen Bandbreite Garbareks. Auch heute noch &uuml;berzeugt es als gelungenes Kompendium und als v&ouml;llig eigenst&auml;ndiges, modernes musikalisches Statement. &Uuml;ber die weit gespannte stilistische Landschaft des Albums verteilen sich Bez&uuml;ge zu den unterschiedlichsten Musikkulturen der Welt &ndash; von Norwegen bis Indien. Hinzu kommen eine Vertonung eines Gedichts der indigenen Bev&ouml;lkerung Nordamerikas f&uuml;r Stimmen und Saxofon sowie die &uuml;berraschende Fassung von Jansug Kakhidzes &bdquo;The Moon Over Mtatsminda&ldquo;, gesungen vom Komponisten selbst gemeinsam mit dem Tbilisi Symphony Orchestra.
Als Teil der ECM-Reihe Luminessence ver&ouml;ffentlicht, erscheint Rites nun erstmals auf Vinyl &ndash; in einem hochwertigen Tip-on Gatefold plus umfangreichem Booklet mit Texten, Fotografien sowie s&auml;mtlichem Originalmaterial der ersten CD-Ver&ouml;ffentlichung.

ECM Sounds - Neuigkeiten | Deutsche Grammophon

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