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Zum 90. Geburtstag: Steve Reichs ECM-Aufnahmen auf Vinyl

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.

<h3 class="MsoNormal">Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "Recordings on ECM", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.</h3>
Die Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Steve Reichs "Music for 18 Musicians" trug 1978 ma&szlig;geblich zur Bekanntheit der Minimal Music bei und hatte nicht nur f&uuml;r die zeitgen&ouml;ssische Musik gro&szlig;en Neuheitswert, sondern hinterlie&szlig; auch in Jazz, elektronischer Musik und Pop deutliche Spuren. Reich selbst hat dabei den Begriff Minimalismus nie als enge stilistische Schublade verstanden. Im Zentrum seiner Musik stehen vielmehr Rhythmus, Klang und die Frage, wie aus wiederkehrenden Mustern immer neue musikalische Beziehungen entstehen.
Die 1978 bei ECM erschienene Aufnahme mit Steve Reich and Musicians wurde zur Referenzeinspielung dieses Werks. Pitchfork bezeichnete sie sp&auml;ter als die definitive Aufnahme von Reichs "unbestrittenem Meisterwerk".
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Zwei Jahre sp&auml;ter folgte "Octet&rdquo; / "Music for a Large Ensemble&rdquo; / "Violin Phase&rdquo;. Die drei St&uuml;cke machen zugleich h&ouml;rbar, wie weit Reichs Entwicklung zu diesem Zeitpunkt bereits reichte: vom 1967 entstandenen "Violin Phase", einem Schl&uuml;sselwerk seiner fr&uuml;hen Phasing-Technik, bis zur immer reicheren Ensemble- und Klangarchitektur der sp&auml;ten 1970er Jahre. Mit "Tehillim" &ouml;ffnete sich 1981 schlie&szlig;lich ein weiteres Kapitel. Erstmals seit seinen Studienjahren vertonte Reich wieder einen Text &ndash; hebr&auml;ische Psalmen &ndash;, und lange melodische Linien r&uuml;ckten st&auml;rker ins Zentrum seiner Arbeit. R&uuml;ckblickend bezeichnete er das Werk selbst als einen entscheidenden Schritt hin zu einer unmittelbareren Form von Melodie.
So lassen sich die drei ECM Alben auch als Momentaufnahmen einer besonders produktiven Phase verstehen. Zwischen "Violin Phase", "Music for 18 Musicians" und "Tehillim" liegen nicht nur unterschiedliche Besetzungen und Kompositionsweisen. Sie zeigen auch, wie Reich seine musikalischen Mittel stetig erweiterte, ohne die Grundprinzipien seiner Arbeit aus den Augen zu verlieren.
F&uuml;r "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" wurden die urspr&uuml;nglichen analogen Masterb&auml;nder verwendet. Die drei Alben erscheinen als Faksimiles ihrer Originalausgaben und wurden vollst&auml;ndig analog (AAA) neu produziert. Erg&auml;nzt wird die Box durch ein Booklet mit Archivfotografien, Manuskriptseiten und Liner Notes von Paul Griffiths.
Bereits 2016 hatte ECM die drei Aufnahmen anl&auml;sslich von Reichs 80. Geburtstag gemeinsam auf CD ver&ouml;ffentlicht. Zehn Jahre sp&auml;ter ist diese Sammlung nun auch auf Vinyl erh&auml;ltlich. Dabei dokumentiert die neue Box mehr als nur drei Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere: Sie spannt einen Bogen &uuml;ber rund f&uuml;nfzehn Jahre, in denen Steve Reich eine musikalische Sprache entwickelte, deren Puls bis heute weit &uuml;ber die zeitgen&ouml;ssische Musik hinaus nachwirkt.

Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler? All dem widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

Der einflussreiche Pionier der Minimal Music wird 90 Jahre alt

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. Aus diesem Anlass wird ECM Records drei bahnbrechende, fr&uuml;he Alben des Komponisten unter dem Titel "Steve Reich: Recordings on ECM" zusammen in einer audiophilen AAA Vinyl-Box wiederver&ouml;ffentlichen.

<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120093" target="_blank" rel="noopener">Ab sofort kann die AAA Vinyl-Box exklusiv vorbestellt werden.&nbsp;</a>
"Es gibt nur eine Handvoll lebender Komponisten, die zu Recht behaupten k&ouml;nnen, den Lauf der Musikgeschichte ver&auml;ndert zu haben. Steve Reich ist einer von ihnen", schrieb der Anfang dieses Jahres verstorbene Klassikkritiker Andrew Clements einst im britischen Guardian &uuml;ber den Pionier der amerikanischen Minimal Music. Reich lie&szlig; sich als Teenager stark durch die Musik von Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane, Kenny Clarke und Max Roach inspirieren. Zun&auml;chst lieb&auml;ugelte er mit einer Karriere als Jazzschlagzeuger und gr&uuml;ndete sogar ein eigenes Bebop-Quintett, bevor er sich im Alter von 21 Jahren an der renommierten New Yorker Juilliard School einschrieb und ein Kompositionsstudium begann. Mit seinen Werken&nbsp;und Aufnahmen hat Steve Reich, den der New Yorker einmal den&nbsp;"gr&ouml;&szlig;ten musikalischen Denker unserer Zeit"&nbsp;nannte, seit den 1960er Jahren Einfluss auf K&uuml;nstler:innen und Bands der verschiedensten Genres ausge&uuml;bt, darunter Michael Nyman, Brian Eno, King Crimson, The Residents, Lou Reed, Aphex Twin, Bj&ouml;rk, Sonic Youth Autechre,&nbsp;Tortoise und Peter Gabriel.
Ma&szlig;geblich dazu beigetragen haben die drei fr&uuml;hen Alben, die er zwischen 1978 und 1982 bei dem Label ECM Records ver&ouml;ffentlichte: "Music for 18 Musicians", "Octet/Music for a Large Ensemble/Violin Phase" und "Tehillim". P&uuml;nktlich zu seinem 90. Geburtstag&nbsp;am 3. Oktober werden diese drei Meilensteine unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/steve-reich-recordings-on-ecm-3lp-box-1295079" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" zusammen auf Vinyl wiederver&ouml;ffentlicht. Die Alben erscheinen &nbsp;in einer hochwertig ausgestatteten, vollst&auml;ndig analogen Vinyl-Box (AAA) mit Booklet, die auf Grundlage der originalen Masterb&auml;nder produziert wurde und sind <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120093" target="_blank" rel="noopener">exklusiv vorbestellbar.</a>
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Der Klang des Wesentlichen

Mit &bdquo;Alina&ldquo; schuf Arvo P&auml;rt eine Aufnahme, die sich ganz auf den Kern seiner musikalischen Sprache konzentriert. Die nun erstmals auf Vinyl erscheinende Einspielung f&uuml;hrt zur&uuml;ck zu den Urspr&uuml;ngen des Tintinnabuli-Stils und zu zwei Werken &ndash; &bdquo;F&uuml;r Alina&ldquo; und &bdquo;Spiegel im Spiegel&ldquo; &ndash;, die bis heute zu den bekanntesten Kompositionen des estnischen Komponisten z&auml;hlen.

<a href="https://mlp.universal-music.de/arvo-paert/arvo-paert-90/2832/de" target="_blank" rel="noopener">Mehr Info zu Arvo P&auml;rt, seine Ver&ouml;ffentlichungen und mehr finden Sie hier.&nbsp;</a>
"Die gr&ouml;&szlig;te Gefahr beim H&ouml;ren von Alina besteht darin, dass vieles von dem, was man danach h&ouml;rt, pl&ouml;tzlich wie L&auml;rm wirkt &ndash; zu viel L&auml;rm.&ldquo; Mit diesen Worten beschrieb der Kritiker Rob Cowan im Magazin Gramophone die Wirkung eines Albums, das seit seiner Ver&ouml;ffentlichung zu den wichtigsten Aufnahmen des Komponisten gez&auml;hlt wird. Tats&auml;chlich entfaltet "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/arvo-paert-alina-62207" target="_blank" rel="noopener">Alina</a>&ldquo; mit denkbar wenigen Mitteln eine au&szlig;ergew&ouml;hnliche Pr&auml;senz. Fast drei Jahrzehnte nach seiner Entstehung wirkt das Album noch immer zeitlos. 
Entstanden ist die Aufnahme im Juli 1995 in der Frankfurter Festeburgkirche. Gemeinsam mit Produzent Manfred Eicher versammelte Arvo P&auml;rt vier Musiker, die seiner musikalischen Sprache besonders nahestanden: den Geiger Vladimir Spivakov, den Cellisten Dietmar Schwalke sowie die Pianisten Sergej Bezrodny und Alexander Malter. Im Mittelpunkt standen das Klavierst&uuml;ck "F&uuml;r Alina&ldquo; von 1976 und das zwei Jahre sp&auml;ter entstandene "Spiegel im Spiegel&ldquo;. Aus ihren verschiedenen Interpretationen entstand ein Album, das mit nur wenigen musikalischen Mitteln einen erstaunlichen Spannungsbogen entfaltet. Hermann Conen bezeichnet das Konzept in den Liner Notes als eine Konzentration auf einen "unverzichtbaren Kern des Materials&ldquo;.
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Eingerahmt werden die beiden Fassungen von "F&uuml;r Alina&ldquo; durch drei Interpretationen von "Spiegel im Spiegel&ldquo;. Der Titel verweist dabei unmittelbar auf das musikalische Prinzip des Werkes: Bewegungen werden gespiegelt, melodische Linien kehren zu ihrem Ausgangspunkt zur&uuml;ck. Die Aufnahmen mit Vladimir Spivakov und Sergej Bezrodny er&ouml;ffnen und beschlie&szlig;en das Album, w&auml;hrend Dietmar Schwalke und Alexander Malter dazwischen eine Fassung f&uuml;r Violoncello und Klavier pr&auml;sentieren. Die unterschiedlichen Besetzungen lassen das Werk jedes Mal in einem neuen Licht erscheinen.
F&uuml;r P&auml;rt selbst markiert "F&uuml;r Alina&ldquo; einen entscheidenden Wendepunkt. Das kurze Klavierst&uuml;ck entstand 1976 nach einer langen Phase der Suche und gilt heute als das Werk, mit dem sein Tintinnabuli-Stil erstmals deutlich Gestalt annahm. R&uuml;ckblickend beschrieb der Komponist seinen damaligen Zustand mit "Ich war wie ein Auftakt, der in der Luft hing und darauf wartete, dass der Satz beginnt.&ldquo; Tats&auml;chlich wirkt "Alina&ldquo; wie ein Neubeginn. Fast alles &Uuml;berfl&uuml;ssige ist aus der Musik verschwunden. Es gibt kein festes Metrum, kein vorgegebenes Tempo und kaum mehr als einige wenige T&ouml;ne, die sich aus der Stille heraus entfalten.
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Die besondere Stellung von "Alina&ldquo; zeigt sich auch in seiner Wirkungsgeschichte. Jeremy Eichler bezeichnete das Album in der New York Times als eine der wichtigsten Aufnahmen f&uuml;r den Einstieg in P&auml;rts Werk und lobte die Weise, in der sie den fr&uuml;hen Tintinnabuli-Stil in seiner "wesentlichsten Form&ldquo; erfahrbar mache. Andere Kritiker hoben die Verbindung von &auml;u&szlig;erster Einfachheit und emotionaler Tiefe hervor. L&auml;ngst reicht diese Wirkung weit &uuml;ber die Klassikwelt hinaus: K&uuml;nstler wie Bj&ouml;rk, Thom Yorke oder Stuart Braithwaite von Mogwai haben P&auml;rts Musik als pr&auml;gende k&uuml;nstlerische Erfahrung beschrieben. 
Mit der nun erscheinenden Vinyl-Ausgabe erh&auml;lt dieses stille Schl&uuml;sselwerk eine neue Form. Ver&ouml;ffentlicht wird "Alina" in einer LP-Ausgabe mit vierseitigem Beileger und den Liner Notes von Hermann Conen. Vor allem aber bietet die Wiederver&ouml;ffentlichung die Gelegenheit, eine Aufnahme neu zu entdecken, die bis heute eindrucksvoll zeigt, wie viel Ausdruck in gr&ouml;&szlig;tm&ouml;glicher Reduktion liegen kann.
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Monk, Monk und noch mehr Monk

Sie hei&szlig;t zwar Meredith Monk, aber ein m&ouml;nchisches Dasein f&uuml;hrt die interdisziplin&auml;re K&uuml;nstlerin auch mit 83 Jahren nicht. Im M&auml;rz kommt die Amerikanerin f&uuml;r ein Konzert und eine Preisverleihung nach Berlin. Und auch sonst ist sie emsig wie eh und je.

Es wird langsam schwierig, Preise zu finden, die Meredith Monk noch nicht gewonnen hat. Im Oktober des vergangenen Jahres erhielt die vielseitige K&uuml;nstlerin, die seit dem Wintersemester 2025/26 als Professorin an der <a href="https://www.folkwang-uni.de/home/hochschule/vollanzeige/meredith-monk-wird-pina-bausch-professorin-an-folkwang" target="_blank" rel="noopener">Folkwang </a><a href="https://www.folkwang-uni.de/home/hochschule/vollanzeige/meredith-monk-wird-pina-bausch-professorin-an-folkwang" target="_blank" rel="noopener">Universit&auml;t der K&uuml;nste</a> in Essen lehrt, auf der <a href="https://www.labiennale.org/en/music/2025/biennale-musica-2025/golden-lion-lifetime-achievement-meredith-monk-2025-10-20-12-00" target="_blank" rel="noopener">Biennale Musica in Venedig den &ldquo;Goldenen L&ouml;wen&rdquo; f&uuml;r ihr Lebenswerk</a>. Die Jury schrieb in ihrer Begr&uuml;ndung: &ldquo;Meredith Monk hat die Musik und die darstellenden K&uuml;nste mit einem Ansatz revolutioniert, der das Potenzial der menschlichen Stimme erweitert und sie in ein Vehikel f&uuml;r beispiellose klangliche Erkundungen verwandelt hat.&rdquo; Am 18. M&auml;rz wird der inzwischen 83-J&auml;hrigen in Berlin nun der <a href="https://adk.de/presse/pressemitteilungen/pm-grosser-kunstpreis-berlin-2026-an-meredith-monk" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Gro&szlig;e Kunstpreis&rdquo; der Akademie der K&uuml;nste</a> verliehen. &ldquo;Mit dem Preis an Meredith Monk wird ein einzigartiges und einflussreiches 60-j&auml;hriges Lebenswerk gew&uuml;rdigt, das sich durch eine besondere Durchdringung verschiedener Disziplinen und Wahrnehmungsformen und eine humorvolle gro&szlig;e Gestaltungskraft auszeichnet&rdquo;, hei&szlig;t es in der Pressemitteilung der AdK. &ldquo;Als Komponistin, Vokalk&uuml;nstlerin, Regisseurin und Choreografin von Weltruhm hat Meredith Monk neue Opern, Musiktheater, Filme und Installationen geschaffen, die ihr Zentrum in einem interdisziplin&auml;ren Performanceansatz haben.&rdquo;
Nur drei Tage nach der Preisverleihung wird Meredith Monk beim <a href="https://www.berlinerfestspiele.de/maerzmusik/programm/2026/kalender/meredith-monk-in-concert" target="_blank" rel="noopener">MaerzMusik Festival in Berlin</a> auftreten. Am 21. M&auml;rz ab 19:00 Uhr wird sie mit zwei Mitgliedern ihres Gesangsensembles, Katie Geissinger (Stimme) und Allison Sniffin (Stimme, Violine, Keyboards), auf der Gro&szlig;en B&uuml;hne des Hauses der Berliner Festspiele Songs aus mehr als vier Jahrzehnten auff&uuml;hren. Das Repertoire enth&auml;lt auch einige St&uuml;cke ihres im Oktober 2025 erschienenen, dreizehnten ECM-Albums &ldquo;Cellular Songs&rdquo;, &uuml;ber das Wolf Kampmann in Jazzthing schrieb: &ldquo;Was kann man mit einem Chor alles machen? Meredith Monk, die wohl gr&ouml;&szlig;te lebende Komponistin f&uuml;r Vokalmusik, sprengt seit jeher alle Konventionen von Chorgesang. Auf &lsquo;Cellular Songs&rsquo;, ihrem ersten Album&nbsp; mit neuen Songs seit neun Jahren, wird sie den hohen Erwartungen, die in ihren Namen gesetzt werden, voll gerecht. Ihre nonverbalen Stimmcollagen muten archaisch an, als k&auml;men sie aus der Erde selbst. [&hellip;] Die grandiose Trance-Musik von Monk b&uuml;&szlig;t bis heute nichts von ihrer hypnotischen Durchdringungskraft ein. &lsquo;Cellular Songs&rsquo; ist ein weiteres Meisterwerk einer zuverl&auml;ssigen Sch&ouml;pfungsinstanz.&rdquo; Gerahmt wird das Konzert durch zwei Filmvorf&uuml;hrungen auf der Seitenb&uuml;hne: Um 16:00 Uhr wird dort zun&auml;chst der Portr&auml;tfilm &ldquo;Monk in Pieces&rdquo; gezeigt, der 2025 bei der <a href="https://www.berlinale.de/en/2025/programme/202503759.html" target="_blank" rel="noopener">Berlinale Premiere</a> feierte; um 21:00 Uhr folgt der 1988 entstandene Film &ldquo;Book of Days&rdquo;, bei dem Meredith Monk Regie f&uuml;hrte und die Musik komponierte.
Und wem das alles noch nicht Monk genug ist, dem sei die einst&uuml;ndige <a href="https://www.arte.tv/de/videos/123392-000-A/meredith-monk-die-welt-in-ihrer-stimme/" target="_blank" rel="noopener">Arte-Doku &ldquo;Meredith Monk - Die Welt in ihrer Stimme&rdquo;</a>&nbsp;ans Herz gelegt. Sie wird erstmals am Sonntag, den 29. M&auml;rz um 23:00 Uhr im Fernsehen ausgestrahlt und kann bis zum 30. November 2030 auf www.arte.tv gestreamt werden.
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Zum Gedenken an Ralph Towner, 1940-2026

Im Alter von 85 Jahren ist am 18. Januar 2026 Ralph Towner gestorben. Der Multiinstrumentalist, der vor allem als Meister der klassischen und der 12-saitigen Gitarre bekannt war, z&auml;hlte &uuml;ber 50 Jahre lang zu den wichtigsten Aufnahmek&uuml;nstlern von ECM.

Ralph Towner, 1940 in der Kleinstadt Chehalis im US-Bundesstaat Washington geboren, wuchs in einer musikalischen Familie auf und lernte im Alter von drei Jahren Klavierspielen. Er studierte zun&auml;chst in den USA klassisches Klavier und Komposition, bevor er in den 1960er Jahren ein weiteres Studium der klassischen Gitarre an der Universit&auml;t f&uuml;r Musik und darstellende Kunst in Wien absolvierte. Ende der 1960er Jahre begann er seine Karriere in New York, wo er als von Bill Evans stark beeinflusster freischaffender Pianist und Gitarrist mit unterschiedlichsten Gr&ouml;&szlig;en wie dem Trompeter Freddie Hubbard und dem Singer-Songwriter Tim Hardin zusammenarbeitete. Nach einem Zwischenspiel im Ensemble des Weltmusikpioniers Paul Winter gr&uuml;ndete er 1970 mit Paul McCandless, Glen Moore und Collin Walcott die kammermusikalische Fusion-Gruppe Oregon, mit der er in den 1980er Jahren auch drei Alben f&uuml;r ECM Records aufnahm. Towner selbst gab 1973 mit dem Album "Trios/Solos", an dem als G&auml;ste seine damaligen Oregon-Kollegen mitwirkten, sein Deb&uuml;t bei dem M&uuml;nchner Label. Zu den zahlreichen Aufnahmen, die er f&uuml;r ECM Records machte, geh&ouml;ren Soloalben, Duo-Projekte (mit John Abercrombie, Gary Peacock, Gary Burton und Paolo Fresu) sowie Einspielungen mit Bands unter seiner Leitung, darunter das beliebte Solstice-Quartett mit Jan Garbarek, Eberhard Weber und Jon Christensen. Dar&uuml;ber hinaus wirkte er auch auf Alben von Keith Jarrett, Jan Garbarek, Kenny Wheeler und Egberto Gismonti mit und war Gastmusiker bei der Gruppe Azimuth.
Als Instrumentalist hatte Towner eine eigene Sprache f&uuml;r seine klassische und seine zw&ouml;lfsaitige Gitarre entwickelt. Er selbst beschrieb seine Herangehensweise an die Gitarre einmal als "pianistisch: mein Gehirn will Zugang zu all diesen Noten auf einmal haben." Als Komponist kombinierte er barocke Kontrapunktik mit von brasilianischer Musik und der Jazztradition inspirierten Rhythmen und Melodien. Au&szlig;erdem verfolgte er einen sehr pers&ouml;nlichen Ansatz bei der harmonischen und melodischen Entwicklung seiner Musik. W&auml;hrend er sich bei einigen Aufnahmen ganz aufs Spielen der klassischen und zw&ouml;lfsaitigen Gitarre konzentrierte, griff der Multiinstrumentalist auf anderen Alben zur Erweiterung der Klangfarben und Ausdrucksm&ouml;glichkeiten auch auf Klavier, Synthesizer, Perkussion, Trompete und Waldhorn zur&uuml;ck.
Das letzte neue Album, das Ralph Towner bei ECM Records ver&ouml;ffentlichte, war im M&auml;rz 2023 das Soloalbum "At First Light". Darauf pr&auml;sentierte er nicht nur acht eigene Kompositionen, sondern interpretierte zudem drei Jazzstandards auf der klassischen Gitarre. Zwei Tage vor Towners Tod erschien in der "Luminessence"-Serie von ECM zum ersten Mal das Album "Oracle" auf Vinyl, das er 1994 im Duo mit dem Kontrabassisten Gary Peacock eingespielt hatte. Ralph Towner, der seit den 1990er Jahren in Italien lebte und mit der italienischen Schauspielerin Mariella Lo Sardo verheiratet war, ist am 18. Januar 2026 im Alter von 85 Jahren in Rom verstorben.

Modern Jazz

JAZZ

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Wiederveröffentlichungen / Raritäten Jazz

Vocal-Jazz

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KLASSIK

Zeitgenössische, moderne Klassik

Björn Meyer

Jazzclub

Nik Bärtsch’s Ronin

Bunker Ulmenwall

Nitai Hershkovits Trio

GEMS Jazzclub

Elbphilharmonie - Großer Saal

Maciej Obara Quartet feat. Mathias Eick

Unterfahrt

Norma Winstone / Kit Downes

Schauspiel

Louis Sclavis & Benjamin Moussay

Altes Pfandhaus

Enjoy Jazz Festival

Jazzfestival

Isarphilharmonie im Gasteig HP8, München, 20:00 Uhr

Jan Garbarek Group

Isarphilharmonie im Gasteig HP8

Stadthaus Ulm

Remembering Ralph Towner

Jazz Festival

Benjamin Lackner Quintet w/ M.Eick, M. Obara, M. Chazarenc, P.Kleber

Jazzhaus Freiburg

Tord Gustavsen & Trygve Seim

Jazzfestival Neuwied

Stadttheater Landsberg, Landsberg am Lech

Ketil Bjørnstad

Stadttheater Landsberg

Stadthalle

Sokratis Sinopoulos / Yann Keerim

Galerie Fenna Wehlau

Galerie Bildfläche

Nik Bärtsch Duo w/ Ilva Eigus

Johannissaal

ECM 40 Jahre - 2014

Jarle Vespestad, Tore Brunborg, Tord Gustavsen, Mats Eilertsen

ECM Reissues

Arild Andersen Trio

ECM NWL header 01 2014

Eleni Karaindrou

Enzo Favata: In Klänge gewandeter magischer Realismus

Auf "Ritornare", seinem Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records, schl&auml;gt der Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata mit seinem 1999 gegr&uuml;ndeten Quintett Atlantico eine musikalische Br&uuml;cke zwischen seiner Heimat Sardinien und der italienischen Diaspora in S&uuml;damerika.&nbsp;

Mit seinem Quintett Atlantico erkundet der sardische Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata einen musikalischen Raum, in dem seine mediterranen Wurzeln mit lateinamerikanischen Ankl&auml;ngen, afrikanischen Einfl&uuml;ssen, der Improvisation des Jazz und einer kammermusikalischen Dynamik verschmelzen. Wenngleich die Musik des Ensembles einer klaren k&uuml;nstlerischen Ausrichtung folgt, ist sie doch niemals vorhersehbar. Nun legt Enzo Favata, der in der Vergangenheit bereits mit ECM-Gr&ouml;&szlig;en wie Enrico Rava, Dino Saluzzi, Miroslav Vitou&scaron; und dem Art Ensemble of Chicago zusammenarbeitete, mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/ritornare-1295256" target="_blank" rel="noopener">Ritornare</a>" sein erstes Album bei ECM Records vor. Gemeinsam mit seinen langj&auml;hrigen Mitstreitern &ndash; dem Gitarristen Marcello Peghin, dem Bandoneonisten Daniel Di Bonaventura, dem Kontrabassisten Salvatore Maltana und dem Schlagzeuger UT Gandhi, der am 10. August im Alter von 66 Jahren &uuml;berraschend verstarb &ndash; erschafft er darauf eine faszinierende, farbenreiche akustische Klangwelt, die von den gemeinsamen Reisen der Protagonisten und ihrer Auseinandersetzung mit vielf&auml;ltigen Musikkulturen gepr&auml;gt ist.
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Der Name des Quintetts verweist auf die gro&szlig;en stilistischen, transatlantischen Br&uuml;cken, die die Musiker in ihren Kompositionen zwischen Sardinien &ndash; wo sie zu Hause sind &ndash; und S&uuml;damerika schlagen. In ihren Anfangsjahren zwischen 1999 und 2004 unternahm die Band mehrere ausgedehnte Tourneen durch den S&uuml;den des Kontinents. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hatten dort zahlreiche Emigranten aus dem Mezzogiorno eine neue Heimat gefunden und die Kultur der Region ma&szlig;geblich mitgepr&auml;gt. Von der Geschichte der Einwanderung der Italiener in S&uuml;damerika handelt auch die Musik des Quintetts Atlantico. "Einwanderung ist die Seele Italiens, die Seele Lateinamerikas&rdquo;, meint Favata. Als er im vergangenen Oktober mit dem Ensemble beim Baku Jazz Festival auftrat, schrieb Ian Patterson in seiner Konzertbesprechung f&uuml;r All About Jazz: "In Favatas Welt gilt &ndash; wie bei allen gro&szlig;artigen Gruppen &ndash; dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile." Dies trifft ganz sicher auch auf die Musik von "Ritornare" zu.
Ein kollektives kulturelles Ged&auml;chtnis verbindet Orte und Menschen, deren Wege sich rund um den Atlantik kreuzen, und schafft so eine neue Realit&auml;t. Der 1956 in Alghero auf Sardinien geborene Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata ist seit langem von der F&uuml;lle der F&auml;den fasziniert, die dieses weitverzweigte Netz bilden. In seiner Musik entdeckt er die Orte, die er besucht hat, aus der Erinnerung wieder und kehrt ("ritornare&rdquo;) durch den Klang zu ihnen zur&uuml;ck. Es scheint, als h&auml;tte sich Favata das Motto zu eigen gemacht, das der kolumbianische Schriftsteller Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez 2002 seinen Memoiren voranstellte,: "Das Leben ist nicht das, was man gelebt hat, sondern das, woran man sich erinnert und wie man sich daran erinnert &ndash; um davon zu erz&auml;hlen."
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Wie seine gleichgesinnten Bandkollegen erkennt Favata den kulturellen Zusammenfluss in den Werken lateinamerikanischer Autoren wie Isabel Allende, Jorge Luis Borges oder Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez. Diese literarischen Referenzen sind f&uuml;r den Saxofonisten ebenso pr&auml;gend wie seine musikalischen Vorbilder. In seinen sanften akustischen Klanglandschaften strebt das Quintett Atlantico danach, Orte zu schaffen, die "zwischen Traum und Wirklichkeit schweben", wie Favata es beschreibt. Der magische Realismus pr&auml;gt den Geist der Gruppe ma&szlig;geblich.
Hier und jetzt, mehrere Jahrzehnte nachdem sie sich zum ersten Mal zusammengetan haben, schaffen Favata und seine Mitmusiker Dialoge innerhalb von Strukturen und Stimmungen, die beim ersten H&ouml;ren seltsam vertraut wirken und bei jedem weiteren H&ouml;ren immer mehr neue Details offenbaren. Der Zuh&ouml;rer wird langsam, aber stetig von dem entfernt, was er zu erkennen glaubte, und kehrt an einen unbekannten, doch beruhigenden Ort zur&uuml;ck. Und jedes Mal, wenn die Musiker versuchen, ihre Schritte zur&uuml;ckzuverfolgen, gelangen sie an einen neuen Ort und kehren dorthin zur&uuml;ck, wo sie noch nicht ganz gewesen sind.

Fluoreszierendes Bild eines leidenschaftlichen Ensembles

Auf ihrem neuen Album "While I Was Away" g&ouml;nnt die Pianistin Julia H&uuml;lsmann ihrem etatm&auml;&szlig;igen Quartett eine Pause, um mit einem neu formierten, au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Oktett andere musikalische Wege einzuschlagen.

"H&uuml;lsmanns Kompositionen zeigen stets gro&szlig;en Respekt vor der Melodie, was ihren besten Arbeiten Tiefe und dauerhafte Qualit&auml;t verleiht - und mit jedem Album, das sie ihrer ECM-Diskografie hinzuf&uuml;gt, w&auml;chst diese Qualit&auml;t noch mehr." (Stuart Nicholson in Jazzwise)&nbsp;
Nach einer Reihe hochgelobter Aufnahmen mit ihrem Quartett - "Not Far From Here" (2019), "The Next Door" (2022) und "Under the Surface" (2025) - schl&auml;gt die deutsche Pianistin und Komponistin Julia H&uuml;lsmann auf ihrem neuen Album "While I Was Away" einen etwas anderen musikalischen Kurs ein und legt dabei zugleich die Messlatte f&uuml;r ihre eigenen Arbeiten noch ein St&uuml;ck h&ouml;her. Zu h&ouml;ren ist sie diesmal mit einem neu formierten, au&szlig;ergew&ouml;hnlichen, Oktett, das sich aus f&uuml;nf Instrumentalistinnen (Julia H&uuml;lsmann - Klavier, H&eacute;lo&iuml;se Lefebvre - Violine, Susanne Paul - Violoncello, Eva Kruse - Kontrabass, Eva Klesse - Schlagzeug) den beiden S&auml;ngerinnen Aline Fraz&atilde;o und Live Maria Roggen sowie dem Vokalisten Michael Schiefel zusammensetzt. Das Instrumentalensemble kombiniert auf raffinierte Weise die Besetzung eines klassischen kammermusikalischen Klaviertrios (Violine, Cello, Klavier) mit der eines typischen Jazz-Pianotrios (Piano, Bass, Schlagzeug). Die S&auml;nger/-innen bereichern das abwechslungsreiche Programm, das aus abenteuerlustigen Originalkompositionen und originellen Interpretationen von Ani DiFrancos Hit&nbsp;"Up Up Up Up Up Up" und "Cois&aacute;rio de Imagens" des brasilianischen Duos Rosanna &amp; Z&eacute;lia besteht, um zus&auml;tzliche Klangfarben.
Drei ihrer f&uuml;nf Eigenkompositionen nutzte Julia H&uuml;lsmann, um Texte der bekannten Schriftsteller/-innen Emily Dickinson ("Sleep"), Margaret Atwood ("You Come Back") und E. E. Cummings (Tic Toc") zu vertonen. Auf dem Album entfaltet sich eine breite Palette musikalischer Assoziationen, wenn brasilianischer Tanz, musicalartige Erz&auml;hlkunst, kammermusikalische Dynamik und Passagen dichter, freier Improvisation f&auml;rben das fluoreszierende Bild eines leidenschaftlichen Ensembles zeichnen.&nbsp; 
Das Album beginnt mit "Cois&aacute;rio de Imagens". Das Liedstammt aus der Feder des Songwriter-Teams Rosanna &amp; Z&eacute;lia, dass, , wie Julia betont, "in den 90er Jahren sehr wichtig f&uuml;r mich war. Ihre Alben waren pr&auml;gend f&uuml;r mich und meine Altersgenossen." Bei diesem St&uuml;ck &uuml;bernimmt die angolanische S&auml;ngerin Aline Fraz&atilde;o die F&uuml;hrung. Ihre kraftvolle Performance wird von der Band mit einem schnellen Bai&atilde;o-Rhythmus befeuert. Aline ist auch bei Julia H&uuml;lsmanns Komposition "Hora Azul" tonangebend, zu der sie den Text beisteuerte. "Von Anfang an", sagt Julia, "war eine der zentralen Ideen des Projekts, dass jeder seinen eigenen Charakter einbringt. Wir haben unterschiedliche kulturelle Hintergr&uuml;nde, die auf dem Album f&uuml;r viel Abwechslung sorgen. Aline Fraz&atilde;o hat beispielsweise einen sehr nat&uuml;rlichen Zugang zum Songwriting auf Portugiesisch. Dass sie einen eigenen Text zu meinem St&uuml;ck schrieben, hat mich sehr bewegt."
Die norwegische S&auml;ngerin Live Maria Roggen f&uuml;gt dem weitgespannten Netz der musikalischen Idiome in den von ihr geschriebenen Songs "Felicia&rsquo;s Song" und "Moonfish Dance" ihren eigenen skandinavischen Hintergrund hinzu. Live, die Julia von Anja Garbarek empfohlen wurde, schrieb auch den Text f&uuml;r&nbsp; "Walkside", eine Komposition aus H&uuml;lsmanns Quartett-Repertoire. "Ich liebe es, wie dieses St&uuml;ck nun eine Br&uuml;cke zwischen meiner Quartett-Klangwelt und der des Oktetts schl&auml;gt."
Die drei Stimmen, die auf dem Album zu h&ouml;ren sind, weisen sehr unterschiedliche Charakteristika auf und verbinden sich in den St&uuml;cken "Tic Toc" und "You Come Back" harmonisch miteinander. Der S&auml;nger Michael Schiefel ist einer von Julias &auml;ltesten Freunden. Die beiden lernten sich 1991 w&auml;hrend des Studiums an der Berliner Hochschule der K&uuml;nste kennen. Entsprechend nat&uuml;rlich ist sein Zugang zu ihrer Musik. Das von ihm komponierte "Iskele" ist eine vertr&auml;umte Ballade, die eine Nacht mit "Sternschnuppen" heraufbeschw&ouml;rt, bevor seine Gesangskolleginnen in der Coda einsetzen. Das Programm von "While I Was Away" wird Julia H&uuml;lsmann im M&auml;rz 2026 bei Konzerten in Deutschland und der Schweiz mit dem Oktett pr&auml;sentieren.

Eine Reise zum Herzen der Bassgitarre

Auf seinem neuen Soloalbum "Convergence" bringt der E-Bassist Bj&ouml;rn Meyer die gesangliche Qualit&auml;t seines Spiels noch st&auml;rker zur Geltung und beschw&ouml;rt mit seinen stimmungsvollen Erkundungen Bilder im Kopf der H&ouml;rer herauf.
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Bj&ouml;rn Meyer sch&ouml;pft das technische Potenzial der Bassgitarre voll aus, um markante Kl&auml;nge und gemaserte Texturen zu erzeugen. Dabei ist er sich stets des akustischen Raums bewusst, in dem er diese Kl&auml;nge erschafft. In einer Rezension von "Provenance" stellte Rob Mallows 2017 in den London Jazz News fest, dass der Bassist zeige, "dass melodische Ausgelassenheit und emotionale Intensit&auml;t nicht nur jenen vorbehalten sind, die sich im Diskantregister bewegen. Meyers Bass singt." Diese gesangliche Qualit&auml;t seines Spiels kommt auf "Convergence" noch st&auml;rker zur Geltung. Mit seinen stimmungsvollen Erkundungen gelingt es Meyer hier, Bilder im Kopf des H&ouml;rers heraufzubeschw&ouml;ren.
Meyer l&auml;sst sein musikalisches Material in Echtzeit entstehen. Er spielt es "live" im Studio ein und greift dabei auf das technische Arsenal des modernen Bassisten zur&uuml;ck. Ad hoc verwendet er diverse Effektger&auml;te. Die St&uuml;cke, die auf "Convergence" zu h&ouml;ren sind, kamen hingegen nach und nach zusammen: "Auf den ersten paar Tourneen nach der Ver&ouml;ffentlichung von 'Provenance' habe ich gr&ouml;&szlig;tenteils Material von diesem Album gespielt. Doch schon bald bahnten sich neue Inspirationen, Ideen und 'Zuf&auml;lligkeiten' ihren Weg in die Auff&uuml;hrungen. Auf ziemlich langsame, aber stetige Weise setzten sich diese neuen Richtungen in meinem Kopf fest, entwickelten sich mit der Zeit weiter und wuchsen schlie&szlig;lich zu einem v&ouml;llig neuen Repertoire heran. Die Erfahrungen, die ich in den letzten Jahren durch intensiveres Solospiel gesammelt habe, sind auf diesem Album zusammengestr&ouml;mt. Die vielen Soloauftritte haben es mir auch erm&ouml;glicht, meine M&ouml;glichkeiten auf dem sechssaitigen E-Bass tiefer auszuloten. Neue Spieltechniken und Kl&auml;nge, aber auch neue Weisen, auf diesem Instrument zu improvisieren und f&uuml;r es zu komponieren, haben direkten Eingang in meine musikalische Praxis gefunden - und das nicht nur im Solokontext."
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Diese Reise zum Herzen der Bassgitarre war manchmal mit verdeckten Umwegen und "Pr&auml;parationen" verbunden, die an die experimentelle Tradition eines John Cage erinnern. In der Improvisation "Rewired" verwendet Meyer beispielsweise Magnete und Metallst&auml;be, um die Schwingungen der Saiten zu ver&auml;ndern. Noch einen Schritt weiter geht er bei dem St&uuml;ck "Magn&eacute;tique", in dem er mithilfe "einer speziellen Konstruktion aus Magneten, einer Feder und einigen Tropfen Sekundenkleber" einen ged&auml;mpften und metallischen Klang erzeugt. Die bei "Magn&eacute;tique" verwendete Tapping-Technik l&auml;sst das St&uuml;ck zudem beinahe wie ein Perkussionswerk erscheinen und erinnert an die Kreuzrhythmen der Mbira-Musik. Meyer erkundet kontinuierlich die M&ouml;glichkeiten seines Instruments - sei es, indem er betont, dass es sich um eine Bassgitarre handelt - etwa durch das elegante polymetrische Zupfen in "Gravity" - oder dadurch, dass er wie in dem Ambient-St&uuml;ck "Drift" dunkle, lange nachhallende Klangschwaden freisetzt. Jedes St&uuml;ck wird zu einer Episode in einer sich entfaltenden Erz&auml;hlung.
"Als wir die Musik abmischten und prozessierten, machte Manfred Eicher irgendwann den ebenso k&uuml;hnen wie wunderbaren Vorschlag, die Reihenfolge der St&uuml;cke zu &auml;ndern und das Album mit 'Convergence' zu beginnen", erz&auml;hlt Bj&ouml;rn Meyer. "Diese Entscheidung setzte einen sehr starken dramaturgischen Fluss in Gang, der mit 'Nesodden' wundersch&ouml;n endet. So wurde daraus eine Geschichte, die sich am besten auf diese Weise erz&auml;hlen l&auml;sst - sie regt, wie ich finde, die Fantasie an, ist voller &Uuml;berraschungen und l&auml;sst dennoch Raum f&uuml;r Kontemplation."
Am kommenden Samstag, dem 24. Januar, tritt Bj&ouml;rn Meyer mit dem Programm von "Convergence" beim Sparks &amp; Visions Festival in Regensburg auf.
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Ein ebenso unvorhersehbares wie berauschendes Trio 

Seit 2021 begeistert das Trio, das der Pianist Craig Taborn mit der Cellistin Tomeka Reid und dem Schlagzeuger Ches Smith bildet, Konzertbesucher in aller Welt. Nun hat es mit "Dream Archives" sein erstes Album f&uuml;r ECM eingespielt.

Seit der Pianist Craig Taborn vor f&uuml;nf Jahren die ersten Konzerte mit der Cellistin Tomeka Reid und dem Schlagzeuger Ches Smith gab, wurde eine Aufnahme dieses aufregenden Trios mit Spannung erwartet. Und mit jeder Tournee, die das Ensemble in den Jahren danach unternahm, wuchs bei Jazzfans das Verlangen nach einem Album. Als das Trio im vergangenen November in der Laeiszhalle in Hamburg auftrat, fand das Hamburger Abendblatt in seiner Konzertbesprechung nur lobende Worte f&uuml;r die Performance und nannte sie "unvorhersehbar, berauschend". Diese Attribute treffen auch auf die Musik des nun endlich erscheinenden Deb&uuml;talbums "Dream Archives" zu. Der Ansatz der drei Protagonisten ist au&szlig;ergew&ouml;hnlich komplex. Sie decken auf "Dream Archives" ein breites musikalisches Spektrum ab und greifen eine Vielzahl von Idiomen aus der Musikgeschichte auf, die sie neu konfigurieren, um eine noch nie geh&ouml;rte Klangwelt voller Tr&auml;umereien zu schaffen.
Das Fundament des Albums bilden vier neue umfangreiche Kompositionen von Craig Taborn, der im vergangenen Jahr eines der begehrten Stipendien der MacArthur-Stiftung erhielt, die auch als "Genius Grant" bekannt sind. Ein gro&szlig;er Teil der Originalit&auml;t der Musik verdankt sich der gemeinsamen Sprache des Trios, die ma&szlig;geblich von den einzigartigen Pers&ouml;nlichkeiten seiner Mitglieder gepr&auml;gt ist. "Ich erkannte sofort das Potenzial dieses Ensembles", bemerkt der Pianist, "sowohl hinsichtlich der Instrumentierung als auch der Pers&ouml;nlichkeiten. Entscheidend ist die Modularit&auml;t. Vieles h&auml;ngt davon ab, wie viele M&ouml;glichkeiten es gibt, eine Reihe musikalischer Informationen zu kontextualisieren. Man braucht Leute, die ein umfassenderes Bewusstsein f&uuml;r diese verschiedenen Ans&auml;tze in der Musik haben. Leute, die verschiedene Kontexte bieten, die man dann auch wirklich ber&uuml;cksichtigen kann."
Das Trio wechselt im Handumdrehen die Idiome, verwandelt sich "von einem traditionellen Jazz-Klaviertrio in eine Art zeitgen&ouml;ssische Kammermusik und dann in ein elektronisches Ensemble. Diese Ver&auml;nderungen k&ouml;nnen blitzschnell vorgenommen werden", sagt Craig."Von allen Bands, die ich bis heute hatte, besitzt diese das gr&ouml;&szlig;te Potenzial, wenn es darum geht, ad hoc die Richtung oder das Idiom zu wechseln. Und das ist das Aufregende an diesem Trio."
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Mitunter tr&auml;gt Craig Taborn seine Einfl&uuml;sse aber ganz offen zur Schau. Auf "Dream Archives" w&uuml;rdigt er zwei seiner wichtigsten Inspirationsquellen, indem er mit seinem Trio auf ausgelassene Weise Paul Motians "Mumbo Jumbo" und Geri Allens "When Kabuya Dances" interpretiert.
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"Ich habe eine Vorliebe daf&uuml;r entwickelt, die Werke von Leuten aufzunehmen, die eine sehr einzigartige kompositorische Stimme haben", umrei&szlig;t Craig Taborn seine Beweggr&uuml;nde f&uuml;r die Wahl dieser beiden St&uuml;cke. "Es hat damit zu tun, dass ihre Kompositionen eine Menge Interpretationsm&ouml;glichkeiten bieten, aber einen wirklich unverwechselbaren Klang und Ansatz haben. Ich habe mir viele Sachen von Paul Motian angeh&ouml;rt, bevor ich - nur wenige Jahre bevor er starb - mit ihm in seinen Gruppen im Vanguard arbeitete. Man erkennt ein St&uuml;ck von Geri Allen oder Paul Motian auf Anhieb. Viele von Pauls Kompositionen klingen so, als h&auml;tte er ein gro&szlig;es Konzept im Kopf, das er dann aber wieder verwirft und nur die Essenz &uuml;brigl&auml;sst."

Perfekte Balance zwischen Intimität und Intensität

Mit "Oracle" schufen der Bassist Gary Peacock und der Gitarrist Ralph Towner vor etwas mehr als drei&szlig;ig Jahren ein durch und durch faszinierendes kammermusikalisches Duo-Album. Nun erscheint es in der "Luminessence"-Reihe erstmals auf Vinyl.

Das 1993 aufgenommene und 1994 ver&ouml;ffentlichte Album "Oracle" dokumentiert das erste Duo-Aufeinandertreffen des Kontrabassisten Gary Peacock und des Multiinstrumentalisten Ralph Towner, der hier ausschlie&szlig;lich an klassischer und zw&ouml;lfsaitiger Gitarre zu h&ouml;ren ist. Die beiden ECM-Legenden hatten bereits f&uuml;nf Jahre zuvor auf Towners ECM-Album "City of Eyes" im Quintett-Format miteinander gearbeitet. 1995 kehrten sie f&uuml;r eine zweite Duo-Session ins Studio zur&uuml;ck, die ECM 1998 unter dem Titel "A Closer View" ver&ouml;ffentlichte. Wie das britische Klassikmagazin Gramophone damals feststellte, erzeugten Peacock und Towner auf "Oracle" Musik von "intellektueller Intensit&auml;t", die zugleich "verf&uuml;hrerisch sch&ouml;n anzuh&ouml;ren" sei. Als Ausgangspunkt f&uuml;r ihre gr&ouml;&szlig;tenteils kammermusikalischen, mitunter aber auch &uuml;berraschend groovigen Dialoge dienen den beiden Protagonisten dabei neun Originale (sechs aus der Feder von Peacock, zwei aus der von Towner sowie das gemeinsam komponierte Titelst&uuml;ck), in denen sie komponierte Passagen und abenteuerliche Improvisationen nahtlos miteinander verbanden.
"&lsquo;Oracle&rsquo; z&auml;hlt zu Ralph Towners besten Einspielungen", meinte Manfred Schmidt in Stereo, als das Album 1994 erschien. "Aufgenommen hat er sie mit einem der herausragenden Bassisten im Jazz. Und der spielt hier noch melodi&ouml;ser und perkussiver als mit Keith Jarrett, l&auml;sst seinen Kontrabass Geschichten erz&auml;hlen, die zudem hervorragend aufgenommen wurden: man h&ouml;rt das Surrend er Saiten, die sich bewegenden Finger auf dem Griffbrett, die volumin&ouml;sen Resonanzen des gro&szlig;en Instrumentenk&ouml;rpers. Ebenso genial wurde Towners klassische Gitarre eingefangen. [...] Doch was w&auml;ren all diese technischen Raffinessen, wenn die Chemie zwischen den beiden Musikern nicht stimmen w&uuml;rde? Wie sich Towner und Peacock die Spielb&auml;lle zuwerfen, wie sie aufeinander reagieren, ist ebenso subtil wie umwerfend: Das Ergebnis ist die beste Jazz-Duo-Platte seit langem."
In Stereoplay schrieb Matthias Inhoffen wiederum: "Mit Ralph Towner findet Gary Peacock zu einem lebendigen, offenen, an filigranen Finessen reichen Dialog. Wie selten bei einer Duoaufnahme sind beide Parteien st&auml;ndig in Bewegung, lauschen dem anderen seine m&ouml;glichen n&auml;chsten Schritte ab, reagieren auf die feinste Andeutung, unterbreiten mit zur&uuml;ckhaltender Eleganz ihre eigenen Ansichten. Aktion und Reaktion sind bei dieser Kammerjazz-Et&uuml;de nur schwer zu trennen." In der "Luminessence"-Serie wird dieses von Manfred Eicher produzierte Meisterwerk nun zum ersten Mal in einem Tip-On-Gatefold-Cover mit Fotos der Aufnahmesession auf Vinyl ver&ouml;ffentlicht.

Ein Klassiker des flüchtigen Augenblicks - The Köln Concert 50th Anniversary Edition

Dieses Jahr feiert Keith Jarretts "The K&ouml;ln Concert" seinen 50. Geburtstag. Zum Jubil&auml;um der Ver&ouml;ffentlichung erscheint nun die limitierte Doppel-LP in einer luxuri&ouml;sen "50th Anniversary" Edition.&nbsp;

Die Sonderedition, das exklusive Bundle mit T-Shirt und mehr von Keith Jarrett und ECM Records finden Sie in unserem <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/keith-jarrett-the-koln-concert-50th-anniversary-107556" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
"Am 24. Januar 1975 setzte er sich in der K&ouml;lner Oper an einen alten Fl&uuml;gel, schlug ein g an und spazierte darum herum", beschrieb Alex R&uuml;hle vor 15 Jahren in der S&uuml;ddeutschen Zeitung den Beginn von Keith Jarretts "K&ouml;ln Concert". "Dann schienen seine Finger wie im Dunkel nachzutasten, was f&uuml;r ein Akkord das eigentlich war, wiederholten das Motiv, tasteten z&ouml;gernd weiter. Eine Stunde sp&auml;ter hatte Jarrett aus vorbeiwehenden T&ouml;nen ein Monument geschaffen. Eine Feier des Klangs, die Kraft des Free Jazz, domestiziert von melodischem Wohlklang, Motive, die wie Fraktale aus sich selbst herauszuwachsen schienen, hymnisch, sentimental, monomanisch. Und das zu einer Zeit, in der es mal wieder hie&szlig;, der Jazz sei an sein Ende gekommen."
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Nicht nur ist der Jazz bis heute nicht an sein Ende gekommen, auch Jarretts "K&ouml;ln Concert" fesselt nach wie vor ein breit gef&auml;chertes Publikum, das ansonsten einen gro&szlig;en Bogen um improvisierte Musik macht. Mit ann&auml;hernd vier Millionen verkauften Exemplaren ist "The K&ouml;ln Concert" sowohl das meistverkaufte Soloalbum der Jazzgeschichte als auch das meistverkaufte Klavieralbum &uuml;berhaupt. Anfang des Jahres feierte das Album, das Thomas Steinfeld als einen "Klassiker des fl&uuml;chtigen Augenblicks" bezeichnet, seinen 50. Geburtstag. Im April wurde es von der Library of Congress als "kulturell, historisch oder &auml;sthetisch bedeutsames Werk" eingestuft und in die National Recording Registry aufgenommen, das Verzeichnis besonders erhaltenswerter US amerikanischer&nbsp;Tondokumente. Am 12. Dezember erscheint die limiterte Doppel-LP nun in der luxuri&ouml;sen "The K&ouml;ln Concert 50th Anniversary Edition". Sie enth&auml;lt ein eingeklebtes achtseitiges Booklet mit neuen Liner Notes (deutsch/englisch),&nbsp;Originalfotos und neuen Fotos sowie eine Art Card im LP-H&uuml;llenformat mit gedrucktem Foto und gedruckter Unterschrift von Keith Jarrett. In unserem Store&nbsp;ist ein <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/keith-jarrett-the-koln-concert-50th-anniversary-107556" target="_blank" rel="noopener">exklusives Bundle der limitierten 2LP&nbsp;mit einem T-Shirt aus Bio-Baumwolle</a> mit Cover und historischem ECM-Logo-Etikett erh&auml;ltlich.&nbsp;
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Gravity

Sokratis Sinopoulos & Yann Keerim - Vlachia

Dobrinka Tabakova - Sun Triptych (Behind The Scenes)

Vox Clamantis - Arvo Pärt: And I heard a voice  / Behind the Scenes with Jaan-Eik Tulve

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Jasmine (Luminessence Series 2LP) + Hi-Res Download

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2LP inklusive Hi-Res-Audio-Download&nbsp;
Jasmine dokumentiert eine intime, einmalige Session und das Wiedersehen von Keith Jarrett und Charlie Haden. In Jarretts Heimstudio in New Jersey begegnen sich die beiden im Duo &uuml;ber mehrere Sets mit Standards &ndash; musikalisch vertraut und mit jener Selbstverst&auml;ndlichkeit, die nur langj&auml;hrige Weggef&auml;hrten verbindet. Anl&auml;sslich der Erstver&ouml;ffentlichung des Albums schrieb die Financial Times treffend: &bdquo;Es ist mehr als 30 Jahre her, dass sie zuletzt gemeinsam aufgenommen haben, doch ihr Dialog besitzt die detailreiche Intimit&auml;t alter Freunde, die gemeinsame Themen neu erkunden.&ldquo; Nun erscheint Jasmine erstmals &uuml;berhaupt auf Vinyl. Die unvergleichliche musikalische Verst&auml;ndigung zwischen Jarrett und Haden l&auml;sst sich damit neu entdecken &ndash; voller W&auml;rme in Klassikern wie &bdquo;Body and Soul&ldquo;, &bdquo;For All We Know&ldquo;, &bdquo;Where Can I Go Without You&ldquo;, &bdquo;Don&rsquo;t Ever Leave Me&ldquo; und weiteren St&uuml;cken. Keith Jarrett schreibt dazu in seinen Liner Notes: &bdquo;Dies ist spontane Musik, im Moment entstanden, ohne jede Vorbereitung &ndash; abgesehen von der Hingabe, die uns unser ganzes Leben begleitet hat, keinen Ersatz zu akzeptieren &hellip; Es sind gro&szlig;e Liebeslieder, gespielt von Musikern, die vor allem versuchen, ihre Botschaft unverf&auml;lscht zu bewahren.&ldquo;
 Im Rahmen der ECM-Reihe Luminessence neu aufgelegt, erscheint Jasmine erstmals auf Vinyl. Die Ver&ouml;ffentlichung kommt im hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover und enth&auml;lt s&auml;mtliche Inhalte der urspr&uuml;nglichen CD-Ausgabe. &bdquo;&sbquo;Jasmine&lsquo; ist eine so unverhohlen ausdrucksstarke Aufnahme, wie sie wohl keiner der beiden Musiker zuvor gemacht hat. Durchgehend bewegt sich das Duo in einer musikalischen Komfortzone, in der gl&uuml;ckliche Melodief&uuml;hrung und unverstellte Emotionalit&auml;t h&ouml;her gesch&auml;tzt werden als demonstrative Virtuosit&auml;t.&ldquo; &ndash; Steve Futterman, The New Yorker

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