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María Dueñas veröffentlicht ihr neues Album Homage to Heifetz

Mar&iacute;a Due&ntilde;as auf den Spuren des Jahrhundertgeigers: Ganz wie einst Jascha Heifetz verbindet die spanische Geigerin Korngolds Violinkonzert mit Lalos&nbsp;Symphonie espagnole
Aufgenommen mit Gustavo Dudamel und dem Sim&oacute;n Bol&iacute;var Symphony Orchestra of Venezuela
Homage to Heifetz&nbsp;erscheint am 28. August 2026 in allen Formaten, h&ouml;ren Sie das Album&nbsp;<a href="https://dgt.link/HomagetoHeifetz">HIER</a>.
TV- und Streaming-Updates:&nbsp;<a href="https://www.zdfheute.de/video/zdf-morgenmagazin/maria-duenas-104.html">ZDF Moma</a>&nbsp;am 18. August; &Eacute;vian-Konzert auf STAGE+ (streamen Sie&nbsp;<a href="https://www.stage-plus.com/de/video/live_concert_9HKNCPA3DTN66PBIEHFJ2CPJ6K">HIER</a>)
Mar&iacute;a Due&ntilde;as&nbsp;ver&ouml;ffentlicht ihr neues Album&nbsp;Homage to Heifetz&nbsp;am&nbsp;28. August 2026. Es w&uuml;rdigt Jascha Heifetz, dessen Aufnahmen die spanische Geigerin seit ihrer Kindheit pr&auml;gen, und verbindet &ndash; wie einst Heifetz &ndash; Korngolds Violinkonzert mit Lalos&nbsp;Symphonie espagnole. Aufgenommen wurde das Programm in den&nbsp;Abbey Road Studios&nbsp;in London mit&nbsp;Gustavo Dudamel&nbsp;und dem&nbsp;Sim&oacute;n Bol&iacute;var Symphony Orchestra of Venezuela&nbsp;(das Orchester des international renommierten venezolanischen Musikerziehungsprogramms El Sistema, dessen Music &amp; Artistic Director Dudamel ist).
Auf dem Album greift Due&ntilde;as zudem eine Tradition des Goldenen Zeitalters der Geige auf: Sie kontrastiert gewichtige Violinkonzerte mit Arrangements kurzer popul&auml;rer Kompositionen. Neben Debussys&nbsp;La fille aux cheveux de lin&nbsp;in einer Orchesterfassung hat sie Miniaturen von Debussy und Ponce mit dem Pianisten Itamar Golan eingespielt. F&uuml;r&nbsp;Estrellita,&nbsp;La chevelure&nbsp;und&nbsp;La plus que lente&nbsp;spielte Due&ntilde;as auf der 1731 gebauten Stradivari&nbsp;&raquo;Heifetz, Piel&laquo;, die einst Jascha Heifetz geh&ouml;rte.
Das&nbsp;Allegro non troppo&nbsp;aus Lalos&nbsp;Symphonie espagnole&nbsp;kann&nbsp;<a href="https://youtu.be/8aD_ynXxeGU">HIER</a>&nbsp;angesehen werden.
Genau wie die folgenden Videos:
<ul>
<li>Debussy: La plus que lente (Arr. Roques for Violin &amp; Piano)&nbsp;<a href="https://www.youtube.com/watch?v=IiebDvKnkhQ">HIER</a></li>
<li>Ponce: Estrellita (Arr. Heifetz for Violin &amp; Piano)&nbsp;<a href="https://www.youtube.com/watch?v=XfaRiKhJTao">HIER</a></li>
<li>EPK&nbsp;<a href="https://youtu.be/73Fipqy6tsg">HIER</a></li>
<li>Mar&iacute;a Due&ntilde;as &uuml;ber die M&ouml;glichkeit auf der 1731 gebauten Stradivari &raquo;Heifetz, Piel&laquo; aufzunehmen&nbsp;<a href="https://www.youtube.com/watch?v=Efjwk0Yw4dI&amp;list=RDEfjwk0Yw4dI&amp;start_radio=1">HIER</a></li>
</ul>
 &raquo;Ein Vorbild zu haben ist so wichtig&laquo;, sagt Due&ntilde;as, &raquo;einen Menschen, der dich immer inspiriert.&laquo; Ein&nbsp;solches Vorbild ist f&uuml;r sie der in Litauen geborene Jascha Heifetz (1901&ndash;87), insbesondere durch seine Interpretationen von Lalo und Korngold aus den fr&uuml;hen 1950er-Jahren. Heifetz war ber&uuml;hmt f&uuml;r seine Virtuosit&auml;t, seinen gl&uuml;henden Ton und die Klarheit seiner Interpretation. Er gilt als einer der bedeutendsten Geiger des 20. Jahrhunderts.
Und auch Gustavo Dudamel &ndash; selbst ein exzellenter Geiger &ndash; ist eine Inspiration f&uuml;r Mar&iacute;a: &raquo;Er ist nicht nur ein fantastischer Musiker, sondern auch ein wunderbarer Mensch, der mit beiden Beinen auf dem Boden steht. Das ist es, was seinem Musizieren so viel Seele gibt.&laquo; Live waren sie gemeinsam unter anderem in der Urauff&uuml;hrung und weiteren Konzerten von Gabriela Ortiz&rsquo;&nbsp;Altar de cuerda&nbsp;zu erleben (&raquo;Due&ntilde;as war schlichtweg fesselnd&laquo; &ndash;&nbsp;The New York Times).
Auch live, im TV und im Stream ist Due&ntilde;as pr&auml;sent: Ihr &Eacute;vian-Konzert vom&nbsp;24. Juni&nbsp;mit Denis Kozhukhin, Yo-Yo Ma und Renaud Capu&ccedil;on ist jetzt auf&nbsp;<a href="https://www.stage-plus.com/de/video/live_concert_9HKNCPA3DTN66PBIEHFJ2CPJ6K">STAGE+</a>&nbsp;zu sehen. Am&nbsp;18. August&nbsp;war sie au&szlig;erdem im&nbsp;<a href="https://www.zdfheute.de/video/zdf-morgenmagazin/maria-duenas-104.html">ZDF Moma</a>&nbsp;zu Gast.
Zu ihren&nbsp;Konzertterminen z&auml;hlen Schloss Johannisberg (23. August), Wiesbaden (30. August), Bremen (1. September), Seoul (11. September), Yongin (12. September), Tongyeong (13. September), Taichung (15. September), Taipei (16. und 17. September).
<a class="_3E03H _3Pbn1" tabindex="-1" href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/maria-duenas/neuigkeiten/mara-dueas-veroeffentlicht-ihr-neues-album-homage-to-heifetz-280213" target="_blank" rel="noopener">Mehr &uuml;ber Mar&iacute;a Due&ntilde;as neues Album Homage to Heifetz auf Deutsche Grammophon</a>

Agnes Obel meldet sich nach sechs Jahren mit  'The Meaning of Flowers' zurück

&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&raquo;Die Welt von Agnes Obel zeugt vom magischen Realismus einer Angela Carter: auf sch&ouml;ne Weise verst&ouml;rend. Die F&uuml;&szlig;e im Wald, den Kopf in den Sternen&laquo;
Joyzine&nbsp;&uuml;ber&nbsp;Myopia
Wie neues Leben alles verwandelt &ndash; K&ouml;rper, Geist, das Selbst und die eigene Verbindung zur Welt: davon handelt&nbsp;The Meaning of Flowers
Mit zw&ouml;lf atmosph&auml;rischen St&uuml;cken sprengt die aus D&auml;nemark stammende Wahlberlinerin einmal mehr die Grenzen jedes Genres
Singer-Songwriterin, Multiinstrumentalistin und Produzentin&nbsp;Agnes Obel&nbsp;ver&ouml;ffentlicht&nbsp;The Meaning of Flowers, ein neues Studioalbum, das auf ihr gefeiertes Album&nbsp;Myopia&nbsp;(2020) folgt. Agnes Obel z&auml;hlt zu den kreativsten K&ouml;pfen der Gegenwartsmusik, so &uuml;berrascht es nicht, dass sie auf&nbsp;The&nbsp;Meaning of Flowers&nbsp;ganz unterschiedliche Gedanken und Inspirationen verwebt. Das Gef&uuml;hl der Verbundenheit mit allem Lebendigen, das sie w&auml;hrend ihrer Schwangerschaft erfuhr, erkundet sie ebenso in den zw&ouml;lf St&uuml;cken des Albums wie die Bedeutung von Geburt, Wachstum und Metamorphose. Ihre Musik sch&ouml;pft dabei aus vielen Quellen &ndash; etwa der Dichtung Enheduannas (der ersten namentlich bekannten Autorin der Welt), den Schriften von Philosoph:innen wie Hannah Arendt und Emanuele Coccia, aber auch aus dem d&auml;nischen Pop der Achtziger- und Neunzigerjahre.
Und nicht nur die Partituren stammen von ihr, sie hat die St&uuml;cke in ihrem Berliner Studio auch selbst arrangiert, aufgenommen und produziert, und sie singt in ihnen (teils gepitcht), spielt Klavier, Keys und Synthesizer und arbeitet mit Samples. Kolleg:innen begleiten sie an Geige, Viola, Violoncello, Bass, Lap-Steel-Gitarre, Harmonium, Fl&ouml;te, Saxofon und Perkussion und mit Hintergrundgesang. Das Album erscheint am&nbsp;18.&nbsp;September 2026&nbsp;bei&nbsp;Deutsche Grammophon&nbsp;in allen Formaten. Vorab kommt am&nbsp;21.&nbsp;August&nbsp;Laymelli&nbsp;als Stream und Download heraus.
Nach den Aufnahmen zu&nbsp;Myopia&nbsp;bekam Obel ihr erstes Kind.&nbsp;The Meaning of Flowers&nbsp;spiegelt die emotionale Wucht dieser Erfahrung, aber auch Obels intellektuelles Interesse &ndash; allen voran an Arendts Konzept der Natalit&auml;t, &raquo;verstanden als die menschliche F&auml;higkeit zum Neuanfang&laquo; &ndash; und die Tatsache, dass die vor&uuml;bergehend ver&auml;nderte Neuroplastizit&auml;t ihres Gehirns ihr Denken und ihre kompositorischen Prozesse in neue Bahnen lenkte.
&raquo;Ich wollte sehen, ob ich dem Gef&uuml;hl eines Neuanfangs nahekommen kann&laquo;, sagt Agnes Obel &uuml;ber das Titelst&uuml;ck. &raquo;Es zeigt sich in der Erfahrung von Verbundenheit und einem neuen, weiten Gef&uuml;hl von Liebe, die niemals endet. Der Punkt, an dem der innere Monolog zu etwas Wechselseitigem und Weitem wird &ndash; &uuml;ber das eigene Leben hinaus &ndash; und den Blick &ouml;ffnet f&uuml;r eine neue, reichere Vorstellung von Leben.&laquo;
Blood so Red&nbsp;und&nbsp;Gemini&nbsp;entstanden, als Agnes Obel mit Rhythmen, Klavier und Stimme &raquo;herumspielte&laquo;. Sie hatte zuvor Enheduannas Hymnen an Inanna gelesen, die G&ouml;ttin von Geburt, Liebe, Sex, Gesang und Krieg. Deren Pr&auml;senz &raquo;spiegelt sich in&nbsp;Blood so Red&nbsp;und hebt meine eigenen Einsichten &uuml;ber die Geburt, die Gesetze des K&ouml;rpers und jene Erfahrungen jenseits der Sprache hervor, die uns &uuml;ber Zeit und Raum hinweg verbinden&laquo;. Auch&nbsp;Gemini&nbsp;und&nbsp;Laymelli&nbsp;sind von Enheduanna inspiriert, zugleich jedoch von Obels Bewusstsein f&uuml;r ein komplexes Universum, &raquo;das von der Sch&ouml;nheit und Kraft des Lebens und der Metamorphose zusammengehalten wird&laquo;. F&uuml;r das Bild vom Samen und dem Lebenszyklus eines Schmetterlings griff sie auf Coccias&nbsp;Die Wurzeln der Welt&nbsp;und&nbsp;Metamorphosen&nbsp;zur&uuml;ck.
Und auch die Filmmusik der Siebziger in&nbsp;Don&rsquo;t Look Down&nbsp;oder d&auml;nischer Pop in&nbsp;Never Been&nbsp;war wichtig: &raquo;Im Popsong der Achtziger hie&szlig; lieben, frei zu sein und ohne Entschuldigung einfach zu sein, wer man ist.&laquo; In&nbsp;Tangerine, dem einzigen Instrumentalst&uuml;ck, setzt Agnes Obel auf ein ausgelassenes Spiel von Klangfarben, wenn Saxofon-Arpeggien auf Celesta und Klavier treffen &ndash; in einer &raquo;quirligen neuen, &uuml;berraschenden Freundschaft&laquo;.
The Meaning of Flowers&nbsp;ist Agnes Obels Tochter gewidmet: &raquo;ihr, die mich ver&auml;ndert hat und wachsen lie&szlig; und mir so viel beigebracht hat &ndash; und ich sp&uuml;re, dass es noch so viel mehr zu lernen gibt&laquo;.
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Agnes Obel &ndash; im Konzert:
22. August,&nbsp;KUNST!RASEN, Bonn &middot;&nbsp;23.&nbsp;August, Golden Leaves Festival, Darmstadt 26. August, Openluchttheater Caprera, Bloemendaal &middot;&nbsp;27./28. August, Amsterdamse Bostheater, Amstelveen&nbsp;24. September, Queensland Performing Arts Centre, Brisbane &middot;&nbsp;26. September, Hamer Hall, Melbourne 27. September, Sydney Opera House 29. September, New Zealand International Convention Centre, Auckland
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Agnes Obel &ndash;&nbsp;The Meaning of Flowers
B&uuml;cher und Gedichte, die Agnes Obel w&auml;hrend der Arbeit am Album las
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Belletristik und Sachb&uuml;cher:
Arendt, Hannah,&nbsp;Vita activa oder Vom t&auml;tigen Leben, 1958
Banks, Jennifer,&nbsp;Natality: Toward a Philosophy of Birth, 2023
Bowen-Moore, Patricia,&nbsp;Hannah Arendt&rsquo;s Philosophy of Natality, 1989
Butler, Octavia,&nbsp;D&auml;mmerung, 1987
Cage, John,&nbsp;Silence: Lectures and Writings, 1961
Coccia, Emanuele,&nbsp;Die Wurzeln der Welt. Eine Philosophie der Pflanzen, 2019
Coccia, Emanuele,&nbsp;Metamorphosen, 2021
Jones, Lucy,&nbsp;Matrescence: On the Metamorphosis of Pregnancy, Childbirth and Motherhood, 2023
Morton, Timothy,&nbsp;All Art Is Ecological, 2018
N&oslash;rg&aring;rd, Per,&nbsp;Artikler 1962&ndash;1982, hg. von Ivan Hansen, 1982
Rasmussen, Karl Aage,&nbsp;Musik i det tyvende &aring;rhundrede: en fort&aelig;lling, 2011
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Lyrik:
Akbar, Kaveh (Hg.),&nbsp;The Penguin Book of Spiritual Verse: 100 Poets on the Divine, 2022
Christensen, Inger,&nbsp;Samlede Digte, 2009
Enheduanna,&nbsp;Enheduana:&nbsp;The Complete Poems of the World&rsquo;s First Author, &uuml;bers. von Sophus Helle, 2023 (orig. um 2300 v. Chr.)
Graham, Jorie,&nbsp;The Dream of the Unified Field, 2002
Kurtz, Ella / King, Simone / Delahunty, Claire (Hg.),&nbsp;What We Carry: Poetry on Childbearing, 2021
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Das Album erscheint am 18.&nbsp;September 2026 &ndash; Laymelli&nbsp;h&ouml;ren und das Album&nbsp;<a href="http://dg.lnk.to/themeaningofflowers">hier</a>&nbsp;vorbestellen

Der Soul von Mozart und der Spirit von Monk: gespannt erwartete Batiste-Alben erschienen

Mit &ldquo;Black Mozart&rdquo;, &ldquo;Monk Movements&rdquo; und &ldquo;Monk Meditations&rdquo; ver&ouml;ffentlicht Jon Batiste in seiner &ldquo;Batiste Piano Series&rdquo; auf einen Schlag drei sehr unterschiedliche Alben. Aufgenommen wurden sie in einer einzigen, improvisationsreichen Sitzung.

Seit <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste" target="_blank" rel="noopener">Jon Batiste</a> im Jahr 2018 mit dem Album<a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/diskografie/hollywood-africans-lp-483290" target="_blank" rel="noopener"> &ldquo;Hollywood Africans&rdquo;</a> bei Verve Records deb&uuml;tierte, hat er so ziemlich alles erreicht, was sich ein Musiker nur ertr&auml;umen kann. Auf f&uuml;nf Studio- und drei Live-Alben f&uuml;r das traditionsreiche Label zeigte er nicht nur seine erstaunliche stilistische Vielseitigkeit, sondern auch seine F&auml;higkeiten als ausdrucksstarker S&auml;nger, findiger Songwriter und Multiinstrumentalist. Belohnt wurde er f&uuml;r seine unb&auml;ndige Kreativit&auml;t in diesen acht Jahren mit acht Grammy Awards, darunter 2021 die Auszeichnung f&uuml;r das &ldquo;Album des Jahres&rdquo; f&uuml;r <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jon-batiste-we-are-lp" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;We Are&rdquo;</a>, einem Oscar f&uuml;r die beste Originalmusik f&uuml;r den Disney/Pixar-Film &ldquo;Soul&rdquo; und einem Emmy. Doch welchen Weg soll ein Musiker einschlagen, wenn er scheinbar schon alles erreicht hat? Jon Batiste entschied sich daf&uuml;r, zu seinen musikalischen Wurzeln als Pianist zur&uuml;ckzukehren und dabei gleichzeitig k&uuml;hn mit den Traditionen zu brechen.
F&uuml;r das au&szlig;ergew&ouml;hnliche Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jon-batiste-beethoven-blues" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Beethoven Blues&rdquo;</a>, mit dem er vor zwei Jahren seine Batiste Piano Series begann, interpretierte der Pianist das Verm&auml;chtnis Ludwig van Beethovens mit den Ausdrucksmitteln von Blues und Jazz neu und lie&szlig; dessen Werke dabei zeitlos und modern zugleich erklingen. Das Projekt wurde zu einem seiner bislang gr&ouml;&szlig;ten kommerziellen Erfolge und stand mehr als zwei Monate lang an der Spitze der Billboard-Charts f&uuml;r Klassikalben. Nun setzt er die Reihe mit den drei Alben <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-black-mozart-batiste-piano-series-vol-2-116764" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Black Mozart&rdquo;</a>, <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-movements-batiste-piano-series-vol-4-116745" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Monk Movements&rdquo;</a> und <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-meditations-batiste-piano-series-vol-3-116749" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Monk Meditations&rdquo;</a> fort. Entstanden sind sie allesamt an einem einzigen Tag w&auml;hrend einer improvisationsreichen Aufnahmesitzung.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Wie Jon Batiste auf &ldquo;Black Mozart&rdquo; Mozart mit Jazz, Blues und Ragtime neu interpretiert</h3>
Mit &ldquo;Black Mozart&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 2) kn&uuml;pft Batiste im Grunde an das Konzept von &ldquo;Beethoven Blues&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 1) an, erweitert dabei aber zugleich das stilistische Spektrum um afrokubanische und andere Einfl&uuml;sse. Batiste beschreibt Mozart als einen "Pionier, der seine eigene musikalische Sprache schuf und dennoch seine Vorg&auml;nger w&uuml;rdigte&rdquo;. So wie es auch Batiste selbst tut. Au&szlig;erdem lobt er die Ausgewogenheit Mozarts zwischen &ldquo;extremer melodischer Einfachheit und intensiver Komplexit&auml;t&rdquo;.
&ldquo;Wie Thelonious Monk, der in meinen Augen genau dieselben Qualit&auml;ten besa&szlig;, war Mozart ein akribischer Metaphysiker, der eine besondere Mischung aus logischer Meisterhaftigkeit schuf, die sich bis heute irgendwie jeder Erkl&auml;rung entzieht&rdquo;, f&auml;hrt Batiste fort. Auf dem Album n&auml;hert er sich Mozarts Musik &ndash; von der vertr&auml;umten &ldquo;Sonata Facile&rdquo; bis zum ausgelassenen &ldquo;Rondo alla Turca&rdquo; &ndash; mittels der rhythmischen und improvisatorischen Traditionen der afroamerikanischen Musik. &ldquo;Ich habe Mozart &lsquo;schwarz&rsquo; neu interpretiert&rdquo;, sagt er in Anspielung auf den Titel des Albums, &ldquo;und seine Musik mit Einfl&uuml;ssen aus Jazz, Ragtime, Stride, Blues und Stomps angereichert, dabei aber ihre Essenz als moderne klassische Musik bewahrt.&rdquo; Er beschreibt Mozart zudem als &ldquo;eine Br&uuml;cke, die schlie&szlig;lich in die Moderne f&uuml;hrte&rdquo; und sieht im Werk des Komponisten eine Verbindung zu den Jazztraditionen, die sich bis heute weiterentwickeln.
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<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Was Jon Batiste auf &ldquo;Monk Meditations&rdquo; und &ldquo;Monk Movements&rdquo; aus Thelonious Monks Musik macht</h3>
Obwohl die beiden anderen Alben von ein und demselben K&uuml;nstler inspiriert sind, bietet die Vielschichtigkeit von Thelonious Monks Musik Jon Batiste Raum f&uuml;r sehr unterschiedliche Ans&auml;tze. Mit &ldquo;Monk Meditations&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 3) ist ihm dabei wohl das erste meditative Album mit von Monk komponierter Musik gelungen. F&uuml;r &ldquo;Monk Movements&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 4) hingegen interpretiert er die zu Jazzstandards gewordenen St&uuml;cke Monks als virtuose, gro&szlig; angelegte Klavierwerke neu. Batistes Versionen erinnern dabei oft an zeitgen&ouml;ssische Klavierst&uuml;cke.
&ldquo;Ich habe diese Kompositionen eher als musikalische S&auml;tze denn als einzelne St&uuml;cke betrachtet&rdquo;, sagt er. &ldquo;Oft lie&szlig; ich mich dabei von den kreativen Str&ouml;mungen des abstrakten Expressionismus in der modernen Kunst oder des Dekonstruktivismus in der postmodernen Architektur beeinflussen, ohne dabei jedoch die spontane Komposition aus den Augen zu verlieren.&rdquo; Es kommt nicht von ungef&auml;hr, dass der Pianist, Komponist und Musikp&auml;dagoge Billy Taylor den Jazz 1986 in einem Essay als &ldquo;Amerikas klassische Musik&rdquo; bezeichnete. Jon Batiste best&auml;rkt dies hier mit seinen ebenso originellen wie brillanten Interpretationen.
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Jon Batiste veröffentlicht zwei Monk-Alben – und sie könnten unterschiedlicher kaum sein

Am 14. August ver&ouml;ffentlicht Jon Batiste mit &bdquo;Monk Movements&ldquo; und &bdquo;Monk Meditations&ldquo; zwei Alben &uuml;ber seinen Lieblingspianisten Thelonious Monk. Das eine h&ouml;rt Monk als modernen klassischen Komponisten, das andere sucht die meditative Seite seiner Musik.

<h3 class="MsoNormal">Jon Batiste und Thelonious Monk: Warum er Monk gleich zwei Alben widmet</h3>
<a href="https://www.jazzecho.de/thelonious-monk/rezensionen-und-news" target="_blank" rel="noopener">Thelonious Monk</a> begleitet <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/biografie" target="_blank" rel="noopener">Jon Batiste</a> schon lange. Als er dessen Musik f&uuml;r sich entdeckte, h&ouml;rte er nach eigener Aussage ein ganzes Jahr lang fast nichts anderes. Dabei machte der damals junge Pianist eine einschneidende Erfahrung: Manche kompositorischen Ideen, die er selbst f&uuml;r revolution&auml;r gehalten hatte, hatte Monk l&auml;ngst erforscht. Spuren dieser intensiven Besch&auml;ftigung finden sich bereits auf Batistes 2006 aufgenommenem Album <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/0wuytxdlCNpIkpod2gvZ9S?si=Wh_2bttJSIyJToeCbZyOvw" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Live in New York: At the Rubin Museum of Art&ldquo;</a>.
Dass Monk nun gleich zwei Folgen von Batistes Piano Series erh&auml;lt, ist also kein Zufall. F&uuml;r Batiste ist er sein Lieblingspianist und zugleich ein Komponist, der einen &auml;hnlichen Rang beanspruchen sollte wie Mozart, dem er zeitgleich ebenfalls eine Folge widmet. Beide betrachtet er als verwandte Geister: Mozart entwickelte seine eigene Sprache im Schatten Bachs, Monk die seine nach Duke Ellington. Vor allem aber bewundert Batiste an Monk die F&auml;higkeit, h&ouml;chste musikalische Komplexit&auml;t unmittelbar zug&auml;nglich zu machen.&nbsp;&bdquo;Monk is for the children, the adults, and the connoisseur&ldquo;, bringt er es auf den Punkt. 
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Monk Movements&ldquo; macht aus Jazzstandards zeitgen&ouml;ssische Klassik</h3>
Auf <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-movements-batiste-piano-series-vol-4-116745" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Monk Movements&ldquo;</a> kehrt Batiste das Prinzip um, mit dem seine Batiste Piano Series begonnen hat. Auf <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-beethoven-blues" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Beethoven Blues&ldquo;</a> und dem neuen <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-black-mozart-batiste-piano-series-vol-2-116764" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Black Mozart&ldquo;</a> bringt er klassische Werke mit Jazz, Blues und anderen afroamerikanischen Musiktraditionen in den Dialog. Bei Monk nimmt er die Gegenrichtung: Aus den Standards des Bebop-Pioniers werden zeitgen&ouml;ssische klassische Klavierkompositionen.
Dahinter steckt auch eine programmatische Aussage. Batiste will Monk nicht allein im historischen Fach &bdquo;Jazz&ldquo; aufgehoben wissen. Seine Musik soll ebenso selbstverst&auml;ndlich studiert werden wie die Mozarts. Dass Batiste selbst zwischen diesen vermeintlich getrennten Welten zu Hause ist, geh&ouml;rt zur Geschichte der gesamten Reihe: Aufgewachsen in der Musikkultur von New Orleans, wurde er zugleich klassisch ausgebildet und machte Bachelor und Master im Fach Klavier an der Juilliard School. Die Piano Series versteht er entsprechend als Begegnungsraum f&uuml;r wegweisende Komponisten unterschiedlicher Traditionen, verbunden durch Improvisation und spontane Komposition.
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<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Monk Meditations&ldquo; entdeckt die stille Seite von Thelonious Monk</h3>
Auf <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-meditations-batiste-piano-series-vol-3-116749" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Monk Meditations&ldquo;</a> geschieht beinahe das Gegenteil. Batiste reduziert Monks St&uuml;cke und &uuml;berf&uuml;hrt sie in eine ruhige, New-Age-beeinflusste Klangwelt. Das Album ist als eine Art Nachspiel oder Ausklang konzipiert &ndash; und laut Begleittext als erstes echtes Meditationsalbum, das von Monks Musik inspiriert ist. Wo &bdquo;Monk Movements&ldquo; also die kompositorische Architektur hervorhebt und Monk in Richtung zeitgen&ouml;ssischer Klassik &ouml;ffnet, sucht &bdquo;Monk Meditations&ldquo; nach dem kontemplativen Raum innerhalb seiner Musik.
Beide Perspektiven geh&ouml;ren f&uuml;r Batiste zusammen. Monks rhythmische Offenheit fasziniert ihn ebenso wie dessen F&auml;higkeit, komplexeste Gedanken so zu formulieren, dass sie unmittelbar wirken. Deshalb w&auml;re ein einziges Album f&uuml;r seine Vorstellung von Monk tats&auml;chlich zu wenig gewesen: Das eine h&ouml;rt Monk als modernen klassischen Komponisten, das andere als Ausgangspunkt f&uuml;r Versenkung und freie musikalische Bewegung.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="nvZ0J9eYmno"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNormal">Jon Batiste nahm beide Monk-Alben an nur einem Tag auf</h3>
Bemerkenswert ist, wie unmittelbar diese sorgf&auml;ltig gedachten Konzepte entstanden sind. &bdquo;Black Mozart&ldquo;, &bdquo;Monk Movements&ldquo; und &bdquo;Monk Meditations&ldquo; wurden an nur einem Tag in einer einzigen, stark improvisatorisch gepr&auml;gten Session aufgenommen. Bei Monk konnte Batiste dabei auf eine jahrzehntelange Vertrautheit mit dem Repertoire zur&uuml;ckgreifen. Entscheidend war f&uuml;r ihn, trotz aller Transformation den k&uuml;nstlerischen Wesenskern der Vorlagen zu bewahren und zugleich die Spontaneit&auml;t des Augenblicks festzuhalten.
So erkl&auml;ren die beiden Monk-Alben letztlich auch, worum es Batiste mit seiner gesamten Piano Series geht: weniger um Jazz versus Klassik als um Verbindungen, die solche Kategorien &uuml;berhaupt erst fragw&uuml;rdig erscheinen lassen. Beethoven, Mozart und Monk bezeichnet er als drei grundlegende &bdquo;Portale&ldquo; zu seiner Vorstellung vom Klavier. &bdquo;Black Mozart&ldquo;, &bdquo;Monk Movements&ldquo; und &bdquo;Monk Meditations&ldquo;&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jon-batiste" target="_blank" rel="noopener">erscheinen am 14. August 2026.</a>
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Eine Klangreise durch Lateinamerika:  Daniil Trifonov veröffentlicht 'Mi Historia Americana – Sur'

&raquo;Das neue Album von Daniil Trifonov strotzt vor Virtuosit&auml;t&laquo;&nbsp;★★★★★ Financial Times&nbsp;&uuml;ber&nbsp;My American Story &ndash; North
Auf der zweiten Etappe seiner autobiografischen Reise durch die Amerikas erkundet der Pianist das s&uuml;damerikanische und karibische Repertoire
&raquo;Lateinamerikanische Musik hat eine ganz eigene Qualit&auml;t: die Natur als Inspirationsquelle, traditionelle T&auml;nze und Lieder sowie Kl&auml;nge des Glaubens.&laquo; &nbsp;&ndash; Daniil Trifonov
Barrosos&nbsp;Aquarela do Brasil&nbsp;und die Weltersteinspielung von Golijovs&nbsp;Cuadros del Sur &ndash; beide eigens f&uuml;r dieses Projekt arrangiert &ndash; spielt Trifonov mit dem S&atilde;o Paulo Symphony Orchestra und Gonzalo Grau
Au&szlig;erdem interpretiert er Werke f&uuml;r Klavier solo von Gabriela Lena Frank, Ginastera, Guarnieri, Lecuona, Villa-Lobos sowie seinen eigenen&nbsp;Tango&nbsp;und mehr
Das Album erscheint am 2.&nbsp;Oktober 2026
Daniil Trifonovs&nbsp;My American Story &ndash; North&nbsp;erschien 2024 und wurde von der Kritik begeistert aufgenommen. Mit&nbsp;Mi Historia Americana &ndash; Sur&nbsp;setzt der Pianist seine musikalische Reise durch die Amerikas fort. Seine Auswahl von Solo- und Orchesterwerken f&uuml;hrt durch Kuba und die Dominikanische Republik, nach Brasilien, Peru und Argentinien. In vielerlei Hinsicht ist dies sein bislang pers&ouml;nlichstes Album: Lateinamerika ist f&uuml;r Trifonov mehr als nur Repertoire &ndash; seine Ehe mit der Pianistin Judith Ram&iacute;rez, geboren in der Dominikanischen Republik, hat ihm diese Welt er&ouml;ffnet. &raquo;Wie Lateinamerika selbst ist die Musikliteratur au&szlig;erordentlich reich und voller Facetten. Viele dieser St&uuml;cke sind in der Region sehr beliebt, doch im Rest der Welt kennt sie kaum einer. Ich wollte zeigen, welche musikalische F&uuml;lle dieses Repertoire zu bieten hat.&laquo;
Die beiden Orchesterwerke des Albums &ndash;&nbsp;Aquarela do Brasil&nbsp;und&nbsp;Cuadros del Sur&nbsp;&ndash; wurden im Februar 2026 in S&atilde;o Paulo aufgenommen, als Trifonov Konzerte mit diesem Repertoire in Brasilien gab. Begleitet wurde er von Mitgliedern des&nbsp;S&atilde;o Paulo Symphony Orchestra (OSESP)&nbsp;und dem venezolanischen Multiinstrumentalisten, Arrangeur und musikalischen Leiter&nbsp;Gonzalo Grau.&nbsp;Deutsche Grammophon&nbsp;filmte die Konzerte; die Premiere wird auf&nbsp;<a href="https://www.stage-plus.com/de">STAGE+</a>&nbsp;ausgestrahlt.
Das Album erscheint am&nbsp;2. Oktober 2026&nbsp;digital, als 2-CD-Edition und auf Vinyl (3 LPs); am selben Tag kommt eine 5-Track-Vinyl unter dem Titel&nbsp;The Encores&nbsp;heraus, p&uuml;nktlich zu Trifonovs kommender Recital-Tournee. Trifonovs Transkription des Hauptthemas von Gustavo Santaolallas&nbsp;The Last of Us&nbsp;erscheint am&nbsp;24. Juli&nbsp;als Single. Bis zum 2. Oktober folgen weitere Singles, jeweils begleitet von einem Performance-Video.
Mi Historia Americana &ndash; Sur&nbsp;er&ouml;ffnet mit Gonzalo Graus Arrangement von Ary Barrosos popul&auml;rem Lied&nbsp;Aquarela do Brasil. Grau arrangierte f&uuml;r Trifonovs Projekt auch&nbsp;Cuadros del Sur&nbsp;(&raquo;Bilder des S&uuml;dens&laquo;) &ndash; ein Auftragswerk von OSESP, Deutsche Grammophon, dem Orchestre Philharmonique de Radio France und dem Aspen Music Festival. Die Musik sch&ouml;pft aus&nbsp;La Pasi&oacute;n seg&uacute;n San Marcos, einem Werk f&uuml;r Chor und Orchester des argentinischen Komponisten Osvaldo Golijov. Formal lie&szlig; sich Grau von Mussorgskys&nbsp;Bildern einer Ausstellung&nbsp;inspirieren &ndash; er wechselt zwischen kontrastreichen Abschnitten aus Golijovs&nbsp;Pasi&oacute;n&nbsp;und einem wiederkehrenden &raquo;Promenade&laquo;-Thema. Trifonov und das Orchester gaben im Februar die Weltpremiere; hier liegt nun die Ersteinspielung vor. Mit OSESP erscheint erstmals ein brasilianisches Ensemble bei Deutsche Grammophon.
Brasilien ist auf dem Album au&szlig;erdem mit Villa-Lobos&rsquo;&nbsp;Bachianas brasileiras&nbsp;Nr. 4&nbsp;sowie Werken von Mozart Camargo Guarnieri und Oscar Lorenzo Fern&aacute;ndez zu h&ouml;ren. Aus Argentinien kommen Werke von Ginastera &ndash;&nbsp;Milonga&nbsp;und die zweite Klaviersonate &ndash; sowie ein Tango &ndash; komponiert nicht in Buenos Aires, sondern von Trifonov selbst.
Die Inspiration f&uuml;r dieses Album fand der Pianist teils auch w&auml;hrend eines l&auml;ngeren Aufenthalts in der Heimat seiner Frau. &raquo;Meine Familie und ich waren w&auml;hrend der Covid-Pandemie monatelang in der Dominikanischen Republik&laquo;, sagt er. &raquo;In dieser Zeit des Lockdowns fand ich endlich die Ruhe, mich in die herausragende lateinamerikanische Klaviermusik zu vertiefen.&laquo; Aus der Karibik w&auml;hlte Trifonov recht gegens&auml;tzliche Werke des zeitgen&ouml;ssischen dominikanischen Komponisten Michel Camilo und seiner Landsleute Juan Francisco Garc&iacute;a und Rafael Bullumba Landestoy aus sowie zwei Werke des wohl ber&uuml;hmtesten kubanischen Komponisten, Ernesto Lecuona.
Auch Peru ist eine Station auf Trifonovs Reise, zu h&ouml;ren ist die&nbsp;Sonata andina&nbsp;von Gabriela Lena Frank. Frank, in den USA geboren mit peruanischen Wurzeln, wurde 2026 mit dem Pulitzer-Preis f&uuml;r Musik f&uuml;r ihr Orchesterwerk&nbsp;Picaflor: A future myth&nbsp;ausgezeichnet. &raquo;Wie viele der Komponist:innen auf diesem Album&laquo;, sagt Trifonov, &raquo;verbindet Frank auf komplexe und fesselnde Weise Elemente der westlichen klassischen Musik mit den Traditionen der Volksmusik: Das Soloklavier in der&nbsp;Sonata andina&nbsp;evoziert traditionelle bolivianische Trommeln und peruanische Fl&ouml;ten, es imitiert traditionelle lateinamerikanische Gitarren und Instrumente wie die Marimba. Es ist ein farbenreiches musikalisches Gewebe.&laquo;
Daniil Trifonov bringt das Repertoire in der Saison 2026/27 auf die B&uuml;hne. Zu den H&ouml;hepunkten z&auml;hlen eine Lateinamerika-Tournee mit den Berliner Philharmonikern sowie Auff&uuml;hrungen von&nbsp;Cuadros del Sur&nbsp;in Europa. Alle Konzerttermine&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/daniil-trifonov/live-termine">hier</a>.

Der einflussreiche Pionier der Minimal Music wird 90 Jahre alt

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. Aus diesem Anlass wird ECM Records drei bahnbrechende, fr&uuml;he Alben des Komponisten unter dem Titel "Steve Reich: Recordings on ECM" zusammen in einer audiophilen AAA Vinyl-Box wiederver&ouml;ffentlichen.

<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120093" target="_blank" rel="noopener">Ab sofort kann die AAA Vinyl-Box exklusiv vorbestellt werden.&nbsp;</a>
"Es gibt nur eine Handvoll lebender Komponisten, die zu Recht behaupten k&ouml;nnen, den Lauf der Musikgeschichte ver&auml;ndert zu haben. Steve Reich ist einer von ihnen", schrieb der Anfang dieses Jahres verstorbene Klassikkritiker Andrew Clements einst im britischen Guardian &uuml;ber den Pionier der amerikanischen Minimal Music. Reich lie&szlig; sich als Teenager stark durch die Musik von Charlie Parker, Miles Davis, John Coltrane, Kenny Clarke und Max Roach inspirieren. Zun&auml;chst lieb&auml;ugelte er mit einer Karriere als Jazzschlagzeuger und gr&uuml;ndete sogar ein eigenes Bebop-Quintett, bevor er sich im Alter von 21 Jahren an der renommierten New Yorker Juilliard School einschrieb und ein Kompositionsstudium begann. Mit seinen Werken&nbsp;und Aufnahmen hat Steve Reich, den der New Yorker einmal den&nbsp;"gr&ouml;&szlig;ten musikalischen Denker unserer Zeit"&nbsp;nannte, seit den 1960er Jahren Einfluss auf K&uuml;nstler:innen und Bands der verschiedensten Genres ausge&uuml;bt, darunter Michael Nyman, Brian Eno, King Crimson, The Residents, Lou Reed, Aphex Twin, Bj&ouml;rk, Sonic Youth Autechre,&nbsp;Tortoise und Peter Gabriel.
Ma&szlig;geblich dazu beigetragen haben die drei fr&uuml;hen Alben, die er zwischen 1978 und 1982 bei dem Label ECM Records ver&ouml;ffentlichte: "Music for 18 Musicians", "Octet/Music for a Large Ensemble/Violin Phase" und "Tehillim". P&uuml;nktlich zu seinem 90. Geburtstag&nbsp;am 3. Oktober werden diese drei Meilensteine unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/steve-reich-recordings-on-ecm-3lp-box-1295079" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" zusammen auf Vinyl wiederver&ouml;ffentlicht. Die Alben erscheinen &nbsp;in einer hochwertig ausgestatteten, vollst&auml;ndig analogen Vinyl-Box (AAA) mit Booklet, die auf Grundlage der originalen Masterb&auml;nder produziert wurde und sind <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/ecm-records/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120093" target="_blank" rel="noopener">exklusiv vorbestellbar.</a>
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Mit Friendship Survival Guide vollendet Adam Wiltzie eine über ein Jahrzehnt zurückreichende Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Jóhann Jóhannsson

Der legend&auml;re Ambient-Drone-K&uuml;nstler Adam Wiltzie w&uuml;rdigt seinen langj&auml;hrigen Freund, den preisgekr&ouml;nten Komponisten J&oacute;hann J&oacute;hannsson, mit der Vollendung des Albums, das die beiden 2013 begonnen hatten. An&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;wirkten au&szlig;erdem der Elektronikmusiker Tim Hecker, der verstorbenen Produzenten Steve Albini und der Grammy-preisgekr&ouml;nten Toningenieur Francesco Donadello mit. 
Das Album erscheint am 18. September 2026. Die erste Vorab-Single&nbsp;White Gloves &amp; Turtlenecks&nbsp;ist&nbsp;<a href="https://eur02.safelinks.protection.outlook.com/?url=https%3A%2F%2Fdg.lnk.to%2FFriendshipSurvivalGuide&amp;data=05%7C02%7Cconstanze.busch%40umusic.com%7Cd849013a52e640e657c108dee70814fe%7Cbbcb6b2f8c7c4e2486e46c36fed00b78%7C1%7C0%7C639202219064766946%7CUnknown%7CTWFpbGZsb3d8eyJFbXB0eU1hcGkiOnRydWUsIlYiOiIwLjAuMDAwMCIsIlAiOiJXaW4zMiIsIkFOIjoiTWFpbCIsIldUIjoyfQ%3D%3D%7C0%7C%7C%7C&amp;sdata=7Ovznu5%2BMvsLs%2BdWGuqQYWyYRWY4Yxy5IFKVXuupYTk%3D&amp;reserved=0">hier</a>&nbsp;zu h&ouml;ren. 
&bdquo;Unsere Freundschaft ist hier die Geschichte, (&hellip;) J&oacute;hann ist nicht mehr da, aber dieses Werk, das wir gemeinsam geschaffen haben, lebt und ist unglaublich. Ohne ihn h&auml;tte ich das niemals geschafft.&ldquo;&nbsp;&ndash; Adam Wiltzie DG ver&ouml;ffentlicht zum zehnj&auml;hrigen Jubil&auml;um eine Neuauflage von J&oacute;hannssons gefeiertem&nbsp;Orph&eacute;e&nbsp;als Crystal Clear Vinyl, erh&auml;ltlich ab 16. Oktober.
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Am&nbsp;18. September&nbsp;ver&ouml;ffentlicht Deutsche Grammophon&nbsp;Friendship Survival Guide, ein Album mit psychedelischen orchestralen Drone-Kompositionen von&nbsp;Adam Wiltzie&nbsp;und dem 2018 verstorbenen&nbsp;J&oacute;hann J&oacute;hannsson. Wiltzie, Mitbegr&uuml;nder des inzwischen legend&auml;ren Drone-Duos Stars of the Lid, und J&oacute;hannsson, der preisgekr&ouml;nte Komponist und Orchestrator, verband eine langj&auml;hrige Freundschaft und kreative Partnerschaft. Vor J&oacute;hannssons tragischem Tod komponierten sie gemeinsam, traten zusammen auf und arbeiteten miteinander im Studio.&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;geht auf die zahlreichen Studio-Kollaborationen der beiden zwischen 2013 und 2017 zur&uuml;ck, die w&auml;hrend der Sessions zu J&oacute;hannssons Filmmusiken f&uuml;r das 2014 erschienene Stephen-Hawking-Biopic&nbsp;Die Entdeckung der Unendlichkeit&nbsp;(f&uuml;r das J&oacute;hann einen Golden Globe erhielt) und Denis Villeneuves Science-Fiction-Thriller&nbsp;Arrival&nbsp;aus dem Jahr 2017 entstanden (f&uuml;r den er f&uuml;r einen Oscar nominiert wurde). Das Album wird digital, auf CD und als LP erh&auml;ltlich sein. Vor seiner Ver&ouml;ffentlichung erscheinen zwei digitale Singles als Stream und Download:&nbsp;White Gloves &amp; Turtlenecks, das heute, am 31. Juli, ver&ouml;ffentlicht wird, gefolgt von&nbsp;Dazed And Reflective Glory &ndash; Pt. 1 am 4. September.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Nachdem Wiltzie die Aufnahmen jahrelang ruhen gelassen hatte, kehrte er mit dem Segen von J&oacute;hannssons Familie zu den B&auml;ndern zur&uuml;ck und vollendete&nbsp;Friendship Survival Guide, um J&oacute;hanns Verm&auml;chtnis zu ehren. Einige dieser St&uuml;cke &ndash; und die analogen Tape Loops, die ihren Kern bilden &ndash; liegen noch genau in der Form vor, in der sie vor einem Jahrzehnt vom langj&auml;hrigen Freund und Toningenieur der beiden, Francesco Donadello, mit J&oacute;hanns Revox-Maschinen aufgenommen wurden. F&uuml;r andere St&uuml;cke auf&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;waren zus&auml;tzliche Aufnahmen erforderlich, die zwischen 2023 und 2025 entstanden. Unterst&uuml;tzt wurde Wiltzie dabei vom Elektronikmusiker&nbsp;Tim Hecker&nbsp;und dem Komponisten&nbsp;Bryan Senti. Viele der Gitarrenspuren auf&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;wurden, so Wiltzie, vom Toningenieur und Produzenten&nbsp;Steve Albini in dessen Electrical-Audio-Studio in Chicago &bdquo;aufgenommen, voll aufgedreht und verst&auml;rkt&ldquo; &ndash; nur wenige Monate vor Albinis eigenem pl&ouml;tzlichen Tod. Die musikalischen Geister, die diese Aufnahmen durchziehen, sind von &uuml;berw&auml;ltigender Pr&auml;senz.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Doch ebenso &uuml;berw&auml;ltigend sind die Verbundenheit und die sch&ouml;pferische Liebe, die das Album und seinen Titel pr&auml;gen. Wie so oft bei seinen Projekten gab Wiltzie den St&uuml;cken erst am Ende des Aufnahmeprozesses ihre Titel und versah sie mit &bdquo;verborgenen Bedeutungen&ldquo;. Die Titel auf&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;&bdquo;verankern den Klang in unserer unverkennbaren Freundschaft&ldquo; und &bdquo;fungieren als eine Privatsprache zwischen den Beteiligten&ldquo;. Wie eng Wiltzie und J&oacute;hannsson einander verbunden waren, zeigt sich nirgends besser als in der vielschichtigen, mitten im Geschehen einsetzenden orchestralen Sch&ouml;nheit des Er&ouml;ffnungsst&uuml;cks&nbsp;September Nineteen Sixty Nine. Der Titel ist nach dem Monat benannt, in dem beide geboren wurden &ndash; zwei Tage und einen Ozean voneinander entfernt.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Wiltzie und J&oacute;hannsson begegneten sich erstmals 2007 in Prag, wo J&oacute;hannsson Teile seines kurz vor der Ver&ouml;ffentlichung stehenden Albums&nbsp;Fordlandia aufnahm und damit den Sprung vom isl&auml;ndischen Shoegaze-Punk-Underground zu jenem weit ausgreifenden, von Streichern gepr&auml;gten Klang vollzog, der ihn weltweit bekannt machen sollte. Er war gekommen, um Wiltzies legend&auml;re Band Stars of the Lid zu sehen, die sich damals mitten auf einer Europatournee befand, und stellte sich am Merchandise-Stand vor. Noch am selben Abend zogen die beiden mit Freunden um die H&auml;user und fanden sofort Gemeinsamkeiten &ndash; &auml;hnliche Lebenswege und Interessen ebenso wie eine gemeinsame musikalische &Auml;sthetik: Ambient-Synthesizer, orchestrale Grandezza, Lo-Fi Tape Loops und die Art, wie sie unterschiedliche Dronen m&uuml;helos miteinander verweben. Wiltzie erinnert sich an den Abend als &bdquo;beginne etwas v&ouml;llig Neues: zwei Typen, die sich gerade erst kennengelernt hatten und doch f&uuml;hlte es sich an, als w&uuml;rden wir uns schon unser ganzes Leben kennen&ldquo;.
Im Laufe des folgenden Jahrzehnts arbeiteten Wiltzie und J&oacute;hannsson regelm&auml;&szlig;ig zusammen. 2009 half Wiltzie dabei, J&oacute;hannssons erste &ndash; sehr stark vom DIY-Gedanken gepr&auml;gte &ndash; US-Tour zu buchen und als Tourmanager zu betreuen. Adam blieb fortan fester Bestandteil von J&oacute;hanns Liveband und dessen Live-Toningenieur, w&auml;hrend er zugleich weiter an eigener Musik arbeitete und gemeinsam mit Dustin O&rsquo;Halloran das Duo A Winged Victory for the Sullen gr&uuml;ndete. 2013 lud J&oacute;hannsson Wiltzie ein, als Ghostwriter und kreativer Partner an den Cues f&uuml;r die Filmmusik zu James Marshs&nbsp;Die Entdeckung der Unendlichkeit&nbsp;mitzuwirken. Es war das erste Mal, dass die beiden gemeinsam komponierten und aufnahmen. Sie arbeiteten in getrennten Studios &ndash; J&oacute;hannsson in Berlin, Wiltzie bei sich zu Hause in Belgien &ndash;, und die Zusammenarbeit war &bdquo;ein Hin und Her, super unkompliziert und schnell. Er liebte es, und ich liebte, was er zur&uuml;ckschickte.&ldquo; Wiltzie bezeichnet diese Zeit als eine &bdquo;sehr inspirierende und kreative&ldquo; Phase f&uuml;r beide und als &bdquo;Ausl&ouml;ser f&uuml;r die Idee, gemeinsam ein Album aufzunehmen&ldquo;. Genau damals begannen sie mit den Aufnahmen zu dem, was J&oacute;hannsson &bdquo;unsere eigene schr&auml;ge Platte&ldquo; nannte. Doch schon bald r&auml;umte die Filmmusik zu&nbsp;Die Entdeckung der Unendlichkeit die gro&szlig;en Hollywood-Auszeichnungen ab, und J&oacute;hannssons Karriere ging, wie Wiltzie sagt, &bdquo;durch die Decke&ldquo;, wodurch ihre Albumidee zun&auml;chst auf Eis gelegt wurde.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Die Freundschaft der beiden trat jedoch nie in den Hintergrund. Wiltzie erinnert sich an das letzte ihrer regelm&auml;&szlig;igen Telefonate, kurz vor J&oacute;hannssons Tod im Februar 2018: &bdquo;Er hatte gerade ein Konzert in Barcelona gespielt und klang ruhig und klar. Ich habe mich so f&uuml;r ihn gefreut, weil er einen gro&szlig;artigen Auftritt gehabt hatte. Er sagte, er w&uuml;nschte, er k&ouml;nnte mehr Konzerte wie dieses spielen, weil es sich so gut anf&uuml;hlte, auf der B&uuml;hne zu stehen. Er hatte einen richtig guten Tag und schien an einem wirklich guten Punkt in seinem Leben zu sein. Und dann war er nicht mehr da.&ldquo;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
&Uuml;ber&nbsp;Friendship Survival Guide sagt Wiltzie: &bdquo;Die Geschichte hier ist unsere Freundschaft: dass eine H&auml;lfte des Duos nicht mehr da ist, dass er ein guter Freund von mir war und ich seinen Verlust noch immer verarbeite. Gleichzeitig f&uuml;hlt es sich gro&szlig;artig an, diese Musik zu vollenden. Denn man kann J&oacute;hanns Gegenwart sp&uuml;ren. Sie ist etwas Lebendiges, Atmendes &ndash; eine wundersch&ouml;ne Erinnerung. Das absolut Vollkommenste und Sch&ouml;nste an einer Zusammenarbeit ist, dass dabei etwas entsteht, das man allein niemals schaffen k&ouml;nnte. So einfach ist das. J&oacute;hann ist nicht mehr da, aber dieses Artefakt, das wir gemeinsam geschaffen haben, lebt &ndash; und es ist unglaublich. Ohne ihn h&auml;tte ich es niemals schaffen k&ouml;nnen.&ldquo;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
(Mehr dar&uuml;ber, wie Adam Wiltzie &uuml;ber seine Beziehung zu J&oacute;hann J&oacute;hannsson und&nbsp;Friendship Survival Guide spricht, erfahren Sie im vollst&auml;ndigen Text in Wiltzies eigenen Worten, zusammengestellt aus einem Interview mit Piotr Orlov.)&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Parallel zur Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;erscheint am 18. September auch ein begleitender Kurzfilm in drei Kapiteln des belgischen Regisseurs Jonas Govaerts. Mit Wiltzie und dem Schauspieler Jeroen Perceval (Bullhead) in den Hauptrollen l&auml;sst sich der Film am besten als metaphysische n&auml;chtliche Taxifahrt beschreiben &ndash; als visuelle, nicht dokumentarische Begleitung zum Album. Die Szenen wurden in einem Studio in Gent und an einem trostlosen Bahnhof in Muizen gedreht.
Ab dem Ver&ouml;ffentlichungstag des Albums, dem 18. September, ist zugleich&nbsp; die Neuauflage von J&oacute;hannssons&nbsp;Orph&eacute;e als Crystal Clear Vinyl vorbestellbar. Es ist eines der erfolgreichsten Alben des Komponisten und feiert 2026 sein zehnj&auml;hriges Jubil&auml;um. Die Sonderedition erscheint am 16. Oktober.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Bevorstehende Live-Auff&uuml;hrungen von J&oacute;hann J&oacute;hannssons Musik finden beim Vancouver International Film Festival statt &ndash; am 9. Oktober 2026 im Chan Centre for the Performing Arts in Vancouver, British Columbia &ndash;, wo ein Orchester die Musik live zu Filmausschnitten aus&nbsp;Prisoners,&nbsp;Arrival,&nbsp;Sicario&nbsp;und&nbsp;Die Entdeckung der Unendlichkeit&nbsp;spielt. Eine weitere Auff&uuml;hrung ist f&uuml;r das Ambient Festival Cologne 2027 vorgesehen &ndash; Ort und Datum werden noch best&auml;tigt &ndash;, wo das Ensemble Musikfabrik&nbsp;Drone Mass auff&uuml;hren wird.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
Zu den bevorstehenden Nordamerika-Terminen von A Winged Victory for the Sullen z&auml;hlen das Vic Theatre in Chicago am 23. September 2026, The Concert Hall in Toronto am 25. September 2026, Pop Montr&eacute;al am 26. September 2026 sowie Pioneer Works in Brooklyn am 28. und 29. September 2026.

Floating Points veröffentlicht neuen Mere Mortals-Track Pandora’s Creation

Mere Mortals erscheint am 28. August 2026 in allen Formaten
Pandora&rsquo;s Creation wird am 24. Juli digital ver&ouml;ffentlicht&nbsp;
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Floating Points&nbsp;pr&auml;sentiert&nbsp;Pandora&rsquo;s Creation, den zweiten Track aus seinem kommenden Deutsche Grammophon Album&nbsp;Mere Mortals. Nach der Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Her Gift&nbsp;bietet die neue Single einen weiteren eindrucksvollen Einblick in Sam Shepherds genre&uuml;bergreifende Komposition, in der orchestrales Schreiben und elektronische Klangwelten zu einem vielschichtigen und immersiven Musikerlebnis verschmelzen.
Mere Mortals&nbsp;von Floating Points erscheint am&nbsp;28. August 2026. Das mit dem&nbsp;San Francisco Ballet Orchestra&nbsp;aufgenommene Album mit 14 Tracks enth&auml;lt Shepherds erste Ballettpartitur, die urspr&uuml;nglich von Tamara Rojo, der k&uuml;nstlerischen Leiterin des San Francisco Ballet, in Auftrag gegeben wurde. Das Werk interpretiert den Mythos von Pandora aus einer zeitgen&ouml;ssischen Perspektive neu und besch&auml;ftigt sich mit Themen wie Neugier, Ver&auml;nderung und der Beziehung des Menschen zu Technologie und Natur.
&Uuml;ber das Projekt sagt Shepherd: &bdquo;Bei Pandora geht es nicht darum, die H&ouml;lle auf die Erde zu bringen. Sie steht vielmehr f&uuml;r Neugier und Ver&auml;nderung.&ldquo; Diese neue Interpretation pr&auml;gt eine Partitur, die nahtlos zwischen lyrischen Orchesterpassagen, kraftvollen Bl&auml;serkl&auml;ngen und pulsierender Elektronik wechselt. So entsteht eine musikalische Erz&auml;hlung, die auf Tontr&auml;ger ebenso fesselnd ist wie auf der B&uuml;hne.
Floating Points wird bei der Europapremiere von&nbsp;Mere Mortals&nbsp;mit dem San Francisco Ballet beim&nbsp;Edinburgh International Festival 2026&nbsp;live auftreten: am 28. August mit dem Royal Scottish National Orchestra sowie bei weiteren Auff&uuml;hrungen am 29. und 30. August. Anschlie&szlig;end wird das Werk vom 9. bis 12. September mit der Royal Ballet Sinfonia im&nbsp;Sadler&rsquo;s Wells Theatre in London aufgef&uuml;hrt.

Daniil Trifonov veröffentlicht eigene Transkription von The Last of Us Thema als digitale Single

Pianist&nbsp;Daniil Trifonov&nbsp;ver&ouml;ffentlicht am&nbsp;24. Juli&nbsp;seine&nbsp;eigene&nbsp;Transkription&nbsp;von&nbsp;Gustavo Santaolallas&nbsp;Thema aus&nbsp;The Last of Us&nbsp;als digitale Single bei&nbsp;Deutsche Grammophon. In seiner Fassung &uuml;bertr&auml;gt Trifonov das urspr&uuml;nglich f&uuml;r Gitarre geschriebene Thema auf Klavier solo. Bekannt wurde es durch die international erfolgreiche Videospielreihe&nbsp;The Last of Us&nbsp;und ihre vielfach ausgezeichnete TV-Adaption.&nbsp;&nbsp;&nbsp; Die Single erscheint im Vorfeld von Trifonovs&nbsp;American Story-Projekts, dessen zweiter Teil,&nbsp;Mi Historia Americana, am&nbsp;2. Oktober&nbsp;erscheint.
Der argentinische Komponist und zweifache Oscar-Preistr&auml;ger Gustavo Santaolalla schuf mit dem Werk ein reduziertes, melancholisches Thema mit hohem Wiedererkennungswert. F&uuml;r Trifonov stand die atmosph&auml;rische Dichte des Originals im Zentrum; um sich der feinen Klangwelt der Gitarre anzun&auml;hern, arbeitete er bei der Transkription auch mit den Saiten des Klaviers. So entsteht ein Werk, welches die Pr&auml;gnanz des Themas bewahrt und die minimalistische Spannung neu f&uuml;r das Klavier ausdeutet.

Víkingur Ólafsson kündigt CONTINUUM II an,  sein neues Album mit Musik von J. S. Bach

&Oacute;lafssons Bearbeitung des Air aus der Orchestersuite Nr. 3: erste Single ab 17. Juli hier&nbsp;<a href="https://www.youtube.com/watch?v=pHmXD2jc3QU">anschauen</a>&nbsp;und&nbsp;<a href="https://dg.lnk.to/Continuum2">streamen</a>
Das Album erscheint am 6. November 2026 bei Deutsche Grammophon
Seit mehr als 30 Jahren spielt&nbsp;V&iacute;kingur &Oacute;lafsson&nbsp;t&auml;glich ein wenig Bach. &raquo;Bach ist zu meinem Tagebuch geworden&laquo;, sagt der Pianist. &raquo;Seine Musik zu spielen ist die eine Konstante in meinem Leben.&laquo; Dieses lebenslange Zwiegespr&auml;ch setzt sich mit&nbsp;CONTINUUM II&nbsp;fort, der zweiten Edition seines gefeierten&nbsp;CONTINUUM-Projekts und dem ersten Album, das ganz in seinem neuen isl&auml;ndischen Heimstudio&nbsp;The Nutshell&nbsp;aufgenommen wurde. Auf&nbsp;CONTINUUM II&nbsp;treffen Originalwerke f&uuml;r Tasteninstrument auf neue Bearbeitungen und Transkriptionen. Das Album erscheint bei&nbsp;Deutsche Grammophon am 6. November 2026&nbsp;digital, auf CD und als LP. Die erste Single &ndash; &Oacute;lafssons eigene Bearbeitung von Bachs Air aus der Orchestersuite Nr. 3 (Fassung f&uuml;r Fl&uuml;gel) &ndash; kommt am&nbsp;17. Juli&nbsp;heraus, gefolgt vom Larghetto aus dem Konzert Nr. 1 D-Dur BWV 972 (nach Vivaldi) am&nbsp;14. August.
&raquo;Ich hatte nie die Ausdauer, l&auml;nger als ein paar Wochen ein Tagebuch zu f&uuml;hren. Aber seit &uuml;ber 30 Jahren spiele ich t&auml;glich ein wenig Bach am Klavier. Das ist die eine Konstante in meinem Leben, ganz gleich was sonst gerade vor sich geht. Seine Musik zu spielen ist eine Art, die pers&ouml;nliche Erfahrung in Beziehung zum Universellen zu setzen. Selbst die eigene Verortung in Zeit und Raum wird dabei fast nebens&auml;chlich. Bach schrieb einige seiner gr&ouml;&szlig;ten Werke f&uuml;r ein sehr kleines Publikum, in einer Zeit, in der man ihn f&uuml;r altmodisch hielt, f&uuml;r einen Mann der Vergangenheit. Heute wissen wir, dass er in Wahrheit f&uuml;r uns alle komponierte, f&uuml;r die Zukunft. Wenn ich Bach spiele, werde ich daran erinnert, dass die historischen Epochen in der Musik nur Vorstellungen sind, die wir dem &uuml;berst&uuml;lpen, was im Kern ein Kontinuum ist: ein nie abrei&szlig;ender Faden, der uns alle verbindet, ein flie&szlig;endes Wasser, das durch uns hindurchstr&ouml;mt &ndash; was die Deutschen ja einen Bach nennen. Dieses Aufnahmeprojekt hei&szlig;t&nbsp;Continuum. Es ist mein pers&ouml;nliches Bach-Tagebuch, ein fortw&auml;hrendes Zwiegespr&auml;ch mit seiner Musik und eine Hommage an seine Kunst.&laquo;
&Oacute;lafsson ver&ouml;ffentlichte die erste Edition von&nbsp;CONTINUUM&nbsp;im Oktober 2024. Seither hat er f&uuml;r seine Einspielung von Bachs&nbsp;Goldberg-Variationen&nbsp;seinen ersten GRAMMY&reg; gewonnen, weltweit die Marke von einer Milliarde Streams &uuml;berschritten (die H&auml;lfte davon mit Bach-Repertoire) und The Nutshell gebaut: ein teakholzvert&auml;feltes Aufnahmestudio unter seinem Haus in Island, das sich auch aus der Ferne steuern l&auml;sst.
Als &Oacute;lafsson 40 wurde, begann er dar&uuml;ber nachzudenken, wie das n&auml;chste Jahrzehnt seines Lebens aussehen sollte. Eine Vorstellung sprach ihn besonders an, die Freiheit, ganz spontan Aufnahmen zu machen. &raquo;Wenn mich die Lust packt&laquo;, sagt er, &raquo;kann ich jetzt einfach sp&auml;t nachts im Schlafanzug nach unten in den Nutshell schlendern, ein paar Kn&ouml;pfe dr&uuml;cken und etwas aufnehmen.&laquo;
In genau diesem Spirit ist&nbsp;CONTINUUM II&nbsp;entstanden. Als &Oacute;lafssons erstes echtes &raquo;album domesticum&laquo; macht es sich Musik zum Thema, die mit dem Zuhause verbunden ist: intime, nachdenkliche Werke, die Bach von seiner pers&ouml;nlichsten Seite zeigen. Den Kern bilden sechs Chor&auml;le, die &Oacute;lafsson auf dem Klavier spielt, darunter&nbsp;Wie sch&ouml;n leuchtet der Morgenstern, BWV 436;&nbsp;Welt, ade!, BWV 27/VI; und&nbsp;Es ist genug, BWV 60/V.
&raquo;Ich habe sie noch nie als Klavieraufnahme geh&ouml;rt&laquo;, sagt &Oacute;lafsson. &raquo;Doch so offenbaren sie sich ganz neu. Besonders liebe ich, wie sie im zerbrechlichen Klang des Klaviers wirken.&laquo;
Es war der Produzent Christopher Tarnow, der vorschlug, eine Bearbeitung des fr&uuml;hen Orgelchoralvorspiels&nbsp;Erbarm dich mein, o Herre Gott&nbsp;aufzunehmen. &raquo;Ich hatte das noch nie geh&ouml;rt, muss ich zugeben. Bach schrieb es mit etwa 20, und als ich es zum ersten Mal spielte, war mir sofort klar, dass es die Art von Musik ist, die einen f&uuml;r immer begleitet. Seine trostlose Sch&ouml;nheit, seine schier unvorhersehbare Harmonik, sein Lamentoso-Charakter, der fast an ein Lied des 19. Jahrhunderts denken l&auml;sst &hellip; Wir k&ouml;nnen nicht wissen, was hinter der n&auml;chsten Ecke liegt, aber wir m&ouml;chten, dass Bach uns an die Hand nimmt und uns dorthin f&uuml;hrt. Es ist ein Werk, das ich, einmal begonnen, immer weiterspielen m&ouml;chte.&laquo;
F&uuml;r das Album nahm &Oacute;lafsson seine eigene Bearbeitung von Bachs Air aus der Orchestersuite Nr. 3 (auch bekannt als Air auf der G-Saite) auf dem Fl&uuml;gel und auf dem Klavier auf. Die Partitur widmete er Gy&ouml;rgy Kurt&aacute;g als Geschenk zu dessen 100. Geburtstag Anfang dieses Jahres.
Zu h&ouml;ren sind au&szlig;erdem das Largo aus dem Cembalokonzert Nr. 5 f-Moll; &Oacute;lafssons Bearbeitung des Adagios aus der Violinsonate Nr. 5 f-Moll f&uuml;r Klavier, Streichquartett und Kontrabass, eingespielt mit dem Siggi String Quartet und dem Bassisten Xun Yang; sowie das Larghetto aus dem Konzert Nr. 1 D-Dur, einer eigenen Bearbeitung Bachs nach einem Vivaldi-Original.
CONTINUUM II&nbsp;schlie&szlig;t mit sechs kurzen Pr&auml;ludien, die Bach als &Uuml;bungsst&uuml;cke f&uuml;r seine Sch&uuml;ler schrieb, darunter auch seine eigenen Kinder. Hier spiegelt sich der h&auml;usliche, intime Charakter des Albums. Trotz der K&uuml;rze, so &Oacute;lafsson, haben die St&uuml;cke eine bemerkenswerte Tiefe. &raquo;Jedes einzelne ist eine inspirierte Miniatur, eine musikalische Welt in sich. In dieser Einspielung auf dem Fl&uuml;gel wird mir einmal mehr deutlich, dass einige von Bachs tiefsten Gedanken zugleich zu seinen dichtesten z&auml;hlen.&laquo;
Die erfolgreiche Zusammenarbeit von &Oacute;lafsson mit Olafur Eliasson &ndash; seine Auff&uuml;hrung von Bachs&nbsp;Goldberg-Variationen&nbsp;beim Lucerne Festival Pulse, begleitet von Eliassons immersiver Lichtinstallation in Echtzeit &ndash; wird ab dem 18. Juli weltweit auf&nbsp;<a href="https://www.stage-plus.com/de/video/live_concert_9HKNCPA3DTN66PBIEHFJ2CPH6C">STAGE+</a>&nbsp;gestreamt.
Zu den kommenden H&ouml;hepunkten z&auml;hlen Recitals mit Bach, Beethoven und Schubert beim Edinburgh International Festival (22. August) und drei weitere in der Wigmore Hall in London (10.&ndash;12. September); eine Europatournee mit Beethovens Klavierkonzert Nr. 5, gemeinsam mit dem Royal Concertgebouw Orchestra und Santtu-Matias Rouvali, mit Stationen im Concertgebouw Amsterdam, beim Lucerne Festival, beim Grafenegg Festival und in der Philharmonie de Paris (26. August&ndash;3. September); die Urauff&uuml;hrung von Mark Simpsons Klavierkonzert mit dem London Philharmonic Orchestra und Edward Gardner in Londons Royal Festival Hall (23. Oktober); eine Recital-Tournee durch S&uuml;dkorea, China und Taiwan im Oktober und November sowie Brahms&rsquo; Klavierkonzert Nr. 1 mit den Berliner Philharmonikern und Kirill Petrenko in Baden-Baden (4. Dezember).

Jon Batiste – von Mozart zu Monk

Nachdem Jon Batiste sein kommendes Album &bdquo;Black Mozart&ldquo; vorgestellt hat, k&uuml;ndigt er nun zwei zeitgleich erscheinende Hommagen an ein anderes Musikgenie an: &bdquo;Monk Meditations&ldquo; und &bdquo;Monk Movements&ldquo;.

Was haben Wolfgang Amadeus Mozart und Thelonious Monk gemeinsam? F&uuml;r die meisten Musikliebhaber au&szlig;er einer sch&ouml;nen Alliteration sicher zun&auml;chst einmal nichts. Der eine gilt als Inbegriff der europ&auml;ischen Klassik, der andere als revolution&auml;rer Jazzpianist.&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste" target="_blank" rel="noopener">Jon Batiste</a> sieht das anders. Mit seinen neuen Piano-Alben <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/diskografie/black-mozart-excl-colored-lp-signed-art-card-1293161" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Black Mozart&ldquo;</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/diskografie/monk-meditations-excl-colored-lp-signed-art-card-1293160" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Monk Meditations&ldquo;</a> und <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/diskografie/monk-movements-excl-colored-lp-signed-art-card-1293158" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Monk Movements&ldquo;</a>, die alle am&nbsp;14. August erscheinen, schl&auml;gt der Grammy- und Oscar-Preistr&auml;ger eine Br&uuml;cke zwischen zwei Musikwelten, die ihrer kreativen Kraft nach enger miteinander verbunden sind, als es auf den ersten Blick scheint. Nachdem er bereits mit einem Vorgeschmack auf seine ungew&ouml;hnlichen Mozart-Interpretationen hat aufh&ouml;ren lassen, gibt er jetzt mit <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/3dMZmG47IGKlzmzHw8Aixc?si=gedIYO0cQIKNZZJ3CPavYA" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Always Know&ldquo;</a> und <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/4HrOeyHZ3nAH4gFzAbqieK?si=893p7iZATjacW1Q7uKYBTw" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Susu's Back In Town&ldquo;</a> einen ersten Einblick in seine beiden Monk-Alben.
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<h3 class="MsoNormal">Jon Batiste denkt Musik neu</h3>
Mit <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/diskografie/beethoven-blues-batiste-piano-series-vol-1-lp-1091601" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Beethoven Blues&ldquo;</a> begann Jon Batiste 2024 seine Batiste Piano Series und &uuml;berraschte Publikum und Kritik gleicherma&szlig;en. Anstatt klassische Werke m&ouml;glichst originalgetreu nachzuspielen, &uuml;bersetzte er Beethoven in die Sprache von Blues, Gospel und Jazz. Das Album erreichte Platz eins der Billboard Classical Charts und zeigte eindrucksvoll, dass gro&szlig;e Musik keine stilistischen Grenzen kennt.
Diesen Gedanken f&uuml;hrt Batiste nun konsequent weiter. Statt Klassik und Jazz als getrennte Welten zu betrachten, macht er ihre gemeinsamen Wurzeln h&ouml;rbar und versteht Musik als fortlaufendes Gespr&auml;ch &uuml;ber Generationen hinweg.
<h3 class="MsoNormal">Mozart und Monk &ndash; n&auml;her verwandt als gedacht</h3>
Im Mittelpunkt der drei im August erscheinenden Alben stehen zwei Komponisten, die selten in einem Atemzug genannt werden:&nbsp;Wolfgang Amadeus Mozart und Thelonious Monk.&nbsp;F&uuml;r Jon Batiste verk&ouml;rpern beide au&szlig;ergew&ouml;hnliche musikalische Pers&ouml;nlichkeiten. Beide entwickelten eine unverwechselbare musikalische Sprache, verbanden h&ouml;chste kompositorische Komplexit&auml;t mit scheinbarer Leichtigkeit und schufen Werke, die bis heute Menschen weit &uuml;ber ihr urspr&uuml;ngliches Publikum hinaus erreichen. Mozart steht f&uuml;r ihn ebenso wie Monk f&uuml;r eine Musik, die zugleich intellektuell anspruchsvoll und unmittelbar zug&auml;nglich ist.
Batiste beschreibt seine drei neuen Alben deshalb als &bdquo;ein musikalisches Gespr&auml;ch zwischen Monk und Mozart &ndash; mit mir am Klavier.&ldquo;
<h3 class="MsoNormal">Drei Alben, drei Perspektiven</h3>
Mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-black-mozart-batiste-piano-series-vol-2-116879" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Black Mozart&ldquo;</a> interpretiert Jon Batiste einige der bekanntesten Werke Mozarts neu. Jazz, Blues, Gospel und afroamerikanische Musiktraditionen verschmelzen mit den ber&uuml;hmten Melodien des Wiener Klassikers, ohne dessen musikalische Identit&auml;t zu verlieren. Entstanden ist ein zeitloser Dialog zwischen zwei Epochen.
Die beiden Monk-Alben verfolgen dagegen unterschiedliche Ans&auml;tze. <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-movements-116881" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Monk Movements&ldquo;</a> verwandelt klassische Kompositionen des Jazzpioniers in gro&szlig;formatige, zeitgen&ouml;ssische Klavierwerke. <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-meditations-116884" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Monk Meditations&ldquo;</a> reduziert Monks Musik auf ihre essenziellen Klangfarben und schafft daraus atmosph&auml;rische, fast meditative Klanglandschaften &ndash; nach Batistes eigener Aussage das erste Meditationsalbum, das vollst&auml;ndig von Thelonious Monk inspiriert wurde.
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<h3 class="MsoNormal">Ein Pianist zwischen allen Welten</h3>
Jon Batiste geh&ouml;rt zu den vielseitigsten Musikern seiner Generation. Der mehrfach mit Grammy, Oscar und Emmy ausgezeichnete Pianist, Komponist und Produzent bewegt sich seit Jahren m&uuml;helos zwischen Jazz, Klassik, Pop, Soul und Filmmusik. Seine Arbeit reicht von preisgekr&ouml;nten Filmmusiken wie &bdquo;Soul&ldquo; &uuml;ber Kollaborationen mit K&uuml;nstlern unterschiedlichster Genres bis hin zu seiner langj&auml;hrigen Rolle als musikalischer Leiter der Late Show with Stephen Colbert.
Die Batiste Piano Series f&uuml;hrt all diese Einfl&uuml;sse auf ihren Ursprung zur&uuml;ck: das Klavier. Wer bislang glaubte, Wolfgang Amadeus Mozart und Thelonious Monk h&auml;tten musikalisch nichts gemeinsam, d&uuml;rfte nach diesen drei Alben seine Sichtweise grundlegend &uuml;berdenken. Jon Batiste beweist, dass gro&szlig;e Musik keine Genregrenzen kennt, sondern vor allem Neugier, Fantasie und den Mut, Verbindungen dort zu entdecken, wo andere nur Unterschiede sehen.

Der mehrfach ausgezeichnete Komponist Yu-Peng Chen veröffentlicht sein erstes Klassikalbum bei Deutsche Grammophon

The Poem of Life das neue Album bei Deutsche Grammophon
Das Album erscheint am 25.&nbsp;September 2026
H&ouml;ren Sie&nbsp;<a href="https://dg.lnk.to/thepoemoflife">hier</a>&nbsp;Waltz of the Fireflies&nbsp;und&nbsp;Overture: The Flavors of Life
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Berlin, 03. Juli 2026&nbsp;-&nbsp;Deutsche Grammophon&nbsp;ver&ouml;ffentlicht&nbsp;The Poem of Life, das neue Album des Komponisten, Pianisten und Produzenten&nbsp;Yu-Peng Chen. Internationale Bekanntheit erlangte Chen vor allem durch seine Musik f&uuml;r das weltweit erfolgreiche Videospiel&nbsp;Genshin Impact.&nbsp;The Poem of Life&nbsp;kommt am&nbsp;25. September&nbsp;digital, auf CD und auf LP heraus.
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Mit diesem Album widmet sich Chen einem pers&ouml;nlicheren k&uuml;nstlerischen Projekt:&nbsp;The Poem of Life&nbsp;ist eine&nbsp;12-s&auml;tzige sinfonische Suite f&uuml;r Klavier und Orchester, die verschiedene Lebensphasen musikalisch nachzeichnet und dabei Reflexion, Ausdruck und erz&auml;hlerische Gestaltung in den Mittelpunkt stellt. Das Werk markiert eine neue Richtung in Chens Schaffen. Es vereint Chens Erfahrung als Komponist f&uuml;r Videospiele mit einer pers&ouml;nlichen, auf den Konzertsaal ausgerichteten Tonsprache.
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Die Aufnahme entstand gemeinsam mit dem&nbsp;Shanghai Philharmonic Orchestra&nbsp;unter der Leitung von&nbsp;Zhang Liang. Das Album verbindet die Tradition der westlichen Sinfonik mit dem jahrhundertealten chinesischen Musikerbes, indem Chen traditionelle Instrumente wie&nbsp;Guzheng, Erhu, Pipa und Sheng&nbsp;einsetzt sowie die Stimmen der renommierten chinesischen Operns&auml;nger&nbsp;Yi Li&nbsp;und&nbsp;Zhengzhong Zhou&nbsp;erklingen. Yu-Peng Chen selbst ist auf der Aufnahme als Solist am Fl&uuml;gel zu h&ouml;ren und musiziert in ausgew&auml;hlten Werken f&uuml;r zwei Klaviere gemeinsam mit&nbsp;Yixuan Wei. Als Gastsolisten sind au&szlig;erdem der renommierte Geiger&nbsp;Daniel Hope, der virtuose Mandolinist&nbsp;Avi Avital&nbsp;und Cellist&nbsp;Philipp Schupelius&nbsp;zu h&ouml;ren.
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The Poem of Life&nbsp;versteht sich als tiefgr&uuml;ndige Auseinandersetzung mit der universellen Erfahrung des Menschseins. Die Suite zeichnet einen emotionalen und spirituellen Bogen &ndash; von der Geburt &uuml;ber die Kindheit und das Erwachsenenalter bis hin zum Abschied vom Leben. Mit lyrischen Melodien und farbenreichen Orchesterkl&auml;ngen l&auml;dt Chen die H&ouml;rer:innen dazu ein, &uuml;ber ihre eigenen Erinnerungen und Lebenserfahrungen nachzudenken. Wie der Komponist erkl&auml;rt, soll das Album als &bdquo;Gef&auml;&szlig;&ldquo; f&uuml;r die Emotionen dienen, die die menschliche Erfahrung pr&auml;gen.
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Mit&nbsp;The Poem of Life&nbsp;pr&auml;sentiert Yu-Peng Chen ein pers&ouml;nliches Werk, das sein Talent f&uuml;r musikalisches Storytelling zeigt. Das Album schl&auml;gt Br&uuml;cken zwischen unterschiedlichen musikalischen Traditionen, Genres und Publikumskreisen und l&auml;dt die H&ouml;rer:innen auf eine gemeinsame Reise ein, gepr&auml;gt von der verbindenden Kraft von Musik.
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&Uuml;ber Yu-Peng Chen
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Yu-Peng Chen ist ein international gefeierter Komponist, Pianist und Produzent. Seine Musik zeichnet sich durch eing&auml;ngige Melodien sowie die Verbindung westlicher Orchestermusik mit asiatischen Musikeinfl&uuml;ssen aus. Weltweite Bekanntheit erlangte er durch seine Kompositionen f&uuml;r&nbsp;Genshin Impact, die Milliarden von Streams verzeichneten.
Der Absolvent des&nbsp;Shanghai Conservatory of Music&nbsp;komponierte au&szlig;erdem f&uuml;r Film, Fernsehen und Videospiele, erhielt zahlreiche Auszeichnungen und arbeitete mit renommierten Orchestern wie dem&nbsp;London Philharmonic Orchestra&nbsp;und dem&nbsp;Shanghai Symphony Orchestra&nbsp;zusammen. Im Jahr&nbsp;2025&nbsp;schrieb er Geschichte als&nbsp;erster chinesischer Komponist mit einem Exklusivvertrag bei Deutsche Grammophon. Seither widmet er sich verst&auml;rkt gro&szlig; angelegten Orchesterwerken, darunter dem Album&nbsp;FANTASYLAND sowie weiteren kommenden Projekten.

Matthias Goerne und Markus Hinterhäuser  veröffentlichen das Album Zwielicht

&raquo;In diesem Liederkreis-Zyklus, op. 39, versenken sich Hinterh&auml;user und Goerne ganz und gar in eine Welt.&laquo;
S&uuml;ddeutsche Zeitung
Vom &raquo;Liederjahr&laquo; 1840 bis zu Schumanns letzten Vertonungen 1852
Zwielicht&nbsp;erscheint digital und als CD am 24. Juli 2026 bei Deutsche Grammophon
Matthias Goerne, einer der weltweit f&uuml;hrenden Liedinterpreten, legt mit&nbsp;Zwielicht&nbsp;sein neues Album bei&nbsp;Deutsche Grammophon&nbsp;vor. Gemeinsam mit dem Pianisten&nbsp;Markus Hinterh&auml;user&nbsp;hat er Schumanns&nbsp;Liederkreis&nbsp;op. 39 nach Gedichten von Joseph von Eichendorff, drei der vier&nbsp;Ges&auml;nge des Harfners&nbsp;aus op. 98a (Lieder und Ges&auml;nge aus &rsaquo;Wilhelm Meister&lsaquo;) und die f&uuml;nf&nbsp;Gedichte der K&ouml;nigin Maria Stuart&nbsp;op. 135 eingespielt.&nbsp;Zwielicht&nbsp;erscheint digital und als CD am&nbsp;24. Juli 2026.
Goerne und Hinterh&auml;user arbeiten seit 2014 als Lied-Duo zusammen, insbesondere mit Schuberts&nbsp;Winterreise&nbsp;in der gefeierten Produktion mit Animationen von William Kentridge, die sie um die Welt f&uuml;hrte. Das Repertoire von&nbsp;Zwielicht&nbsp;haben sie zwischen 2018 und 2022 mehrfach im Konzert vorgestellt &ndash; u.&nbsp;a. bei den Salzburger Festspielen, im Wiener Konzerthaus und im M&uuml;nchner Prinzregententheater. &raquo;An Goernes Stimme k&ouml;nnen sich verzagte Gem&uuml;ter laben&laquo;, schrieb&nbsp;Der Standard. Hinterh&auml;user, langj&auml;hriger Klavierpartner Brigitte Fassbaenders, ist zugleich ein gefragter Interpret zeitgen&ouml;ssischer Musik &ndash; von der Zweiten Wiener Schule bis zu Feldman und Nono. Im Sommer 2026 sind Goerne und Hinterh&auml;user bei den Salzburger Festspielen mit einem reinen Schubert-Programm zu erleben.
Die Werke auf&nbsp;Zwielicht&nbsp;spannen einen Bogen &uuml;ber zw&ouml;lf Jahre Schumann&rsquo;schen Liedschaffens &ndash; vom strahlenden &raquo;Liederjahr&laquo; 1840 bis zum Zusammenbruch des Komponisten. Den Eichendorff-Liederkreis&nbsp;notierte Schumann in nur drei Maiwochen 1840, im Jahr seiner Hochzeit mit Clara Wieck, als rund 140 Lieder entstanden. Wo Heinrich Heine den Komponisten in fiebrige Selbstbetrachtung treibt, findet er bei Eichendorff den S&auml;nger romantischer Naturbilder &ndash; Stoff f&uuml;r Lieder wie &raquo;Mondnacht&laquo;, &raquo;Auf einer Burg&laquo; und das titelgebende &raquo;Zwielicht&laquo;.
1849 vertont Schumann die&nbsp;Ges&auml;nge des Harfners&nbsp;aus Goethes&nbsp;Wilhelm Meister&nbsp;&ndash; parallel zu seiner Arbeit an den&nbsp;Faust-Szenen. Die Tonsprache ist nun eine andere: An die Stelle lyrischer Eingebung tritt ein fragender, sezierender Blick; aus den Liedern des umherwandernden Harfners werden Selbstgespr&auml;che schmerzhafter Innerlichkeit.
Noch karger ist Schumanns letzter Liederzyklus, die&nbsp;Gedichte der K&ouml;nigin Maria Stuart, geschrieben im Dezember 1852. Die f&uuml;nf Gedichte begleiten Maria Stuart vom &raquo;Abschied von Frankreich&laquo; bis zum &raquo;Gebet&laquo; vor der Hinrichtung. Schumann setzt die Verse beinahe rezitativisch &ndash; eine &auml;u&szlig;erst reduzierte Musik, die dem Tod ins Auge sieht.
Zwielicht&nbsp;setzt Goernes Lied-Reihe bei Deutsche Grammophon fort. Sie ist in den vergangenen Jahren mit&nbsp;Beethoven Lieder&nbsp;(mit Jan Lisiecki, 2020),&nbsp;Im Abendrot&nbsp;(mit Seong-Jin Cho, 2021),&nbsp;Lieder&nbsp;(mit Daniil Trifonov, 2022) und&nbsp;Schubert Revisited (mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, 2023) zu einem der bemerkenswertesten Lied-Projekte unserer Zeit gewachsen.

David Garrett – Deutsche Grammophon  kündigt neues Album Immortal an

Garrett pr&auml;sentiert neu-arrangierte Werke von einigen der gr&ouml;&szlig;ten Komponisten der Musikgeschichte
Immortal&nbsp;erscheint am 9. Oktober 2026
Puccini: Nessun Dorma&nbsp;ist als erste Single ab dem 26. Juni 2026 verf&uuml;gbar
H&ouml;ren Sie&nbsp;Puccini: Nessun Dorma
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Berlin, 19. Mai 2026&nbsp;&mdash; Der deutsch-amerikanische Violinist&nbsp;David Garrett&nbsp;ver&ouml;ffentlicht mit&nbsp;Immortal&nbsp;sein neues Album bei&nbsp;Deutsche Grammophon, das ein zutiefst pers&ouml;nliches und zugleich sehr ambitioniertes Projekt ist. Ausgehend von der festen &Uuml;berzeugung, dass Musik die Zeit &uuml;berdauert, widmet sich Garrett auf&nbsp;Immortal&nbsp;einigen der bedeutendsten Komponisten der Geschichte wie W. A. Mozart, Claude Debussy und John Williams.
Das Album erscheint am&nbsp;9. Oktober 2026&nbsp;und wird digital sowie physisch als CD und Vinyl erh&auml;ltlich sein.
Nach dem gro&szlig;en Erfolg seines letzten Klassik Albums&nbsp;Iconic&nbsp;(2022), das mit Gold ausgezeichnet wurde, markiert&nbsp;Immortal&nbsp;einen wichtigen neuen Abschnitt in David Garretts k&uuml;nstlerischer Entwicklung.
&bdquo;Wenn wir &uuml;ber Dinge sprechen, die Unsterblichkeit nahekommen, dann geh&ouml;rt Kunst &ndash; insbesondere Musik &ndash; zweifellos dazu&ldquo;, sagt David Garrett. &bdquo;In den vergangenen zw&ouml;lf Monaten habe ich es mir zur Aufgabe gemacht, jedem einzelnen Komponisten auf dem Album gerecht zu werden.&ldquo;
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Immortal&nbsp;umfasst in der Standardversion 20 Titel, in der Deluxe-Edition 25. Jedes St&uuml;ck wurde mit gr&ouml;&szlig;ter Sorgfalt ausgearbeitet und spiegelt Garretts tiefes musikalisches Verst&auml;ndnis sowie seinen Anspruch an Authentizit&auml;t wider.
&bdquo;Ich bin stolz darauf, sagen zu k&ouml;nnen, dass dieses Projekt zu 100 % handgemacht ist&ldquo;, erg&auml;nzt er. &bdquo;Ich hoffe, dass die H&ouml;rerinnen und H&ouml;rer nicht nur den Klang genie&szlig;en, sondern auch die menschliche Pr&auml;senz in der Musik sp&uuml;ren.&ldquo;
Garrett hat s&auml;mtliche Arrangements des Albums selbst erstellt. Unterst&uuml;tzt wurde er von den Co-Arrangeuren Franck van der Heijden und John Haywood, die zus&auml;tzliche Tiefe und klangliche Vielfalt in die orchestralen Arrangements bringen.
Eingespielt wurde das Album gemeinsam mit dem Orchester The Prezent sowie dem Pianisten Julien Quentin, deren Energie und Ausdruckskraft den Klang des Albums ma&szlig;geblich pr&auml;gen.
Mit&nbsp;Immortal&nbsp;ehrt David Garrett nicht nur die zeitlosen Werke der Vergangenheit, sondern unterstreicht zugleich die anhaltende Bedeutung von Musik in der heutigen Zeit, die von k&uuml;nstlerischer Individualit&auml;t und handwerklicher Qualit&auml;t gepr&auml;gt ist. Das Album verbindet Generationen, steht f&uuml;r Authentizit&auml;t und strebt &ndash; ganz seinem Titel entsprechend &ndash; nach zeitloser G&uuml;ltigkeit.
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Ab Februar 2027 geht David Garrett mit Immortal auf weltweite Tournee.

David Garrett und Immortal: Ein Geiger auf der Suche nach dem Unvergänglichen

Es gibt diese Momente, in denen ein einziger Ton mehr erz&auml;hlt als ein ganzes Buch. Genau solche Momente sammelt&nbsp;<a href="https://www.universal-music.de/davidgarrett">David Garrett</a>&nbsp;auf seinem neuen Album Immortal, das am 09.10.2026 bei Deutsche Grammophon erscheint und ab sofort vorbestellbar ist. Der Geiger, der auf seinem K&uuml;nstlerprofil l&auml;ngst m&uuml;helos zwischen Konzertsaal und Stadionb&uuml;hne pendelt, stellt mit diesem Werk eine Frage, die so alt ist wie die Musik selbst: Was bleibt, wenn alles andere vergeht? Seine Antwort tr&auml;gt einen Namen, der Programm ist.
<h2>Immortal: David Garrett bespielt die gro&szlig;en Meister der Musik</h2>
Hinter dem Titel steckt keine stumpfe Marketing-Idee, sondern eine Frage, die Garrett schon lange begleitet: Was von dem, was wir schaffen, hat wirklich Bestand? Seine Antwort formuliert er selbst mit entwaffnender Klarheit. Wenn wir &uuml;ber Dinge sprechen, die der Unsterblichkeit nahekommen, dann ist es die Kunst und insbesondere die Musik, die die Zeit &uuml;berdauert und der Idee von Unsterblichkeit am n&auml;chsten kommt. Aus dieser &Uuml;berzeugung ist ein Album gewachsen, das dem bleibenden Verm&auml;chtnis der klassischen Musik gewidmet ist und von der festen Annahme ausgeht, dass Musik die Zeit &uuml;berdauern kann. Statt die alten Werke museal zu konservieren, geht Garrett wie immer schon einen mutigeren Weg:
Er interpretiert die St&uuml;cke aus einer zeitgen&ouml;ssischen und zugleich zutiefst menschlichen Perspektive neu. Das Ziel ist ausdr&uuml;cklich kein Nostalgietrip, sondern ein Album, das Generationen verbinden, f&uuml;r Authentizit&auml;t stehen und, ganz seinem Titel entsprechend, nach zeitloser G&uuml;ltigkeit streben soll.
<h2>Welche Lieder sind auf dem neuen David Garret Album zu erwarten?</h2>
Die Kompositionsliste liest sich wie ein Streifzug durch mehr als drei Jahrhunderte Musikgeschichte. Im Zentrum stehen Wolfgang Amadeus Mozart, Claude Debussy und John Williams, flankiert von Johann Sebastian Bach, Felix Mendelssohn, Peter Tschaikowsky, Francisco Maria Veracini und Johannes Brahms sowie Jean Sibelius. Garrett spannt damit einen Bogen vom Barock &uuml;ber Klassik und Romantik bis zur gro&szlig;en Filmmusik der Gegenwart, und behandelt einen Hollywood-Score mit derselben Ernsthaftigkeit wie ein Konzert aus dem 18. Jahrhundert.
Konkret wird das Ganze am 09.10.2026. Das Album erscheint digital, auf CD und auf Vinyl und ist zus&auml;tzlich in Dolby Atmos verf&uuml;gbar, was den Arrangements gerade im Heimkino oder mit gutem Kopfh&ouml;rer eine beeindruckende R&auml;umlichkeit verleiht. Zur Auswahl stehen zwei Umf&auml;nge: Die Standardversion umfasst 20 Titel, die Deluxe-Edition 25.
F&uuml;r Garrett bedeutet Immortal zugleich eine bewusste R&uuml;ckkehr. Nachdem er sich zuletzt auf Millennium Symphony symphonischen Neuinterpretationen bekannter Pop- und Rocksongs gewidmet hatte, legt er nun wieder ein reines Klassik-Album vor. Es ist damit die logische Fortschreibung des Wegs, den er 2022 mit dem mit Gold ausgezeichneten Album Iconic eingeschlagen hat, nur eine Spur pers&ouml;nlicher und kompromissloser.
<h2>Nessun Dorma und die Handschrift hinter Immortal</h2>
Wer wissen will, wohin die Reise geht, hat den ersten Vorgeschmack l&auml;ngst im Ohr. Als Vorab-Single erschien am 26.06.2026 Garretts Neuinterpretation von Puccinis Turandot-Arie Nessun Dorma, die er selbst gemeinsam mit John Haywood bearbeitet hat. Das Besondere zieht sich durch das gesamte Album, denn hier hat niemand am Rei&szlig;brett abgek&uuml;rzt. Garrett hat s&auml;mtliche Arrangements selbst erstellt, unterst&uuml;tzt von den Co-Arrangeuren Franck van der Heijden und John Haywood.
Eingespielt wurde das Album gemeinsam mit dem Orchester The Prezent sowie dem Pianisten Julien Quentin, deren Energie und Ausdruckskraft den Klang ma&szlig;geblich pr&auml;gen. Kein Wunder, dass Garrett besonders stolz auf einen Punkt ist: Er beschreibt das Projekt als zu 100 Prozent handgemacht und hofft, dass die H&ouml;rerinnen und H&ouml;rer nicht nur den Klang genie&szlig;en, sondern auch die menschliche Pr&auml;senz in der Musik sp&uuml;ren.
<h2>Vinyl, Onyx CD und Fanbox: die Immortal Editionen im &Uuml;berblick</h2>
Neben der Standard-CD und der CD Deluxe gibt es die dunkle&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett/products/david-garrett-immortal-119905">Onyx CD</a>, die schon optisch etwas hermacht. Das Prunkst&uuml;ck im Regal ist die&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett/products/david-garrett-immortal-118702">2LP Picture Disc Vinyl mit signierter Artcard</a>, w&auml;hrend es die reine Picture Disc auch ohne Autogramm gibt. Wer alles will, greift zur&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett/products/david-garrett-immortal-118714">limitierten Fanbox</a>, die ebenfalls eine signierte Artcard enth&auml;lt.
Ein kleiner Hinweis f&uuml;r Schnellentschlossene: Eine besonders exklusive Onyx-Variante mit pers&ouml;nlicher Botschaft ist bereits vor Release ausverkauft. Alle Editionen findest du geb&uuml;ndelt in der&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett">David Garrett Collection bei Deutsche Grammophon</a>.
<h2>David Garrett live: Immortal geht auf Tour!</h2>
Ein Album wie dieses will nicht nur geh&ouml;rt, sondern erlebt werden. Ab Februar 2027 geht David Garrett mit Immortal auf weltweite Tournee. Damit setzt der Geiger, der weltweit mehr als f&uuml;nf Millionen Alben verkauft hat, seine Doppelrolle als Klassik-Virtuose und Publikumsmagnet konsequent fort. Wie beweglich er zwischen den Welten wandert, zeigte zuletzt sein Crossover-Projekt, das du auf der&nbsp;<a href="https://www.universal-music.de/davidgarrett/musik/millennium-symphony-1044744">Release-Seite zu Millennium Symphony</a>&nbsp;noch einmal nachh&ouml;ren kannst.
Mit Immortal schlie&szlig;t sich f&uuml;r ihn nun ein Kreis zur&uuml;ck zur reinen Klassik. Wer beim Startschuss am 09.10.2026 dabei sein will, sichert sich seine Wunschedition am besten jetzt im Vorverkauf!

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