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Enzo Favata: In Klänge gewandeter magischer Realismus

Auf "Ritornare", seinem Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records, schl&auml;gt der Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata mit seinem 1999 gegr&uuml;ndeten Quintett Atlantico eine musikalische Br&uuml;cke zwischen seiner Heimat Sardinien und der italienischen Diaspora in S&uuml;damerika.&nbsp;

Mit seinem Quintett Atlantico erkundet der sardische Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata einen musikalischen Raum, in dem seine mediterranen Wurzeln mit lateinamerikanischen Ankl&auml;ngen, afrikanischen Einfl&uuml;ssen, der Improvisation des Jazz und einer kammermusikalischen Dynamik verschmelzen. Wenngleich die Musik des Ensembles einer klaren k&uuml;nstlerischen Ausrichtung folgt, ist sie doch niemals vorhersehbar. Nun legt Enzo Favata, der in der Vergangenheit bereits mit ECM-Gr&ouml;&szlig;en wie Enrico Rava, Dino Saluzzi, Miroslav Vitou&scaron; und dem Art Ensemble of Chicago zusammenarbeitete, mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/ritornare-1295256" target="_blank" rel="noopener">Ritornare</a>" sein erstes Album bei ECM Records vor. Gemeinsam mit seinen langj&auml;hrigen Mitstreitern &ndash; dem Gitarristen Marcello Peghin, dem Bandoneonisten Daniel Di Bonaventura, dem Kontrabassisten Salvatore Maltana und dem Schlagzeuger UT Gandhi, der am 10. August im Alter von 66 Jahren &uuml;berraschend verstarb &ndash; erschafft er darauf eine faszinierende, farbenreiche akustische Klangwelt, die von den gemeinsamen Reisen der Protagonisten und ihrer Auseinandersetzung mit vielf&auml;ltigen Musikkulturen gepr&auml;gt ist.
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Der Name des Quintetts verweist auf die gro&szlig;en stilistischen, transatlantischen Br&uuml;cken, die die Musiker in ihren Kompositionen zwischen Sardinien &ndash; wo sie zu Hause sind &ndash; und S&uuml;damerika schlagen. In ihren Anfangsjahren zwischen 1999 und 2004 unternahm die Band mehrere ausgedehnte Tourneen durch den S&uuml;den des Kontinents. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hatten dort zahlreiche Emigranten aus dem Mezzogiorno eine neue Heimat gefunden und die Kultur der Region ma&szlig;geblich mitgepr&auml;gt. Von der Geschichte der Einwanderung der Italiener in S&uuml;damerika handelt auch die Musik des Quintetts Atlantico. "Einwanderung ist die Seele Italiens, die Seele Lateinamerikas&rdquo;, meint Favata. Als er im vergangenen Oktober mit dem Ensemble beim Baku Jazz Festival auftrat, schrieb Ian Patterson in seiner Konzertbesprechung f&uuml;r All About Jazz: "In Favatas Welt gilt &ndash; wie bei allen gro&szlig;artigen Gruppen &ndash; dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile." Dies trifft ganz sicher auch auf die Musik von "Ritornare" zu.
Ein kollektives kulturelles Ged&auml;chtnis verbindet Orte und Menschen, deren Wege sich rund um den Atlantik kreuzen, und schafft so eine neue Realit&auml;t. Der 1956 in Alghero auf Sardinien geborene Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata ist seit langem von der F&uuml;lle der F&auml;den fasziniert, die dieses weitverzweigte Netz bilden. In seiner Musik entdeckt er die Orte, die er besucht hat, aus der Erinnerung wieder und kehrt ("ritornare&rdquo;) durch den Klang zu ihnen zur&uuml;ck. Es scheint, als h&auml;tte sich Favata das Motto zu eigen gemacht, das der kolumbianische Schriftsteller Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez 2002 seinen Memoiren voranstellte,: "Das Leben ist nicht das, was man gelebt hat, sondern das, woran man sich erinnert und wie man sich daran erinnert &ndash; um davon zu erz&auml;hlen."
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Wie seine gleichgesinnten Bandkollegen erkennt Favata den kulturellen Zusammenfluss in den Werken lateinamerikanischer Autoren wie Isabel Allende, Jorge Luis Borges oder Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez. Diese literarischen Referenzen sind f&uuml;r den Saxofonisten ebenso pr&auml;gend wie seine musikalischen Vorbilder. In seinen sanften akustischen Klanglandschaften strebt das Quintett Atlantico danach, Orte zu schaffen, die "zwischen Traum und Wirklichkeit schweben", wie Favata es beschreibt. Der magische Realismus pr&auml;gt den Geist der Gruppe ma&szlig;geblich.
Hier und jetzt, mehrere Jahrzehnte nachdem sie sich zum ersten Mal zusammengetan haben, schaffen Favata und seine Mitmusiker Dialoge innerhalb von Strukturen und Stimmungen, die beim ersten H&ouml;ren seltsam vertraut wirken und bei jedem weiteren H&ouml;ren immer mehr neue Details offenbaren. Der Zuh&ouml;rer wird langsam, aber stetig von dem entfernt, was er zu erkennen glaubte, und kehrt an einen unbekannten, doch beruhigenden Ort zur&uuml;ck. Und jedes Mal, wenn die Musiker versuchen, ihre Schritte zur&uuml;ckzuverfolgen, gelangen sie an einen neuen Ort und kehren dorthin zur&uuml;ck, wo sie noch nicht ganz gewesen sind.

Fluoreszierendes Bild eines leidenschaftlichen Ensembles

Auf ihrem neuen Album "While I Was Away" g&ouml;nnt die Pianistin Julia H&uuml;lsmann ihrem etatm&auml;&szlig;igen Quartett eine Pause, um mit einem neu formierten, au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Oktett andere musikalische Wege einzuschlagen.

"H&uuml;lsmanns Kompositionen zeigen stets gro&szlig;en Respekt vor der Melodie, was ihren besten Arbeiten Tiefe und dauerhafte Qualit&auml;t verleiht - und mit jedem Album, das sie ihrer ECM-Diskografie hinzuf&uuml;gt, w&auml;chst diese Qualit&auml;t noch mehr." (Stuart Nicholson in Jazzwise)&nbsp;
Nach einer Reihe hochgelobter Aufnahmen mit ihrem Quartett - "Not Far From Here" (2019), "The Next Door" (2022) und "Under the Surface" (2025) - schl&auml;gt die deutsche Pianistin und Komponistin Julia H&uuml;lsmann auf ihrem neuen Album "While I Was Away" einen etwas anderen musikalischen Kurs ein und legt dabei zugleich die Messlatte f&uuml;r ihre eigenen Arbeiten noch ein St&uuml;ck h&ouml;her. Zu h&ouml;ren ist sie diesmal mit einem neu formierten, au&szlig;ergew&ouml;hnlichen, Oktett, das sich aus f&uuml;nf Instrumentalistinnen (Julia H&uuml;lsmann - Klavier, H&eacute;lo&iuml;se Lefebvre - Violine, Susanne Paul - Violoncello, Eva Kruse - Kontrabass, Eva Klesse - Schlagzeug) den beiden S&auml;ngerinnen Aline Fraz&atilde;o und Live Maria Roggen sowie dem Vokalisten Michael Schiefel zusammensetzt. Das Instrumentalensemble kombiniert auf raffinierte Weise die Besetzung eines klassischen kammermusikalischen Klaviertrios (Violine, Cello, Klavier) mit der eines typischen Jazz-Pianotrios (Piano, Bass, Schlagzeug). Die S&auml;nger/-innen bereichern das abwechslungsreiche Programm, das aus abenteuerlustigen Originalkompositionen und originellen Interpretationen von Ani DiFrancos Hit&nbsp;"Up Up Up Up Up Up" und "Cois&aacute;rio de Imagens" des brasilianischen Duos Rosanna &amp; Z&eacute;lia besteht, um zus&auml;tzliche Klangfarben.
Drei ihrer f&uuml;nf Eigenkompositionen nutzte Julia H&uuml;lsmann, um Texte der bekannten Schriftsteller/-innen Emily Dickinson ("Sleep"), Margaret Atwood ("You Come Back") und E. E. Cummings (Tic Toc") zu vertonen. Auf dem Album entfaltet sich eine breite Palette musikalischer Assoziationen, wenn brasilianischer Tanz, musicalartige Erz&auml;hlkunst, kammermusikalische Dynamik und Passagen dichter, freier Improvisation f&auml;rben das fluoreszierende Bild eines leidenschaftlichen Ensembles zeichnen.&nbsp; 
Das Album beginnt mit "Cois&aacute;rio de Imagens". Das Liedstammt aus der Feder des Songwriter-Teams Rosanna &amp; Z&eacute;lia, dass, , wie Julia betont, "in den 90er Jahren sehr wichtig f&uuml;r mich war. Ihre Alben waren pr&auml;gend f&uuml;r mich und meine Altersgenossen." Bei diesem St&uuml;ck &uuml;bernimmt die angolanische S&auml;ngerin Aline Fraz&atilde;o die F&uuml;hrung. Ihre kraftvolle Performance wird von der Band mit einem schnellen Bai&atilde;o-Rhythmus befeuert. Aline ist auch bei Julia H&uuml;lsmanns Komposition "Hora Azul" tonangebend, zu der sie den Text beisteuerte. "Von Anfang an", sagt Julia, "war eine der zentralen Ideen des Projekts, dass jeder seinen eigenen Charakter einbringt. Wir haben unterschiedliche kulturelle Hintergr&uuml;nde, die auf dem Album f&uuml;r viel Abwechslung sorgen. Aline Fraz&atilde;o hat beispielsweise einen sehr nat&uuml;rlichen Zugang zum Songwriting auf Portugiesisch. Dass sie einen eigenen Text zu meinem St&uuml;ck schrieben, hat mich sehr bewegt."
Die norwegische S&auml;ngerin Live Maria Roggen f&uuml;gt dem weitgespannten Netz der musikalischen Idiome in den von ihr geschriebenen Songs "Felicia&rsquo;s Song" und "Moonfish Dance" ihren eigenen skandinavischen Hintergrund hinzu. Live, die Julia von Anja Garbarek empfohlen wurde, schrieb auch den Text f&uuml;r&nbsp; "Walkside", eine Komposition aus H&uuml;lsmanns Quartett-Repertoire. "Ich liebe es, wie dieses St&uuml;ck nun eine Br&uuml;cke zwischen meiner Quartett-Klangwelt und der des Oktetts schl&auml;gt."
Die drei Stimmen, die auf dem Album zu h&ouml;ren sind, weisen sehr unterschiedliche Charakteristika auf und verbinden sich in den St&uuml;cken "Tic Toc" und "You Come Back" harmonisch miteinander. Der S&auml;nger Michael Schiefel ist einer von Julias &auml;ltesten Freunden. Die beiden lernten sich 1991 w&auml;hrend des Studiums an der Berliner Hochschule der K&uuml;nste kennen. Entsprechend nat&uuml;rlich ist sein Zugang zu ihrer Musik. Das von ihm komponierte "Iskele" ist eine vertr&auml;umte Ballade, die eine Nacht mit "Sternschnuppen" heraufbeschw&ouml;rt, bevor seine Gesangskolleginnen in der Coda einsetzen. Das Programm von "While I Was Away" wird Julia H&uuml;lsmann im M&auml;rz 2026 bei Konzerten in Deutschland und der Schweiz mit dem Oktett pr&auml;sentieren.

Eine Reise zum Herzen der Bassgitarre

Auf seinem neuen Soloalbum "Convergence" bringt der E-Bassist Bj&ouml;rn Meyer die gesangliche Qualit&auml;t seines Spiels noch st&auml;rker zur Geltung und beschw&ouml;rt mit seinen stimmungsvollen Erkundungen Bilder im Kopf der H&ouml;rer herauf.
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Bj&ouml;rn Meyer sch&ouml;pft das technische Potenzial der Bassgitarre voll aus, um markante Kl&auml;nge und gemaserte Texturen zu erzeugen. Dabei ist er sich stets des akustischen Raums bewusst, in dem er diese Kl&auml;nge erschafft. In einer Rezension von "Provenance" stellte Rob Mallows 2017 in den London Jazz News fest, dass der Bassist zeige, "dass melodische Ausgelassenheit und emotionale Intensit&auml;t nicht nur jenen vorbehalten sind, die sich im Diskantregister bewegen. Meyers Bass singt." Diese gesangliche Qualit&auml;t seines Spiels kommt auf "Convergence" noch st&auml;rker zur Geltung. Mit seinen stimmungsvollen Erkundungen gelingt es Meyer hier, Bilder im Kopf des H&ouml;rers heraufzubeschw&ouml;ren.
Meyer l&auml;sst sein musikalisches Material in Echtzeit entstehen. Er spielt es "live" im Studio ein und greift dabei auf das technische Arsenal des modernen Bassisten zur&uuml;ck. Ad hoc verwendet er diverse Effektger&auml;te. Die St&uuml;cke, die auf "Convergence" zu h&ouml;ren sind, kamen hingegen nach und nach zusammen: "Auf den ersten paar Tourneen nach der Ver&ouml;ffentlichung von 'Provenance' habe ich gr&ouml;&szlig;tenteils Material von diesem Album gespielt. Doch schon bald bahnten sich neue Inspirationen, Ideen und 'Zuf&auml;lligkeiten' ihren Weg in die Auff&uuml;hrungen. Auf ziemlich langsame, aber stetige Weise setzten sich diese neuen Richtungen in meinem Kopf fest, entwickelten sich mit der Zeit weiter und wuchsen schlie&szlig;lich zu einem v&ouml;llig neuen Repertoire heran. Die Erfahrungen, die ich in den letzten Jahren durch intensiveres Solospiel gesammelt habe, sind auf diesem Album zusammengestr&ouml;mt. Die vielen Soloauftritte haben es mir auch erm&ouml;glicht, meine M&ouml;glichkeiten auf dem sechssaitigen E-Bass tiefer auszuloten. Neue Spieltechniken und Kl&auml;nge, aber auch neue Weisen, auf diesem Instrument zu improvisieren und f&uuml;r es zu komponieren, haben direkten Eingang in meine musikalische Praxis gefunden - und das nicht nur im Solokontext."
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Diese Reise zum Herzen der Bassgitarre war manchmal mit verdeckten Umwegen und "Pr&auml;parationen" verbunden, die an die experimentelle Tradition eines John Cage erinnern. In der Improvisation "Rewired" verwendet Meyer beispielsweise Magnete und Metallst&auml;be, um die Schwingungen der Saiten zu ver&auml;ndern. Noch einen Schritt weiter geht er bei dem St&uuml;ck "Magn&eacute;tique", in dem er mithilfe "einer speziellen Konstruktion aus Magneten, einer Feder und einigen Tropfen Sekundenkleber" einen ged&auml;mpften und metallischen Klang erzeugt. Die bei "Magn&eacute;tique" verwendete Tapping-Technik l&auml;sst das St&uuml;ck zudem beinahe wie ein Perkussionswerk erscheinen und erinnert an die Kreuzrhythmen der Mbira-Musik. Meyer erkundet kontinuierlich die M&ouml;glichkeiten seines Instruments - sei es, indem er betont, dass es sich um eine Bassgitarre handelt - etwa durch das elegante polymetrische Zupfen in "Gravity" - oder dadurch, dass er wie in dem Ambient-St&uuml;ck "Drift" dunkle, lange nachhallende Klangschwaden freisetzt. Jedes St&uuml;ck wird zu einer Episode in einer sich entfaltenden Erz&auml;hlung.
"Als wir die Musik abmischten und prozessierten, machte Manfred Eicher irgendwann den ebenso k&uuml;hnen wie wunderbaren Vorschlag, die Reihenfolge der St&uuml;cke zu &auml;ndern und das Album mit 'Convergence' zu beginnen", erz&auml;hlt Bj&ouml;rn Meyer. "Diese Entscheidung setzte einen sehr starken dramaturgischen Fluss in Gang, der mit 'Nesodden' wundersch&ouml;n endet. So wurde daraus eine Geschichte, die sich am besten auf diese Weise erz&auml;hlen l&auml;sst - sie regt, wie ich finde, die Fantasie an, ist voller &Uuml;berraschungen und l&auml;sst dennoch Raum f&uuml;r Kontemplation."
Am kommenden Samstag, dem 24. Januar, tritt Bj&ouml;rn Meyer mit dem Programm von "Convergence" beim Sparks &amp; Visions Festival in Regensburg auf.
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Ein ebenso unvorhersehbares wie berauschendes Trio 

Seit 2021 begeistert das Trio, das der Pianist Craig Taborn mit der Cellistin Tomeka Reid und dem Schlagzeuger Ches Smith bildet, Konzertbesucher in aller Welt. Nun hat es mit "Dream Archives" sein erstes Album f&uuml;r ECM eingespielt.

Seit der Pianist Craig Taborn vor f&uuml;nf Jahren die ersten Konzerte mit der Cellistin Tomeka Reid und dem Schlagzeuger Ches Smith gab, wurde eine Aufnahme dieses aufregenden Trios mit Spannung erwartet. Und mit jeder Tournee, die das Ensemble in den Jahren danach unternahm, wuchs bei Jazzfans das Verlangen nach einem Album. Als das Trio im vergangenen November in der Laeiszhalle in Hamburg auftrat, fand das Hamburger Abendblatt in seiner Konzertbesprechung nur lobende Worte f&uuml;r die Performance und nannte sie "unvorhersehbar, berauschend". Diese Attribute treffen auch auf die Musik des nun endlich erscheinenden Deb&uuml;talbums "Dream Archives" zu. Der Ansatz der drei Protagonisten ist au&szlig;ergew&ouml;hnlich komplex. Sie decken auf "Dream Archives" ein breites musikalisches Spektrum ab und greifen eine Vielzahl von Idiomen aus der Musikgeschichte auf, die sie neu konfigurieren, um eine noch nie geh&ouml;rte Klangwelt voller Tr&auml;umereien zu schaffen.
Das Fundament des Albums bilden vier neue umfangreiche Kompositionen von Craig Taborn, der im vergangenen Jahr eines der begehrten Stipendien der MacArthur-Stiftung erhielt, die auch als "Genius Grant" bekannt sind. Ein gro&szlig;er Teil der Originalit&auml;t der Musik verdankt sich der gemeinsamen Sprache des Trios, die ma&szlig;geblich von den einzigartigen Pers&ouml;nlichkeiten seiner Mitglieder gepr&auml;gt ist. "Ich erkannte sofort das Potenzial dieses Ensembles", bemerkt der Pianist, "sowohl hinsichtlich der Instrumentierung als auch der Pers&ouml;nlichkeiten. Entscheidend ist die Modularit&auml;t. Vieles h&auml;ngt davon ab, wie viele M&ouml;glichkeiten es gibt, eine Reihe musikalischer Informationen zu kontextualisieren. Man braucht Leute, die ein umfassenderes Bewusstsein f&uuml;r diese verschiedenen Ans&auml;tze in der Musik haben. Leute, die verschiedene Kontexte bieten, die man dann auch wirklich ber&uuml;cksichtigen kann."
Das Trio wechselt im Handumdrehen die Idiome, verwandelt sich "von einem traditionellen Jazz-Klaviertrio in eine Art zeitgen&ouml;ssische Kammermusik und dann in ein elektronisches Ensemble. Diese Ver&auml;nderungen k&ouml;nnen blitzschnell vorgenommen werden", sagt Craig."Von allen Bands, die ich bis heute hatte, besitzt diese das gr&ouml;&szlig;te Potenzial, wenn es darum geht, ad hoc die Richtung oder das Idiom zu wechseln. Und das ist das Aufregende an diesem Trio."
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Mitunter tr&auml;gt Craig Taborn seine Einfl&uuml;sse aber ganz offen zur Schau. Auf "Dream Archives" w&uuml;rdigt er zwei seiner wichtigsten Inspirationsquellen, indem er mit seinem Trio auf ausgelassene Weise Paul Motians "Mumbo Jumbo" und Geri Allens "When Kabuya Dances" interpretiert.
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"Ich habe eine Vorliebe daf&uuml;r entwickelt, die Werke von Leuten aufzunehmen, die eine sehr einzigartige kompositorische Stimme haben", umrei&szlig;t Craig Taborn seine Beweggr&uuml;nde f&uuml;r die Wahl dieser beiden St&uuml;cke. "Es hat damit zu tun, dass ihre Kompositionen eine Menge Interpretationsm&ouml;glichkeiten bieten, aber einen wirklich unverwechselbaren Klang und Ansatz haben. Ich habe mir viele Sachen von Paul Motian angeh&ouml;rt, bevor ich - nur wenige Jahre bevor er starb - mit ihm in seinen Gruppen im Vanguard arbeitete. Man erkennt ein St&uuml;ck von Geri Allen oder Paul Motian auf Anhieb. Viele von Pauls Kompositionen klingen so, als h&auml;tte er ein gro&szlig;es Konzept im Kopf, das er dann aber wieder verwirft und nur die Essenz &uuml;brigl&auml;sst."

Perfekte Balance zwischen Intimität und Intensität

Mit "Oracle" schufen der Bassist Gary Peacock und der Gitarrist Ralph Towner vor etwas mehr als drei&szlig;ig Jahren ein durch und durch faszinierendes kammermusikalisches Duo-Album. Nun erscheint es in der "Luminessence"-Reihe erstmals auf Vinyl.

Das 1993 aufgenommene und 1994 ver&ouml;ffentlichte Album "Oracle" dokumentiert das erste Duo-Aufeinandertreffen des Kontrabassisten Gary Peacock und des Multiinstrumentalisten Ralph Towner, der hier ausschlie&szlig;lich an klassischer und zw&ouml;lfsaitiger Gitarre zu h&ouml;ren ist. Die beiden ECM-Legenden hatten bereits f&uuml;nf Jahre zuvor auf Towners ECM-Album "City of Eyes" im Quintett-Format miteinander gearbeitet. 1995 kehrten sie f&uuml;r eine zweite Duo-Session ins Studio zur&uuml;ck, die ECM 1998 unter dem Titel "A Closer View" ver&ouml;ffentlichte. Wie das britische Klassikmagazin Gramophone damals feststellte, erzeugten Peacock und Towner auf "Oracle" Musik von "intellektueller Intensit&auml;t", die zugleich "verf&uuml;hrerisch sch&ouml;n anzuh&ouml;ren" sei. Als Ausgangspunkt f&uuml;r ihre gr&ouml;&szlig;tenteils kammermusikalischen, mitunter aber auch &uuml;berraschend groovigen Dialoge dienen den beiden Protagonisten dabei neun Originale (sechs aus der Feder von Peacock, zwei aus der von Towner sowie das gemeinsam komponierte Titelst&uuml;ck), in denen sie komponierte Passagen und abenteuerliche Improvisationen nahtlos miteinander verbanden.
"&lsquo;Oracle&rsquo; z&auml;hlt zu Ralph Towners besten Einspielungen", meinte Manfred Schmidt in Stereo, als das Album 1994 erschien. "Aufgenommen hat er sie mit einem der herausragenden Bassisten im Jazz. Und der spielt hier noch melodi&ouml;ser und perkussiver als mit Keith Jarrett, l&auml;sst seinen Kontrabass Geschichten erz&auml;hlen, die zudem hervorragend aufgenommen wurden: man h&ouml;rt das Surrend er Saiten, die sich bewegenden Finger auf dem Griffbrett, die volumin&ouml;sen Resonanzen des gro&szlig;en Instrumentenk&ouml;rpers. Ebenso genial wurde Towners klassische Gitarre eingefangen. [...] Doch was w&auml;ren all diese technischen Raffinessen, wenn die Chemie zwischen den beiden Musikern nicht stimmen w&uuml;rde? Wie sich Towner und Peacock die Spielb&auml;lle zuwerfen, wie sie aufeinander reagieren, ist ebenso subtil wie umwerfend: Das Ergebnis ist die beste Jazz-Duo-Platte seit langem."
In Stereoplay schrieb Matthias Inhoffen wiederum: "Mit Ralph Towner findet Gary Peacock zu einem lebendigen, offenen, an filigranen Finessen reichen Dialog. Wie selten bei einer Duoaufnahme sind beide Parteien st&auml;ndig in Bewegung, lauschen dem anderen seine m&ouml;glichen n&auml;chsten Schritte ab, reagieren auf die feinste Andeutung, unterbreiten mit zur&uuml;ckhaltender Eleganz ihre eigenen Ansichten. Aktion und Reaktion sind bei dieser Kammerjazz-Et&uuml;de nur schwer zu trennen." In der "Luminessence"-Serie wird dieses von Manfred Eicher produzierte Meisterwerk nun zum ersten Mal in einem Tip-On-Gatefold-Cover mit Fotos der Aufnahmesession auf Vinyl ver&ouml;ffentlicht.

Ein Klassiker des flüchtigen Augenblicks - The Köln Concert 50th Anniversary Edition

Dieses Jahr feiert Keith Jarretts "The K&ouml;ln Concert" seinen 50. Geburtstag. Zum Jubil&auml;um der Ver&ouml;ffentlichung erscheint nun die limitierte Doppel-LP in einer luxuri&ouml;sen "50th Anniversary" Edition.&nbsp;

Die Sonderedition, das exklusive Bundle mit T-Shirt und mehr von Keith Jarrett und ECM Records finden Sie in unserem <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/keith-jarrett-the-koln-concert-50th-anniversary-107556" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
"Am 24. Januar 1975 setzte er sich in der K&ouml;lner Oper an einen alten Fl&uuml;gel, schlug ein g an und spazierte darum herum", beschrieb Alex R&uuml;hle vor 15 Jahren in der S&uuml;ddeutschen Zeitung den Beginn von Keith Jarretts "K&ouml;ln Concert". "Dann schienen seine Finger wie im Dunkel nachzutasten, was f&uuml;r ein Akkord das eigentlich war, wiederholten das Motiv, tasteten z&ouml;gernd weiter. Eine Stunde sp&auml;ter hatte Jarrett aus vorbeiwehenden T&ouml;nen ein Monument geschaffen. Eine Feier des Klangs, die Kraft des Free Jazz, domestiziert von melodischem Wohlklang, Motive, die wie Fraktale aus sich selbst herauszuwachsen schienen, hymnisch, sentimental, monomanisch. Und das zu einer Zeit, in der es mal wieder hie&szlig;, der Jazz sei an sein Ende gekommen."
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Nicht nur ist der Jazz bis heute nicht an sein Ende gekommen, auch Jarretts "K&ouml;ln Concert" fesselt nach wie vor ein breit gef&auml;chertes Publikum, das ansonsten einen gro&szlig;en Bogen um improvisierte Musik macht. Mit ann&auml;hernd vier Millionen verkauften Exemplaren ist "The K&ouml;ln Concert" sowohl das meistverkaufte Soloalbum der Jazzgeschichte als auch das meistverkaufte Klavieralbum &uuml;berhaupt. Anfang des Jahres feierte das Album, das Thomas Steinfeld als einen "Klassiker des fl&uuml;chtigen Augenblicks" bezeichnet, seinen 50. Geburtstag. Im April wurde es von der Library of Congress als "kulturell, historisch oder &auml;sthetisch bedeutsames Werk" eingestuft und in die National Recording Registry aufgenommen, das Verzeichnis besonders erhaltenswerter US amerikanischer&nbsp;Tondokumente. Am 12. Dezember erscheint die limiterte Doppel-LP nun in der luxuri&ouml;sen "The K&ouml;ln Concert 50th Anniversary Edition". Sie enth&auml;lt ein eingeklebtes achtseitiges Booklet mit neuen Liner Notes (deutsch/englisch),&nbsp;Originalfotos und neuen Fotos sowie eine Art Card im LP-H&uuml;llenformat mit gedrucktem Foto und gedruckter Unterschrift von Keith Jarrett. In unserem Store&nbsp;ist ein <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/keith-jarrett-the-koln-concert-50th-anniversary-107556" target="_blank" rel="noopener">exklusives Bundle der limitierten 2LP&nbsp;mit einem T-Shirt aus Bio-Baumwolle</a> mit Cover und historischem ECM-Logo-Etikett erh&auml;ltlich.&nbsp;
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Musikalische Meditationen über das Leben im Exil und Erinnerungen

Acht Jahre nach "Blue Maqams" meldet sich Anouar Brahem mit einem aufregenden neuen Projekt zur&uuml;ck. In der au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Besetzung mit Oud, Cello, Klavier und Kontrabass pr&auml;sentiert er auf "After The Last Sky" elf besonders bewegende St&uuml;cke.&nbsp;

<a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm/products/anouar-brahem-after-the-last-sky" target="_blank" rel="noopener">Dieses Album auf LP,</a> als Sonderedition mit signierter Art Card und mehr von ECM Records finden Sie in unserem&nbsp;<a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
Auf die Frage nach dem Wesen seiner k&uuml;nstlerischen Reise hat Anouar Brahem einmal mit einer Analogie geantwortet. Er verglich sie mit dem Wachstum eines Baumes, dessen &Auml;ste sich im Laufe der Jahre immer weiter &uuml;ber dem Boden ausbreiten, w&auml;hrend sich seine Wurzeln tiefer und tiefer in den Erde graben. Dieses offene Streben nach allen Seiten l&auml;sst sich auch auf Brahems musikalisches Schaffen &uuml;bertragen. Seit er 1991 mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/barzakh-lp-418494" target="_blank" rel="noopener">Barzakh</a>" sein erstes Album bei ECM Records ver&ouml;ffentlichte, ist seine Musik zunehmend inklusiver und vielf&auml;ltiger geworden. Obwohl die arabische Musik nach wie vor die wichtigste Inspirationsquelle des geb&uuml;rtigen Tunesiers ist, hat er sich in seinen eigenen Alben f&uuml;r ECM ("After The Last Sky" ist mittlerweile sein elftes) und in zahlreichen anderen Projekten (u.a. mit <a href="https://www.jazzecho.de/jangarbarek" target="_blank" rel="noopener">Jan Garbarek</a> und dem Orchestre National de Jazz) seit jeher mit Einfl&uuml;ssen und Idiomen aus aller Welt auseinandergesetzt. Das Spektrum reicht von improvisierter Musik einschlie&szlig;lich Jazz &uuml;ber die europ&auml;ische Klassik bis hin zur zeitgen&ouml;ssischen Komposition. Entstanden ist so&nbsp; eine unverwechselbar eigene Musik, mit der er nun schon seit nunmehr 35 Jahren ein breit gef&auml;chertes Publikum in aller Welt in seinen Bann zieht.
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"Besonders wandlungsf&auml;hig und anregend scheint mit heutzutage das Klangmaterial zu sein, das Tradition und Moderne verbindet,", sagte Brahem k&uuml;rzlich. "Die arabischen Maqams zum Beispiel, die den Kern meiner musikalischen Identit&auml;t bilden, faszinieren mich wegen ihres melodischen Reichtums und ihrer F&auml;higkeit, sich in zeitgen&ouml;ssische musikalische Kontexte einzuf&uuml;gen. Sie bieten einen unendlich fruchtbaren N&auml;hrboden f&uuml;r Experimente. Ich finde es spannend, diese alten modalen Strukturen und harmonischen Ans&auml;tzen aus dem Jazz gegen&uuml;berzustellen und so einen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Kulturen und Stilen zu schaffen."
Auf "After The Last Sky" stehen Brahem erneut der Pianist Django Bates und der Bassist Dave Holland, die bereits 2017 auf dem Vorg&auml;nger "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/blue-maqams-lp-409023" target="_blank" rel="noopener">Blue Maqams</a>" zu h&ouml;ren waren. An die Stelle des Schlagzeugers Jack DeJohnette ist die Cellistin Anja Lechner getreten, die auf dem Album gleich eine tragende Rolle &uuml;bernimmt. Brahems musikalisches Einvernehmen mit Holland - erstmals 1998 auf dem Album "<a href="https://www.jazzecho.de/daveholland/diskografie/thimar-70661">Thimar</a>" dokumentiert - ist inzwischen legend&auml;r. "Daves Spiel verleiht mir Fl&uuml;gel", sagte Anouar einmal. Und in der beeindruckenden Duo-Improvisation "The Eternal Olive Tree" wird dies hier best&auml;tigt. &Uuml;ber das ganze Album hinweg, von den ersten singenden T&ouml;nen in "Endless Wandering", einem vor Emotionen vibrierenden St&uuml;ck, bis zum packenden Drive von "Dancing Under The Meteorites", inspiriert Holland mit seinem beseelten Bassspiel Anouar Brahem zu einigen seiner faszinierendsten Darbietungen. Ein besonderes Vergn&uuml;gen ist es auch zu h&ouml;ren, wie sich die vier Musiker mit ihren individuellen Stimmen dennoch zu einem homogenen Gesamtklang zusammenf&uuml;gen. Dies zeugt sowohl von ihrem gro&szlig;en Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen als auch von der reichen Erfahrung, die jeder Einzelne in dieses Projekt einbringt. Das Auditorio Stelio Molo RSI in Lugano (in dem Brahem vor zehn Jahren bereits das Album "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/souvenance-226623" target="_blank" rel="noopener">Souvenance</a>" aufnahm) scheint mit seiner exzellenten und warmen Akustik der ideale Ort f&uuml;r dieses Quartett zu sein.&nbsp;
"After The Last Sky" ist &uuml;brigens das erste Album, auf dem Anouar Brahems Oud im Zusammenspiel mit einem Violoncello zu h&ouml;ren ist. Anja Lechner, die f&uuml;r eine klassisch ausgebildete Musikerin &uuml;ber ungew&ouml;hnlich viel Improvisationserfahrung verf&uuml;gt, ist tats&auml;chlich eine der f&uuml;hrenden Stimmen auf diesem Album. Sie ist seit langem mit Anouars Kompositionen vertraut und hat einige von ihnen in ihren eigenen Konzerten aufgef&uuml;hrt. Mit dem Pianisten Fran&ccedil;ois Couturier, der bekanntlich selbst intensiv mit dem Oud-Spieler gearbeitet hat, nahm Lechner f&uuml;r ihr gemeinsames Duo-Album "Lontano" (2020) au&szlig;erdem Brahems Komposition "Vague" auf, die hier auch das Programm von "After The Last Sky" beschlie&szlig;t. Das Cello hat auf diesem Album gewisserma&szlig;en das erste und letzte Wort. Es beginnt mit "Remembering Hind", einer ergreifenden Trauermusik, die von Lechner im Duo mit dem Pianisten Django Bates vorgetragen wird und Hind Rajab gewidmet ist, einem f&uuml;nfj&auml;hrigen pal&auml;stinensischen M&auml;dchen, das w&auml;hrend der israelischen Invasion des Gazastreifens get&ouml;tet wurde. Den Abschluss des Albums bildet "Vague", eines der beliebtesten St&uuml;cke Anouars, das er bereits f&uuml;r seine Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/khomsa-70282" target="_blank" rel="noopener">Khomsa</a>" (1995) und "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/le-voyage-de-sahar-95733" target="_blank" rel="noopener">Le Voyage De Sahar</a>" (2006) eingespielt hatte. Der sanfte Schwung dieser neuen Version erinnert an das Pl&auml;tschern der Wellen am Strand des &ouml;stlichen Mittelmeers.&nbsp;
Wie schon auf "<a href="https://www.jazzecho.de/anouarbrahem/diskografie/blue-maqams-lp-409023" target="_blank" rel="noopener">Blue Maqams</a>" spielt das Klavier von Django Bates auch diesmal wieder eine wichtige geduldig unterst&uuml;tzende Rolle. Der Brite, der auf seinen eigenen Aufnahmen (z.B. auf "The Study Of Touch" mit seinem Trio Belov&egrave;d) oft Swing, Humor und scharfsinnige dynamische Kontraste in den Vordergrund stellt, wei&szlig;, dass ein kontinuierlicher Fluss f&uuml;r die Entwicklung von Anouars Musik entscheidend ist. Aber sie bietet ihm auch immer wieder Raum f&uuml;r individuelle musikalische Statements. Ein sch&ouml;nes Beispiel daf&uuml;r ist sein elegant perlendes Klaviersolo in dem vertr&auml;umten Song "Awake", das umso st&auml;rker wirkt, als er zuvor eher zur&uuml;ckhaltend agierte.
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Der Titel des Albums ist dem Gedicht "The Earth Is Closing On Us" von Mahmoud Darwisch (1941-2008) entlehnt, der als "poetische Stimme des pal&auml;stinensischen Volkes" bezeichnet wurde. Darin hei&szlig;t es:&nbsp; "Where should we go after the last frontiers? / Where should the birds fly after the last sky?" ("Wohin sollen wir gehen nach den letzten Grenzen? / Wohin sollen die V&ouml;gel fliegen nach dem letzten Himmel?").&nbsp; Diese Verse lieferten vor rund 40 Jahren schon einmal den Titel f&uuml;r das Buch "After The Last Sky: Palestinian Lives", eine Meditation &uuml;ber Exil und Erinnerung des pal&auml;stinensisch-amerikanischen Literaturkritikers und -theoretikers Edward Sa&iuml;d. In den Liner Notes des Albums betrachtet Adam Shatz die Musik Anouar Brahems im Kontext dieses &auml;sthetisch-literarischen Kontinuums sowie des andauernden Kampfes f&uuml;r die Rechte der Pal&auml;stinenser, ein Thema, das Brahem bei der Vorbereitung des Materials f&uuml;r dieses Album besch&auml;ftigte. In diesem Sinne werden die Titel der St&uuml;cke f&uuml;r den interessierten H&ouml;rer zu Wegweisern, die er beachten sollte. Aber, wie Anouar im Gespr&auml;ch mit Shatz erkl&auml;rt: "Musik, und insbesondere Instrumentalmusik, ist von Natur aus eine abstrakte Sprache, die keine expliziten Ideen vermittelt. Sie zielt vielmehr auf Emotionen und Empfindungen ab, und wie sie wahrgenommen wird, ist von Mensch zu Mensch verschieden. Was bei dem einen Traurigkeit hervorruft, kann bei einem anderen Nostalgie ausl&ouml;sen... Ich lade die Zuh&ouml;rerinnen und Zuh&ouml;rer ein, ihre eigenen Emotionen, Erinnerungen oder Vorstellungen auf sie zu projizieren, ohne zu versuchen, sie zu &lsquo;lenken&rsquo;."&nbsp;
Anl&auml;sslich der Ver&ouml;ffentlichung von "After The Last Sky" geht das Quartett auf eine Europatournee. Konzerte in Deutschland:
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<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://www.eventim.de/event/jazznights-2025-anouar-brahem-quartet-philharmonie-berlin-18821148/" target="_blank" rel="noopener">23. April-&nbsp; Berlin - Philharmonie</a></li>
<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://www.eventim.de/event/jazznights-2025-anouar-brahem-quartet-laeiszhalle-hamburg-18868092/" target="_blank" rel="noopener">1. Mai - Hamburg - Laeiszhalle</a></li>
<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://www.eventim.de/event/jazznights-2025-anouar-brahem-quartet-der-gasteig-hp8-18859387/" target="_blank" rel="noopener">2. Mai - M&uuml;nchen - Isarphilharmonie</a></li>
<li class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://enjoyjazz.reservix.de/tickets-anouar-brahem-quartet-in-mannheim-christuskirche-am-8-11-2025/e2385848" target="_blank" rel="noopener">8. November - Mannheim - Christuskirche</a></li>
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Musik mit einem Sinn für Wunder 

Acht Jahre nach ihrem faszinierenden ersten Duo-Album "A Cosmic Rhythm With Each Stroke" haben sich der Pianist Vijay Iyer und der Trompeter Wadada Leo Smith auf "Defiant Life" erneut auf eine Reise durch ihr einzigartiges Klanguniversum begeben.&nbsp;

Das Album auf LP und mehr von ECM Records finden Sie in unserem <a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
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"Diese Aufnahmesession stand ganz im Zeichen unserer anhaltenden Trauer und Emp&ouml;rung &uuml;ber die im vergangenen Jahr ver&uuml;bten Grausamkeiten , aber auch unseres Vertrauens in das Potenzial der Menschheit." (Vijay Iyer)
Die musikalischen Wege von Vijay Iyer und Wadada Leo Smith kreuzten sich erstmals vor zwanzig Jahren, als der Trompeter den Pianisten in sein Golden Quartet holte. Schon bald bildeten die beiden bei Auftritten mit dem Ensemble "eine Einheit innerhalb der Einheit und erzeugten spontane Duo-Episoden" (Zitat Vijay Iyer), die sie wenig sp&auml;ter auch als reines Duo fortsetzten. Dokumentiert wurden diese gr&ouml;&szlig;tenteils improvisierten Zwiegespr&auml;che das erste Mal 2016 auf dem gemeinsamen ECM-Album "<a href="https://www.jazzecho.de/vijay-iyer/diskografie/a-cosmic-rhythm-with-each-stroke-336647" target="_blank" rel="noopener">A Cosmic Rhythm With Each Stroke</a>". Nun erscheint endlich ihre lang erwartete zweite Duo-Aufnahme "Defiant Life", eine tiefgr&uuml;ndige Meditation &uuml;ber die Conditio humana, in der sie sowohl &uuml;ber die H&auml;rten des Lebens als auch &uuml;ber die Widerstandskraft und Anpassungsf&auml;higkeit des Menschen reflektieren. Das Album ist zugleich aber auch ein Beweis f&uuml;r die einzigartige k&uuml;nstlerische Beziehung des Duos und die grenzenlosen musikalischen Ausdrucksformen, die sie in dieser Konstellation finden.
Denn wenn Vijay Iyer und Wadada Leo Smith zusammenkommen, um gemeinsam Musik zu machen, verbinden sie sich gleichzeitig auf mehreren Ebenen: "Unsere gemeinsame Zeit, von dem Augenblick an, in dem wir uns treffen, bis zu dem Moment, in dem wir anfangen zu spielen, verbringen wir meistens damit, uns &uuml;ber den Zustand der Welt zu unterhalten. Wir sprechen &uuml;ber Geschichten der Befreiung, tauschen uns &uuml;ber unsere aktuelle Lekt&uuml;re und historische Bez&uuml;ge aus, um uns gezielt in unserer Gegenwart zu erden."&nbsp; F&uuml;r die Liner Notes des Albums hat Vijay Iyer ein solches Gespr&auml;ch&nbsp; ausf&uuml;hrlich transkribiert und gibt so einen tieferen Einblick in die verschiedenen Themen, die sie ihrer Musik und insbesondere zu dem Begriff "defiant" im Titel des Albums inspiriert haben.
Zwei St&uuml;cke des Albums sind bedeutenden Pers&ouml;nlichkeiten der j&uuml;ngeren und der etwas weiter zur&uuml;ckliegenden Vergangenheit gewidmet: Smiths "Floating River Requiem" dem 1961 ermordeten kongolesischen Premierminister Patrice Lumumba und Iyers "Kite" dem&nbsp; pal&auml;stinensischen Schriftsteller und Dichter Refaat Alareer, der 2023 in Gaza get&ouml;tet wurde. Innerhalb dieses kontemplativen Bezugsrahmens lassen sie ihre Musik frei sprechen.
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Aus der Dunkelheit schleicht sich der Opener "Prelude: Survival" hervor und zieht den H&ouml;rer in seine d&uuml;stere Gegenwart hinein. Die beiden Musiker hellen die tiefe Finsternis hellen nur sehr sparsam mit Farben auf, f&uuml;llen die Leinwand eher mit assoziativen Kl&auml;ngen als mit expliziten Bildern. Gleich darauf verbreitet "Sumud" ein irisierendes Leuchten, das Vijay (der auf diesem Album nicht nur Klavier und Fender Rhodes spielt, sondern auch elektronische Ger&auml;te einsetzt) durch hohe, orgelartige elektronische Modulationen erzeugt. Das St&uuml;ck ist ein Beispiel f&uuml;r die bemerkenswerte Eigenwilligkeit, mit der der Trompeter und der Pianist interagieren, wenn sie eine tief verschlungene Klanglandschaft entwirren. Durch das Pulsieren und die&nbsp; Klangteppichen erh&auml;lt die Musik eine geradezu "kosmische" Qualit&auml;t, die nat&uuml;rlich sofort an das erste Album des Duos denken l&auml;sst.
"Wir arbeiten in unseren individuellen Sprachen und mit unseren eigenen Materialien", merkt Vijay Iyer in seinen ausf&uuml;hrlichen Liner Notes an, "mit unseren eigenen Methoden der geh&ouml;rm&auml;&szlig;igen Einstimmung und dem, was ich eine gemeinsame &Auml;sthetik der Notwendigkeit nennen w&uuml;rde." Eine Notwendigkeit, die sowohl dringlich und friedvoll ist, aber manchmal auch brutal sein kann. In "Sumud" kommt diese Notwendigkeit bedrohlich zum Ausdruck, in "Floating River Requiem" mit einer feierlichen Aura versehen, in "Elegy: The Pilgrimage" immer noch voller Zweifel, aber mit einem Hoffnungsschimmer, und im abschlie&szlig;enden "Procession: Defiant Life" dann ersch&uuml;tternd sch&ouml;n.
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Angesprochen auf seine Beziehung zu Vijay und ihre gemeinsame F&auml;higkeit, Musik einfach "geschehen zu lassen" zu lassen, sagt Wadada: "Was wirklich einzigartig ist, ist unsere Unf&auml;higkeit, uns zu erlauben, Dinge zu fixieren [d.h. die Musik vollst&auml;ndig vorher festzulegen]. Um das zu tun, m&uuml;ssten wir wohl anders gestrickt sein. Wenn wir unsere Performance beginnen, sind wir schon sehr konzentriert, weil wir bereits &uuml;ber einen gewissen Zeitraum hinweg &uuml;ber die Musik nachgedacht haben, aber ohne dabei etwas festzulegen. Wenn wir dann an dem Punkt angelangen, an dem wir die St&uuml;cke tats&auml;chlich errichten, sind wir immer noch offen f&uuml;r diese unermesslichen Momente der Inspiration. Ich denke, es ist etwas ganz Au&szlig;ergew&ouml;hnliches, wenn wir diese Inspirationen in uns hinein- und wieder herausstr&ouml;men lassen, wenn wir diesem gegenw&auml;rtigen Moment erlauben, sich zu zeigen."
Als das Duo anl&auml;sslich der Ver&ouml;ffentlichung von "A Cosmic Rhythm With Each Stroke" im April 2016 zu einem Konzert nach Washington kam, bemerkte Michael J. West in der Washington Post wie "wunderbar das Spiel von Smith und Iyer ineinander greift. Sie haben ein gleiches Gesp&uuml;r f&uuml;r Tempo, Spannung und die durchdachte Auswahl von Noten und Phrasierungen." Ihre gemeinsame Liebe zum Detail und ihre Geduld beim Aufbau sorgf&auml;ltiger Phrasen und Wortwechsel machen jede entwickelte Struktur zu einer eigenen Klangsph&auml;re. In Vijay Iyers "Kite" manifestiert sich dies in einem zutiefst lyrischen und beruhigenden Wechselspiel zwischen Fender Rhodes und Trompete. Wenn "Defiant Life" eine Kontemplation &uuml;ber das Leben als solches ist, dann ist es der Sinn f&uuml;r Wunder, der in der Musik dieses Albums voll zur Entfaltung kommt.

Neu gefundene Freiheit

Sieben Jahre nach seinem ECM-Deb&uuml;t "Travelers" kehrt das Quartett des Schweizer Saxofonisten Nicolas Masson mit dem Album "Renaissance" zu dem Label zur&uuml;ck und schl&auml;gt dabei musikalisch ein neues Kapitel auf.&nbsp;

Die Bekanntschaft zwischen Nicolas Masson und seinen Quartettkollegen Colin Vallon, Patrice Moret und Lionel Friedli reicht inzwischen rund zwei Jahrzehnte zur&uuml;ck. In dieser Zeit haben die vier Protagonisten eine beeindruckende musikalische Intimit&auml;t entwickelt, die auf "Renaissance", dem zweiten ECM-Album der Band nach "<a href="https://www.jazzecho.de/nicholas-masson/diskografie/travelers-435076" target="_blank" rel="noopener">Travelers</a>" von 2018, auf authentische und besonders sch&ouml;ne Weise zum Ausdruck kommt. Im Mittelpunkt des Albums, das zehn neue Eigenkompositionen des Schweizer Saxofonisten und eine kollektive Improvisation enth&auml;lt, stehen kontrastierende Stimmungen und Formen. "Renaissance" zeigt den risikofreudigen Leader, wie er im stimmungsvollen Zusammenspiel mit seinen Kollegen seine kompositorischen Muskeln spielen l&auml;sst.
"Dies ist ein besonderes Album f&uuml;r mich", sagt Masson, "es ist mein zehntes als Leader oder Co-Leader. Ich habe es aus mehreren Gr&uuml;nden &lsquo;Renaissance&rsquo; genannt - unter anderem, weil ich das Gef&uuml;hl habe, dass dies der Beginn von etwas Neuem in meinem k&uuml;nstlerischen Schaffen ist - eine Art pers&ouml;nliche Wiedergeburt, wenn man so will. Und gl&uuml;cklicherweise hat sich die Musik genau so entwickelt, wie ich es mir am Anfang vorgestellt hatte."
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Auf All About Jazz k&uuml;rte im vergangenen Jahr verstorbene John Kelman das Vorg&auml;ngeralbum zu einer der besten Ver&ouml;ffentlichungen des Jahres 2018 und schrieb: "&lsquo;Travelers&rsquo; ist sowohl ein weiteres potenzielles modernes Meisterwerk f&uuml;r das Label als auch das Album, das gerechterweise&nbsp; international die gleiche Aufmerksamkeit erhalten sollte, die Masson und seine Bandkollegen in ihrer Schweizer Heimat bereits so verdienterma&szlig;en genie&szlig;en." Auf "Renaissance" h&auml;lt die Band, was sie auf "Travelers" versprochen hat. Gleichzeitig werden die formalen Strukturen der fr&uuml;heren Kompositionen Massons erweitert, was dem Quartett mehr Freiheit im Zusammenspiel gibt und die facettenreiche idiomatische Bandbreite des Leaders unterstreicht.
In Rubato-St&uuml;cken wie dem expressiven "Tremolo" oder dem atmosph&auml;rischen "Tumbleweeds" folgt das Quartett seinem Forschergeist, w&auml;hrend es in eher kopflastigen Nummern wie dem Titelst&uuml;ck "Renaissance" mit fast schon mathematischer Pr&auml;zision zu spielen scheint, ohne dabei den lyrischen Charakter der Musik aus den Augen zu verlieren. Besonders sch&ouml;n zur Geltung kommt dies in "Anemona".
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Die Strukturen wirken hier lockerer, spontaner als auf "Travelers" - was Masson darauf zur&uuml;ckf&uuml;hrt, dass er k&uuml;rzlich "einige meiner ersten Inspirationen als Musiker wiederentdeckt habe, als ich mich mehr mit freieren Jazzformen besch&auml;ftigte. Gerade wenn ich mit den Musikern dieses Quartetts spiele, merke ich, wie bereichernd und faszinierend es ist, einfach ein bisschen mehr loszulassen und sich auf unsere Interaktion zu konzentrieren. Ich habe meine Art zu komponieren ge&auml;ndert, um mehr von dieser Freiheit einzubringen. Das ist es, was eine Band so besonders macht - die Interaktion, nicht so sehr die Komposition."
Ein geradliniger Drumbeat gepaart mit einer klar konturierten Melodie f&uuml;hrt "Subversive Dreamers" in die melodischen Gefilde die an Art-Rock erinnern, w&auml;hrend das Rubato-St&uuml;ck "Forever Gone" wieder die innere Gruppendynamik in den Vordergrund stellt. Dass klassische Songwriter wie Bob Dylan, Neil Young oder Joni Mitchell Nicolas Masson ebenso inspirieren wie sein Idol Paul Motian, w&uuml;rde man nicht unbedingt erwarten - zu seinen wichtigeren musikalischen Einfl&uuml;ssen z&auml;hlt der Saxofonist au&szlig;erdem die franz&ouml;sischen Impressionisten Claude Debussy und Maurice Ravel. Dieses umfangreiche Geflecht an Referenzen erkl&auml;rt auch die gro&szlig;e Vielfalt an Stimmungen, die "Renaissance" ausmachen.
In "Practicing The Unknown" durchstreift das Quartett eine vertr&auml;umte Klanglandschaft, w&auml;hrend Colin Vallons sparsame Tastenanschl&auml;ge im geheimnisvollen "Spirits" eine fast perkussive Qualit&auml;t annehmen. Colin und Nicolas, die scheinbar die Gedanken des jeweils anderen lesen k&ouml;nnen, haben auf dem gesamten Album eine ganz besondere Beziehung zueinander, die f&uuml;r die Vertrautheit steht, die die Band in den letzten zwanzig Jahren aufgebaut hat ("Unsere Familien grillen zusammen", erkl&auml;rt Nicolas mit einem breiten Grinsen).
"Moving On" geh&ouml;rt ganz Patrice Moret und Nicolas Masson. Der Bassist und der Saxofonist tauschen sich in diesem kurzen, aber pr&auml;gnanten Duo-Intermezzo lyrisch aus. F&uuml;r "Basel" wechselt Masson vom Tenor- zum Sopransaxofon, auf dem er mit einem melancholischen, aber warmen Ton spielt Das Programm schlie&szlig;t mit "Langsam", einem leisen kammermusikalischen St&uuml;ck, das wie ein Pl&auml;doyer f&uuml;r Geduld wirkt. Dies wird durch eine Reihe von Spielpausen (Fermaten), die das Quartett hier gemeinsam einlegt, treffend illustriert.

Vinyl-Neuheiten bei ECM - Frühjahrsoffensive

Mit Neuver&ouml;ffentlichungen von Benjamin Lackner, Mathias Eick und Julia H&uuml;lsmann startete ECM sehr vielversprechend ins&nbsp; Jahr 2025. Jetzt erscheinen diese Alben zusammen mit Jakob Bros "Taking Turns" auch auf Vinyl.

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Sein ECM-Deb&uuml;t "Last Decade" mit dem Trompeter Mathias Eick, dem Bassisten J&eacute;r&ocirc;me Regard und dem Schlagzeuger Manu Katch&eacute; markierte f&uuml;r den Pianisten Benjamin Lackner vor drei Jahren eine musikalische Z&auml;sur. Zum einen verabschiedete er sich vom Trio-Format seiner sechs vorangegangenen Alben, zum anderen beschr&auml;nkte er sich erstmals auf das akustische Klavier. Noch eine Schritt weiter ist er auf dem neuen Album "Spindrift" gegangen, f&uuml;r das er ein ebenso exzellent besetztes Quintett ins Studio holte. "Man kann Benjamin Lackners zweites Album f&uuml;r ECM auf ganz unterschiedliche Weise h&ouml;ren", schrieb Wolf Kampmann in Jazzthing. "Mit Saxofonist Mark Turner, Trompeter Mathias Eick, Bassistin Linda May Han Oh und Drummer Matthieu Chazarenc ist dem deutsch-amerikanischen Pianisten eine Suite von erhabener Sch&ouml;nheit gelungen. F&uuml;nf Musiker, die einander intensiv zuh&ouml;ren, um gemeinsame Wege, Ruhepunkte und Klimaxe herauszufinden. Diese Musik legt sich wie ein w&auml;rmender Mantel um die Erwartung des Ohres. Lackners Melodien sind auf Anhieb einnehmend, das zugewandte Miteinander der f&uuml;nf Beteiligten ebenso magisch wie magnetisch. Doch je tiefer man sich auf die St&uuml;cke einl&auml;sst, desto mehr macht sich zumindest in einigen Tracks auch ein unterschwelliges Unbehagen bemerkbar. Benjamin Lackner ist ein feinsinniger Beobachter gesellschaftlicher Ver&auml;nderungen, die ihm nicht immer nur gefallen m&uuml;ssen. &lsquo;Spindrift"&lsquo; beschreibt bei aller Sch&ouml;nheit keinen eskapistischen Ausnahmezustand, sondern erweist sich vielmehr als subtiler Kommentar zu der Zeit, in der die Musik entstand."&nbsp;
<a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm/products/benjamin-lackner-spindrift-1" target="_blank" rel="noopener"> Handsignierte LP exklusiv im JazzEcho-Store </a>
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Im Gegensatz zu Benjamin Lackner geht der norwegische Trompeter Mathias Eick auf seinem neuen Album "Lullaby" den umgekehrten Weg und pr&auml;sentiert sich erstmals seit seinem ECM-Deb&uuml;t "The Door" von 2008 wieder im klassischen Quartett Format.&nbsp;"Lullabys sind Wiegenlieder. Eigentlich sollen sie bewirken, dass Kinder sich zur Ruhe legen und einschlafen", bemerkte Werner Stiefele in Rondo, wo er dem Album 4,5 von Sterne gab. "Dies k&ouml;nnte auch mit den acht Lullabys von Mathias Eick gelingen. Wer indessen Musik mag und zuh&ouml;ren kann, den kann ihre bed&auml;chtige Grundstimmung zum Tr&auml;umen oder Nachdenken, zum Zur&uuml;cklehnen, Entspannen und Genie&szlig;en verf&uuml;hren. So duftig und zart, wie diese St&uuml;cke zun&auml;chst wirken, erz&auml;hlen sie von tiefem gegenseitigem Verst&auml;ndnis, Gemeinsamkeiten und der Individualit&auml;t innerhalb des Quartetts. Dabei bilden der sanft wehende, atemreiche Trompetenklang von Eick und die kr&auml;ftigeren, dunklen Impulse des Kontrabassisten Ole Morten V&aring;gan einen spannungsreichen Rahmen, innerhalb dessen der Pianist Kristjan Randalu und der Schlagzeuger Hans Hulb&aelig;kmo mit viel Fantasie und Feingef&uuml;hl agieren. In Eicks nebelverhangenen Melodien schwingt das Feeling der skandinavischen Volksmusik mit, wobei immer wieder ein heller Funke wie ein Sonnenstrahl aus dem wei&szlig;en Himmel blitzt. Dass er zweimal die Trompete beiseitelegt und lange, folkloristisch anmutende T&ouml;ne singt, wirkt wie eine Referenz an eine weite, von Bergen und Ebenen gepr&auml;gte Landschaft."
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Julia H&uuml;lsmanns "Under The Surface", auf dem die Pianistin ihr neues Quartett mit der norwegischen Trompeterin Hildegunn &Oslash;iseth vorstellt, wurde von der Redaktion des NDR im Januar zum Jazzalbum des Monats gek&uuml;rt. "Unter die Oberfl&auml;che m&ouml;chte die Pianistin und Komponistin Julia H&uuml;lsmann mit ihrer Musik - bewusst gegen den Zeitgeist", schreibt dort&nbsp; Mauretta Heinzelmann. "Das tut sie auf ihrem neuen Album mit gro&szlig;er Leichtigkeit, im organischen Fluss. &rsquo;Under the Surface&rsquo; ist auch nach vielen preisgekr&ouml;nten Alben ein Meilenstein, vielleicht gerade durch die Entschlossenheit, mit der die Band auf ihrer Spielweise besteht: authentisch, sich spektakul&auml;rem Auftrumpfen verweigernd, elegant zu sich selber stehend, sich gegenseitig in jedem Moment unterst&uuml;tzend und respektierend. Hildegunn &Oslash;iseth spielt auch Ziegenhorn, ein Instrument, das norwegische Hirten zur Kommunikation mit ihren Tieren benutzen. Die Norwegerin ist weltweit einzigartig auf diesem Instrument, das sie virtuos nicht nur als Klangfarbe, sondern als ausgefeiltes Soloinstrument einsetzt - mit einer archaisch-melancholischen Note, die das Album noch zeitloser werden l&auml;sst."
<a href="https://store.jazzecho.de/collections/ecm/products/julia-hulsmann-under-the-surface-1" target="_blank" rel="noopener">&nbsp;Handsignierte LP exklusiv im JazzEcho-Store </a>
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Der d&auml;nische Gitarrist Jakob Bro &uuml;berraschte im vergangenen November mit der Ver&ouml;ffentlichung seines spannenden Albums "Taking Turns", das er bereits vor zehn Jahren mit einer hochinteressanten All-Star-Besetzung in New York aufgenommen hatte und das seitdem in seinem Privatarchiv schlummerte. "Dreamteam-Bands nicht per se ein Qualit&auml;tsgarant", meinte Stefan Mei&szlig;ner im Online-Magazin Sounds &amp; Books. "Platzhirscherei, Wettbewerbsgedanken oder fehlende Abstimmungen k&ouml;nnen solche Projekt schnell auch an die Wand fahren. Nicht so hier. Das liegt zum einen an den in ihrer Klarheit und Emotionalit&auml;t brillanten Kompositionen von Jakob Bro und zum anderen am kooperativen Ansatz der Band zur Umsetzung dieser St&uuml;cke. Anstatt der &uuml;blichen Praxis, dass Musiker sich gegenseitig &uuml;bertrumpfen, indem sie laut, schnell oder technisch beeindruckend spielen, zeichnet sich diese Gruppe durch eine auff&auml;llige Zur&uuml;ckhaltung aus. Die Musiker begn&uuml;gen sich damit, so wenig wie n&ouml;tig zu spielen, wobei sie sich auf das Gef&uuml;hl und die Atmosph&auml;re konzentrieren, statt auf technische Brillanz. Und dennoch - oder vielleicht gerade deshalb - treten sie auch als Einzelspieler in Erscheinung. Frisells unverkennbarer Gitarrenton pr&auml;gt dieses Album ebenso wie Morans Pianopinselstriche, Konitz&rsquo; klare Melodien, Morgans unterst&uuml;tzende Tieft&ouml;ne oder Cyrills vogelfreie Schlagzeugakzentuierungen."
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Musik von seltener Frische und Klarheit

Mit seinem Solo-Piano-Album "Open, To Love", das jetzt von ECM in der Reihe "Luminessence" auf Vinyl wiederver&ouml;ffentlicht wird, schuf der Kanadier Paul Bley vor &uuml;ber 50 Jahren ein absolutes Meisterwerk dieses Genres.

Diese LP und weitere der Luminessence Serie und von ECM finden Sie im <a href="https://store.jazzecho.de/collections/luminessence-vinyl-serie" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
Nach Chick Coreas "Piano Improvisations" und Keith Jarretts "Facing You", war Paul Bleys "Open, To Love" das dritte fabelhafte Kapitel in ECMs leise revolution&auml;rem Solo-Piano-Manifest. Die Musik des Albums - zugleich frei und doch bet&ouml;rend lyrisch - hat nichts von ihrer Bedeutung verloren und beeinflusst bis heute Improvisatoren. In den Liner Notes dieser "Luminessence"-Vinyl-Edition schreibt Bleys Biograf Greg Buium: "Nach mehr als f&uuml;nfzig Jahren ist &lsquo;Open, To Love&rsquo; immer noch ein unverg&auml;ngliches Juwel, f&uuml;r immer in der Gegenwart verankert, und eines der gro&szlig;en Meisterwerke in ECMs unermesslichem Katalog." Auf dem Album, das Manfred Eicher im September 1972 in Oslo produzierte, verkn&uuml;pft der kanadische Pianist auf brillante Weise drei Materialstr&auml;nge zu einem dramatischen und emotional beeindruckenden Erz&auml;hlbogen. Das Repertoire umfasst Songs von Carla Bley ("Closer", "Ida Lupino" und "Seven") und Annette Peacock ("Open To Love" und "Nothing Ever Was, Anyway") sowie zwei St&uuml;cke von Paul Bley, in denen er Jazzstandards abwandelt und neu konfiguriert. In "Harlem" und "Started" fragmentiert Bley motivisches Material von "I Remember Harlem" und "I Can&rsquo;t Get Started" (zwei St&uuml;cke, die er in den Bebop-Jahren gespielt hatte), bis die Musik einen surrealistischen, traumhaften Charakter annimmt, der sich perfekt mit neuen Visionen des freien Balladenspiels verbindet.
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"Auf sich allein gestellt ist [Paul] Bley noch d&uuml;sterer und introspektiver, aber die Musik ist von einer seltenen Frische und Klarheit, und gew&auml;hrt einem vielleicht den bisher tiefsten Einblick in seine Denkweise", bemerkte Richard Williams 1973 im Melody Maker, der "Open, To Love" damals zum "Album des Monats" k&uuml;rte. "[Die ersten drei St&uuml;cke] entfalten sich langsam, ungebrochen in der Stimmung, und vermitteln eine Sch&ouml;nheit, die zweifellos jeden ansprechen sollte. Seine eleganten Melodien, die er mit seiner Respekt gebietenden Technik manchmal wie Rauchringe aufl&ouml;st, gehen fast unmerklich in die n&auml;chste &uuml;ber. Die Akzentverschiebungen und Richtungswechsel sind ungemein subtil, und sein feiner Anschlag zeichnet sie mit kristalliner Klarheit. Praktisch alle seine Alben sind wichtige Dokumente eines bemerkenswerten Geistes, und dieses ist eines der besten."
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Als 2008 zum 40-j&auml;hrigen Jubil&auml;um von ECM Records die CD-Edition dieses Albums in der Reihe "Touchstones" erschien, schrieb Johannes Anders im Schweizer Tages-Anzeiger: "Wer Bley mit all seiner introvertierten Spannung, Klangsch&ouml;nheit und meditativen Dichte richtig oder wieder neu kennenlernen m&ouml;chte, zudem in ausgezeichneter Aufnahmetechnik und auf einem ad&auml;quaten, erstklassigen Instrument, dem sei seine einzigartige und wohl auch beste Solo-LP &lsquo;Open, To Love&rsquo; ans Herz gelegt."

Ein Quartett brillanter zeitgenössischer Konzeptualisten

Mit &ldquo;Just&rdquo;, seinem dritten Album f&uuml;r ECM, beweist das Billy Hart Quartet, dass es nach wie vor ein Ensemble ist, das tief in der Jazzgeschichte verwurzelt und zugleich musikalisch h&ouml;chst innovativ und zukunftsorientiert ist.

Seit etwas mehr als zwanzig Jahren unterh&auml;lt der Schlagzeuger Billy Hart nun schon sein Quartett mit Mark Turner, Ethan Iverson und Ben Street. Und noch immer zeichnet sich das Ensemble durch seine stilistische Offenheit aus. Denn die Musiker waren von Anfang an bereit, ihrem Bandleader in jede Richtung zu folgen, die er ihnen vorschlug. "Wenn es je ein Beispiel f&uuml;r zeitgen&ouml;ssischen Jazz gegeben hat, der sich ausgiebig aller &lsquo;Traditionen&rsquo; bedient und gleichzeitig von der melodischen Klarheit durchdrungen ist, die man mit anspruchsvollerer Popularmusik verbindet, dann ist es dieses", schrieb Kevin Le Gendre in Jazzwise &uuml;ber "<a href="https://www.jazzecho.de/billy-hart/diskografie/one-is-the-other-195635" target="_blank" rel="noopener">One Is The Other</a>", das letzte ECM-Album des Quartetts. Als Schlagzeuger mit einem enormen Erfahrungsschatz, der viele idiomatische Umbr&uuml;che des Jazz miterlebt hat, bevorzugt der heute 84-j&auml;hrige Billy Hart einen "multidirektionalen" Klangansatz. Und seine j&uuml;ngeren Kollegen verstehen es, entsprechend darauf zu reagieren, wobei jedes St&uuml;ck auf raffinierte Weise eine andere T&uuml;r &ouml;ffnet. Das Quartett ist eine Allianz von vier h&ouml;chst individuellen Improvisatoren. "Eine Jazzgruppe ist ein empfindlicher Mechanismus", bemerkte der Pianist Ethan Iverson einmal. "Man muss zusammen spielen und genau zuh&ouml;ren, aber man muss auch seinen eigenen Weg gehen."
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Da hilft es nat&uuml;rlich, dass das Quartett mit Iverson, Turner und Hart gleich drei hervorragende Komponisten in seinen Reihen hat. Iverson steuert vier kontrastreiche Kompositionen zum Repertoire von "Just" bei: das verschmitzt-schwebende "Chamber Music", das vom Start weg eruptiv-motorische "Aviation", den abstrakten Blues&nbsp;"South Hampton" und das wunderbar eing&auml;ngige "Showdown", das geradezu zum Mitsummen einl&auml;dt.
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Mark Turner und Billy Hart trugen jeweils drei St&uuml;cke bei. Aus Turners Feder stammen der anmutig t&auml;nzelnde "Billy&rsquo;s Waltz", der auch ein Vehikel f&uuml;r bluesbewussten Swing ist, der Up-Tempo-Vamp "Top Of The Middle" und das sehr ausdrucksstarke "Bo Brussels", dessen Thema sich immer wieder auf unerwartete Weise weiterentwickelt. Hart hat zwei seiner bekanntesten &auml;lteren Kompositionen neu arrangiert: "Layla Joy" (von seinem 1977 erschienenen Deb&uuml;talbum "Enchance") sowie "Naaj" (von "Rah", aus dem Jahr 1988). Au&szlig;erdem schrieb er das Titelst&uuml;ck des Albums, dessen nachdr&uuml;cklicher Beat Erinnerungen an die Zeit wecken k&ouml;nnte, als er die treibende Kraft in der Band von Eddie Harris und in Herbie Hancocks "Mwandishi"-Sextett war. Dieses Ensemble l&auml;sst &auml;ltere St&uuml;cke auf neu erklingen. In der aktuellen Version von "Layla Joy" phrasiert Mark Turner zun&auml;chst in einem Coltrane-esken Balladenmodus, bevor das Quartett zu einer weitr&auml;umigen, forschenden Gruppenimprovisation &uuml;bergeht.
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In einem Interview, das die JazzTimes in der Anfangszeit des Quartetts mit Billy Hart f&uuml;hrte, sagte dieser &uuml;ber seine Kollegen: "Sie sind brillante zeitgen&ouml;ssische Konzeptualisten. Ich kann meine &auml;lteren St&uuml;cke mit niemandem freier spielen als mit ihnen. Mark hat ein tiefes Verst&auml;ndnis f&uuml;r Coltrane, beherrscht aber auch das Vokabular von Lennie Tristano perfekt. Mit Ethan ist es, als w&uuml;rde man in der einen Minute mit Thelonious Monk oder Andrew Hill spielen und in der n&auml;chsten mit Herbie Hancock." Das Billy Hart Quartet ist eine zukunftsorientierte Band gerblieben, die tief in der Jazzgeschichte verwurzelt ist.
Das erste ECM-Album, auf dem Billy Hart vor einem halben Jahrhundert in Erscheinung trat, war Bennie Maupins Klassiker "The Jewel In The Lotus". In den 1990er Jahren kehrte er als Schlagzeuger von <a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd" target="_blank" rel="noopener">Charles Lloyds</a> damaligen Quartett zu dem Label zur&uuml;ck und ist auf dessen Alben "The Call" (1993), "All My Relations" (1995), "<a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd/diskografie/canto-70555" target="_blank" rel="noopener">Canto</a>" (1997) und "<a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd/diskografie/lift-every-voice-84849" target="_blank" rel="noopener">Lift Every Voice</a>" (2002) zu h&ouml;ren. 2003 gr&uuml;ndete er dann sein sein eigenes Quartett mit Mark Turner, Ethan Iverson und Ben Street. Nach dem titellosen Deb&uuml;talbum dieser Formation, das 2006 bei High Note erschien, brachte ECM Records 2012 das zweite Album "<a href="https://www.jazzecho.de/ethan-iverson/diskografie/all-our-reasons-179724" target="_blank" rel="noopener">All Our Reasons</a>" heraus. F&uuml;r Ethan Iverson und Ben Street war es das Deb&uuml;t bei ECM. Iverson nahm 2017 mit Mark Turner das Duo-Album "<a href="https://www.jazzecho.de/ethan-iverson/diskografie/temporary-kings-447773" target="_blank" rel="noopener">Temporary Kings</a>" f&uuml;r das M&uuml;nchner Label auf, w&auml;hrend Billy Hart und Ben Street auf dem im selben Jahr erschienenen Album "<a href="https://www.jazzecho.de/aaron-parks/diskografie/find-the-way-377042" target="_blank" rel="noopener">Find The Way</a>" als Rhythmusgruppe f&uuml;r den Pianisten Aaron Parks fungierten. &nbsp;
Unter seinem eigenen Namen hat Mark Turner bei ECM bisher die Alben "Lathe Of Heaven" (2014) und "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/return-from-the-stars-702115" target="_blank" rel="noopener">Return From The Stars</a>" (2022) ver&ouml;ffentlicht, w&auml;hrend er als Mitglied des kooperativen Trios Fly zusammen mit Jeff Ballard und Larry Grenadier die Alben "Sky &amp; Country" (2009) und "Year Of The Snake" (2012) einspielte. Ben Street wiederum ist bei ECM auch auf zwei Alben eines anderen innovativen Schlagzeugveteranen h&ouml;ren: auf Andrew Cyrilles "<a href="https://www.jazzecho.de/bill-frisell/diskografie/the-declaration-of-musical-independence-354742" target="_blank" rel="noopener">The Declaration Of Musical Independence</a>" (2016) und "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/the-news-642043" target="_blank" rel="noopener">The News</a>" (2021). Au&szlig;erdem war er Teil des Quartetts, mit dem Ethan Iverson 2017 das Live-Album "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/common-practice-549514" target="_blank" rel="noopener">Common Practice</a>" aufnahm.

Rastloser Klangtüftler am Klavier

Der experimentierfreudige norwegische Pianist Jon Balke st&ouml;&szlig;t auf seinem j&uuml;ngsten Soloalbum "Skrifum" einmal mehr in neue Klangdimensionen vor.

Mit "Skrifum" setzt Jon Balke seine Reihe experimenteller Solo-Klavieralben fort, in der bereits "<a href="https://www.jazzecho.de/jon-balke/diskografie/warp-334237" target="_blank" rel="noopener">Warp</a>" (2016) und "<a href="https://www.jazzecho.de/jon-balke/diskografie/discourses-596572" target="_blank" rel="noopener">Discourses</a>" (2020) erschienen sind. Auch dort manipulierte er die akustische Umgebung, in der seine Musik zu h&ouml;ren war. Doch diesmal geht er noch einen Schritt weiter, wie schon die ersten T&ouml;ne deutlich machen. Zogen sich durch die Klaviermusik von "Discourses" wie ein roter Faden subtil collagierte "field recordings", die wie unterschwellige Botschaften aus der Au&szlig;enwelt wirkten, so ist "Skrifum" in sich geschlossener, eine tiefer gehende Reise in das Klanguniversum des Klaviers selbst.
Balkes neue Solomusik ist mit Hilfe eines elektronischen Audiowerkzeugs namens Spektrafon entstanden, einer Software zur Live-Audiobearbeitung, die er zusammen mit Anders Tveit, Professor f&uuml;r Technologie an der Norwegischen Musikhochschule in Oslo, entwickelt hat. Mit diesem Interface kann er nun den Klang des Klaviers direkt und in Echtzeit ver&auml;ndern, indem er Frequenzen herauszieht und sie als Oberton-Akkorde, glitzernde Oberton-Schauer oder unheimliche Bordunt&ouml;ne aufrechterh&auml;lt. Der aktivierte, energiegeladene Nachhall liefert so neues Material f&uuml;r improvisierte Interaktionen und Dialoge, oft mit sehr sch&ouml;nen Ergebnissen.
"Skrifum" ist Isl&auml;ndisch und bedeutet "schreiben". Ein durchaus passender Titel f&uuml;r dieses Album, denn all die Melodielinien und Kl&auml;nge, die Balke behutsam auf ihm formt, haben bei aller technischen Raffinesse eine fast kalligraphische Qualit&auml;t: Er schreibt, zeichnet und entwirft die Musik im wechselnden Licht und den immer l&auml;nger werdenden Schatten, die das bearbeitete Material wirft.
"Das Spektrafon wirft Kl&auml;nge auf eine Weise zur&uuml;ck, die viel Raum beansprucht", sagt Jon Balke. "Deshalb nutze ich die Gelegenheit, um meist monophon zu spielen und mich auf jede einzelne Note, ihr Gewicht und ihre Position im Klangbild zu konzentrieren."
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Jon Balke, der sein ECM-Deb&uuml;t 1975 auf Bassist Arild Andersens erstem Album "Clouds In My Head" gab, gilt weithin als einer der einfallsreichsten Musiker Skandinaviens. Als Pianist, Keyboarder, Perkussionist, Komponist, Arrangeur und Improvisator hat er sich schon in einer Vielzahl stilistischer Kontexten pr&auml;sentiert - das Spektrum reicht von Soloauftritten bis hin zu Aufnahmen als Leader oder Co-Leader unterschiedlichster Formationen. Zu letzteren geh&ouml;ren die transkulturelle Band Siwan, deren Musik von der Poesie des mittelalterlichen Andalusien (al-Andalus) inspiriert ist, das Perkussionsensemble Batagraf, das Magnetic North Orchestra, die "kleine Bigband" Oslo 13 und das Improvisationstrio J&oslash;kleba (mit Audun Kleive und Per J&oslash;rgensen). Balke war zusammen mit Arild Andersen, Jon Christensen, Nils Petter Molv&aelig;r und Tore Brunborg Gr&uuml;ndungsmitglied von Masqualero und wirkte auch an ECM-Aufnahmen der S&auml;ngerin Sidsel Endresen, des Trompeters <a href="https://www.jazzecho.de/mathias-eick" target="_blank" rel="noopener">Mathias Eick</a>&nbsp;und des Perkussionisten Miki N&rsquo;Doye mit. Er komponierte zahlreiche Werke f&uuml;r Jazzgruppen und Ensembles f&uuml;r zeitgen&ouml;ssische Musik und schrieb Musik f&uuml;r Film, Theater, Ballett und die Zusammenarbeit mit bildenden K&uuml;nstlern. Als Sideman spielte er mit Archie Shepp, Jon Hassell, John Surman, George Russell, <a href="https://www.jazzecho.de/enricorava" target="_blank" rel="noopener">Enrico Rava</a>, Airto Moreira und vielen anderen.

Ein Saxofonist mit einer ureigenen kammermusikalischen Jazzdynamik  

Mit "Winter Poems" legt der israelische Sopransaxofonist Yuval Cohen ein hochinteressantes Deb&uuml;talbum bei ECM vor, auf dem er mit einem neu formierten Quartett in acht Eigenkompositionen innovative Wege beschreitet.

Au&szlig;erhalb seines Heimatlandes Israel war Yuval Cohen bislang vor allem durch die Alben und Konzerte bekannt, die er seit 2003 mit seinen beiden j&uuml;ngeren Geschwistern - der Klarinettistin und Saxofonistin Anat Cohen und dem Trompeter <a href="https://www.jazzecho.de/avishai-cohen-trumpet" target="_blank" rel="noopener">Avishai Cohen</a> - unter dem Namen 3 Cohens machte. Avishai ist bereits seit 2016 bei ECM Records zu Hause und hat auf dem Label mittlerweile sechs aufsehenerregende Alben ver&ouml;ffentlicht, zuletzt im vergangenen Jahr "<a href="https://www.jazzecho.de/avishai-cohen-trumpet/news-und-rezensionen/wechselbad-der-emotionen-274186" target="_blank" rel="noopener">Ashes To Gold</a>".&nbsp; F&uuml;r sein erstes ECM-Album "Winter Poems" hat Yuval Cohen ein neues Quartett mit drei jungen israelischen Musikern zusammengestellt: dem Pianisten Tom Oren, der 2018 den Internationalen Klavierwettbewerb des Thelonious Monk Institute of Jazz gewann, dem Bassisten Alon Near und dem Schlagzeuger Alon Benjamini. Alle drei sind nicht nur hervorragende Instrumentalisten, sondern bringen auch ein tiefes, intuitives Verst&auml;ndnis f&uuml;r die musikalische Sprache und den improvisatorischen Ansatz ihres Bandleaders mit. "Ich sch&auml;tze mich sehr gl&uuml;cklich, mit diesen drei jungen Leuten spielen zu k&ouml;nnen", sagt Yuval. "Ich kenne sie schon lange - sie sind drei wunderbare Seelen und Talente, mit denen es sehr viel Spa&szlig; gemacht hat, diese Musik gemeinsam zu kreieren." Auf dem gesamten Album legt der Saxofonist sein ureigenes Verst&auml;ndnis von kammermusikalischer Jazzdynamik dar und lotet ein breites Spektrum an Einfl&uuml;ssen aus: von folkloristischen Idiomen bis hin zu motivischen Entwicklungen, die der klassischen Musik entlehnt sind. Das Ergebnis sind oft sehr lyrische und nachdenkliche, manchmal aber auch energiegeladene und befl&uuml;gelnde St&uuml;cke.
"Klassische Musik geh&ouml;rt genauso zu mir wie Jazz", sagt Yuval, der in jungen Jahren eine klassische Musikausbildung genossen hat und heute selbst u.a. am New School-Ableger des Tel Aviver Konservatoriums unterrichtet. "Es ist diese fr&uuml;he formale Ausbildung, durch die du eine sehr saubere Intonation bekommst, die dich dazu zwingt, sehr sauber zu spielen. Aber die klassische Ausbildung vermittelt auch viele andere Qualit&auml;ten, die einem im Jazz und in anderen Kontexten und Genres n&uuml;tzlich sein k&ouml;nnen." Yuval und sein Quartett bewegen sich aber nicht im Rahmen eines bestimmten Genres, sondern jonglieren auf subtile Weise mit einer Vielzahl von Idiomen, die eine gro&szlig;e dynamische Bandbreite abdecken.
Der klassische Aspekt wird dabei eher tangential gestreift, ist Teil eines musikalischen Grundverst&auml;ndnisses und nicht ein bewusstes Element gebunden. Bevor beispielsweise die endg&uuml;ltige Version des Titelst&uuml;cks "Winter Poem" entstand, leitete das Quartett das St&uuml;ck mit einem Fragment aus Franz Schuberts Liederzyklus "Winterreise" ein. Das arpeggierte Moll-Motiv, das der Pianist Tom Oren dabei spielte, w&auml;re auch in dieser endg&uuml;ltigen Version die perfekte Unterf&uuml;tterung f&uuml;r das absteigende Klaviermotiv aus "Gute Nacht", dem Er&ouml;ffnungslied des Zyklus, das dieselbe Tonalit&auml;t hat. Aber dadurch, dass Yuval unten einsteigt und sich tonal nach oben bewegt, werden neue Wege beschritten und andere Richtungen eingeschlagen. "Das alles ist irgendwie mit der Literatur der klassischen Musik verbunden", bemerkt Yuval.
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Aber auch andere Einfl&uuml;sse sind pr&auml;gend. F&uuml;r das letzte St&uuml;ck des Albums, "Helech Ruach" (hebr&auml;isch f&uuml;r "Stimmung"), lie&szlig; sich Yuval von einem Lied inspirieren, das f&uuml;r ihn ein "israelischer Klassiker" ist: "Hu Lo Yada Et Shma", geschrieben von einem seiner Vorbilder, dem popul&auml;ren, in Russland geborenen israelischen Komponisten Alexander "Sascha" Argow (1914-1995). Bei der Arbeit an "Song For Lo Am" hatte Yuval wiederum <a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd" target="_blank" rel="noopener">Charles Lloyds</a> "direkte Herangehensweise und die Geradlinigkeit seines Spiels" vor Augen, "die das Schroffe mit dem Zarten vermischt". Das minimalistische, bluesige Design zeigt das Quartett von seiner intimsten und ausdrucksst&auml;rksten Seite.
Die volksmusikalischen Untert&ouml;ne der Levante-Region sind in diesen Liedern allgegenw&auml;rtig und verleihen auch balladeskeren St&uuml;cken wie dem Opener "First Meditation" eine erdige Qualit&auml;t. Yuvals einf&uuml;hlsames Spiel und die fl&ouml;ten&auml;hnlichen Kl&auml;nge des oberen Saxophonregisters unterstreichen diese volksliedhaften Ankl&auml;nge. "The Dance Of The Nightingale" und "Avia" offenbaren eine weitere kompositorische Facette Yuvals. Hier kommt ein lebhafteres Quartett zum Vorschein. Die Musiker k&ouml;nnen ihre technischen F&auml;higkeiten unter Beweis stellen, w&auml;hrend sie gleichzeitig zutiefst lyrische Melodien spielen. Besonders hervorzuheben ist das markante und meisterhafte Klavierspiel von Tom Oren.
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Anders als mancher Jazzaficionado vermuten mag, sind weder Parker noch Haden die Adressaten von "For Charlie". Das St&uuml;ck ist vielmehr Charlie Chaplin gewidmet, dessen Filme Yuval Cohen zu dieser Musik inspirierten. Der Saxofonist versp&uuml;rte das Bed&uuml;rfnis, dieses St&uuml;ck auf einer Melodica zu spielen, und "schleppte sie nur f&uuml;r diese Nummer den ganzen Weg nach Frankreich" (das Album wurde im September 2023 in Pernes-Les-Fontaines aufgenommen und von Manfred Eicher produziert).
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Jazzbetonter und expressiver denn je zuvor

Mit "Lullaby" ist dem norwegischen Trompeter Mathias Eick ein atemberaubend sch&ouml;nes und zugleich erstaunlich dynamisches und grooviges Album gelungen. Mit einem neuen Quartett, das so homogen klingt, als spiele es schon seit Jahren zusammen.

Auf seinem neuen Album "Lullaby" kehrt Mathias Eick erstmals wieder zu der "klassischen" Quartettbesetzung zur&uuml;ck, mit der er 2008 sein Deb&uuml;talbum "<a href="https://www.jazzecho.de/mathias-eick/diskografie/the-door-102799" target="_blank" rel="noopener">The Door</a>" f&uuml;r ECM Records eingespielt hatte. In den acht St&uuml;cken, die der norwegische Trompeter und Multiinstrumentalist f&uuml;r sein neues Quartett mit dem Pianisten Kristjan Randalu, dem Bassisten Ole Morten V&aring;gan und dem Schlagzeuger Hans Hulb&aelig;kmo geschrieben hat, beweist er seinen Einfallsreichtum als Komponist und seine Qualit&auml;ten als Improvisator. W&auml;hrend Hulb&aelig;kmo hier zum ersten Mal auf einer ECM-Produktion zu h&ouml;ren ist, sind Randalu und V&aring;gan bereits vertraute Gesichter. Der estnische Pianist legte 2018 sein Album "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/absence-444562" target="_blank" rel="noopener">Absence</a>" auf dem M&uuml;nchner Label vor und begleitete im selben Jahr Trygve Seim bei der Einspielung von "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/helsinki-songs-454089" target="_blank" rel="noopener">Helsinki Songs</a>". Ole Morten V&aring;gan kennt man wiederum durch diverse Aufnahmen mit Thomas Str&oslash;nen und dem <a href="https://www.jazzecho.de/maciej-obara" target="_blank" rel="noopener">Maciej Obara Quartet</a>. In den &uuml;beraus melodi&ouml;sen St&uuml;cken von "Lullaby" herrscht ein Gef&uuml;hl absoluter Ungezwungenheit vor. Die Musiker wechseln flie&szlig;end zwischen den Harmonien und entwickeln gemeinsam ein Momentum innerhalb der Formen.
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Eicks sofort erkennbarer, beruhigender Ton wird auf "Lullaby" oft mit Randalus abwechselnd lyrischen und energiegeladenen Klavierfl&uuml;gen kontrastiert, und erh&auml;lt von der sehr dynamischen, stets fesselnde Rhythmusgruppe Auftrieb. In der Besprechung von Eicks letztem Album "<a href="https://www.jazzecho.de/mathias-eick/news-und-rezensionen/mathias-eick-musik-von-betoerender-elegisch-sueffiger-schoenheit-265878" target="_blank" rel="noopener">When We Leave</a>" f&uuml;r All Music bemerkte Thom Jurek:&nbsp;"Die Empfindsamkeit in Eicks schmerzhaften Melodien verm&auml;hlt auf expressionistische Weise die sakrale mit der nat&uuml;rlichen Welt ." Eine Charakteristik, die hier wohl noch mehr zutrifft.
"Jedes Mal, wenn ich in eine neue Schreibphase eintrete - in der Regel f&uuml;r mein n&auml;chstes Album -, versuche ich, in eine andere Richtung zu gehen, neue Stile und neue Musiker auszuprobieren", sagt Mathias Eick. "Bei &lsquo;Ravensburg&rsquo; und &lsquo;When We Leave&rsquo; war ich mit dem Sound und der Konstellation so zufrieden, dass ich - ungew&ouml;hnlich f&uuml;r mich - zwei Alben im gleichen Kontext und Geist gemacht habe. Im Nachhinein hat es mich aber auch daran erinnert, dass ich mich weiterentwickeln und mich selbst herausfordern m&ouml;chte, neue Wege zu finden."
Die idyllischen, oft folkloristisch angehauchten, filmischen Klanglandschaften, die Eicks fr&uuml;here Platten pr&auml;gten, treten hier behutsam zur&uuml;ck und machen Platz f&uuml;r ein engmaschigeres Zusammenspiel des Quartetts - auch wenn&nbsp; der zutiefst melancholische Kompositionsansatz des Trompeters ungebrochen bleibt. Hulb&aelig;kmos ungemein grooviges Schlagzeug ist allgegenw&auml;rtig, manchmal -&nbsp; wie im Opener "September" - sogar recht dominant, und wird von Eick stets mit wehm&uuml;tigen Melodieentwicklungen beantwortet. Aber nat&uuml;rlich gibt es im Repertoire auch einige Balladen, in denen das Quartett eher traditonell-jazzig zusammenspielt - "Lullaby" zeigt die expressiven Qualit&auml;ten der Band in einem solchen balladesken Kontext aus einer eher kontemplativen Perspektive. Eick schrieb das St&uuml;ck unter dem Eindruck der j&uuml;ngsten tragischen Ereignisse in Israel und Gaza.
Doch es sind nicht nur Trag&ouml;dien, die Mathias Eick zur Musik seines neuen Albums inspiriert haben. "My Love" zum Beispiel hat der Trompeter seiner Frau gewidmet. Er spielte es ihr mit seiner Band zum ersten Mal an dem Tag vor, an dem er ihr den Heiratsantrag machte. Es ist eine markante Mid-Tempo-Jazznummer, getragen von frei flie&szlig;enden Einw&uuml;rfen der einzelnen Musiker und nat&uuml;rlich, wie immer, von Mathias&rsquo; zutiefst melodischem Geist. In diesem St&uuml;ck, wie auch in dem eindringlichen "Partisan", tragen Ole Morten V&aring;gans gemei&szlig;elte Basslinien dazu bei, den klaren Ausdruck der Melodien zu definieren und einen besonderen Drive zu erzeugen, den das Schlagzeug aufgreift und verst&auml;rkt.
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"May" ist sicherlich eines der direkteren St&uuml;cke der Platte und hebt Mathias Eicks Solostimme hervor, w&auml;hrend in "Hope" die raumgreifende Dynamik des Quartetts im Vordergrund steht. Letzteres St&uuml;ck zeichnet sich durch ein besonders einf&uuml;hlsames Solo des - so Mathias - "extrem brillanten" Randalu aus. Der Trompeter betont, wie wichtig es f&uuml;r ihn war, endlich mit dem estnischen Pianisten zusammenarbeiten zu k&ouml;nnen und wie "aufregend es war, mein Spiel mit ihm zu entwickeln - ich habe dabei viel gelernt. Ich wollte schon seit etwa zehn Jahren etwas mit Kristjan aufnehmen. Und ich wusste sofort, dass ich schreiben konnte, was immer ich wollte, und es einfach ihm &uuml;berlassen konnte, die L&uuml;cken zu f&uuml;llen."
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Ole Morten V&aring;gans fein konturierte Pizzicato-Linien verleihen einem Gro&szlig;teil des Albums eine besonders greifbare Dynamik, w&auml;hrend seine Arco-Striche in "Free" Obert&ouml;ne &uuml;ber eine atmosph&auml;rische Struktur kratzen, die im letzten Drittel des St&uuml;cks, in dem sich die Stimmung &auml;ndert, an Fahrt gewinnt. Eick und V&aring;gan haben eine gemeinsame Vergangenheit - sie studierten vor 24 Jahren zusammen in Trondheim und traten mit mehreren Bands auf, darunter das vom Bassisten gegr&uuml;ndete Quintett Motif. "Musikalisch war er immer einen Schritt voraus", sagt Mathias &uuml;ber seinen Weggef&auml;hrten. "Er ist ein Virtuose, und ich habe immer davon getr&auml;umt, ihn in meiner Band zu haben."
"Vejle For Geir" ist das letzte St&uuml;ck des Albums und gleichzeitig einer seiner H&ouml;hepunkte. Hier begibt sich das Quartett noch einmal auf sehr jazziges Terrain, und der treibende Puls offenbart eine weitere Inspiration, die Mathias Eick beim Komponieren der St&uuml;cke f&uuml;r "Lullaby" geleitet hat: "Ich bin so inspiriert von den ECM-Aufnahmen aus den 70er Jahren, vor allem von den Alben, die Keith Jarrett mit dem so genannten Europ&auml;ischen Quartett gemacht hat - die Freiheit, die sie hatten. Diese Alben waren Meilensteine im Leben vieler Menschen, auch in meinem. Meine Idee war es also, eine Band zu gr&uuml;nden, die von dieser Energie - einer anderen Energie - und diesem akustischen Sound beeinflusst ist."
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Live: 
<a href="https://www.jazzecho.de/mathias-eick/termine/01-04-2025-unterfahrt-muenchen-1152763" target="_blank" rel="noopener">1. April - M&uuml;nchen - Unterfahrt</a>

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Jasmine dokumentiert eine intime, einmalige Session und das Wiedersehen von Keith Jarrett und Charlie Haden. In Jarretts Heimstudio in New Jersey begegnen sich die beiden im Duo &uuml;ber mehrere Sets mit Standards &ndash; musikalisch vertraut und mit jener Selbstverst&auml;ndlichkeit, die nur langj&auml;hrige Weggef&auml;hrten verbindet. Anl&auml;sslich der Erstver&ouml;ffentlichung des Albums schrieb die Financial Times treffend: &bdquo;Es ist mehr als 30 Jahre her, dass sie zuletzt gemeinsam aufgenommen haben, doch ihr Dialog besitzt die detailreiche Intimit&auml;t alter Freunde, die gemeinsame Themen neu erkunden.&ldquo; Nun erscheint Jasmine erstmals &uuml;berhaupt auf Vinyl. Die unvergleichliche musikalische Verst&auml;ndigung zwischen Jarrett und Haden l&auml;sst sich damit neu entdecken &ndash; voller W&auml;rme in Klassikern wie &bdquo;Body and Soul&ldquo;, &bdquo;For All We Know&ldquo;, &bdquo;Where Can I Go Without You&ldquo;, &bdquo;Don&rsquo;t Ever Leave Me&ldquo; und weiteren St&uuml;cken. Keith Jarrett schreibt dazu in seinen Liner Notes: &bdquo;Dies ist spontane Musik, im Moment entstanden, ohne jede Vorbereitung &ndash; abgesehen von der Hingabe, die uns unser ganzes Leben begleitet hat, keinen Ersatz zu akzeptieren &hellip; Es sind gro&szlig;e Liebeslieder, gespielt von Musikern, die vor allem versuchen, ihre Botschaft unverf&auml;lscht zu bewahren.&ldquo;
 Im Rahmen der ECM-Reihe Luminessence neu aufgelegt, erscheint Jasmine erstmals auf Vinyl. Die Ver&ouml;ffentlichung kommt im hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover und enth&auml;lt s&auml;mtliche Inhalte der urspr&uuml;nglichen CD-Ausgabe. &bdquo;&sbquo;Jasmine&lsquo; ist eine so unverhohlen ausdrucksstarke Aufnahme, wie sie wohl keiner der beiden Musiker zuvor gemacht hat. Durchgehend bewegt sich das Duo in einer musikalischen Komfortzone, in der gl&uuml;ckliche Melodief&uuml;hrung und unverstellte Emotionalit&auml;t h&ouml;her gesch&auml;tzt werden als demonstrative Virtuosit&auml;t.&ldquo; &ndash; Steve Futterman, The New Yorker

ECM Sounds - Pressestimmen | Deutsche Grammophon

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