Ravel · Sarasate · Massenet
Fauré · Tartini · Wieniawski
Wiener Philharmoniker
James Levine
Int. Release 01 Sep. 1993
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Track List

Pablo Martin De Sarasate (1844 - 1908)
Henryk Wieniawski (1835 - 1880)

Giuseppe Tartini (1692 - 1770)
Maurice Ravel (1875 - 1937)

Jules Massenet (1842 - 1912)

Acte Deux


Pablo Martin De Sarasate (1844 - 1908)
Carmen Fantasy, Op.25




Gabriel Fauré (1845 - 1924)

Anne-Sophie Mutter, Wiener Philharmoniker, James Levine

Total Playing Time 1:06:43

It is unashamedly a fun record, and even Mutter has rarely played with such freedom and warmth, obviously enjoying these display pieces every bit as much as the repertory concertos and new works that are her staple diet. The gipsy flavours of the two Sarasate pieces, as well as of Ravel's "Tzigane", sound even more exotic than usual, and rarely have I heard the brilliant sound section, with its Hungarian fire, sound quite so exciting with a stunning accelerando at the end. The tender repose which she then brings to the Massenet ''Meditation'' is thus all the more affecting.
Sarasate's Carmen Fantasy, which provides the whole disc with its title, is as high-powered as the Ravel [...].
[...] with James Levine and the Vienna Philharmonic providing Mutter with comparably weighty and committed accompaniment, I have to say her performance thrusts home [...] powerfully."

The Carmen-Fantasie is delightful, as are the other popular favorites that accompany it: Sarasate's Zigeunerweisen, Tartini's "Devil's Trill," Ravel's Tzigane, Massenet's "Meditation" from Thais, and Faure's Berceuse . . . Ms. Mutter's account of the Sarasate piece . . . offers the elegant, refined playing that we have come to expect from her . . . I have seldom heard a DG recording with more clarity and definition . . .

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CD 13


Some violinists impress by a dazzling technique, as flawless and polished as a diamond. Some impress by the intensity of their vision, their genius for saying something fresh with a musical phrase that the listener may have heard a thousand times before. Others by their daring, their willingness to push themselves beyond the boundaries of safety – perhaps by choosing an audacious tempo, or by producing some extraordinary and startling tonecolour.

Anne-Sophie Mutter does all this and more. Just turned 30, she has been holding the world’s music-lovers mesmerized for 17 ­years, since she was “discovered” as a child prodigy by Herbert von Karajan. Many child prodigies stay exactly that: technically brilliant phenomena who lack the emotional maturity to develop into rounded adult virtuosos. Not so Mutter. Three years ago, at the Barbican Hall in London, she gave as comprehensive a demonstration of the violinist’s art as can ever have been devised. In the course of a week she played no fewer than seven major concertos and seven big chamber pieces – and not just Brahms and Tchaikovsky standards, either. Integral to her artistry is the belief that she should also play the music of living composers; she herself has commissioned many works.

This, then, is a serious artist endowed with an astonishing musical intelligence and an admirable sense of purpose. But there is another side to Mutter. Through­out history, violinists have cherished their power to enthral audiences through sheer devilery: through mercurial fingers, unbelievable treble-stopping, flashing bow, or the sensuous glissando up the G string. Mutter understands how vital it is that the virtuoso violinist also plays the role of the showman. Gathered together here is music that Mutter might play as encores after an intense recital or concerto programme. Several were written by composers who were themselves virtuoso violinists, and whose very intention was to test the technical mettle of all who dared to attempt a performance. For some violinists, simply playing the notes would be enough. But being Mutter, these pieces are interpreted with as much care and intelligence as the most profound concerto.

This may be a feast of lollipops, then, but the flavours are well varied. Two of the works – perhaps the two that are most obviously show-stoppers – are by Pablo de Sarasate, the 19th-century Spanish violin virtuoso. He was considered one of the great violinists of his day, and Bruch, Saint-Saëns and Dvorák were among those who wrote major pieces for him. But he also wrote more than 50 pieces for himself, of which the two recorded here are possibly the best known: the Zigeunerweisen op. 20, which was written in 1878; and the ingenious and technically fiendish “Carmen” Fantasy op. 25. The latter was composed around 1883, when Bizet’s great opera, after its disastrous première-run eight years earlier, had been triumphantly revived in Paris.

In much the same flamboyant manner, though written 40 years later, is Maurice Ravel’s brilliant showpiece Tzigane. Written for the Hungarian virtuoso Jelly d’Arányi, it was styled very much in the “Hungarian gypsy rhapsody” manner and took as its specific model Paganini’s 24 Caprices.

Two more, rather gentler, French pieces are included on this recording. Gabriel Fauré’s lovely, simple Ber­ceuse in D major, op. 16 was written in 1879, a few years after the composer had finished his masterly First Violin Sonata. And in much the same vein of lyrical sweetness is the Méditation from Jules Massenet’s opera Thaïs, first performed in Paris in 1894. The opera, an ancient Egyptian affair concerning a courtesan who renounces carnal love for the spiritual variety, has not worn well, but this “symphonic intermezzo” from Act II – in essence an extended violin solo over lapping harps – has become one of the best-loved tunes from French opera.

Finally, works by two other virtuoso violinist-composers from different eras. Henryk Wieniawski was one of 19th-century music’s most colourful figures: one of a family of Polish musicians (his pianist brother accompanied him on recital tours), he managed, in a brief but eventful life, to tour the world from Moscow to San Francisco, to lose a fortune on the American stock exchange, and to die penniless at the age of 44. He was by all accounts a magnificent player, and his 30 published compositions indicate how much he developed the craft of violin-playing. The Légende in G minor, op. 17 has a romantic history. Wieniawski visited England for concerts in 1859 and fell in love with an English girl, Isabella Hampton, whom he married the following year. The Légende, written in that year, is dedicated to her.

A marvellous “legend” also surrounds Giuseppe Tartini’s “Devil’s Trill” Sonata. How much of it to believe is a matter of personal choice. Tartini, seven years younger than Bach and Handel, was a great teacher of violin in Padua, and he wrote a large number of sonatas for the instrument. The story goes that he composed the “Devil’s Trill” Sonata while hiding in a monastery, having fled there after a clandestine marriage to a pupil. During the night he dreamt that he had entered into a contract with the Devil, who played him an exquisite violin so­nata. On awakening, Tartini found he had forgotten the sonata, so he sup­posedly wrote this one in imitation of the Devil’s. The “devil’s trills” themselves are the extraordinary passages in the final movement, where the soloist is required to trill on one string while executing swift passage-work on another. Leopold Mo­zart, no slouch on the violin, said of the passages that “no little industry is required” to master them. That, you may feel, is an understatement.

Richard Morrison


Manche Geiger faszinieren durch eine blendende Technik, so lupenrein und geschliffen wie ein Diamant. Andere durch die Intensität ihrer Interpretation, durch die Gabe, mit einer musikalischen Phrase, die der Hörer vielleicht schon tausendmal gehört hat, etwas ganz Neues zu sagen. Wieder andere beeindrucken durch ihre Bereitschaft zum Risiko – etwa wenn sie ein tollkühnes Tempo wählen oder ungewöhnliche, aufregende Klangfarben kreieren.

Anne-Sophie Mutter tut all das und noch mehr. Sie ist gerade erst Anfang dreißig, hält aber schon seit 17 Jahren, seit Herbert von Karajan sie als Wunderkind »entdeckte«, die Musikliebhaber in aller Welt in Atem. Viele Wunderkinder bleiben technisch brillante Phänomene, denen zum vollentwickelten, erwachsenen Virtuosen die geistig-emotionale Reife fehlt. Nicht so Anne-Sophie Mutter. Vor drei Jahren gab sie in der Barbican Hall in London die wohl umfassendste Demonstration der Geigenkunst, die sich denken lässt: Innerhalb einer Woche spielte sie nicht weniger als sieben gewichtige Solokonzerte und sieben große Kammermusikwerke – und zwar nicht nur aus dem Brahms- und Tschaikowsky-Standard-Repertoire. Es gehört ganz wesentlich zu ihrem künstlerischen Anspruch, Musik zeitgenössischer Komponisten zu spielen; sie selbst hat etliche Werke in Auftrag gegeben.

Wir haben es also mit einer ernsthaften Künstlerin von erstaunlicher musikalischer Intelligenz und bewundernswerter Zielstrebigkeit zu tun. Anne-Sophie Mutter hat aber auch noch eine andere Seite. Schon immer haben Geiger das Publikum besonders gern durch reine Hexenkünste in ihren Bann gezogen: durch blitzschnelle Finger, unglaubliche Dreifachgriffe, funkensprühenden Bogen oder das schmachtende Glissando die G-Saite hinauf. Anne-Sophie Mutter weiß sehr wohl, dass es für den Geigenvirtuosen unerlässlich ist, auch eine Show abzuliefern. Hier sind nun Stücke zusammengestellt, die sie nach einem hochkonzentrierten Solo- oder Konzertabend vielleicht als Zugabe spielen würde. Einige davon wurden von Komponisten, die selbst virtuose Geiger waren, just in der Absicht geschrieben, die Technik all derer auf den Prüfstand zu stellen, die je eine Aufführung wagen sollten. Manchen Geigern würde es nun genügen, einfach die Noten zu spielen. Aber wenn man Anne-Sophie Mutter heißt, dann interpretiert man diese Musik mit der gleichen Sorgfalt und Intelligenz wie das anspruchsvollste Konzert.

Dies ist dann wohl eine »Schlemmerplatte« – aber die Geschmäcker sind ja auch verschieden. Zwei der Stücke – wohl die beiden größten Publikumshits – stammen von Pablo de Sarasate, dem spanischen Geiger, der im 19. Jahrhundert zu den ganz großen Virtuosen zählte und für den unter anderem Bruch, Saint-Saëns und Dvorák bedeutende Werke komponierten. Von seinen über 50 eigenen Stücken sind die beiden hier eingespielten sicherlich die bekanntesten: die Zigeunerweisen op. 20, 1878 komponiert, und die geniale, mit technischen Schwierigkeiten gespickte »Carmen-Fantasie« op. 25. Sie entstand um 1883, als Bizets herrliche Oper, acht Jahre nach dem Desaster der Uraufführung, mit triumphalem Erfolg in Paris ihre Auferstehung feierte.

Maurice Ravels Bravourstück Tzigane ist in ähnlich flamboyantem Stil geschrieben, wenn auch 40 Jahre später. Das Stück lehnt sich deutlich an Paganinis 24 Capricen an, orientiert sich aber auch eng an ungarischen »Zigeuner-Rhapsodien« und ist damit ganz auf seine Widmungs­trägerin, die ungarische Virtuosin Jelly d’Arányi, zugeschnitten.

Noch zwei weitere, etwas sanftere Stücke der vorliegenden Aufnahme stammen aus Frankreich. Gabriel Fauré schrieb 1879 seine hübsche, schlichte Berceuse D-dur op. 16, wenige Jahre nach seiner meisterhaften ersten Violinsonate. Die gleiche Stimmung lyrischer Süße findet sich auch in vielen Passagen der Méditation aus Jules Massenets Oper Thaïs, die 1894 in Paris uraufgeführt wurde. Die Oper, eine Geschichte aus dem alten Ägypten, in der eine Kurtisane der körperlichen um der geistigen Liebe willen entsagt, hat sich nicht lange gehalten, aber dieses »symphonische Intermezzo« aus dem zweiten Akt – letztlich ein weit gespanntes Violin­solo über blubbernden Harfen – wurde eine der beliebtesten Melodien der Französischen Oper.

Zum Abschluss Werke von zwei weiteren komponierenden Geigenvirtuosen aus ganz verschiedenen Epochen. Henri Wieniawski gehörte zu den schillerndsten Musikerpersönlichkeiten des 19. Jahrhunderts. Er stammte aus einer polnischen Musikerfamilie (sein Bruder begleitete ihn als Pianist auf seinen Konzertreisen), und während seines kurzen, aber ereignisreichen Lebens brachte er es fertig, die Welt von Moskau bis San Francisco zu bereisen, an der amerikanischen Börse ein Vermögen zu verlieren und mit 44 Jahren ohne einen Pfennig zu sterben. Allen Berichten zufolge war er ein großartiger Geiger, und die 30 Kompositionen, die er veröffentlichte, zeigen, wie stark er an der Entwicklung der Violintechnik beteiligt war. Die Légende g-moll op. 17 hat eine romantische Geschichte. Auf einer Kon­zertreise 1859 in England verliebte sich Wieniawski in die junge Engländerin Isabella Hampton, die er im Jahr darauf heiratete. Die Légende, im Hochzeitsjahr entstanden, ist ihr gewidmet.

Eine herrliche »Legende« rankt sich auch um Giuseppe Tartinis »Teufelstriller-Sonate«; es bleibt jedem selbst überlassen, wie viel er davon glauben möchte. Tartini, sieben Jahre jünger als Bach und Händel, war ein gesuchter Geigenlehrer in Padua und komponierte zahlreiche Sonaten für sein Instrument. Es heißt, dass er die »Teufelstriller-Sonate« in einem Kloster schrieb, in das er geflohen war, nachdem er heimlich eine Schülerin geheiratet hatte. Nachts träumte er, er habe einen Pakt mit dem Teufel geschlossen, der ihm dann eine phantastische Violin­sonate vorspielte. Als Tartini aufwachte, hatte er die Sonate als solche vergessen – also habe er seine in Anklang an die des Teufels geschrieben. Mit den »Teufelstrillern« sind die atemberaubenden Stellen im Schlusssatz gemeint, wo der Solist auf einer Saite trillern muss, während er auf einer anderen schnelle Pas­sa­gen zu spielen hat. Leopold Mozart, weiß Gott kein Anfänger auf der Geige, sagte, dass es »keines geringen Fleißes bedürfe«, um diese Stellen zu meistern. Und das, man ahnt es, ist noch untertrieben.

Richard Morrison

Übersetzung: Stefan Lerche


Certains violonistes impressionnent par une technique éblouissante qui a la perfection et le poli d’un diamant. D’autres par l’intensité de leur interprétation, par leur faculté de dire quelque chose de ­nouveau en jouant une phrase musicale qu’on a entendu des milliers de fois auparavant. D’autres encore par leur témérité, leur volonté de prendre des risques en bravant les limites du possible – que ce soit en choisissant un tempo audacieux ou en produisant une sonorité extraordinaire et stupéfiante. Anne-Sophie Mutter fait tout cela et plus encore. Elle vient d’avoir trente ans et tient sous son charme les mélomanes du monde entier depuis dix-sept ans, depuis que Herbert von Karajan a «découverte» celle qui était alors une enfant prodige. Beaucoup d’enfants prodiges en restent précisément là, au stade du phénomène techniquement brillant à qui il manque la maturité émotionnelle pour devenir un virtuose accompli. Ce n’est pas le cas de Mutter. Il y a trois ans, au Barbican Hall de Londres, elle a donné une démonstration aussi complète que possible de l’art du violoniste. En l’espace d’une semaine, elle a joué pas moins de sept grands concertos et sept grandes œuvres de musique de chambre, et qui plus est, sans se limiter aux habituels Brahms et Tchaïkovski. Aspect essentiel de sa personnalité d’artiste, elle juge indispensable de jouer aussi la musique de compositeurs vivants; elle a elle-même commandé de nombreuses œuvres.

Voilà donc une artiste réfléchie, douée d’une étonnante intelligence musicale et d’une admirable détermination. Mais Mutter a aussi un autre visage. A travers les âges, les violonistes se sont plu à captiver leur auditoire par de la pure magie: avec des doigts de fée, des positions incroyables dans l’aigu, une technique d’archet éblouissante ou un glissando sensuel sur la corde de sol. Mutter a compris qu’il est essentiel pour le violoniste virtuose de maîtriser la scène. On trouvera réunies ici les pièces que Mutter pourrait jouer en bis après un concerto ou un récital intenses. Plusieurs ont été écrites par des compositeurs qui étaient eux-mêmes des virtuoses du violon et voulaient mettre à l’épreuve les facultés techniques de quiconque s’aventurerait à les interpréter. Certains violonistes se contenteraient de jouer les notes; Mutter, elle, interprète ces pièces avec autant de soin et d’intelligence que l’œuvre la plus profonde.

Nous sommes donc peut-être conviés à un festin de sucreries, mais les saveurs en sont bien variées. Deux des œuvres – les deux qui conviennent sans doute le mieux pour conclure un concert – sont du violoniste espagnol Pablo de Sarasate, virtuose du XIXe siècle. Il était considéré comme l’un des grands violonistes de son temps, et Bruch, Saint-Saëns et Dvorák font partie des compositeurs qui lui destinèrent des œuvres importantes. Mais il composa également plus de cinquante pièces pour lui-même, dont les deux enregistrées ici sont sans doute les plus connues: Zigeunerweisen (Airs bohémiens) op. 20, écrit en 1878, et la Fantaisie sur «Carmen» op. 25, œuvre ingénieuse et techniquement diabolique composée aux alentours de 1883, au moment de la reprise triomphale du grand opéra de Bizet à Paris après les désastreuses premières représentations de 1875.

Bien qu’écrit quarante ans plus tard, le morceau de bravoure Tzigane, de Mau­rice Ravel, est dans la même veine flamboyante. Destiné à la virtuose hongroise Jelly d’Arányi, il fut conçu dans le style d’une «rhapsodie hongroise tzigane» sur le modèle des Vingt-Quatre Caprices de Paganini.

Cet enregistrement comporte également deux autres œuvres françaises de caractère plus tendre. La belle et simple Berceuse en ré majeur, op. 16, de Gabriel Fauré fut écrite en 1879, quelques années après que le compositeur eut achevé sa magistrale Première Sonate pour violon. La Méditation de l’opéra Thaïs de Jules Massenet, créé à Paris en 1894, est dans la même veine douce et lyrique. L’opéra, qui retrace l’histoire d’une courtisane de l’ancienne Egypte renonçant à l’amour charnel pour l’amour spirituel, a mal vieilli, mais cet «intermède sympho­nique» de l’Acte II, en substance un long solo de violon sur fond de harpes, est devenu l’une des mélodies célèbres de l’opéra français.

Enfin, on entendra des œuvres de deux autres compositeurs­ violonistes virtuoses d’époques différentes. Henryk Wieniawski fut l’une des personnalités les plus hautes en couleur de la musique du XIXe siècle: issu d’une famille de musiciens polonais (son frère, pianiste, l’accom­pagnait dans ses tournées de récitals), il réussit, au cours d’une carrière brève mais bien remplie, à silloner le monde de Moscou à San Francisco, à perdre sa fortune à la bourse de New York et à mourir sans un sou à l’âge de quarante-quatre ans. C’était, selon tous les témoignages, un interprète exceptionnel, et ses trente compositions montrent à quel point il a développé le jeu du violon. La Légende en sol mineur, op. 17, fut suscitée par une histoire d’amour. Wieniawski se rendit en 1859 en Angleterre pour des concerts et tomba amoureux d’une jeune anglaise, Isabella Hampton, qu’il épousa l’année suivante. La même année il écrivit la Légende qu’il lui dédia.

Une merveilleuse «légende» entoure également la Sonate de Tartini surnommée «Le Trille du diable». A chacun de décider ce qu’il faut en croire. Tartini, de sept ans le cadet de Bach et Haendel, était un grand professeur de violon à Padoue, et il écrivit bon nombre de sonates pour son instrument. On dit qu’il aurait composé «Le Trille du diable» dans un monastère où il s’était réfugié après un mariage clandestin avec une de ses élèves. Au cours de la nuit, il rêva qu’il avait conclu un pacte avec le diable qui lui joua une sonate pour violon exquise. En se réveillant, Tartini s’aperçut qu’il n’avait qu’un souvenir très lointain de la sonate; il aurait alors écrit la sienne en cherchant à imiter celle du diable. Les «trilles du diable» en question sont ces passages extraordinaires du dernier mouvement où le soliste doit triller sur une corde tout en exécutant des passages rapides sur une autre corde. Leopold Mozart, qui était loin d’être un violoniste médiocre, estimait que ces passages nécessitaient «une industrie non négligeable». On pourra penser que c’est un euphémisme.

Richard Morrison

Traduction: Dennis Collins