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Gustav Mahler

Pressestimmen

The Power of Love - Yannick Nézet-Séguin and the Philadelphia Orchestra with Mahler's "Symphony of a Thousand"

Philadelphia&rsquo;s sense of history and present pride soared in March 2016 when The Philadelphia Orchestra and its Music Director Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin, along with a team of top-rank international soloists and massed choirs, marked the centenary of the United States premiere of Mahler&rsquo;s monumental Eighth Symphony with four performances of the work at Verizon Hall at the Kimmel Center for the Performing Arts. Their interpretation was recorded by Deutsche Grammophon for international release on 17 January 2020 and will be available on CD and digitally.

Philadelphia&rsquo;s sense of history and present pride soared in March 2016 when The Philadelphia Orchestra and its Music Director Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin, along with a team of top-rank international soloists and massed choirs, marked the centenary of the United States premiere of Mahler&rsquo;s monumental Eighth Symphony with four performances of the work at Verizon Hall at the Kimmel Center for the Performing Arts. Their interpretation was recorded by Deutsche Grammophon for international release on 17 January 2020 and will be available on CD and digitally.
&ldquo;A century after its US premiere, it is still an event whenever an orchestra performs Mahler&rsquo;s Eighth Symphony,&rdquo; comments N&eacute;zet-S&eacute;guin, an exclusive Deutsche Grammophon artist since May 2018. &ldquo;We had the chance to reflect on what had happened in those hundred years and get back to the era, around the beginning of the twentieth century, when The Philadelphia Orchestra rose to the top by championing such iconic pieces. Mahler Eight is imposing, impressive &ndash; it&rsquo;s an incredible work. Of course, what we want to hear is our great orchestra, as with any Mahler symphony, but it is important to have the right partners to match them. We were so fortunate to have the cr&egrave;me de la cr&egrave;me of vocal casting anywhere in the world.&rdquo;
The Canadian conductor&rsquo;s new Mahler recording marks a return to the core symphonic repertoire with The Philadelphia Orchestra. Maestro and orchestra were joined by eight fine soloists (Angela Meade, Erin Wall, Lisette Oropesa, Elizabeth Bishop, Mihoko Fujimura, Anthony Dean Griffey, Markus Werba and John Relyea), the American Boychoir, Westminster Symphonic Choir and the Choral Arts Society of Washington.
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Gustav Mahler (1860-1911) wrote his Eighth Symphony in the space of ten weeks during the summer of 1906. He based the work&rsquo;s first movement on the ninth-century Latin hymn Veni creator spiritus, and set words from the closing scene of Goethe&rsquo;s verse tragedy Faust as an extended second part. &ldquo;I saw the whole piece immediately before my eyes, and only needed to write it down as though it were being dictated to me,&rdquo; Mahler later reported to his biographer. At the time of its first performance in 1910 the new work was billed as the &ldquo;Symphony of a Thousand&rdquo;, a clever marketing line used to stoke audience interest in a score that explores themes of redemption through the power of love.
When Leopold Stokowski conducted the composition&rsquo;s American premiere with The Philadelphia Orchestra in March 1916 at Philadelphia&rsquo;s Academy of Music, he did so in company with over a thousand fellow performers. One hundred years later, almost to the day, Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin packed the stage of The Philadelphia Orchestra&rsquo;s current home with over four hundred singers and instrumentalists, &ldquo;who made as much sound as the Kimmel Center&rsquo;s Verizon Hall could hold,&rdquo; as critic David Patrick Stearns recalled in his review for The Philadelphia Inquirer. &ldquo;Certainly,&rdquo; he continued,&rdquo; the experience was sublime, transcendent, all the ultra-superlative things one saves for a piece like this.&rdquo;
Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin&rsquo;s forthcoming schedule includes, among others, different concert programs with The Philharmonia Orchestra (23-26, 30-31 January, 1-2 February) as well as performances of Mahler&rsquo;s Fifth Symphony with the Rotterdam Philharmonic Orchestra at home in Rotterdam and on tour to Paris, Essen and Baden-Baden (16, 18, 21 &amp; 22 February 2020), and of the composer&rsquo;s Third Symphony with the Berliner Philharmoniker in their home town (27, 28 &amp; 29 February) and in Baden-Baden (11 April).

Maestro Abbados sinfonische Schatzkisten

Mit seinem Tod hat Claudio Abbado Anfang 2014 eine schmerzhafte L&uuml;cke in der Musikwelt hinterlassen. Gl&uuml;cklicherweise l&auml;sst sich die unvergleichliche Energie Abbados auf CD festhalten.

Mit seinem Tod hat Claudio Abbado Anfang 2014 eine schmerzhafte L&uuml;cke in der Musikwelt hinterlassen. Wenn der Mail&auml;nder Maestro am Pult stand, dann vermochte er die Musiker an den Instrumenten und das Publikum auf den R&auml;ngen weltweit gleicherma&szlig;en mit seinem unb&auml;ndigen musikalischen Erz&auml;hlwillen zu bezaubern und mitzurei&szlig;en. Gl&uuml;cklicherweise l&auml;sst sich die unvergleichliche Energie Abbados auf CD festhalten.
Stolze 46 Jahre lang arbeitete die Deutsche Grammophon mit <a href="http://www.klassikakzente.de/claudio-abbado/home" target="_self">Claudio Abbado</a> zusammen. Die vier Einzelboxen, die sich nun jeweils den sinfonischen Werken eines gro&szlig;en Komponisten widmen, sind echte Schatztruhen, die durch und durch von Abbados Geist durchdrungen sind und ihn mit jedem Ton weiterleben lassen. Sinfonische Meisterwerke von Mozart und Mahler, Bruckner und Brahms sind darauf zu finden. Auf den insgesamt 29 CDs kann man zudem einen &Uuml;berblick &uuml;ber die Cr&egrave;me de la Cr&egrave;me der europ&auml;ischen Orchester bekommen, mit denen Claudio Abbado am liebsten gearbeitet hat.
<h3>Sinnliche Tiefensch&auml;rfe</h3>
Das Lucerne Festival Orchestra begeistert mit einer Ersteinspielung von Bruckners erster Sinfonie in der Wiener Fassung. Die Wiener Philharmoniker stellen in den Sinfonien 4, 5, 7 und 9 mit bet&ouml;render Klangsch&ouml;nheit und gro&szlig;er musikalischer Ausdruckskraft ihre traditionsreiche Bruckneraffinit&auml;t unter Beweis. Abbados <a href="http://www.klassikakzente.de/anton-bruckner/home" target="_self">Bruckner</a> trieft nicht und verstr&ouml;mt kein aufgesetztes Pathos, sondern verbindet zutiefst empfundene sp&auml;tromantische Sinnlichkeit mit kristallklarem Detailreichtum.
<h3>Mahlers Medium</h3>
Claudio Abbado und <a href="http://www.klassikakzente.de/gustav-mahler/home" target="_self">Gustav Mahler</a> muss auch &uuml;ber den Tod hinaus eine zeitlose Seelenverwandtschaft verbinden. Anders kann man es sich nicht erkl&auml;ren, wenn man sich Claudio Abbados geistvollen Interpretationen auf den 11 CDs dieser Mahler Edition widmet. In dem schlanken und transparenten Klang, der trotz pr&auml;ziser farblicher Konturen nie in seine Einzelteile zerf&auml;llt und der auch im vollen Fortissimo niemals hart oder schrill wirkt, schwingt ein tiefes inneres Verst&auml;ndnis f&uuml;r Mahlers Musik mit. Und die Berliner Philharmoniker sind der perfekte Klangk&ouml;rper, wenn es darum geht, Mahlers sinfonischen Werken unter Claudio Abbados H&auml;nden musikalische Gestalt zu verleihen.
<h3>K&ouml;stlicher H&ouml;rgenuss</h3>
Abbados <a href="http://www.klassikakzente.de/johannes-brahms/home" target="_self">Brahms</a> klingt nach dunkler Schokolade. Voll und rund, mit zartem Schmelz und dunkler Note. Die Brahms-Edition enth&auml;lt auf 5 CDs s&auml;mtliche Symphonien von Johannes Brahms, zudem die Serenaden und Ouvert&uuml;ren und auch einzelne Chorwerke.Bei Brahms f&uuml;hlte Abbado sich zuhause und das kann man h&ouml;ren. Die menschliche W&auml;rme, die den beliebten Dirigenten auszeichnete, findet man auch in der Musik wieder. Gepaart mit der Brahms eigent&uuml;mlichen Schwere, pr&auml;sentieren das Mahler Chamber Orchestra und die Berliner Philharmoniker einen &auml;u&szlig;erst reizvollen H&ouml;rgenuss f&uuml;r Ohren, Herz und Seele.
<h3>Leichtf&uuml;&szlig;iger Facettenreichtum</h3>
Bei <a href="http://www.klassikakzente.de/wolfgang-amadeus-mozart/home" target="_self">Mozart</a> zeigt sich, was Dirigent und Orchester wirklich k&ouml;nnen, hei&szlig;t es. Das italienische Orchestra Mozart verspr&uuml;ht auf den 8 CDs seiner Mozart Edition durchgehend einen derart leichtf&uuml;&szlig;ig-eleganten Charme, dass es Mozart pers&ouml;nlich sicher ein L&auml;cheln ins Gesicht gezaubert h&auml;tte. Die Mozart-Box vereint neben den gro&szlig;en Symphonien Nr. 29, 33, 35 und 38&ndash;41 auch Aufnahmen von s&auml;mtlichen Konzerten f&uuml;r Violine mit Giuliano Carmignola und die Bl&auml;ser-Konzerte mit Solisten des Orchestra Mozart. Abbados Interpretationen von Mozarts Werken erweisen sich als facettenreiche Klangbilder, in denen der Geist des Komponisten freudig zum Leben erwacht.

Form und Sinnlichkeit – Pierre Boulez vollendet seinen Mahler-Zyklus

Spannendes Aufeinandertreffen zweier Neudenker ihrer Zeit: Erstmalig erscheint mit &ldquo;Boulez conducts Mahler&rdquo; der Gesamtzyklus der Sinfonien und Lieder des Wegbereiters der Moderne, Gustav Mahler, dirigiert von Pierre Boulez, Avantgardist der Neuen Musik.

Pierre Boulez geh&ouml;rt zu den einflussreichsten Musikerpers&ouml;nlichkeiten unserer Zeit. Als musikalischer Avantgardist pr&auml;gte er neben Karlheinz Stockhausen oder Luigi Nono die Neue Musik in Europa, vor allem als Komponist serieller Musik. 1958 begann seine zweite Karriere als Dirigent. Auch Gustav Mahler war Komponist und Dirigent, eine Zeitlang sogar Operndirektor. Als Wegbereiter der Musik der Moderne beeinflusste er Komponisten wie Arnold Sch&ouml;nberg, Alban Berg oder Dmitri Schostakowitsch. Er l&ouml;ste zum Beispiel das traditionelle Symphonie-Schema auf, sprengte die Form &bdquo;durch seinen dramatischen Inhalt&ldquo; (Wolfgang St&auml;hr).
Wie Gustav Mahler stand auch Pierre Boulez auf der Schwelle zu einer neuen Musik, beide lebten in einer musikalischen Umbruchszeit, wollten traditionelle Konventionen aufl&ouml;sen. Vielleicht ist es auch diese Gemeinsamkeit, die beide nun auf der CD &bdquo;Boulez conducts Mahler&ldquo; zusammengef&uuml;hrt hat: Denn wer k&ouml;nnte das musikalische Vokabular eines Avantgardisten des ausgehenden 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts besser verstehen und zum Ausdruck bringen, als ein gleichgesinnter, ebenfalls revolution&auml;r denkender Musiker seit den 1950er Jahren? Den Zugang zur Musik Mahlers erhielt Pierre Boulez nicht etwa &uuml;ber die Sinfonien, sondern &uuml;ber seine Lieder. Das ist sicher auch ein guter Einstieg f&uuml;r diejenigen, die sich zum ersten Mal mit Mahler besch&auml;ftigen, zudem sind die Gesangstexte bis auf &bdquo;Das Lied von der Erde&ldquo; im zugeh&ouml;rigen Booklet zum Nachlesen und Mitsingen abgedruckt. Relativ sp&auml;t, mit 68 Jahren, wagte Pierre Boulez sich an die erste Einspielung von Gustav Mahler. Jetzt, im Alter von 88 Jahren, erscheint bei Deutsche Grammophon erstmalig der Gesamtzyklus der Sinfonien und Lieder &bdquo;Boulez conducts Mahler&ldquo; in einem Set aus 14 CDs, mit den zuletzt aufgenommenen 12 Liedern aus &bdquo;Des Knaben Wunderhorn&ldquo; und dem Adagio aus der 10., unvollendeten Sinfonie Mahlers. Nicht weniger als vier namhafte Orchester haben bei der Gesamteinspielung mitgewirkt: das Chicago Symphony Orchestra, die Wiener Philharmoniker, das Cleveland Orchestra und die Staatskapelle Berlin, sowie viele international renommierte S&auml;nger/innen wie Anne Sofie von Otter, Christine Sch&auml;fer, Magdalena Kozen&aacute;, Thomas Quasthoff, Christian Gerhaher oder Michael Schade. In den Aufnahmen wird Pierre Boulez&acute; pers&ouml;nlicher Stil, sein k&uuml;nstlerisches Einwirken deutlich. Ihm gelingt eine Synthese aus struktureller Klarheit und emotionaler Klangtiefe. Er dirigiert n&uuml;chtern und mathematisch, gleichzeitig aber auch sinnlich, dringt bis zum Wesen der Werke vor und schafft eine symphonische, dramatische Stimmung, wie sie im Sinne Mahlers wohl nicht besser h&auml;tte umgesetzt werden k&ouml;nnen. Um es mit den Worten des Klangmagiers Pierre Boulez selbst zu sagen: &bdquo;Es reicht nicht, nach der Form zu suchen, man muss sie f&uuml;hlen. Nur dann klingt es nat&uuml;rlich. Dabei sollte man sich auf jeden Fall die Spontaneit&auml;t bewahren. Das geht aber nur, wenn man mit der Partitur absolut vertraut ist.&ldquo;

Das ultimative Hörerlebnis - 9 Klassikalben als High Fidelity Pure Audio

Das neue Format High Fidelity Pure Audio nutzt die enorme Kapazit&auml;t einer Blu-ray ausschlie&szlig;lich f&uuml;r Audiodaten. Damit bietet es die ultimative H&ouml;rerfahrung. 9 essenzielle Klassikaufnahmen erscheinen im Oktober erstmals auf HFPA. 2014 sollen weitere folgen.

Im Juni hatte Universal Music ihn bei einer Pr&auml;sentation in London angek&uuml;ndigt. Nun ist der neue physikalische Tontr&auml;ger, der die Herzen von Audiophilen h&ouml;her schlagen l&auml;sst, im deutschen Fachhandel erh&auml;ltlich: die High Fidelity Pure Audio, kurz HFPA. Das Format nutzt die enorme Speicherkapazit&auml; und Bandbreite der Blu-ray ausschlie&szlig;lich f&uuml;r die Wiedergabe von Musik. Mit einer Aufl&ouml;sung von 24bit und einer Abtastfrequenz von 96 bis 192kHz bietet es eine bislang unvorstellbare Klangqualit&auml;t f&uuml;r Stereo- und Surround-Aufnahmen.
So einfach wie eine CD
F&uuml;r umfangreiche Musikwerke wie den &bdquo;Ring des Nibelungen&ldquo; erm&ouml;glicht HFPA mit bis zu 7 Stunden Laufzeit als erster physikalischer Tontr&auml;ger eine unterbrechungsfreie Wiedergabe. Jedes Blu-ray-Abspielger&auml;t und die Playstation 3 k&ouml;nnen High Fidelity Pure Audio wiedergeben. Dabei ist HFPA so einfach bedienbar wie eine herk&ouml;mmliche CD: Alle Funktionen k&ouml;nnen ohne Fernseher &uuml;ber die Fernbedienung des Blu-ray-Players gesteuert werden. Der Nutzer kann wahlweise auch via Bildschirm und Men&uuml; navigieren.
Steigende Qualit&auml;tsanspr&uuml;che
Universal Music reagiert mit der Einf&uuml;hrung des neuen Tontr&auml;gers auf eine Trendwende im H&ouml;rverhalten breiter Nutzergruppen, erkl&auml;rt Olivier Robert-Murphy, Global Head of New Business des Konzerns. Parallel zur wachsenden Zahl von H&ouml;rern, f&uuml;r die Musikkonsum jederzeit und &uuml;berall selbstverst&auml;ndlich ist, steige auch die Zahl derer, die damit einhergehende Kompromisse in Bezug auf die Klangqualit&auml;t nicht l&auml;nger hinnehmen wollen, so Murphy. Das belegen z.B. steigende Verkaufszahlen von Vinyl und ein Marktanteil von 25% f&uuml;r die SACD unter den Tontr&auml;gern in Japan.
Klassikalben auf Blu-ray Audio
Mit High Fidelity Pure Audiosetzt Universal Music nun einen neuen Qualit&auml;tsstandard. Neben 21 Albumklassikern von Queen, Nirvana, Supertramp, Amy Winehouse und anderen erscheinen erstmals auch 9 essenzielle Klassikaufnahmen des Labels als High Fidelity Pure Audio. Weitere HFPA-Klassikalben sind f&uuml;r 2014 angek&uuml;ndigt.
Beethoven: Violinkonzert Op. 61, Violinromanzen Nr. 1 &amp; 2 Anne-Sophie Mutter, New York Philharmonic Orchestra, Kurt Masur 0 00289 479 1063 3
Beethoven: Symphonie Nr. 9 Anna Tomowa-Sintow, Agnes Baltsa, Peter Schreier, Jos&eacute; van Dam, Berliner Philharmoniker Wiener Singverein, Herbert von Karajan 0 00289 479 1083 1
Mahler: Symphonie Nr. 5 Berliner Philharmoniker, Herbert von Karajan 0 00289 479 1053 4
Verdi: Arien aus Rigoletto, La traviata, Un ballo in maschera, Don Carlo u.a. Rolando Villaz&oacute;n, Orchestra del Teatro Regio di Torino, Gianandrea Noseda 0 00289 479 1708 3
Beethoven: Symphonien Nr. 5 &amp; 7 Wiener Philharmoniker, Carlos Kleiber 0 00289 479 1106 7
Dvor&aacute;k / Smetana / Liszt: Symphonie Nr. 9, "Die Moldau", "Les Pr&eacute;ludes" Berliner Philharmoniker, Radio-Symphonie-Orchester Berlin, Ferenc Fricsay 0 00289 479 1082 4
Corigliano / Beethoven / P&auml;rt: Fantasia on an Ostinato, Klaviesonate Nr. 17, Chorfantasie Op. 80, Credo H&eacute;l&egrave;ne Grimaud, Swedish Radio Symphony Orchestra, Esa-Pekka Salonen 0 00289 479 1055 8
"Sempre Libera", Arien von Verdi, Bellini, Donizetti und Puccini Anna Netrebko, Mahler Chamber Orchestra, Claudio Abbado 0 00289 479 0775 6
Jonas Kaufmann: Wagner Orchester der Deutschen Oper Berlin, Donald Runnicles 0 00289 478 5678 8

Sweet Home Chicago - Giulini in America Vol. 2

Urspr&uuml;nglich wollte Carlo Maria Giulini Bratschist werden. Er studierte an der renommierten Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom, schaffte es bald auch in angesehene Orchester und hatte auf diese Weise das Gl&uuml;ck, schon als junger Mann mit Koryph&auml;en wie Otto Klemperer und Bruno Walter zu arbeiten. Diese Jahre lie&szlig;en aber auch den Entschluss reifen, es irgendwann selbst als Dirigent zu versuchen. Giulini dr&uuml;cke noch einmal die Schulbank, studierte bei Bernadino Molinari und machte auch hier eine gute Figur. Als der italienische Rundfunk RAI 1950 ein eigenes Orchester gr&uuml;ndet, wird der Newcomer zu dessen Chef bestimmt. Ein Jahr sp&auml;ter lernt er Arturo Toscanini kennen, schafft den Sprung an die Scala in Mailand und arbeitet bald mit Franco Zeffirelli und Lucchino Visconti zusammen. Schlie&szlig;lich &ouml;ffnete sich die weite Konzert-Welt f&uuml;r ihn, er dirigierte umfangreiche Tourneen und machte1955 auch zum ersten Mal in Chicago Station.

Urspr&uuml;nglich wollte Carlo Maria Giulini Bratschist werden. Er studierte an der renommierten Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rom, schaffte es bald auch in angesehene Orchester und hatte auf diese Weise das Gl&uuml;ck, schon als junger Mann mit Koryph&auml;en wie Otto Klemperer und Bruno Walter zu arbeiten. Diese Jahre lie&szlig;en aber auch den Entschluss reifen, es irgendwann selbst als Dirigent zu versuchen. Giulini dr&uuml;cke noch einmal die Schulbank, studierte bei Bernadino Molinari und machte auch hier eine gute Figur. Als der italienische Rundfunk RAI 1950 ein eigenes Orchester gr&uuml;ndet, wird der Newcomer zu dessen Chef bestimmt. Ein Jahr sp&auml;ter lernt er Arturo Toscanini kennen, schafft den Sprung an die Scala in Mailand und arbeitet bald mit Franco Zeffirelli und Lucchino Visconti zusammen. Schlie&szlig;lich &ouml;ffnete sich die weite Konzert-Welt f&uuml;r ihn, er dirigierte umfangreiche Tourneen und machte 1955 auch zum ersten Mal in Chicago Station. Aus dem Gastspiel wurde eine gro&szlig;e Leidenschaft. In den f&uuml;nf darauf folgenden Spielzeiten kam Carlo Maria Giulini regelm&auml;&szlig;ig wieder, um mit dem Chicago Symphony Orchestra zu spielen. Im Jahr 1969 schlie&szlig;lich wurde eigens f&uuml;r ihn die Stelle des Ersten Gastdirigenten geschaffen, damit er in Erg&auml;nzung zu Maestro und Orchesterchef Sir Georg Solti ausgiebig mit dem Ensemble arbeiten konnte. Es geschahen wunderbare musikalische Momenten, die von dieser besonderen Schwingung getragen wurden, die dann entsteht, wenn ein Dirigent und sein Orchester harmonieren. In der zweiten H&auml;lfte der siebziger Jahre wurden einige dieser Highlights schlie&szlig;lich auch aufgenommen, was durchaus ein kompliziertes Unterfangen sein konnte. Denn Giulini war ein Perfektionist, der schwer mit einem Mitschnitt zufrieden zu stellen war. Die Box &bdquo;Giulini in America&ldquo; - die zweite &uuml;brigens nach der Zusammenstellung mit den Arbeiten, die er gemeinsam mit dem &bdquo;Los Angeles Philharmonic&ldquo; verwirklicht hatte &ndash; zeigt daher einen Dirigenten in H&ouml;chstform. Selten wurde Antonin Dvoraks Sinfonie &bdquo;Aus der neuen Welt&ldquo; eindringlicher gespielt, kaum jemand schaffte es sonst, &auml;hnlich intensiv in die Welt von Franz Schubert oder Gustav Mahler einzutauchen und deren k&uuml;nstlerische Intentionen herauszuarbeiten. F&uuml;r Giulini aber war es die unmittelbare Voraussetzung der Interpretation, sich so eng wie m&ouml;glich an die Vorgaben der Komponisten zu halten, was etwa gerade bei Mahler zu atemberaubend langsamen, bewegenden Tempi f&uuml;hrte. Das ist bis heute gro&szlig;e, faszinierende Kunst und wird auf 5 CDs au&szlig;erdem um Benjamin Brittens &bdquo;Serenade For Tenor, Horn And Strings, op. 31&ldquo; mit Robert Tear und Dale Clevenger als Solisten, au&szlig;erdem noch um Prokofievs &bdquo;1.Symphonie&ldquo; und Mussorgskys &bdquo;Bilder einer Ausstellung&ldquo; in der Orchesterbearbeitung von Ravel erg&auml;nzt. Abgerundet wird die Box schlie&szlig;lich mit einem ausf&uuml;hrlich kommentierenden Booklet, so dass man eigentlich keine CD-Edition, sondern ein Juwel sinfonischen Klangkunst in der Hand h&auml;lt.

Volkes Wille - Die Gustav Mahler People's Edition

An Gustav Mahler scheiden sich die Geister. Weniger an seinen Sinfonien an sich, denn die sind &uuml;ber die Jahrzehnte hinweg nicht nur in das Kernrepertoire der gro&szlig;en Dirigenten und Orchester eingegangen und haben den Komponisten als einen der Vision&auml;re der modernen Klangsprache fest in der Musikgeschichte verankert, sondern gelten inzwischen als Grundlage und Inspirationsquelle einer Vielzahl anderer Disziplinen, von der Filmmusik bis hin zu Remix-Projekten &agrave; la Matthew Herbert. Was vielmehr die Gem&uuml;ter erhitzt, ist die Frage der Interpretation. Denn wie bei kaum einem anderen Komponisten von Weltrang gehen im Fall von Gustav Mahler die Meinungen &uuml;ber die angemessene Deutung seiner musikalischen Vorstellung auseinander, angefangen bei Tempo und Dynamik bis hin zu Feinheiten der Binnengestaltung der orchestralen Klangarchitektur.

An Gustav Mahler scheiden sich die Geister. Weniger an seinen Sinfonien an sich, denn die sind &uuml;ber die Jahrzehnte hinweg nicht nur in das Kernrepertoire der gro&szlig;en Dirigenten und Orchester eingegangen und haben den Komponisten als einen der Vision&auml;re der modernen Klangsprache fest in der Musikgeschichte verankert, sondern gelten inzwischen als Grundlage und Inspirationsquelle einer Vielzahl anderer Disziplinen, von der Filmmusik bis hin zu Remix-Projekten &agrave; la Matthew Herbert. Was vielmehr die Gem&uuml;ter erhitzt, ist die Frage der Interpretation. Denn wie bei kaum einem anderen Komponisten von Weltrang gehen im Fall von Gustav Mahler die Meinungen &uuml;ber die angemessene Deutung seiner musikalischen Vorstellung auseinander, angefangen bei Tempo und Dynamik bis hin zu Feinheiten der Binnengestaltung der orchestralen Klangarchitektur. Aus diesem Grund haben die Spezialisten der Deutschen Grammophon beschlossen, f&uuml;r eine Box-Ausgabe der Mahler'schen Symphonien einmal einen v&ouml;llig anderen Weg zu gehen. Denn f&uuml;r die &bdquo;Gustav Mahler People's Edition&ldquo; wurden nicht nur die Spezialisten der Archive gefragt, sondern auch die Connaisseure unter den H&ouml;rern, die per Internet dazu aufgefordert wurden, ihre ideale Zusammenstellung von Interpretationen mitzuteilen. Das Projekt war ein gro&szlig;er Erfolg. So wurden mehr als 5000 einzelne Bewertungen und Vorschl&auml;ge abgeben und mehr als 400 Kenner machten sich sogar die M&uuml;he, jeweils einen ganzen Ideal-Zyklus zu entwerfen. Die F&uuml;lle der Einsendungen nun haben die Archiv-Spezialisten in m&uuml;hevoller Kleinarbeit ausgewertet. Sie bilden die Basis, auf der die&nbsp; die &bdquo;People's Edition&ldquo; aufgebaut ist. Alle H&ouml;rer, die sich an der Auswahl aktiv beteiligt haben, werden au&szlig;erdem im Booklet erw&auml;hnt. Das ist etwas Besonderes und es rundet das Defilee der gro&szlig;en Namen auf pers&ouml;nliche Weise ab, das die Edition pr&auml;gt. Auf den 13 CDs, die die zehn Sinfonien von Gustav Mahler pr&auml;sentieren, finden sich viele der ber&uuml;hmtesten Maestros der Schallplattengeschichten. Claudio Abbado ist zweimal mit von der Partie, mit den Berliner Philharmonikern und der &bdquo;3.Sinfonie&ldquo; und der &bdquo;7. Sinfonie&ldquo;. Leonard Bernstein widmet sich mit den Kollegen aus Wien der &bdquo;Symphonien Nr. 5 und Nr. 6&ldquo;, Riccardo Chailly mit dem Radiosymphonie-Orchester Berlin der unvollendeten &bdquo;10. Symphonie&ldquo;. Herbert von Karajan leitet die Berliner Philharmoniker durch die &bdquo;4. Symphonie&ldquo;, Carlo Maria Giulini ist mit dem Chicago Symphony Orchestra und der &bdquo;9.Symphonie&ldquo; zu h&ouml;ren. Schlie&szlig;lich bleiben noch Rafael Kubelik (&bdquo;Symphonie Nr.1&ldquo;, mit dem Orchester des Bayerischen Rundfunks), Zubin Mehta (&bdquo;Symphonie N.2&ldquo;, Wiener Philharmoniker) und Sir George Solti (&bdquo;Symphonie Nr.8&ldquo;, Chicago Symphony Orchestra), die die limitierte &bdquo;People's Edition&ldquo; zu einer Grundlagenbox werden lassen, die dem Schaffen von Gustav Mahler in m&ouml;glichst umfassender Weise gerecht wird.

Kein bisschen müde

Den Geburtstag selbst feierte Pierre Boulez bereits am 26. M&auml;rz des Jahres. Aus diesem Anlass waren zwei Werkeditionen neu aufgelegt worden: seine Einspielungen mit B&eacute;la Bart&oacute;k und Igor Stravinsky, die ihn als feinsinnigen Spezialisten f&uuml;r die Zwischent&ouml;ne einer &Auml;ra dokumentierten. Zum einen markieren sie den Aufbruch in die gestalterische Moderne, zum anderen z&auml;hlen sie zu Boulez' eigenen musikalischen Wurzeln. F&uuml;r den Herbst wiederum hatte er sich drei neue Projekte aufgehoben, die im Zusammenhang mit dem Berliner Musikfest vorgestellt werden. Denn auf diese Weise kann sich Pierre Boulez selbst mit zwei Konzerten und als Schwerpunkt der Veranstaltungsreihe pr&auml;sentieren, auf der anderen Seite aber auch all jenen etwas bieten, die nicht in den Genuss der Gastspiele von kommendem Donnerstag an in der Berliner Philharmonie kommen. Auf der einen Seite stehen dabei zwei Werkkomplexe an der Schwelle zur musikalischen Gegenwart: Gustav Mahler und Maurice Ravel. Beide Komponisten haben auf ihre Weise zum postromantischen Klangverst&auml;ndnis beigetragen: der eine durch die Ausweitung der Orchestersprache, der andere durch die Neuorganisation der harmonisch-melodischen Zusammenh&auml;nge der musikalischen Stimmungen und Emotionen. Mahler ist seit langem ein Forschungsschwerpunkt von Pierre Boulez und bereits mit grundlegenden Einspielungen dokumentiert. Mit dem Lied-Zyklus &bdquo;Des Knaben Wunderhorn&ldquo; nach Gedichten von Clemens Brentano und Achim von Arnim sowie dem Adagio aus der unvollendeten Zehnten Symphonie, die im Februar diesen Jahres in Cleveland mit dem renommierten Orchester der Stadt entstanden, setzt der Dirigent diese seine Auseinandersetzung eindrucksvoll fort. Dabei hatte er mit der Mezzo-Sopranistin Magdalena Kožen&aacute; und dem Bariton Christian Gerhaher Solisten an seiner Seite, die die musikalischen Ideen mit faszinierender Intensit&auml;t umsetzen. &bdquo;&rsquo;Des Knaben Wunderhorn&rsquo; besteht aus einzelnen Miniaturen&ldquo;, meint Boulez dazu. &bdquo;Diese spezielle kompositorische Form war typisch f&uuml;r die fr&uuml;hen Romantiker und erinnert an die Lieder von Komponisten wie Schubert und Schumann. Aus dieser Sicht also ist es stark in der Vergangenheit verankert, aber im Hinblick auf den Ausdruck und die musikalische Sprache ist es kaum weniger als ein progressives Werk&ldquo;.

Den Geburtstag selbst feierte Pierre Boulez bereits am 26. M&auml;rz des Jahres. Aus diesem Anlass waren zwei Werkeditionen neu aufgelegt worden: seine Einspielungen mit B&eacute;la Bart&oacute;k und Igor Stravinsky, die ihn als feinsinnigen Spezialisten f&uuml;r die Zwischent&ouml;ne einer &Auml;ra dokumentierten. Zum einen markieren sie den Aufbruch in die gestalterische Moderne, zum anderen z&auml;hlen sie zu Boulez' eigenen musikalischen Wurzeln. F&uuml;r den Herbst wiederum hatte er sich drei neue Projekte aufgehoben, die im Zusammenhang mit dem Berliner Musikfest vorgestellt werden. Denn auf diese Weise kann sich Pierre Boulez selbst mit zwei Konzerten und als Schwerpunkt der Veranstaltungsreihe pr&auml;sentieren, auf der anderen Seite aber auch all jenen etwas bieten, die nicht in den Genuss der Gastspiele von kommendem Donnerstag an in der Berliner Philharmonie kommen. Auf der einen Seite stehen dabei zwei Werkkomplexe an der Schwelle zur musikalischen Gegenwart: Gustav Mahler und Maurice Ravel. Beide Komponisten haben auf ihre Weise zum postromantischen Klangverst&auml;ndnis beigetragen: der eine durch die Ausweitung der Orchestersprache, der andere durch die Neuorganisation der harmonisch-melodischen Zusammenh&auml;nge der musikalischen Stimmungen und Emotionen. Mahler ist seit langem ein Forschungsschwerpunkt von Pierre Boulez und bereits mit grundlegenden Einspielungen dokumentiert. Mit dem Lied-Zyklus &bdquo;Des Knaben Wunderhorn&ldquo; nach Gedichten von Clemens Brentano und Achim von Arnim sowie dem Adagio aus der unvollendeten Zehnten Symphonie, die im Februar diesen Jahres in Cleveland mit dem renommierten Orchester der Stadt entstanden, setzt der Dirigent diese seine Auseinandersetzung eindrucksvoll fort. Dabei hatte er mit der Mezzo-Sopranistin Magdalena Kožen&aacute; und dem Bariton Christian Gerhaher Solisten an seiner Seite, die die musikalischen Ideen mit faszinierender Intensit&auml;t umsetzen. &bdquo;&rsquo;Des Knaben Wunderhorn&rsquo; besteht aus einzelnen Miniaturen&ldquo;, meint Boulez dazu. &bdquo;Diese spezielle kompositorische Form war typisch f&uuml;r die fr&uuml;hen Romantiker und erinnert an die Lieder von Komponisten wie Schubert und Schumann. Aus dieser Sicht also ist es stark in der Vergangenheit verankert, aber im Hinblick auf den Ausdruck und die musikalische Sprache ist es kaum weniger als ein progressives Werk&ldquo;. &Auml;hnliches k&ouml;nnte man auch &uuml;ber die Klavierkonzerte von Maurice Ravel sagen. In einem Konzertgenre, das zu den beliebtesten des 19.Jahrhunderts geh&ouml;rte und in der Nachfolge von Beethoven bereits Meisterst&uuml;cke von Schumann und Grieg bis hin zu Tschaikowsky hervorgebracht hatte, versuchte der franz&ouml;sische Komponist, die Grenzen der Ausdruckskraft zugunsten neuer Farbeindr&uuml;cke und Assoziationsfelder zu &uuml;berschreiten, was ihm durch die Ausweitung der Harmonik, aber auch durch rhythmische Finessen gelang. Die Werke geh&ouml;ren zu den Fundamenten der Klaviermoderne und beinahe jeder Pianist von Rang hat sich bereits daran versucht. F&uuml;r Pierre-Laurent Aimard war es daher eine doppelte Herausforderung, die beiden Klavierkonzerte und als Erg&auml;nzung noch die &bdquo;Mirroirs&ldquo; aufzunehmen. Zu einen galt es, sich in der Reihe der ber&uuml;hmten Vorg&auml;nger zu behaupten, dar&uuml;ber hinaus aber der Kraft von Pierre Boulez zu entsprechen, der das Cleveland Orchestra leitete. Das Experiment ist gelungen und die Spannung des Abends &uuml;bertr&auml;gt sich direkt auf den H&ouml;rer dieser Einspielung. &bdquo;Das Kollektiv kennt keine Gnade&ldquo;, meinte der Tagesspiegel anl&auml;sslich des Konzerts, &bdquo;als Pierre-Laurent Aimard dem Fl&uuml;gel mit seiner ungemein virtuosen Linken Koloraturen entlockt und innige Zwiesprache mit den Holzbl&auml;sern h&auml;lt. Stil und Seele, Brillanz und Sentiment, Bescheidenheit und &Uuml;berschwang: Aimard vereint die Gegens&auml;tze mit perlendem Anschlag&ldquo;. Als drittes Schmuckst&uuml;ck des musikalischen Herbstes f&uuml;gt Pierre Boulez der eigenen Diskographie noch einen Neuzugang hinzu. Denn zum ersten Mal in seiner Laufbahn besch&auml;ftigt er sich auf CD mit dem Oeuvre des polnischen Komponisten Karol Szymanowski, der zu den f&uuml;hrenden neoromantischen Klanggestaltern der Gegenwart geh&ouml;rt. Im vergangenen Jahre widmete Boulez sich gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern dessen dritter Symphonie, &bdquo;Das Lied der Nacht&ldquo;, und dar&uuml;ber hinaus seinem ersten Violinkonzert. Als Solist konnte er den Geiger Christian Tetzlaff gewinnen, der seinen Part so gut spielte, dass die versammelten Wiener Feuilletons den Abend als einen H&ouml;hepunkt der Konzertsaison bezeichneten und ihm selbst bescheinigten, dass er &bdquo;konzentriert, versunken und dennoch beherzt zupackend&ldquo; (Die Presse) die Klangideen von Szymanowski pointiert umzusetzen verstand. Mit diesem Album rundet Pierre Boulez daher die Mahler-Aufnahme im Jubil&auml;umsjahr - die gleichzeitig den Abschlu&szlig; seines Mahler-Zyklus bedeuten - um einen Ausflug in die musikalische Avantgarde des fr&uuml;hen 20. Jahrhunderts ab. Und so jung wie er sich f&uuml;hlt, werden sicher noch viele weitere folgen. Im Rahme des <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;107556&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;musikfest berlin 10 (http://www.berlinerfestspiele.de/de/aktuell/festivals/05_musikfest_berlin/mfb_start.php)&quot;}">musikfest berlin 10</a> finden an folgenden Tagen Schwerpunktkonzerte mit Repertoire von Pierre Boulez statt: 04.09., 07.09., 15.09. - 20.09.2010

Soundtrack der Extreme

Oben, in seinem "Studi", im Komponierh&auml;uschen auf den Almen am Rande des W&ouml;rthersees war es still: H&ouml;chstens das Schreien der spielenden Kinder, vielleicht eine Kuhglocke oder das Rauschen des Windes drangen an Gustav Mahlers Ohren. Hier oben war die Luft befreit vom turbulenten Treiben in den T&auml;lern, von den bellenden Demonstrationen, den rauschenden Rhythmen der Nachtbars, von den ratternden Fabriken, in denen gerade neue Waffen und der B&uuml;stenhalter erfunden wurden. Hier oben, im Klang-Vakuum der Berge, konnte Mahler den Krach seiner Welt neu ordnen. Wenn er wieder hinab stieg in die Welt der Konzerts&auml;le, schockte er sein Publikum, das gerade auf dem Vulkan tanzte, mit Pauken und Trompeten.

Von Axel Br&uuml;ggemann Oben, in seinem "Studi", im Komponierh&auml;uschen auf den Almen am Rande des W&ouml;rthersees war es still: H&ouml;chstens das Schreien der spielenden Kinder, vielleicht eine Kuhglocke oder das Rauschen des Windes drangen an Gustav Mahlers Ohren. Hier oben war die Luft befreit vom turbulenten Treiben in den T&auml;lern, von den bellenden Demonstrationen, den rauschenden Rhythmen der Nachtbars, von den ratternden Fabriken, in denen gerade neue Waffen und der B&uuml;stenhalter erfunden wurden. Hier oben, im Klang-Vakuum der Berge, konnte Mahler den Krach seiner Welt neu ordnen. Wenn er wieder hinab stieg in die Welt der Konzerts&auml;le, schockte er sein Publikum, das gerade auf dem Vulkan tanzte, mit Pauken und Trompeten. Die Musikgeschichte ordnet Gustav Mahler gern als Sp&auml;tromantiker ein, weil er von Weber und Wagner schw&auml;rmte und ihre Klangphilosophie zu Ende dachte. Heute wissen wir, dass Gustav Mahler eigentlich ein postmoderner Komponist war, einer der die Kl&auml;nge der Welt als Selbstbedienungsladen verstanden hat, einer der die Ordnung der klassischen Sinfonie durch Eklektizismus aushebelte, f&uuml;r den musikalische Motive h&ouml;chstens assoziative Erinnerungsfetzen waren, f&uuml;r den die eigentliche Musiksprache nicht im Orchester sondern im Kopf der Zuh&ouml;rer entstand. Gustav Mahler ist das Kind einer verr&uuml;ckten Zeit. Europa stand vor dem Ersten Weltkrieg, und Sigmund Freud versuchte die durchgedrehten Seelen der Menschen auf seiner Couch in Wien zu durchschauen. Soundtrack der Psychoanalyse Mahlers Kompositionen waren die Begleitmusik des Zeitalters der Extreme. In seinen Sinfonien klingen Kuhglocken, es scheppert Jahrmarktsmusik, man h&ouml;rt M&auml;rsche und Walzer. Doch im Gegensatz zu den Kl&auml;ngen auf der Stra&szlig;e h&ouml;rte sich Mahlers Musik, die er in der Stille der Berge komponierte, nicht mehr lustig an &ndash; sie war ein melancholischer, sehnsuchtsvoller Totentanz. Er stellte fallende Seufzer-Sekunden neben jauchzende Natur-Quarten, mixte die Musik zu Schopenhauers Stufenreihe des Seins mit "La Paloma"-Gepl&auml;nkel. Ohne verschn&ouml;rkelte Pufferzone krachte die herrliche Dur-Welt auf unsagbare Moll-Tristesse. Einmal, auf einem Jahrmarkt, jubelte Mahler: "Das ist Polyphonie - hier habe ich sie her!" Seine Partituren sind mit Bekanntem, mit Erinnerungen und Effekten vollgestopft, seine L&auml;ndler bleiben fast stehen, seine M&auml;rsche stampfen w&uuml;tend und f&uuml;r seine wilde Rummelmusik scheint kein Karussell schnell genug zu kreisen. Mahler hat die Ger&auml;usche seines Alltags in neue Kontexte gestellt &ndash; alles wurde zur Erinnerung, alles mit allem verkn&uuml;pft, alles war Assoziation. Ein gigantisches, psychologisches Klangspiel. "Er hat alles vorausgesagt" Die Erkenntnis, dass Gustav Mahler nicht nur Kind seiner Zeit war, sondern in seiner Musik nach der ewig g&uuml;ltigen Seele des modernen Menschen forschte, dass er die dunklen Ecken der Phantasie ausleuchtete und im Fleisch unserer K&ouml;rper stocherte, haben wir zum gro&szlig;en Teil Leonard Bernstein zu verdanken. Wie kein anderer Dirigent vor ihm hat er Mahlers Musik verk&ouml;rpert, sie nicht dirigiert, sondern durchlitten, seine Orchester nicht zum Sch&ouml;nspiel sondern zum Schnauben, Tanzen, Hoffen und Leiden angetrieben. Besonders die zweite, die "Auferstehungssinfonie", hat Bernstein zum gro&szlig;en Welttheater erhoben, mit&nbsp; der er sogar dem ermordeten US-Pr&auml;sidenten John F. Kennedy gedachte. Bernstein hat in Mahler sowohl die Gro&szlig;bildleinwand Hollywoods als auch die komplexen Strukturen der Kammermusik entdeckt &ndash; er hat bewiesen, dass Mahler unser Zeitgenosse ist. "Erst jetzt, nachdem wir nahezu alles durchgemacht haben", sagte Bernstein einmal, "die rauchenden Schlote von Auschwitz, die unsinnigen Bombardements der vietnamesischen Dschungel, die Ermordung Kennedys, den s&uuml;dafrikanischen Rassismus, die arabische Einkreisung Israels, den R&uuml;stungswettlauf - erst jetzt begreifen wir Mahlers Musik, begreifen, dass er alles vorausgesagt hat." Aktuelle Erinnerung Mahlers Musik ist immer da, sie ist selbst zu einer Erinnerung geworden, an jene Zeit, da der Mensch modern geworden ist und seine Psyche zur Kategorie seines Daseins. Visconti hat das Adagio der f&uuml;nften Sinfonie in "Tod in Venedig" zum Leidmotiv erhoben, und selbst "Hannibal Lecter" mordet mit Mahler. Inzwischen sind Mahler-Interpretationen zu einer Art Pulsmesser der Gegenwart geworden. Sir Georg Solti hat ihre Strukturen analysiert, Pierre Boulez ihn als Vater Sch&ouml;nbergs vorgestellt und Simon Rattle hat ihn als Eklektizisten in die Postmoderne gebeamt. Aber auch Bruno Walter, Claudio Abbado und Riccardo Chailly zeigen, dass die Mahler-Renaissance nicht zu stoppen ist. Sie alle suchen ihre eigenen Perspektiven auf unsere chaotische Welt, wenn sie anfangen, Mahlers Klangpanoptikum zu ordnen. Die Interpretation seiner Sinfonien ist der Soundtrack unserer Gesellschaft geworden, an ihnen ist abzulesen, wie die Welt tickt, wie gro&szlig; die Schizophrenie der zivilisierten Gesellschaft zwischen d&uuml;steren Abgr&uuml;nden und schillernden Hoffnungen ist. Der Dirigent Rafael Kubelik sagte einst: "Beethoven bezeichnet man immer als Prometheus, er wollte den Menschen den Himmel bringen. F&uuml;r die Zukunft sehe ich in Mahlers Werken diese Mission." Ein Au&szlig;enseiter als Weltversteher Gustav Mahler war nur einen Meter und sechzig Zentimeter klein. Er war ziemlich h&auml;sslich, hatte eine hohe Stirn und litt an H&auml;morriden. Trotzdem beeindruckte er die Menschen, denen er begegnete. Seine wachen Augen, seine Melancholie, sein verschrobener Humor zog die Menschen in Bann. Mahler war immer eine Minderheit: als B&ouml;hme unter &Ouml;sterreichern, als &Ouml;sterreicher unter Deutschen, als Jude in der ganzen Welt. Und: er war ein gebrochener Mann. Von seinen 11 Geschwistern starben sechst im Kindesalter, auch seine Eltern starben fr&uuml;h und er musste sich um seine Geschwister k&uuml;mmern. Nachdem er R&uuml;ckerts "Kindertotenlieder" komponiert hatte, starb seine Tochter Anna Maria an Scharlach &ndash; Mahler bat um Audienz bei Freud. Vielleicht konnte nur einer wie er diese Musik schreiben, ein Au&szlig;enseiter, der die Welt nicht aus den Augen der Masse, sondern aus dem eigenen, verletzten, &auml;ngstlichen Herzen beobachtet hat. Vom Klang-Vakuum zum Krach Seine Frau Alma Schindler nannte Mahler ihren "Amokl&auml;ufer", weil er mit seinem musikalischen Temperament die ganze Welt auseinander nehmen wollte. Er inspirierte Zemlinsky, Sch&ouml;nberg, Berg und Schostakowitsch und legte die Grundsteine f&uuml;r die Neue Musik. Als Operndirektor f&ouml;rderte er jede musikalische Revolution pers&ouml;nlich, etwa als er sich f&uuml;r Richard Strauss&rsquo; "Salome" einsetzte, die vom spie&szlig;igen Wiener Opernpublikum verboten wurde. Mahler wollte in der Musik &uuml;ber die Zukunft der Menschheit erz&auml;hlen, als das etablierte B&uuml;rgertum noch gar nicht begriffen hatte, dass l&auml;ngst eine neue Zeit eingel&auml;utet war. Bis heute geh&ouml;rt Gustav Mahler wohl zu jenen Komponisten, die ein neues Zeitalter der klassischen Musik eingel&auml;utet haben, die Konventionen der Klassik und der Romantik radikal fortgef&uuml;hrt haben, die dem Zeitalter der Extreme einen neuen Klang geschenkt haben. In seinen Werken tanzt eine verr&uuml;ckt gewordene Welt voller Hoffnungen schnurstracks in die Melancholie. Wo also sind wir, wenn wir heute Mahler h&ouml;ren? Wo liegt seine Komponisten-Klause wirklich? Vielleicht irgendwo auf den Grenzen der Welt und der Zeit, von Traum und Wirklichkeit. Aus seinem Almen-Klangvakuum hat Gustav Mahler Musik geschaffen, die den Rummel unserer Welt bis heute bestimmt.

Forscher unter sich

Gustav Mahlers 10.Sinfonie wurde nie verwirklicht. Es gab Pl&auml;ne der Komponisten, sie f&uuml;nfs&auml;tzig als &bdquo;Dante- oder Infernosinfonie&ldquo; zu konzipieren, letztendlich entstanden aber 1910 nur das &bdquo;Adagio in Fis-Dur&ldquo; und einige Skizzen zu einem Scherzo. Herbe Dissonanzen pr&auml;gen den Klangeindruck, so dass die Mahlerforschung in der Regel davon ausging, darin ein Abwenden des Komponisten kurz vor seinem Tod von den &Auml;rgernissen dieser Welt zu sehen. Uraufgef&uuml;hrt wurde das &bdquo;Adagio&ldquo; erst 1924 unter der Leitung von Franz Schalk, sp&auml;tere Bearbeitungen und Fortsetzungen der 10.Sinfonie zun&auml;chst von Ernst Krenek, aber auch von Deryck Cooke sind in der Musikwissenschaft umstritten, wenn sich auch inzwischen eine deutliche Parteinahme f&uuml;r die sp&auml;tere Vervollst&auml;ndigung beobachten l&auml;sst. Der Schluss, der sich aus solchen Beobachtungen ergibt, ist durchaus k&uuml;hn. Wenn Gustav Mahler sich vor allem auf die Ausweitung des orchestralen Materials konzentriert und die &Uuml;berleitungen vorerst ausgelassen hatte, dann war er tats&auml;chlich auf der Suche nach einer unerh&ouml;rten Tonsprache, die sich in eben diesen, das Wesentliche skizzierenden Fragmenten verdichtete. In diesem Punkt treffen sich die Ideen von Gustav Mahler sehr wohl mit denen von Matthew Herbert. Klang ist etwas Universelles, Existentielles, das nicht nur die M&ouml;glichkeiten einer Partitur umfasst. F&uuml;r den britischen T&uuml;ftler und Soundphilosophen gibt es keine Trennung zwischen Kunst und dem realen Leben, denn in der unmittelbaren Empfindung treffen sich beide Bereiche. Als Sohn eines Tontechnikers der BBC von klein auf mit den M&ouml;glichkeiten der akustischen Ver&auml;nderung vertraut, hatte er seinen ersten Achtungserfolg in den fr&uuml;hen Neunzigern, als er mit einer Chipst&uuml;te Musik machte. Seitdem hat er viel ausprobiert, Aufnahmen wie &bdquo;Plat du Jour&ldquo; zum Beispiel, die nur mit Ger&auml;uschen von Lebensmitteln entstanden. &bdquo;Recomposed&ldquo; ist f&uuml;r ihn daher auch keine Spielerei mit den Sound-Gimmicks moderner Festplatten, sondern eine wirkliche Herausforderung. Hier ein unvollendetes, in seinem Kern ebenso experimentelles wie radikales Orchesterwerk, da ein Bearbeiter, der die Leerstellen der Orchesterskizze auf der Grundlage einer Aufnahme des Philharmonia Orchestras unter der Leitung von Giuseppe Sinopoli mit Ger&auml;uschen unterlegt, Passagen pathosm&auml;chtig &uuml;berh&ouml;ht, andere wieder komprimiert und letztendlich den vision&auml;ren Charakter des Originals eher noch verst&auml;rkt als relativiert.&bdquo;Meine Fassung soll keineswegs nur die Faszination des Todes darstellen, sondern eine &Uuml;bersteigerung der unbequemen Balance, die Mahler zwischen Licht und Dunkel herstellte. Es ist die Lust am Konflikt zwischen der Furcht und der Herrlichkeit&ldquo;, meint Matthew Herbert und baute daf&uuml;r ein Autoradio in einen Sarg ein, lie&szlig; die Zehnte darauf abspielen und nahm das Ergebnis wieder auf. Das Bratschensolo aus der Einleitung lie&szlig; er am Grab des Meisters in Wien neu einspielen. &Uuml;ber die Lautsprecher in einem Krematorium spielte er das Adagio ab und platzierte ein Aufnahmeger&auml;t hinter dem Vorhang. Es ging ihm darum, das Nebeneinander des Banalen und Erhabenen in Mahlers Werk, die st&auml;ndige Reibung von Leben und Tod, Liebe und Verzweiflung, Gr&ouml;&szlig;e und Verg&auml;nglichkeit sozusagen zu seinem Arbeitsmaterial zu machen. Das ist &bdquo;Recomposed&ldquo; im Wortsinne, eine Fortf&uuml;hrung der Ursprungsidee von Mahler Zehn, die in der Folge von Cooke, Krenek &amp; Co. eine weitere, zeitgem&auml;&szlig;e Perspektive weist.

Gustav Mahlers 10.Sinfonie wurde nie verwirklicht. Es gab Pl&auml;ne der Komponisten, sie f&uuml;nfs&auml;tzig als &bdquo;Dante- oder Infernosinfonie&ldquo; zu konzipieren, letztendlich entstanden aber 1910 nur das &bdquo;Adagio in Fis-Dur&ldquo; und einige Skizzen zu einem Scherzo. Herbe Dissonanzen pr&auml;gen den Klangeindruck, so dass die Mahlerforschung in der Regel davon ausging, darin ein Abwenden des Komponisten kurz vor seinem Tod von den &Auml;rgernissen dieser Welt zu sehen. Uraufgef&uuml;hrt wurde das &bdquo;Adagio&ldquo; erst 1924 unter der Leitung von Franz Schalk, sp&auml;tere Bearbeitungen und Fortsetzungen der 10.Sinfonie zun&auml;chst von Ernst Krenek, aber auch von Deryck Cooke sind in der Musikwissenschaft umstritten, wenn sich auch inzwischen eine deutliche Parteinahme f&uuml;r die sp&auml;tere Vervollst&auml;ndigung beobachten l&auml;sst. Der Schluss, der sich aus solchen Beobachtungen ergibt, ist durchaus k&uuml;hn. Wenn Gustav Mahler sich vor allem auf die Ausweitung des orchestralen Materials konzentriert und die &Uuml;berleitungen vorerst ausgelassen hatte, dann war er tats&auml;chlich auf der Suche nach einer unerh&ouml;rten Tonsprache, die sich in eben diesen, das Wesentliche skizzierenden Fragmenten verdichtete.
In diesem Punkt treffen sich die Ideen von Gustav Mahler sehr wohl mit denen von Matthew Herbert. Klang ist etwas Universelles, Existentielles, das nicht nur die M&ouml;glichkeiten einer Partitur umfasst. F&uuml;r den britischen T&uuml;ftler und Soundphilosophen gibt es keine Trennung zwischen Kunst und dem realen Leben, denn in der unmittelbaren Empfindung treffen sich beide Bereiche. Als Sohn eines Tontechnikers der BBC von klein auf mit den M&ouml;glichkeiten der akustischen Ver&auml;nderung vertraut, hatte er seinen ersten Achtungserfolg in den fr&uuml;hen Neunzigern, als er mit einer Chipst&uuml;te Musik machte. Seitdem hat er viel ausprobiert, Aufnahmen wie &bdquo;Plat du Jour&ldquo; zum Beispiel, die nur mit Ger&auml;uschen von Lebensmitteln entstanden.
&bdquo;Recomposed&ldquo; ist f&uuml;r ihn daher auch keine Spielerei mit den Sound-Gimmicks moderner Festplatten, sondern eine wirkliche Herausforderung. Hier ein unvollendetes, in seinem Kern ebenso experimentelles wie radikales Orchesterwerk, da ein Bearbeiter, der die Leerstellen der Orchesterskizze auf der Grundlage einer Aufnahme des Philharmonia Orchestras unter der Leitung von Giuseppe Sinopoli mit Ger&auml;uschen unterlegt, Passagen pathosm&auml;chtig &uuml;berh&ouml;ht, andere wieder komprimiert und letztendlich den vision&auml;ren Charakter des Originals eher noch verst&auml;rkt als relativiert.&bdquo;Meine Fassung soll keineswegs nur die Faszination des Todes darstellen, sondern eine &Uuml;bersteigerung der unbequemen Balance, die Mahler zwischen Licht und Dunkel herstellte. Es ist die Lust am Konflikt zwischen der Furcht und der Herrlichkeit&ldquo;, meint Matthew Herbert und baute daf&uuml;r ein Autoradio in einen Sarg ein, lie&szlig; die Zehnte darauf abspielen und nahm das Ergebnis wieder auf.
Das Bratschensolo aus der Einleitung lie&szlig; er am Grab des Meisters in Wien neu einspielen. &Uuml;ber die Lautsprecher in einem Krematorium spielte er das Adagio ab und platzierte ein Aufnahmeger&auml;t hinter dem Vorhang. Es ging ihm darum, das Nebeneinander des Banalen und Erhabenen in Mahlers Werk, die st&auml;ndige Reibung von Leben und Tod, Liebe und Verzweiflung, Gr&ouml;&szlig;e und Verg&auml;nglichkeit sozusagen zu seinem Arbeitsmaterial zu machen. Das ist &bdquo;Recomposed&ldquo; im Wortsinne, eine Fortf&uuml;hrung der Ursprungsidee von Mahler Zehn, die in der Folge von Cooke, Krenek &amp; Co. eine weitere, zeitgem&auml;&szlig;e Perspektive weist. Weitere Informationen finden Sei auf <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Recomposed&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:1,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.recomposed.de&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">www.recomposed.de.</a> Foto: Mahlers Komponistenh&uuml;tte in Toblach, Italien von Lebrecht Music &amp; Arts

Die tägliche Portion Klassik

Nat&uuml;rlich ist Robert Schumann einer der Schwerpunkte dieses musikalischen Sommers. Schlie&szlig;lich j&auml;hrt sich im Juni 2010 sein Geburtstag zum 200. Mal. Aus diesem Grund haben auch die Repertoire-Spezialisten, die die Reihe Classical Choice betreuen, im Archiv der wesentlichen Interpretationen gesucht und zwei ausgezeichnete Aufnahmen in die enge Wahl gezogen. So pr&auml;sentiert zum einen der Pianist Vladimir Ashkenazy Schumanns vielleicht ber&uuml;hmtestes Werk, die &bdquo;Kinderszenen&ldquo;, zusammen mit den &bdquo;Papillons&ldquo; und den &bdquo;Waldszenen&ldquo;. Und in einem weiteren Kapitel widmet sich der Dirigent Leonard Bernstein nicht nur der vierten Sinfonie von Felix Mendelssohn, sondern stellt auch Schumanns erste Sinfonie gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern ins beste Licht. Der zweite Jubilar des Jahres, Gustav Mahler, wird ebenfalls mit einer eigenen Zusammenstellung bedacht. Denn unter dem Titel &bdquo;Mahler Adagietto&ldquo; wurden H&ouml;hepunkte seiner Orchesterkunst zum 150.Geburtstag des Komponisten auf einer CD versammelt, die unter anderem Maestri wie Boulez, Karajan oder Sinopoli bei der Arbeit dokumentieren. Ein weiterer Schwerpunkt der Reihe Classical Choice sind die kompetent kompilierten Einf&uuml;hrungen in ein spezielles Genre oder die Kunst eines Instruments. &bdquo;O Sole Mio &ndash; Italienische Lieder und Lebensart&ldquo; fasst beispielsweise auf einem Album ber&uuml;hmte Arien wie &bdquo;Mattinata&ldquo;, &ldquo;L&rsquo;ultima Canzone&rdquo;, &ldquo;Fiorin Fiorello&rdquo;, &ldquo;Funiculi-Funicula&rdquo;, &ldquo;La Danza&rdquo; oder &ldquo;La Serenata&rdquo; zusammen und bringt daf&uuml;r Koryph&auml;en wie Jos&eacute; Carreras, Pl&aacute;cido Domingo und Luciano Pavarotti zu Geh&ouml;r. &ldquo;Best Of Guitar&rdquo; macht mit Werken von Alb&eacute;niz bis Villa-Lobos mit der Welt der Saitenkl&auml;nge vertraut und hat Meister ihres Fachs wie Julian Bream, Andr&egrave;s Segovia und Narciso Yepes zu bieten. &ldquo;Best Of Organ&rdquo; kontert mit volumin&ouml;sen Werken von Bach bis Widor und K&uuml;nstlern wie Helmut Walcha oder Ton Koopman an den Tasten. Abgerundet wird die Fr&uuml;hjahrsstaffel von Classical Choice durch zwei weitere Komponisten-Alben und zwei thematische Zusammenstellungen. So widmet sich Kurt Masur gemeinsam mit dem Leipziger Gewandhausorchester ausf&uuml;hrlich den &ldquo;Ungarischen T&auml;nzen&rdquo; von Johannes Brahms und den &ldquo;Slawischen T&auml;nzen&rdquo; von Antonin Dvor&aacute;k. Der Alte-Musik-Connaisseur Nikolaus Harnoncourt wiederum wendet sich gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern und dem Solisten Gidon Kremer drei Violinkonzerten von Wolfgang Amadeus Mozart zu. Schlie&szlig;lich bleiben noch zwei reizvolle Alben, die sich jeweils stimmungsbezogen mit einem Schwerpunkt besch&auml;ftigen. Das &ldquo;Ballett-Festival &ndash; Zauber der tanzenden Kl&auml;nge&rdquo; f&uuml;hrt in die wunderbare Welt der Dornr&ouml;schen und Nussknacker ein, wohingegen die Folge &ldquo;Klassik f&uuml;r die Wanne&rdquo; eine Art Spa f&uuml;r die Ohren bietet, mit Werken von Dvor&aacute;k bis Faur&eacute; und Mozart bis Vivaldi. Viel Auswahl also in diesem Sommer mit Classical Choice.

Nat&uuml;rlich ist Robert Schumann einer der Schwerpunkte dieses musikalischen Sommers. Schlie&szlig;lich j&auml;hrt sich im Juni 2010 sein Geburtstag zum 200. Mal. Aus diesem Grund haben auch die Repertoire-Spezialisten, die die Reihe Classical Choice betreuen, im Archiv der wesentlichen Interpretationen gesucht und zwei ausgezeichnete Aufnahmen in die enge Wahl gezogen. So pr&auml;sentiert zum einen der Pianist Vladimir Ashkenazy Schumanns vielleicht ber&uuml;hmtestes Werk, die &bdquo;Kinderszenen&ldquo;, zusammen mit den &bdquo;Papillons&ldquo; und den &bdquo;Waldszenen&ldquo;. Und in einem weiteren Kapitel widmet sich der Dirigent Leonard Bernstein nicht nur der vierten Sinfonie von Felix Mendelssohn, sondern stellt auch Schumanns erste Sinfonie gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern ins beste Licht. Der zweite Jubilar des Jahres, Gustav Mahler, wird ebenfalls mit einer eigenen Zusammenstellung bedacht. Denn unter dem Titel &bdquo;Mahler Adagietto&ldquo; wurden H&ouml;hepunkte seiner Orchesterkunst zum 150.Geburtstag des Komponisten auf einer CD versammelt, die unter anderem Maestri wie Boulez, Karajan oder Sinopoli bei der Arbeit dokumentieren.
Ein weiterer Schwerpunkt der Reihe Classical Choice sind die kompetent kompilierten Einf&uuml;hrungen in ein spezielles Genre oder die Kunst eines Instruments. &bdquo;O Sole Mio &ndash; Italienische Lieder und Lebensart&ldquo; fasst beispielsweise auf einem Album ber&uuml;hmte Arien wie &bdquo;Mattinata&ldquo;, &ldquo;L&rsquo;ultima Canzone&rdquo;, &ldquo;Fiorin Fiorello&rdquo;, &ldquo;Funiculi-Funicula&rdquo;, &ldquo;La Danza&rdquo; oder &ldquo;La Serenata&rdquo; zusammen und bringt daf&uuml;r Koryph&auml;en wie Jos&eacute; Carreras, Pl&aacute;cido Domingo und Luciano Pavarotti zu Geh&ouml;r. &ldquo;Best Of Guitar&rdquo; macht mit Werken von Alb&eacute;niz bis Villa-Lobos mit der Welt der Saitenkl&auml;nge vertraut und hat Meister ihres Fachs wie Julian Bream, Andr&egrave;s Segovia und Narciso Yepes zu bieten. &ldquo;Best Of Organ&rdquo; kontert mit volumin&ouml;sen Werken von Bach bis Widor und K&uuml;nstlern wie Helmut Walcha oder Ton Koopman an den Tasten.
Abgerundet wird die Fr&uuml;hjahrsstaffel von Classical Choice durch zwei weitere Komponisten-Alben und zwei thematische Zusammenstellungen. So widmet sich Kurt Masur gemeinsam mit dem Leipziger Gewandhausorchester ausf&uuml;hrlich den &ldquo;Ungarischen T&auml;nzen&rdquo; von Johannes Brahms und den &ldquo;Slawischen T&auml;nzen&rdquo; von Antonin Dvor&aacute;k. Der Alte-Musik-Connaisseur Nikolaus Harnoncourt wiederum wendet sich gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern und dem Solisten Gidon Kremer drei Violinkonzerten von Wolfgang Amadeus Mozart zu. Schlie&szlig;lich bleiben noch zwei reizvolle Alben, die sich jeweils stimmungsbezogen mit einem Schwerpunkt besch&auml;ftigen. Das &ldquo;Ballett-Festival &ndash; Zauber der tanzenden Kl&auml;nge&rdquo; f&uuml;hrt in die wunderbare Welt der Dornr&ouml;schen und Nussknacker ein, wohingegen die Folge &ldquo;Klassik f&uuml;r die Wanne&rdquo; eine Art Spa f&uuml;r die Ohren bietet, mit Werken von Dvor&aacute;k bis Faur&eacute; und Mozart bis Vivaldi. Viel Auswahl also in diesem Sommer mit Classical Choice.&nbsp;

Die „Gustav Mahler Complete Edition"

Aufnahmen mit Werken von Gustav Mahler k&ouml;nnen ein ganzes Regal f&uuml;llen. Die &bdquo;Gustav Mahler Complete Edition&ldquo; l&ouml;st das Platzproblem mit allen Besteinspielungen in einer Box.

Im Juli j&auml;hrt sich der Geburtstag von Gustav Mahler zum 150.Mal. Ein guter Grund f&uuml;r die Deutsche Grammophon einmal Res&uuml;mee zu ziehen und die wegweisenden Aufnahmen, die w&auml;hrend der vergangenen Jahrzehnte unter ihrem Dach und dem der Schwesterfirma Decca entstanden sind, in einer edel edierten Box zusammenzufassen. Immerhin 18 CDs f&uuml;llt das Schaffen des produktiven und vision&auml;ren Komponisten, allen voran die 10 Sinfonien, dar&uuml;ber hinaus aber auch Sammlungen mit Vokalmusik von den &bdquo;Kindertotenliedern&ldquo; bis hin zu dem Zyklus &bdquo;Des Knaben Wunderhorn&ldquo;. Dabei k&ouml;nnen die Spezialisten der Archive auf eine beeindruckende Phalanx der Interpreten zur&uuml;ckgreifen, die im Laufe der Jahre ihre Arbeit f&uuml;r die Deutsche Grammophon und die Decca festgehalten haben. Das Spektrum reicht von Leonard Bernstein bis Pierre Boulez, von Emphatikern bis hin zu Analytikern, die jeder f&uuml;r sich ihren jeweils singul&auml;ren Zugang zu Mahlers Schaffen pr&auml;sentieren.
Bernard Haitink zum Beispiel verwirklichte zusammen mit den Concertgebouw Orchester mehrere&nbsp; Mahler-Einspielungen. Chance und Herausforderung zugleich, entstand ein Reihe herausragender Aufnahmen, die die sensiblen F&uuml;hrungsqualit&auml;ten des Dirigenten ebenso dokumentierte wie die ungew&ouml;hnliche Pr&auml;senz des Weltklasse-Orchesters. Haitink pr&auml;sentierte sich als ein ebenso umsichtiger wie sensibler Interpret, der es verstand, zum einen die umfassenden Kommentare des Komponisten in die Interpretationen einflie&szlig;en zu lassen, dar&uuml;ber hinaus aber jede Form von Schw&uuml;le und Mystizismus vermied. Dementsprechend begeistert war die Resonanz von Presse und Publikum, die diesen umsichtigen Umgang mit den Werke zu sch&auml;tzen wusste. Auf der &bdquo;Mahler Complete Edition&ldquo; ist er mit der &bdquo;3.Sinfonie&ldquo; vertreten, von der der Komponist selbst sagte, er wolle &bdquo;mit allen Mitteln der vorhandenen Technik eine Welt aufzubauen.&ldquo;
Auch <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;39763&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Pierre Boulez KlassikAkzente (http://www.klassikakzente.de/pierreboulez)&quot;}">Pierre Boulez</a>, der vor wenigen Wochen seinen 85.Geburtstag feierte, hat sich Zeit seines Lebens mit Gustav Mahlers Klangwelt besch&auml;ftigt. Als Klangfarbenspezialist der Gegenwart mit umfangreicher Experimentalerfahrung n&auml;hert er sich den opulenten Werken, die erst die Grundlage f&uuml;r das heutige H&ouml;r- und Interpretationsverst&auml;ndnis sinfonischer Musik schuf. Boulez spielt die &bdquo;4. Sinfonie&ldquo; (mit Juliane Banse als Solistin) und au&szlig;erdem die &bdquo;Totenfeier&ldquo; als Beitrag zur Komponisten Box. Ber&uuml;hmt wurde au&szlig;erdem Claudio Abbados Besch&auml;ftigung mit Mahler, die ihn besonders an der Spitze der Berliner Philharmoniker zu H&ouml;chstleistungen inspirierte und der in diesem Fall neben der &bdquo;6. Sinfonie&ldquo; auch den Zyklus &bdquo;Des Knaben Wunderhorn&ldquo; mit <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21507&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Anne Sofie von Otter bei KlassikAkzente (http://www.klassikakzente.de/annesofievonotter)&quot;}">Anne Sofie von Otter</a> und <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;headline&quot;:&quot;Thomas Quasthoff auf KlassikAkzente&quot;,&quot;flag_headline_inherit&quot;:0,&quot;sub_headline&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_sub_headline_inherit&quot;:1,&quot;alt_text&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_alt_text_inherit&quot;:1,&quot;description&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_description_inherit&quot;:1,&quot;asset&quot;:{&quot;target_record_id&quot;:0,&quot;target_record_class_id&quot;:&quot;18&quot;,&quot;list_view&quot;:&quot; &quot;},&quot;flag_asset_inherit&quot;:1,&quot;url&quot;:&quot;http://www.klassikakzente.de/thomasquasthoff&quot;,&quot;flag_url_inherit&quot;:0,&quot;page&quot;:&quot;&quot;,&quot;flag_page_inherit&quot;:0,&quot;link_options&quot;:{&quot;target&quot;:&quot;_blank&quot;,&quot;width&quot;:&quot;&quot;,&quot;height&quot;:&quot;&quot;,&quot;title&quot;:&quot;&quot;,&quot;opacity&quot;:0,&quot;location&quot;:false,&quot;status&quot;:false,&quot;toolbar&quot;:false,&quot;menu&quot;:false,&quot;directories&quot;:false,&quot;scrollbars&quot;:false,&quot;resizable&quot;:false,&quot;position&quot;:&quot;&quot;},&quot;flag_link_options_inherit&quot;:0}">Thomas Quasthoff</a> pr&auml;sentiert. Dazu kommen Interpretationen von <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21526&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Herbert von Karajan bei KlassikAkzente (http://www.klassikakzente.de/herbertvonkarajan)&quot;}">Herbert von Karajan</a> und Zubin Mehta, Rafael Kubelik und Giuseppe Sinpoli, <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;9436&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Sir Georg Solti (http://www.georgsolti.com)&quot;}">Sir George Solti</a> und <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;21251&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Riccardo Chailly bei KlassikAkzente (http://www.klassikakzente.de/riccardochailly)&quot;}">Riccardo Chailly</a>, Seiji Ozawa und Carlo Maria Giulini, die alle zusammen aus der &bdquo;Gustav Mahler Complete Edition&ldquo; eine faszinierende Grundlagenbox werden lassen. Mehr Informationen zu <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;55701&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Gustav Mahler Komponistenseite auf KlassikAkzente (http://www.klassikakzente.de/gustavmahler/)&quot;}">Gustav Mahler auf KlassikAkzente</a> Besuchen Sie auch die Website vom einzigartigen Mahler-Projekt: <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;55702&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Recomposed offizielle Website (http://www.recomposed.de/)&quot;}">Recomposed by Matthew Herbert Mahler Symphony X</a>.

Meilensteine in Serie

Die Reihe &bdquo;Originals&ldquo; steht f&uuml;r Meilensteine der Aufnahmegeschichte, die neu ediert und sorgf&auml;ltig remastered wieder aufgelegt werden. Es ist eine M&ouml;glichkeit, Koryph&auml;en der vergangenen Jahrzehnte neu zu entdecken, aber auch die Stars der Gegenwart anhand wegweisender Einspielungen auf ihrem Weg an die Spitze der Klassikwelt retrospektiv begleiten zu k&ouml;nnen. Kein Wunder, dass diese Serie inzwischen zu den beliebtesten Reihen des Katalogs der Deutschen Grammophon und ihrer Schwesterfirmen z&auml;hlt. Und auch in der aktuellen Runde gibt es wieder zwei Handvoll grandiose Aufnahmen, die im originalen, den klangtechnischen Errungenschaften der Gegenwart angepassten Gewand Freunde gro&szlig;er musikalischer Momente begeistern werden. Allen voran die Aufnahmen des jungen Ivo Pogorelich aus den fr&uuml;hen Achtzigern, Leonard Bernsteins &bdquo;Mahler 9&ldquo; mit den Berliner Philharmonikern von 1979 und die wunderbaren &bdquo;Liebeslieder-Walzer&ldquo; von Johannes Brahms unter Mitwirkung unter anderem von Dietrich Fischer-Dieskau. Spektakul&auml;r war, als Martha Argerich 1980 die Jury des Chopin-Wettbewerbs unter Protest verlie&szlig;, weil ihre Kollegen Ivo Pogorelich ausgeschlossen hatten. Der gerade 22j&auml;hrige junge Serbe sei ein Genie, gab sie zu Protokoll, und sorgt damit f&uuml;r reichlich Wirbel in der Klassikwelt. Ein Jahr sp&auml;ter bekam Pogorelich dann von der Deutschen Grammophon die M&ouml;glichkeit, sein Talent auch mit einer Aufnahme unter Beweis zu stellen. Sein Recital mit der sp&auml;ten op.111 Sonate von Beethoven, Schumanns &bdquo;Symphonischen Et&uuml;den op.13&ldquo;, dessen &bdquo;C-Dur-Toccata&ldquo; und ein paar St&uuml;cken von Fr&eacute;d&eacute;ric Chopin wurde nat&uuml;rlich sehr unterschiedlich wahrgenommen, wobei niemand dem neuen Star der Klavierszene sein K&ouml;nnen absprach, sondern manch einer sich lediglich an der Leichtigkeit st&ouml;rte, mit der Pogorelich einige Details uminterpretierte. Allein die Passage, wenn das r&auml;tselhafte Sp&auml;twerk Beethovens im zweiten Satz ins Ragtimehafte kippt, um dann wieder faszinierend zart in das Finale zu leiten, ist ein gro&szlig;er Wurf, wie &uuml;berhaupt die ganze Aufnahme von einer Mischung aus Wucht&nbsp; und Leidenschaft, Individualit&auml;t und Ungest&uuml;m gepr&auml;gt ist, die auch nach beinahe drei Jahrzehnten vollkommen aus dem Rahmen f&auml;llt. Ein Kapitel der &bdquo;Originals&ldquo;, das Schallplattengeschichte geschrieben hat. Ebenso wie Leonard Bernsteins Aufnahme von Gustav Mahlers &bdquo;9.Symphonie&ldquo; mit den Berliner Philharmonikern. Sie entstand im Oktober 1979 und war das einzige Mal &uuml;berhaupt, bei dem der amerikanische Pultstar mit dem Weltklasseorchester zusammenarbeitete. Unmittelbarer Anlass war ein Benefizkonzert, das f&uuml;r Amnesty International organisiert worden war. Leonard Bernstein schaffte es, dem auf Karajan geeichten Orchester einen v&ouml;llig anderen Klang zu entlocken, der nicht nur die Menschen im Saal, sondern auch die Kollegen von der Presse begeisterte. &bdquo;Eines der aufregendsten Konzertereignisse im Nachkriegsdeutschalnd&ldquo;, urteilte damals der Rezensent der Fachzeitschrift Stereoplay und erg&auml;nzte: &bdquo;Bernstein selbst hat die Intensit&auml;t dieser Auff&uuml;hrung mit dem Amsterdamer Concertgebouw nicht wieder erreicht&ldquo;. Keine Frage, dass auch diese Live-Aufnahme ein Schmuckst&uuml;ck der aktuellen &bdquo;Originals&ldquo;-Edition darstellt. Ebenso wie die &bdquo;Liebeslieder-Walzer&ldquo;, die 1981 mit dem Vokal-Starquartett aus Edith Mathis, Brigitte Fassbaender, Peter Schreier und Dietrich Fischer-Dieskau entstanden, die bei diesen Couplets und Albumbl&auml;ttern abwechselnd von Karl Engel und Wolfgang Sawallisch am Klavier begleitet wurden. &bdquo;Von nun an sollte gerade diese Einspielung k&uuml;nstlerische Ma&szlig;st&auml;be setzen&ldquo;, meinte der Rezensent des FonoForums und brachte damit die Meinung auch vieler seiner Kollegen auf den Punkt. Neben diesen drei legend&auml;ren Einspielungen finden sich noch sieben weitere auf der aktuellen Liste herausragender Aufnahmen, die mit &bdquo;Originals&ldquo; wieder in die L&auml;den gebracht werden. Valery Gergiev zum Beispiel widmet sich mit einem Programm names &bdquo;White Nigths&ldquo; dem russische Komponisten-Dreigestirn Tschikowsky, Borodin und Glinka. Der jazzerfahrene Andr&eacute; Previn spielt Gershwins &bdquo;Rhapsody In Blue&ldquo; und dessen Klavierkonzert. Rafael Kubelik wendet sich auf 2CDs zusammen mit den Berliner Philharmonikern den vier Symphonien von Robert Schumann zu, Sir John Eliot Gardiner wiederum dirigiert &bdquo;Ein deutsches Requiem&ldquo; von Johannes Brahms. Ein besonderes Highlight f&uuml;r die Fans der historischen Auff&uuml;hrungspraxis ist das Programm &bdquo;Le Parnasse Fran&ccedil;ais&ldquo;, das die Musica Aniqua K&ouml;ln unter Reinhard Goebel mit franz&ouml;sischem Barock unter anderem von Couperin, Leclair, Rebel und Marais zusammen f&uuml;hrt. Schlie&szlig;lich gl&auml;nzt noch Jessye Norman in Purcells &bdquo;Dido and Aeneas&ldquo; und der pianistische Gro&szlig;meister Claudio Arrau spielt die Hits aus dem Beethoven-Sonatenfundus, die &bdquo;Path&eacute;tique&ldquo;, die &bdquo;Mondscheinsonate&ldquo; und die &bdquo;Appasionata&ldquo;. Jede dieser CDs ist f&uuml;r sich genommen bereits ein Juwel der Klangkunst. Alle zusammen tragen sie dazu bei, dass das Renommee der &bdquo;Originals&ldquo;-Reihe sorgf&auml;ltig und hochqualitativ gepflegt wird.

Schumann durch Mahler mal Chailly

Robert Schumann kennt man als genialischen Komponisten von Klaviermusik und Liederprogrammen, weniger jedoch als Sinfoniker. Das mag daran liegen, dass er selbst an sich zweifelte und sich trotz des Erfolges etwa der "Frühlingssinfonie Nr.1" von weniger euphorischen Würdigungen wie bei der Premiere seiner "d-moll Sinfonie" im Dezember 1841 aus dem Konzept bringen ließ. Vielleicht hängt es auch mit dem Schatten Beethovens zusammen, in dem sich Schumann zeit seines Lebens sah. Bereits Gustav Mahler aber erkannte die ungeheure Faszination der Orchestersprache seines romantischen Kollegen und bearbeitete daher dessen Sinfonien für die Aufführung. Und Riccardo Chailly hat es sich als Leiter des Gewandhausorchesters zum Ziel gesetzt, diese fruchtbare posthume Partnerschaft mit seinem Spitzenensemble zu dokumentieren. Im vergangenen Frühjahr erschienen zunächst seine Interpretationen der Sinfonien zwei und vier, nun komplettiert er den Zyklus um die anderen beiden Werke eins und drei zu einer fulminanten Gesamtaufnahme.

Robert Schumann kennt man als genialischen Komponisten von Klaviermusik und Liederprogrammen, weniger jedoch als Sinfoniker. Das mag daran liegen, dass er selbst an sich zweifelte und sich trotz des Erfolges etwa der "Fr&uuml;hlingssinfonie Nr.1" von weniger euphorischen W&uuml;rdigungen wie bei der Premiere seiner "d-moll Sinfonie" im Dezember 1841 aus dem Konzept bringen lie&szlig;. Vielleicht h&auml;ngt es auch mit dem Schatten Beethovens zusammen, in dem sich Schumann zeit seines Lebens sah. Bereits Gustav Mahler aber erkannte die ungeheure Faszination der Orchestersprache seines romantischen Kollegen und bearbeitete daher dessen Sinfonien f&uuml;r die Auff&uuml;hrung. Und Riccardo Chailly hat es sich als Leiter des Gewandhausorchesters zum Ziel gesetzt, diese fruchtbare posthume Partnerschaft mit seinem Spitzenensemble zu dokumentieren. Im vergangenen Fr&uuml;hjahr erschienen zun&auml;chst seine Interpretationen der Sinfonien zwei und vier, nun komplettiert er den Zyklus um die anderen beiden Werke eins und drei zu einer fulminanten Gesamtaufnahme.
Gustav Mahler ging behutsam vor. Schlie&szlig;lich wollte er niemanden korrigieren oder gar kompromittieren, sondern schlicht eine gro&szlig;artige Musik in ihrer Ausdruckspalette optimieren. Als er 1898 zum Leiter der Philharmonischen Konzerte der Wiener Philharmoniker ernannt wurde, machte er sich daher zun&auml;chst an die Bearbeitung von Robert Schumanns erster Sinfonie, die er zusammen mit einem redigierten Beethoven-Streichquartett und der "1812-Ouvert&uuml;re" von Tschaikowsky im Januar 1899 auff&uuml;hrte. Um die &uuml;brigen sinfonischen Werke k&uuml;mmerte er sich rund ein Jahrzehnt sp&auml;ter, als er schlie&szlig;lich in New York angekommen war. Wichtig war ihm, dem Original soweit als m&ouml;glich zu folgen, es allerdings in Fragen der Dynamikgliederung, des Tempos und der Klangtransparenz zu verbessern. Da Schumann kein besonders begabter Orchestrator gewesen war, war dieses Unterfangen trotz gro&szlig;artiger Vorlagen ein gutes St&uuml;ck Arbeit. Im Falle der 2. Sinfonie nahm Mahler immerhin 355 Revisionen vor, in der 4. Sinfonie sogar 466. Dabei handelte es sich in der Regel um Ver&auml;nderungen der Instrumentierung, um Neudeutungen der Lautst&auml;rke-Kontraste, manchmal auch um Farb&auml;nderungen, indem er etwa die Streicher eine Passage pizzicato anstatt arco anstimmen lie&szlig;. Alle Retuschen sind daran orientiert, einzelne Sachverhalte klarer hervor zu heben und so stellen die Bearbeitungen eine deutliche Verbesserung der Orchesterklangs dar, auch wenn sie nicht allzu oft als solche von den Dirigenten angenommen werden. Jedenfalls widerstand Mahler zumeist dem Drang nach Modernisierung, korrigierte nur selten Formales und auch dann vor allem, um die Durchh&ouml;rbarkeit der Werke zu steigern. Im Fall der ersten Sinfonie waren es aber trotzdem 830 Revisionen kleiner Passagen und Akzente, im Speziellen der Bl&auml;ser, bei der "Rheinischen" noch 465, wobei sich Schumann in diesem Fall durch den Einsatz der damals neuen Ventilh&ouml;rner als im Vergleich zu den anderen Werken in der Gesamtklanggestaltung versierter heraus stellte. &Auml;nderungen gab es daher im Fall der Trompetenstimmen und bei der Gliederung der Lautst&auml;rke, die Mahler dramatischer als zuvor anlegte. Aus heutiger Perspektive sind solche Eingriffe allerdings schwerwiegende &Auml;nderungen. Ideen von Authentizit&auml;t und Originalit&auml;t stehen da in der Regel einem Verst&auml;ndnis der Sinfonien im Mahlerschen Sinne entgegen, und so geh&ouml;rt es zu den wichtigen Aufgaben Riccardo Chaillys, mit diesen Orchesterfassungen ein historisch ungen&uuml;gendes Bild zu revidieren. Denn seiner Meinung nach existieren die revidierten Versionen durchaus als eigenst&auml;ndige Klangkunstwerke im Raum, die es Wert sind, mit dem Ernst des zeitgen&ouml;ssischen Spezialisten erarbeitet zu werden. Auf diese Weise treffen aus der Doppel-CD der Schumann-Sinfonien drei starke Charaktere aufeinander: Der Komponist als Urheber, der Bearbeiter als Verfeinerer und der Interpret als Moderator. Alles zusammen ergibt mit einem hervorragend harmonierenden Gewandhausorchester eine Einspielung, die die Besch&auml;ftigung lohnt.

Seitenwege ins Neuland

Natürlich ist es auch ein Luxus. Als Gidon Kremer im Jahr 1997 die Kremerata gründete, war es zum einen ein besonderes Geschenk an sich selbst, das er sich zum 50.Geburtstag leistete. Ein Jahrzehnt später jedoch zeigt sich bereits deutlich, dass er damit darüber hinaus ein wichtiges Instrument der aktuellen musikalischen Landschaft geschaffen hat. Denn die Kremerata ist nicht nur ein herausragendes Ensemble, dass sich aus den besten jungen Musikern der baltischen Heimat des Geigers zusammensetzt, sondern darüber hinaus ein aus der besonderen, kontinuierlichen Arbeit mit ihrem Leiter resultierenden Präzision organisch agierendes Kammerorchester, das auf der Suche nach Herausforderungen neue Klanggebiete betritt. In diesem&nbsp; Herbst nun werden Gidon Kremer und die Kremerata ausführlich auf Konzertreise gehen. Und als Eröffnung der Saison präsentieren sie ein Programm mit zwei ungewöhnlichen sinfonischen Werken: Das eigens für das Streicherensemble umgearbeiteten Adagio aus Gustav Mahlers 10. Sinfonie und die 14. Sinfonie von Dmitri Schostakowitsch.

Natürlich ist es auch ein Luxus. Als Gidon Kremer im Jahr 1997 die Kremerata gründete, war es zum einen ein besonderes Geschenk an sich selbst, das er sich zum 50.Geburtstag leistete. Ein Jahrzehnt später jedoch zeigt sich bereits deutlich, dass er damit darüber hinaus ein wichtiges Instrument der aktuellen musikalischen Landschaft geschaffen hat. Denn die Kremerata ist nicht nur ein herausragendes Ensemble, dass sich aus den besten jungen Musikern der baltischen Heimat des Geigers zusammensetzt, sondern darüber hinaus ein aus der besonderen, kontinuierlichen Arbeit mit ihrem Leiter resultierenden Präzision organisch agierendes Kammerorchester, das auf der Suche nach Herausforderungen neue Klanggebiete betritt. In diesem&nbsp; Herbst nun werden Gidon Kremer und die Kremerata ausführlich auf Konzertreise gehen. Und als Eröffnung der Saison präsentieren sie ein Programm mit zwei ungewöhnlichen sinfonischen Werken: Das eigens für das Streicherensemble umgearbeiteten Adagio aus Gustav Mahlers 10. Sinfonie und die 14. Sinfonie von Dmitri Schostakowitsch.Beides sind Werke, die an der Schwelle stehen. Gustav Mahlers 10. Sinfonie wurde nie verwirklicht. Es gab Pläne der Komponisten, sie fünfsätzig als "Dante- oder Infernosinfonie" zu konzipieren, letztendlich entstanden aber 1910 nur das "Adagio in Fis-Dur" und einige Skizzen zu einem Scherzo. Durch die ausgeprägte Chromatik ist eine eindeutige tonale Einordnung des Adagios nur schwer möglich, herbe Dissonanzen prägen das Bild, so dass die Mahlerforschung in der Regel davon ausging, darin ein Abwenden des Komponisten kurz vor seinem Tod von den Ärgernissen dieser Welt zu sehen. Uraufgeführt wurde das "Adagio" erst 1924 unter der Leitung von Franz Schalk, spätere Bearbeitungen und Fortsetzungen der 10. Sinfonie zunächst von Ernst Krenek, aber auch von Deryck Cooke sind in der Musikwissenschaft umstritten. Gidon Kremer hat sich nun mit einer neuen Bearbeitung ausschließlich für das Streichorchester an eine weitergehende Interpretation gewagt, die mehr als hundert Jahre nach Fertigstellung des Originals dem Klanggefüge eine ungewohnte, in ihrer Transparenz für viele überraschende Ordnung gibt. Dabei erweist sich die Kombination der Bearbeitung mit der Kompetenz der Kremerata als symbiotisch, denn die Energie, die das Orchester selbst in den dissonanten und schwierigen Passagen des Werkes an den Tag legt, unterstreicht deutlich die Pionierleistung Gustav Mahlers, der mit der tonalen Konzeption des "Adagios" bereits weit in der Orchestermusik der 20. Jahrhunderts vorgriff.   Beinahe vom Totenbett aus schrieb Dimitri Schostakowitsch seine 14. Sinfonie op.135. Zumindest musste es ihm so erscheinen, denn während ihrer Entstehung anno 1969 war er bereits wegen seines schlechten Gesundheitszustandes in ein Sanatorium eingeliefert worden. Zwar erholte er sich dann doch wieder und starb erst 1975 in Moskau, die 14. Sinfonie setzte sich trotzdem ausführlich und intensiv mit dem Thema der Vergänglichkeit auseinander. Schostakowitsch integrierte insgesamt 11 Gedichte von Federico Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke und Wilhelm Küchelbecker in sein Werk, die er in vier Gruppen zusammenfasste und die sich thematisch mit Menschen beschäftigen, die aus dem Leben scheiden müssen. Die Musik verstand er nicht als illustrativ, sondern versuchte sie sich autonom zum Text gleichzeitig zu dem Thema entwickeln zu lassen. Da ursprünglich vom Komponisten unterschiedlichste Perkussioninstrumente vorgesehen waren, wurde die Instrumentierung der Kremerata auf die Bedürfnisse des Werks zugeschnitten modifiziert und auch in diesem Fall erweist sich die Interpretation in ihrer Energie und Präsenz als wegweisend. Als Gesangssolisten wurden außerdem die jungen russischen Sänger Yulia Korpacheva und Fedor Kuznetsov eingeladen, Gidon Kremer und sein Orchester bei der Umsetzung zu ergänzen, und so entstand eine bewegende Aufnahme eines Werkes, das zu Schostakowitchs persönlichsten musikalischen Stellungnahmen überhaupt zählt.

Bernard Haitink - Mahler: Feines und Großes

Noch immer sind die Sinfonien Gustav Mahlers ein Prüfstein für gestalterische Kompetenz. Denn sie fordern nicht nur eine profunde Kenntnis von Zeit, Person und Werk des Komponisten, sondern auch eine deutliche Stellungnahme des Dirigenten zum Farb- und Facettenreichtum der orchestralen Dichtungen. Für Bernhard Haitink war es daher eine gute Gelegenheit, als er Anfang der Neunziger in der Umbruchsphase von Karajan zu Abbado die Möglichkeit hatte, sich mit den Berliner Philharmonikern Mahlers Sinfonien zu widmen. Es entstanden hochgelobte Aufnahmen, die nun auch auf DVD und in betörendem Surround-Sound erhältlich sind.

Noch immer sind die Sinfonien Gustav Mahlers ein Prüfstein für gestalterische Kompetenz. Denn sie fordern nicht nur eine profunde Kenntnis von Zeit, Person und Werk des Komponisten, sondern auch eine deutliche Stellungnahme des Dirigenten zum Farb- und Facettenreichtum der orchestralen Dichtungen. Für Bernhard Haitink war es daher eine gute Gelegenheit, als er Anfang der Neunziger in der Umbruchsphase von Karajan zu Abbado die Möglichkeit hatte, sich mit den Berliner Philharmonikern Mahlers Sinfonien zu widmen. Es entstanden hochgelobte Aufnahmen, die nun auch auf DVD und in betörendem Surround-Sound erhältlich sind.Bernard Haitink hat sein Handwerk von der Pieke auf gelernt. Am 4.März 1929 in Amsterdam geboren, studierte er als junger Mann Violine am Amsterdamer Konservatorium und ließ er sich darüber hinaus von Felix Hupka in die Grundlagen der Orchesterleitung einweisen. Seine erste professionelle Anstellung fand er als Geiger im philharmonischen Orchester des niederländischen Rundfunks und bildete sich nebenbei bei Ferdinand Leitner weiter. Mit dessen Hilfe bekam Haitink dann 1955 die Stelle des 2.Dirigenten der niederländischen Radio-Union angeboten. Diese Lehrjahre qualifizierten ihn soweit, dass er 1961 zum Nachfolger Eduard van Beinums als musikalischer Direktor des renommierten Concertgebouw-Orchesters ernannt wurde. Damit begann eine ausgiebige Zusammenarbeit mit dem Ensemble, denn Haitink behielt diese Stelle über immerhin 27 Jahre hinweg. Außerdem arbeitete er häufig mit den Berliner Philharmonikern, wurde 1967 zum Chefdirigenten und musikalischen Berater der Londoner Philharmoniker ernannt und zwei Jahre später sogar deren künstlerischer Leiter. Als 1979 ein Nachfolger für Sir John Pritchard an der Spitze des Festivals von Glyndebourne gesucht wurde, fiel die Wahl auf Haitink. 1988 wiederum quittierte er alle Verpflichtungen, um die Stelle des Musikalischen Direktor für Covent Garden zu übernehmen. Es war in dieser Zeit, als auch der Plan entstand, Bernard Haitink zusammen mit den Berliner Philharmonikern einen Mahler-Zyklus erarbeiten zu lassen. Chance und Herausforderung zugleich, entstand auf diese Weise ein Reihe herausragender Aufnahmen, die die sensiblen Führungsqualitäten des Dirigenten ebenso dokumentierten wie die ungewöhnliche Präsenz eines Orchesters, das es gewohnt war, nur mit den Besten der Besten zu arbeiten. Haitink präsentierte sich bei allen fünf der auf drei DVDs erschienenen Aufnahmen als ein ebenso umsichtiger wie sensibler Interpret, der es verstand, zum einen die umfassenden Kommentare des Komponisten in die Interpretationen einfließen zu lassen, darüber hinaus aber jede Form von Schwüle und Mystizismus vermied. Dementsprechend begeistert war die Resonanz von Presse und Publikum, die diesen umsichtigen Umgang mit den Werke zu schätzen wusste. Inzwischen zählen Haitinks Dirigate zu den Referenz-Interpretationen der Gegenwart, die es mühelos mit anderen hochgelobten Einspielungen von Claudio Abbado bis Leonard Bernstein aufnehmen. Für die DVD-Versionen der Sinfonien 1 & 2, 3 und 4 & 7 wurden außerdem die Klang-Spezialisten der Emil Berliner Studios hinzugezogen, die aus den vorhandenen Originalbändern einen Surround-Sound (wahlweise PCM Stereo) entwickelten, der rund fünfzehn Jahre nach den Konzerten in der Berliner Philharmonie den Klangeindruck aus der Perspektive des Dirigenten in die Wohnzimmer holt. Das ist großartige Kunst, in interpretatorischer wie technischer Hinsicht.

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Titel

Wiener Philharmoniker Andris Nelsons

MAHLER Symphonies Nos. 5-7 / Andris Nelsons

Mahler: Symphonies Nos. 5-7

Symphony No. 5 Symphony No. 6 in A Minor Symphony No. 7

Dirigent Andris Nelsons pr&auml;sentiert mit den Wiener Philharmonikern den lang erwarteten Mahler-Zyklus. Dieser kn&uuml;pft an die Ver&ouml;ffentlichung ihrer Auff&uuml;hrung von Mahlers 5. Sinfonie bei den Salzburger Festspielen im Jahr 2022 an, die digital sowie als 2-LP-Set erh&auml;ltlich ist.
Nelsons empfindet Mahlers&nbsp;Musik&nbsp;als eine Quelle unersch&ouml;pflicher Faszination, die &bdquo;auf universeller Ebene zu uns spricht und zugleich eine intime und pers&ouml;nliche Verbindung zu jedem einzelnen H&ouml;rer herstellt&ldquo;, wodurch &bdquo;eine beinahe mystische Verbindung zwischen einem selbst, dem Komponisten und der Musik entsteht &ndash; die Zeit und Raum &uuml;berbr&uuml;ckt und die eigene Seele unmittelbar ber&uuml;hrt&ldquo;.
Auf dem Album ist eine Reihe gro&szlig;artiger Solistinnen und Solisten zu h&ouml;ren &ndash; die Sopranistinnen&nbsp;Lucy Crowe,&nbsp;Ying Fang, Christiane Karg, Sarah Wegener&nbsp;und&nbsp;Jacquelyn Wagner;&nbsp;die&nbsp;Mezzosopranistin&nbsp;Ekaterina Gubanova;&nbsp;die Altistinnen&nbsp;Wiebke Lehmkuhl&nbsp;und&nbsp;Tamara Mumford;&nbsp;der Tenor&nbsp;Benjamin Bruns;&nbsp;der Bariton&nbsp;Michael Nagy&nbsp;sowie der Bass&nbsp;Tareq Nazmi.&nbsp;Gemeinsam sorgen der&nbsp;Chor des Bayerischen Rundfunks, der&nbsp;Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien&nbsp;und die&nbsp;Wiener S&auml;ngerknaben f&uuml;r die Chorelemente&nbsp;in den Sinfonien Nr. 2, 3 und 8.
Die neue 12-CD-Box enth&auml;lt ausschlie&szlig;lich mitrei&szlig;ende Livemitschnitte aus den Jahren 2018 bis 2026. Sie bringt Nelsons tiefes Verst&auml;ndnis dieses Repertoires mit dem legend&auml;ren Klang eines Orchesters zusammen, das eine lange Geschichte mit der Musik Mahlers teilt &ndash; entstanden ist ein Projekt, das zu den bedeutendsten Mahler-Einspielungen unserer Zeit z&auml;hlen d&uuml;rfte.
Das Album ist digital erh&auml;ltlich, aufgeteilt in drei Ver&ouml;ffentlichungen (Symphonien 1-4; 5-7; 8-10), sowie auf CD. Bestellen Sie die CD-Ausgabe jetzt im&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/andris-nelsons-gustav-mahler-the-symphonies-115336?_pos=1&amp;_sid=d64251b5d&amp;_ss=r">DG Store</a>.

Gustav Mahler - Pressestimmen | Deutsche Grammophon

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