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Hildur Guðnadóttir erweckt auf This Will Be Us zwei Jahrzehnte ihres musikalischen Schaffens zu neuem Orchesterleben

Ein lang gehegter Orchestertraum wird Wirklichkeit &ndash; jetzt bei Deutsche Grammophon erh&auml;ltlich
Die Oscar-pr&auml;mierte Komponistin und Cellistin Hildur Gu&eth;nad&oacute;ttir ver&ouml;ffentlicht heute, am 23. Oktober 2026, ihr neues Deutsche-Grammophon-Album This Will Be Us. Zwanzig Jahre nach ihrem Deb&uuml;talbum Mount A vereint die Aufnahme Orchesterfassungen von acht St&uuml;cken aus ihren fr&uuml;hen Soloalben mit zwei neuen Kompositionen. Ebenfalls ab sofort zu sehen ist das Video zu &bdquo;The Song That Never Was&ldquo;, einem der beiden neuen Werke des Albums.
Auf This Will Be Us ist Gu&eth;nad&oacute;ttir als Solocellistin gemeinsam mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin unter der Leitung von Robert Ames zu h&ouml;ren. Dabei kehrt sie zur intimen musikalischen Welt von Mount A (2006), Without Sinking (2009) und Saman (2014) zur&uuml;ck und erschlie&szlig;t diese mit den klanglichen M&ouml;glichkeiten eines gro&szlig;en Orchesters neu. Gu&eth;nad&oacute;ttir produzierte das Album auch selbst; Aufnahme, Mix und Mastering &uuml;bernahm ihr langj&auml;hriger Weggef&auml;hrte Francesco Donadello.
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&bdquo;The Song That Never Was&ldquo; ist neben &bdquo;Blind Sarabande&ldquo; eine von zwei neuen Kompositionen auf dem Album. Dar&uuml;ber hinaus enth&auml;lt es neu gestaltete Fassungen von &bdquo;In Gray&ldquo;, &bdquo;Ascent&ldquo;, &bdquo;Erupting Light&ldquo;, &bdquo;Opaque&ldquo;, &bdquo;Overcast&ldquo;, &bdquo;Unveiled&ldquo;, &bdquo;B&aelig;r&ldquo; und &bdquo;Birting&ldquo;.
F&uuml;r Gu&eth;nad&oacute;ttir erf&uuml;llt sich mit diesem Projekt ein Wunsch, der bis zu ihren fr&uuml;hesten Aufnahmen zur&uuml;ckreicht. &bdquo;Als ich versuchte, ganz allein ein Streichorchester zu sein, tr&auml;umte ich immer davon, mehr Menschen zu haben, die mit mir spielen&ldquo;, sagt sie. &bdquo;Ich beschloss, meinem j&uuml;ngeren Ich zum Jubil&auml;um das Geschenk zu machen, diese Musik von einem Orchester gespielt zu h&ouml;ren.&ldquo;
Das Album enth&auml;lt Begleittexte von Gu&eth;nad&oacute;ttir und der Filmemacherin Sarah Polley. Das Cover zeigt &Oacute;lafur El&iacute;assons Werk The purple sun for Hildur (2026). Bekannt f&uuml;r ihre preisgekr&ouml;nten Filmmusiken zu Joker und Chernobyl, kehrt Gu&eth;nad&oacute;ttir hier zu jener zutiefst pers&ouml;nlichen Musik zur&uuml;ck, mit der sie ihre unverwechselbare Stimme als Solok&uuml;nstlerin entwickelte.
Die Ver&ouml;ffentlichung wird mit besonderen Auff&uuml;hrungen von This Will Be Us am 25. Oktober in der Berliner Philharmonie und am 5. Februar 2027 im De Singel in Antwerpen gefeiert; weitere Termine sollen folgen. Der Film UNDER, in dessen Mittelpunkt Gu&eth;nad&oacute;ttir steht und der bereits auf ARTE.tv verf&uuml;gbar ist, feiert morgen, am 24. Oktober, seine Premiere auf STAGE+ und nimmt das Publikum mit auf eine filmische und musikalische Reise rund um die isl&auml;ndische Komponistin.
This Will Be Us &ndash; Live-Termine: <a href="https://www.berliner-philharmoniker.de/konzerte/kalender/57317/">25. Oktober &ndash; Berliner Philharmonie, Berlin</a> <a href="https://desingel.be/en/programme/music/hildur-guonadottir-bryggen-this-will-be-us">5. Februar 2027 &ndash; De Singel, Antwerpen</a>
UNDER &ndash; Premierentermine: <a href="https://www.arte.tv/de/videos/132656-000-A/hildur-gu-nadottir-unterwassermusik/">Jetzt verf&uuml;gbar &ndash; ARTE.tv</a> <a href="https://www.stage-plus.com/de/video/live_concert_9HKNCPA3DTN66PBIEHFJ2D1H74">24. Oktober &ndash; STAGE+</a>
Eine filmische und musikalische Reise rund um die Oscar-pr&auml;mierte isl&auml;ndische Komponistin Hildur Gu&eth;nad&oacute;ttir.
Oktober 2026

Ein bedeutender Meilenstein: Andris Nelsons und die Wiener Philharmoniker präsentieren ihre Gesamteinspielung Mahler: The Symphonies

Die Einspielung aller zehn Symphonien ist am 23. Oktober 2026 digital und als 12-CD-Box erschienen
S&auml;mtliche Aufnahmen entstanden live zwischen 2018 und 2026
Mit renommierten Solist:innen und drei Chorensembles in den Symphonien Nr. 2, 3 und 8
&bdquo;Die Musik von Gustav Mahler geh&ouml;rt zur DNA der Wiener Philharmoniker.&ldquo;
- Prof. Daniel Froschauer, Vorstand der Wiener Philharmoniker. 
Deutsche Grammophon ver&ouml;ffentlichte am 23. Oktober 2026 die 12-CD-Box Mahler: The Symphonies mit den Wiener Philharmonikern unter der Leitung von Andris Nelsons. Die Edition vereint alle zehn Symphonien Gustav Mahlers; s&auml;mtliche Aufnahmen entstanden live zwischen 2018 und 2026. Mit der Ver&ouml;ffentlichung erreicht das achtj&auml;hrige gemeinsame Auff&uuml;hrungs- und Aufnahmeprojekt von Orchester und Dirigent seinen glanzvollen Abschluss. Die Verbindung von Nelsons&rsquo; tiefem Engagement f&uuml;r dieses Repertoire mit dem legend&auml;ren Klang der Wiener Philharmoniker und ihrer langen Mahler-Interpretationstradition machen den Zyklus zu einem der wahrscheinlich bedeutendsten Mahler-Projekten unserer Zeit.
Der Zyklus kn&uuml;pft unmittelbar an die enge, langj&auml;hrige k&uuml;nstlerische Partnerschaft der Wiener Philharmoniker zu Gustav Mahler an, dem &ouml;sterreichischen Komponisten und ehemaligen Direktor der Wiener Hofoper. Das Orchester brachte einige seiner Werke zur Urauff&uuml;hrung und spielt bis heute aus historischem Notenmaterial aus Mahlers Zeit. Nelsons und das Orchester arbeiten seit 15 Jahren eng zusammen und haben f&uuml;r Deutsche Grammophon bereits einen <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/beethoven-the-symphonies-nelsons-9271">Beethoven-Zyklus</a> aufgenommen.
An den Einspielungen wirkt ein hochkar&auml;tiges Solist:innen-Ensemble mit: Die Sopranistinnen Lucy Crowe, Ying Fang, Christiane Karg, Sarah Wegener und Jacquelyn Wagner sowie Mezzosopranistin Ekaterina Gubanova, die Altistinnen Wiebke Lehmkuhl und Tamara Mumford, Tenor Benjamin Bruns, Bariton Michael Nagy und Bass Tareq Nazmi. Die Chorpartien in den Symphonien Nr. 2, 3 und 8 &uuml;bernehmen der Chor des Bayerischen Rundfunks, der Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien und die Wiener S&auml;ngerknaben.
&bdquo;Wir freuen uns sehr, unseren vollst&auml;ndigen symphonischen Mahler-Zyklus bei Deutsche Grammophon zu ver&ouml;ffentlichen. Die Wiener Philharmoniker haben eine einzigartige Beziehung zu Mahler, und der ber&uuml;hmte Klang des Orchesters umfasst die gesamte Farbpalette, mit der Mahler seine Zweifel und &Auml;ngste angesichts der Welt, aber auch seine Freude und tiefe Liebe zur Menschheit zum Ausdruck bringt. Mahlers Musik ist wahrhaft universell und kann zugleich zu jeder H&ouml;rerin und jedem H&ouml;rer eine zutiefst intime und pers&ouml;nliche Verbindung herstellen. Diese Begegnung hat etwas beinahe Mystisches: eine Verbindung, die Zeit und Raum &uuml;berbr&uuml;ckt und unmittelbar zur Seele spricht. Die Spannungen und Kontraste im Zentrum von Mahlers musikalischer Vorstellungskraft bringen einige der herzzerrei&szlig;endsten, aber auch euphorischsten Momente hervor, die je komponiert wurden. Es ist ein gro&szlig;es Privileg, diese au&szlig;ergew&ouml;hnlichen H&ouml;hen und Tiefen gemeinsam mit den bemerkenswerten Musikerinnen und Musikern der Wiener Philharmoniker auszuloten.&ldquo;
- Andris Nelsons
Bereits vorab erschien die bei den Salzburger Festspielen 2022 aufgezeichnete Symphonie Nr. 5 am 1. Mai 2026 digital und auf 2 LPs, die in der Presse auf gro&szlig;e Anerkennung stie&szlig;. Die Auff&uuml;hrung der Achten am 11. Mai 2026 wurde live auf STAGE+ &uuml;bertragen und bildete den Abschluss eines in Wien und Salzburg gefilmten audiovisuellen Mahler-Zyklus. Die &Uuml;bertragung der Symphonie Nr. 8 und alle weiteren Symphonien finden sie <a href="https://www.stage-plus.com/video/vod_concert_APNM8GRFDPHMASJKBSOJ4DHL?utm_source=share">hier</a>.
September 2026

Joe Hisaishi: The Boy and the Heron, Symphonic Suite

Wenn ein Film, der Generationen von Zuschauer:innen ber&uuml;hrt hat, den Weg vom Kinosaal auf das Konzertpodium findet, entsteht etwas Seltenes: die Gelegenheit, eine geliebte Musik noch einmal ganz neu zu h&ouml;ren. Mit seiner Symphonic Suite zu&nbsp;The Boy and the Heron&nbsp;(Der Junge und der Reiher) formt Joe Hisaishi die Filmpartitur, f&uuml;r die er 2023 vielfach ausgezeichnet wurde, zu einem eigenst&auml;ndigen sinfonischen Werk f&uuml;r Klavier und Orchester um. An seiner Seite steht das Royal Philharmonic Orchestra, mit dem den japanischen Komponisten eine der pr&auml;gendsten Partnerschaften seiner internationalen Laufbahn verbindet.
Deutsche Grammophon ver&ouml;ffentlicht die Aufnahme am 6. November 2026 und l&auml;dt damit sowohl langj&auml;hrige Kenner:innen des Ghibli-Kosmos als auch neugierige Einsteiger:innen ein, Hisaishis Klangsprache zwischen Leinwand und Konzertsaal zu entdecken. Am Pult und am Fl&uuml;gel zugleich verantwortet der Komponist seine Musik hier in ihrer ausgereiftesten Konzertgestalt.
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<h2>Vom Kinosaal in den Konzertsaal: die Entstehung der Suite</h2>
The Boy and the Heron, (im Deutschen auch&nbsp;Der Junge und der Reiher&nbsp;genannt) im japanischen Original&nbsp;Kimitachi wa Dō Ikiru ka&nbsp;(Wie lebst du?), erschien 2023 als Hayao Miyazakis erster Kinofilm nach zehn Jahren und markierte einen H&ouml;hepunkt im gemeinsamen Schaffen von Regisseur und Komponist. Der Film wurde mit dem Oscar f&uuml;r den besten Animationsfilm, dem Golden Globe sowie dem BAFTA Award ausgezeichnet, und Hisaishis Partitur galt Kritiker:innen als eine seiner poetischsten Arbeiten, klar, zur&uuml;ckgenommen und von gro&szlig;er emotionaler Tiefe.
F&uuml;r die Konzertfassung &uuml;bertrug Hisaishi diese Filmmusik in eine sinfonische Form, die eigenen dramaturgischen Gesetzen folgt. Statt einzelner Szenenminiaturen entsteht ein zusammenh&auml;ngender Bogen, in dem das Klavier als Soloinstrument und die Farben eines gro&szlig;en Orchesters miteinander in Dialog treten.
Ihre Feuerprobe bestand die Suite bereits im Konzertsaal: Im Sommer 2025 stellte Hisaishi das Werk gemeinsam mit dem Royal Philharmonic Orchestra dem japanischen Publikum vor, wenig sp&auml;ter folgte die europ&auml;ische Erstauff&uuml;hrung im Rahmen der BBC Proms in der Londoner Royal Albert Hall. Die vorliegende Ver&ouml;ffentlichung macht diese Konzerterfahrung nun dauerhaft zug&auml;nglich.
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<h2>Joe Hisaishi und das Royal Philharmonic Orchestra</h2>
Joe Hisaishi z&auml;hlt zu den einflussreichsten Komponisten f&uuml;r Film und klassische Musik weltweit. Ber&uuml;hmt wurde er durch seine jahrzehntelange Zusammenarbeit mit Hayao Miyazaki und Studio Ghibli, etwa bei&nbsp;My Neighbor Totoro&nbsp;(Mein Nachbar Totoro),&nbsp;Princess Mononoke&nbsp;(Prinzessin Mononoke) und&nbsp;Spirited Away&nbsp;(Chihiros Reise ins Zauberland). Zugleich hat er sich als Dirigent, Pianist und Komponist eines umfangreichen zeitgen&ouml;ssischen Katalogs einen festen Platz im Konzertleben erarbeitet. Seit 2023 ist Hisaishi Exklusivk&uuml;nstler von Deutsche Grammophon, f&uuml;r die zuvor unter anderem die Ghibli Soundtrack Sammlung&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/a-symphonic-celebration-joe-hisaishi-12971">A Symphonic Celebration</a>, das gefeierte Album&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/joe-hisaishi-in-vienna-13386">Joe Hisaishi in Vienna</a>&nbsp;sowie die gefeierten Auftritte in&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/joe-hisaishi-conducts-14096">Joe Hisaishi Conducts</a>&nbsp;erschienen sind.
Als Composer-in-Association des Royal Philharmonic Orchestra pflegt Hisaishi eine besonders enge k&uuml;nstlerische Beziehung zu diesem Klangk&ouml;rper, die bereits das gefeierte Album&nbsp;A Symphonic Celebration&nbsp;trug und in ausverkauften Konzerten von London &uuml;ber Paris bis Tokio ihren Widerhall fand. In der Symphonic Suite zu&nbsp;The Boy and the Heron&nbsp;verbinden sich diese Erfahrung und ein gewachsenes Vertrauen zu einer Interpretation, in der Hisaishi als Dirigent und Pianist seine eigene Tonsprache aus erster Hand vermittelt.
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<h2>Format und Sammlereditionen vom Der Junge und der Reiher Soundtrack</h2>
F&uuml;r Sammler:innen erscheint das Werk als farbige Vinyl-Edition, die die klangliche W&auml;rme des analogen Formats mit dem gestalterischen Anspruch des gelben Etiketts verbindet. Damit reiht sich der Titel in die Reihe hochwertig produzierter Hisaishi-Ver&ouml;ffentlichungen bei Deutsche Grammophon ein und bietet Liebhaber:innen physischer Tontr&auml;ger ein Objekt von bleibendem Wert.
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<h2>Jetzt die Magie von Joe Hisaishis The Boy and the Heron als Symphonic Suite zu Hause erleben!</h2>
Die Symphonic Suite ist nicht nur auf Tontr&auml;ger zu erleben: Im Herbst 2026 kehrt Joe Hisaishi mit dem Royal Philharmonic Orchestra f&uuml;r seine World Dream Tour nach Europa zur&uuml;ck und f&uuml;hrt dabei auch durch ausgew&auml;hlte St&auml;dte in Deutschland und der Schweiz. Als Dirigent und Solist am Klavier pr&auml;sentiert er neben der Suite zu&nbsp;The Boy and the Heron&nbsp;die Europapremiere seines neu komponierten Concerto for Orchestra. Wer die Musik zun&auml;chst zu Hause entdeckt, kann sie so wenig sp&auml;ter im Konzertsaal in ihrer vollen Wirkung erfahren.
Die Vinyl-Edition der Symphonic Suite zu&nbsp;The Boy and the Heron&nbsp;erhalten Sie im DG Store, weitere Aufnahmen und aktuelle Termine des Komponisten finden Sie auf seiner&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/joe-hisaishi">K&uuml;nstler:innen-Seite bei Deutsche Grammophon</a>.
Jetzt entdecken und die Reise vom Kinosaal in den Konzertsaal begleiten!
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Continuum II: Víkingur Ólafssons intimes Bach-Tagebuch

F&uuml;r&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/vikingur-olafsson">V&iacute;kingur &Oacute;lafsson</a>&nbsp;ist&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/composers/johann-sebastian-bach">Johann Sebastian Bach</a>&nbsp;kein abgeschlossenes Kapitel der Musikgeschichte, sondern t&auml;gliche Gegenwart. Seit &uuml;ber drei Jahrzehnten setzt sich der isl&auml;ndische Pianist Tag f&uuml;r Tag ans Instrument, um ein wenig Bach zu spielen, eine Gewohnheit, die er als den einen konstanten Fixpunkt seines Lebens beschreibt. Aus dieser fortw&auml;hrenden Zwiesprache erw&auml;chst nun Continuum II, das zweite Kapitel eines Projekts, dessen Titel bereits sein Programm in sich tr&auml;gt: Im Deutschen meint das Wort Bach einen flie&szlig;enden Strom, und genau als solchen ununterbrochenen Fluss begreift &Oacute;lafsson die Musik des Thomaskantors, als unsichtbaren Faden, der Epochen, Menschen und Erfahrungen miteinander verbindet.
Das neue Album erscheint am 6. November 2026 bei Deutsche Grammophon und kn&uuml;pft unmittelbar an das erste&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/continuum-vkingur-olafsson-13630">Continuum</a>&nbsp;aus dem Oktober 2024 an. Anders als sein Vorg&auml;nger entstand es vollst&auml;ndig an einem einzigen, sehr pers&ouml;nlichen Ort: im The Nutshell, dem neuen Heimstudio des Pianisten in Island. Der Charakter dieses R&uuml;ckzugsraums durchzieht die gesamte Aufnahme, die &Oacute;lafsson selbst als sein erstes wahres &bdquo;album domesticum&ldquo; versteht, ein Album der h&auml;uslichen, stillen, nach innen gewandten Musik, in der Bach von seiner intimsten und pers&ouml;nlichsten Seite erscheint.
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<h2>Das Album: Chor&auml;le, Transkriptionen und die Kunst der Miniatur in Continuum II</h2>
Im Zentrum von Continuum II stehen sechs Chor&auml;le, die &Oacute;lafsson auf dem Klavier interpretiert, darunter &bdquo;Wie sch&ouml;n leuchtet der Morgenstern&ldquo;, BWV 436, &bdquo;Welt, ade!&ldquo;, BWV 27/VI, sowie &bdquo;Es ist genug&ldquo;, BWV 60/V. F&uuml;r den Pianisten offenbaren diese urspr&uuml;nglich vokalen und liturgischen S&auml;tze am Klavier eine neue Klanggestalt, besonders im zerbrechlichen, fast fl&uuml;sternden Timbre des aufrecht stehenden Pianinos. Erg&auml;nzt wird dieser geistliche Kern durch das fr&uuml;he Choralvorspiel &bdquo;Erbarm dich mein, o Herre Gott&ldquo;, das der Produzent Christopher Tarnow f&uuml;r die Aufnahme vorschlug. Bach schrieb dieses St&uuml;ck in jungen Jahren, und seine unvorhersehbare harmonische Entwicklung und lamentierende Grundhaltung wirken wie ein Vorgriff auf die Ausdruckswelt des romantischen Liedes.
Ein zentrales Werk des&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/vikingur-olafsson/diskografie">Programms</a>&nbsp;ist &Oacute;lafssons eigenes Arrangement des ber&uuml;hmten Air aus der Orchestersuite Nr. 3, weithin bekannt als &bdquo;Air on the G String&ldquo;. Der Pianist nahm es in zwei Fassungen auf, auf dem Konzertfl&uuml;gel und auf dem Pianino, und widmete seine Bearbeitung dem Komponisten Gy&ouml;rgy Kurt&aacute;g zu dessen 100. Geburtstag. Hinzu treten das Largo aus dem Cembalokonzert Nr. 5 f-Moll, eine kammermusikalisch erweiterte Lesart des Adagios aus der Violinsonate Nr. 5 f-Moll f&uuml;r Klavier, Streichquartett und Kontrabass, eingespielt mit dem Siggi String Quartet und dem Bassisten Xun Yang, sowie das Larghetto aus dem Keyboard Concerto Nr. 1 D-Dur, BWV 972, das Bach selbst nach einem Vorbild von Antonio Vivaldi bearbeitet hatte. Abgerundet wird die Anthologie durch sechs kleine Pr&auml;ludien, die Bach einst als &Uuml;bungsst&uuml;cke f&uuml;r seine Sch&uuml;ler:innen und die eigenen Kinder verfasste: Miniaturen, deren &auml;u&szlig;ere Knappheit eine erstaunliche musikalische Tiefe verbirgt.
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<h2>Der Interpret: V&iacute;kingur &Oacute;lafsson</h2>
V&iacute;kingur &Oacute;lafsson, geboren am 14. Februar 1984 in Reykjav&iacute;k, z&auml;hlt zu den gefragtesten Pianist:innen der Gegenwart. Seine Weltreise mit Bachs Goldberg-Variationen, die er auf zahllosen B&uuml;hnen auff&uuml;hrte, m&uuml;ndete in eine vielbeachtete Aufnahme, f&uuml;r die er seinen ersten GRAMMY Award&reg; erhielt. Weltweit wurden seine Einspielungen mehr als eine Milliarde Mal gestreamt, rund die H&auml;lfte davon entf&auml;llt auf Bach-Repertoire, was seine besondere Stellung als Interpret dieser Musik unterstreicht.
Bei Deutsche Grammophon hat &Oacute;lafsson &uuml;ber die Jahre ein unverwechselbares Profil geformt, von seiner Auseinandersetzung mit Philip Glass &uuml;ber Debussy und Rameau, Mozart und dessen Zeitgenoss:innen bis zu den introspektiven Alben From Afar, den Goldberg-Variationen und zuletzt Opus 109. Continuum II f&uuml;gt sich als konsequente Fortsetzung in dieses Werk ein und vertieft zugleich den ganz eigenen, tagebuchartigen Zugang des Pianisten zu Bach.
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<h2>Formate und Verf&uuml;gbarkeit</h2>
Continuum II erscheint am 6. November 2026 bei Deutsche Grammophon in digitaler Form, auf CD und auf Vinyl. Als Vorgeschmack auf das Album stehen bereits zwei Singles zum Streamen bereit: &Oacute;lafssons Fl&uuml;gelversion des Air on the G String (seit dem 17. Juli 2026) sowie das Larghetto aus dem Keyboard Concerto Nr. 1 D-Dur, BWV 972 (seit dem 14. August 2026).
Sammler:innen und H&ouml;rer:innen, die den kompletten Bogen dieses intimen Bach-Portr&auml;ts erleben m&ouml;chten, d&uuml;rfen sich also auf ein Album freuen, das die Stille des Studios in klingende Gegenwart verwandelt.
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<h2>Jetzt endlich die Fortsetzung Continuum II erleben!</h2>
Continuum II jetzt bei&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog">Deutsche Grammophon</a>&nbsp;entdecken und f&uuml;r den 6. November 2026 vormerken. Alle Aufnahmen des Pianisten sowie physische Editionen finden Sie im DG Store, weitere Hintergr&uuml;nde auf seiner K&uuml;nstler:innenseite.
&Oacute;lafssons gefeierte Goldberg-Variationen mit der Lichtinstallation von Olafur Eliasson sind auch als Stream auf&nbsp;<a href="https://www.stage-plus.com/video/live_concert_9HKNCPA3DTN66PBIEHFJ2CPH6C">STAGE+</a>&nbsp;verf&uuml;gbar!

Strawinsky: Pulcinella mit Claudio Abbado und dem London Symphony Orchestra, jetzt in der Original Source Reihe

Manche Aufnahmen behaupten sich &uuml;ber Jahrzehnte hinweg als Referenz, und <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/claudio-abbado-the-complete-recordings-on-dg-decca-12881">Claudio Abbados</a> Einspielung von <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/komponist-innen/igor-strawinsky">Igor Strawinskys</a> Pulcinella geh&ouml;rt zweifellos dazu. Gemeinsam mit dem London Symphony Orchestra und den Gesangssolist Teresa Berganza, Ryland Davies und John Shirley-Quirk legte Abbado 1978 eine Interpretation vor, die Witz, rhythmische Pr&auml;zision und klangliche Transparenz zu einer besonders lebendigen Lesart dieses neoklassizistischen Balletts verbindet. Am 13. November 2026 erscheint diese Aufnahme in der <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/de/projekte/the-original-source/die-original-source-2896">Original Source Reihe</a> der Deutschen Grammophon, der audiophilen Vinyl-Edition des Gelblabels.
F&uuml;r Sammler wie f&uuml;r neugierige Einsteiger ist das eine seltene Gelegenheit: Ein Klassiker des Katalogs kehrt zur&uuml;ck, geschnitten direkt vom analogen Originalband und gepresst auf 180g Virgin Vinyl. Wer Pulcinella bislang nur aus digitalen Quellen kennt, entdeckt hier ein Klangbild von bemerkenswerter Offenheit, das die kammermusikalische Feinzeichnung der Partitur ebenso h&ouml;rbar macht wie ihre spielerische Energie.
<h2>Ein Schl&uuml;sselwerk der Moderne: Strawinskys Pulcinella</h2>
Pulcinella markiert eine der folgenreichsten Wendungen in Igor Strawinskys Schaffen. Das Ballett wurde am 15. Mai 1920 an der Pariser Oper uraufgef&uuml;hrt, getanzt von den Ballets Russes unter der &Auml;gide Sergei Diaghilews, mit einer Choreografie von L&eacute;onide Massine und einer Ausstattung von Pablo Picasso. Die musikalische Leitung lag bei Ernest Ansermet. Mit diesem Werk vollzog Strawinsky den Schritt in den Neoklassizismus, jene &auml;sthetische Haltung, die er &uuml;ber weite Strecken seines weiteren &OElig;uvres pr&auml;gen sollte.
Das Besondere an der Partitur ist ihr Ausgangsmaterial: Strawinsky griff auf Kompositionen des fr&uuml;hen 18. Jahrhunderts zur&uuml;ck, die lange Zeit Giovanni Battista Pergolesi zugeschrieben wurden. Sp&auml;tere Quellenforschung hat gezeigt, dass ein erheblicher Teil dieser Vorlagen von anderen Komponist der Zeit stammt. Strawinsky formte daraus etwas g&auml;nzlich Eigenes, indem er barocke Melodik mit unverwechselbar modernen Harmonien, Rhythmen und Instrumentierungen durchsetzte.
Das Ergebnis ist ein 21-teiliges Ballett mit Arien f&uuml;r Sopran, Tenor und Bass, in dem Gesang und Orchester zu einem heiteren, zugleich raffinierten Ganzen verschmelzen. Die vokalen Passagen unterscheiden diese vollst&auml;ndige Ballettfassung deutlich von der sp&auml;ter verbreiteten reinen Orchestersuite und r&uuml;cken die theatralische Herkunft des Werks in den Vordergrund.
<h2>Claudio Abbado und das London Symphony Orchestra</h2>
Die Zusammenarbeit zwischen Claudio Abbado und dem London Symphony Orchestra z&auml;hlt zu den fruchtbarsten Kapiteln der Diskografie beider. In den 1970er Jahren entstand eine ganze Reihe von Strawinsky-Aufnahmen, die bis heute als Ma&szlig;stab gelten. Abbados Pulcinella wurde im M&auml;rz und Mai 1978 in der Henry Wood Hall in London eingespielt und erschien erstmals 1979 auf Schallplatte. Charakteristisch f&uuml;r diese Lesart sind ihre klare Artikulation, ein pr&auml;ziser, nie &uuml;berzeichneter Zugriff auf die vertrackte Rhythmik sowie das feine Zusammenspiel zwischen Orchester und den drei Gesangssolist.
Teresa Berganza, Ryland Davies und John Shirley-Quirk verleihen den vokalen Nummern W&auml;rme und Pers&ouml;nlichkeit, ohne den kammermusikalischen Duktus der Partitur zu verlassen. Innerhalb der Original Source Reihe reiht sich diese Ver&ouml;ffentlichung in Abbados gefeierte Strawinsky-Serie mit dem LSO ein, zu der bereits Le Sacre du printemps und Petruschka in audiophiler Vinyl-Fassung geh&ouml;ren. H&ouml;rer, die diesen Kosmos sch&auml;tzen, finden mit Pulcinella eine willkommene Erg&auml;nzung.
<h2>Original Source: rein analoge Klangkultur</h2>
Die Original Source Reihe, 2023 zum 125. Labeljubil&auml;um gestartet, verfolgt ein konsequentes Ziel: legend&auml;re Aufnahmen der 1970er Jahre so unverf&auml;lscht wie m&ouml;glich auf Vinyl zu bringen. In den Berliner Emil Berliner Studios werden daf&uuml;r die originalen Mehrspurb&auml;nder herangezogen und in einem vollst&auml;ndig analogen Verfahren neu abgemischt und geschnitten, ohne den Umweg &uuml;ber Bandkopien und ohne digitale Zwischenschritte. F&uuml;r diesen Zweck wurde eigens ein passives Mischpult entwickelt, das dem Signal kein zus&auml;tzliches Rauschen hinzuf&uuml;gt.
Das h&ouml;rbare Resultat sind mehr Klarheit, feinere Details und eine nat&uuml;rlichere Dynamik, von zartesten Pianissimi bis zu den kr&auml;ftigen Tutti-Momenten. Jede Ausgabe erscheint auf 180g Virgin Vinyl, gefertigt bei Optimal, als limitierte und nummerierte Deluxe-Edition im aufklappbaren Gatefold. Coverkunst und Begleittexte orientieren sich am Original, erg&auml;nzt um zus&auml;tzliches Fotomaterial und Faksimiles der Aufnahmedokumentation. F&uuml;r audiophile Klassikliebhaber ist das ein Format, das die bewusste, konzentrierte H&ouml;rerfahrung in den Mittelpunkt stellt.
<h2>Format und Verf&uuml;gbarkeit &ndash; Jetzt auf Vinyl</h2>
Strawinsky: Pulcinella mit Claudio Abbado und dem London Symphony Orchestra erscheint am 13. November 2026 als Original Source Vinyl im offiziellen DG Store. Als limitierte, nummerierte Edition eignet sich die Ver&ouml;ffentlichung besonders f&uuml;r Sammler, die Wert auf h&ouml;chste Klangqualit&auml;t und hochwertige Ausstattung legen. Eine Vorbestellung wird f&uuml;r Interessierte empfohlen, da die Auflagen dieser Reihe erfahrungsgem&auml;&szlig; rasch vergriffen sind.
<h2>Jetzt Original Source Vinyl von Claudio Abbado bestellen und genie&szlig;en!</h2>
Sichern Sie sich Strawinskys Pulcinella in der audiophilen Original Source Fassung und erleben Sie einen Meilenstein der Moderne in reinem Analogklang.
Jetzt im <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de">DG Store</a> vorbestellen und tiefer in die Original Source Vinyl Kollektion eintauchen!

Agnes Obel veröffentlicht ihr neues Album „The Meaning of Flowers“

Mit &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; meldet sich&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel">Agnes Obel</a>&nbsp;sechs Jahre nach ihrem Album &bdquo;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-myopia-118580">Myopia</a>&ldquo; mit neuer Musik zur&uuml;ck. Auf zw&ouml;lf atmosph&auml;rischen Tracks widmet sich die d&auml;nische Singer-Songwriterin und Multiinstrumentalistin Themen wie Neubeginn, Ver&auml;nderung und der engen Verbindung zwischen Mensch und Natur. Das neue Agnes-Obel-Album ist seit dem 18. September 2026 bei Deutsche Grammophon auf CD, Vinyl und digital erh&auml;ltlich. Mehr &uuml;ber die Hintergr&uuml;nde und Inspirationen des Albums erz&auml;hlt Agnes Obel in diesem <a href="https://www.grainsmusic.com/articles/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-280470">Interview bei grains</a>.
<h2>Ein Album &uuml;ber Wandel, Wachstum und neue Perspektiven</h2>
Mit &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; greift Agnes Obel vertraute Elemente ihrer bisherigen Musik auf und verbindet sie mit einer ver&auml;nderten pers&ouml;nlichen Perspektive. Ausgangspunkt f&uuml;r das Album war unter anderem die Geburt ihres ersten Kindes, die f&uuml;r die Wahlberlinerin eine Phase tiefgreifender Ver&auml;nderung einleitete. In den zw&ouml;lf neuen St&uuml;cken setzt sie sich damit auseinander, wie neues Leben die Wahrnehmung, den K&ouml;rper und die eigene Beziehung zur Umwelt ver&auml;ndern kann. Wachstum, Metamorphose und Verbundenheit bilden einen roten Faden durch das Album.
<h2>Pers&ouml;nliche Erfahrungen treffen auf Literatur und Philosophie</h2>
F&uuml;r die inhaltliche Welt von &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; sch&ouml;pft Agnes Obel aus unterschiedlichen kulturellen und pers&ouml;nlichen Quellen. Zu ihren Inspirationen z&auml;hlen die Dichtung der antiken Autorin Enheduanna sowie philosophische Ideen von Hannah Arendt und Emanuele Coccia. Gleichzeitig flie&szlig;en Erinnerungen an die d&auml;nische Popszene der 1980er- und 1990er-Jahre in ihre musikalische Arbeit ein. So verbindet das Album individuelle Erfahrungen mit gr&ouml;&szlig;eren Fragen nach Geburt, Ver&auml;nderung und dem Verh&auml;ltnis des Menschen zur lebendigen Welt.
<h2>Agnes Obel produziert &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; in ihrem Berliner Studio</h2>
Auch musikalisch tr&auml;gt &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; konsequent Agnes Obels eigene Handschrift. Die K&uuml;nstlerin schrieb, arrangierte, produzierte und nahm das gesamte Album selbst in ihrem Berliner Studio auf. Damit setzt sie ihre Arbeitsweise fort, bei der Komposition, Arrangement und Produktion eng miteinander verbunden sind. Die zw&ouml;lf genre&uuml;bergreifenden Tracks entfalten jene atmosph&auml;rische Klangwelt, f&uuml;r die Agnes Obel bekannt ist, und verbinden sie mit neuen thematischen Impulsen. Auf der Tracklist stehen unter anderem &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo;, &bdquo;Laymelli&ldquo;, &bdquo;Gemini&ldquo;, &bdquo;Blood so Red&ldquo;, &bdquo;Beyond the Sun&ldquo; und &bdquo;Faustian Deal&ldquo;.
<h2>&bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; auf CD und in mehreren Vinyl-Editionen</h2>
Das neue Agnes-Obel-Album ist im DG Store in sechs verschiedenen Editionen erh&auml;ltlich. Neben der&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-121228">Brilliant Black CD</a>&nbsp;mit vollst&auml;ndig schwarzer Datenseite ist &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; als&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-121220">Black Vinyl</a>&nbsp;auf schwarzem 180-g-Vinyl sowie als&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-121139">Black Vinyl mit Zugang zu Hi-Res-Audio-Downloads</a>&nbsp;erh&auml;ltlich.
Hinzu kommen eine&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-121216">Purple Marbled Vinyl Edition</a>&nbsp;auf exklusivem 180-g-Marbled-Vinyl und eine limitierte, exklusive&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-121225">&bdquo;Smokey Silver&ldquo; Marbled Vinyl Edition</a>. Eine weitere limitierte &bdquo;Smokey Silver&ldquo; Marbled LP Edition enth&auml;lt eine&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel/products/agnes-obel-the-meaning-of-flowers-121222">signierte Artcard mit einem unver&ouml;ffentlichten Foto von Agnes Obel</a>. Damit bietet das Album verschiedene Ausgaben f&uuml;r Musikliebhaber, Vinylfans und Sammler &ndash; von der CD und klassischen schwarzen Schallplatte bis zu besonderen farbigen Pressungen.
<h2>Agnes Obels &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; jetzt im DG Store entdecken</h2>
Mit &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; schl&auml;gt Agnes Obel ein neues Kapitel in ihrem musikalischen Schaffen auf. Das am 18. September 2026 ver&ouml;ffentlichte Album verbindet ihre charakteristische Klangsprache mit pers&ouml;nlichen Erfahrungen und neuen thematischen Impulsen. Entdecken Sie die zw&ouml;lf Tracks und w&auml;hlen Sie zwischen CD, schwarzem Vinyl und exklusiven farbigen Vinyl-Editionen. &bdquo;The Meaning of Flowers&ldquo; ist jetzt im&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel">DG Store erh&auml;ltlich</a>.

Justus Eichhorn: The Source – das DG-Debütalbum des Pianisten aus Weimar

Mit The Source pr&auml;sentiert <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/justus-eichhorn">Justus Eichhorn</a> sein Deb&uuml;talbum bei <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de">Deutsche Grammophon</a>. Der 2009 in Weimar geborene Pianist, Komponist und Arrangeur widmet seine erste Ver&ouml;ffentlichung beim gelben Label ganz der Musikgeschichte seiner Heimatstadt. Das Album ist seit dem 11. September 2026 digital, auf CD und Vinyl erh&auml;ltlich.
<h3>The Source: eine Hommage an Weimar, eine Stadt der Musik</h3>
Weimar ist weit mehr als Eichhorns Geburtsstadt. Die th&uuml;ringische Stadt z&auml;hlt zu den bedeutendsten Musikzentren Europas. Johann Sebastian Bach wirkte hier als Hoforganist und Konzertmeister, Franz Liszt pr&auml;gte als Hofkapellmeister das Musikleben des 19. Jahrhunderts, und auch der junge Richard Strauss &uuml;bernahm am Weimarer Hoftheater den Taktstock. The Source folgt genau diesen Spuren: Das Programm vereint Werke von Komponisten, die eng mit Weimar verbunden sind, darunter Bach, Liszt, Mendelssohn, Hindemith und Richard Strauss.
<h3>Das Album: von Bach und Liszt bis zu eigenen Kompositionen</h3>
Das Repertoire ist so vielseitig wie die Stadt selbst. Neben Klavierwerken dieser Meister zeigt sich Eichhorn auch als eigenst&auml;ndiger kreativer Kopf: The Source enth&auml;lt die Ersteinspielungen von drei seiner eigenen Kompositionen, sein pers&ouml;nliches Arrangement des Largo aus Vivaldis Flautino-Konzert C-Dur, RV 443, sowie fantasievolle Neuinterpretationen von Et&uuml;den Carl Czernys. So entsteht ein Programm, das Tradition und Innovation verbindet. Einige Titel wurden bereits vorab ver&ouml;ffentlicht, darunter das Vivaldi-Arrangement und Eichhorns eigene Komposition Silent Fields, eingespielt auf einem Klavier mit aufrechter Bauweise.
<h3>Justus Eichhorn: Pianist, Komponist und Ausnahmetalent mit 16 Jahren</h3>
Justus Eichhorn z&auml;hlt zu den bemerkenswertesten jungen K&uuml;nstlern der klassischen Musik. Bereits im Alter von drei Jahren improvisierte er am Klavier, mit sechs erhielt er seinen ersten Unterricht und mit zehn gab er sein Konzertdeb&uuml;t. Es folgten Auszeichnungen, darunter der erste Preis beim Carl Bechstein Wettbewerb 2019. Heute studiert er bei Grigory Gruzman an der Hochschule f&uuml;r Musik Franz Liszt Weimar und besucht das Musikgymnasium Schloss Belvedere, eine spezialisierte Musikschule, an der er auch Dirigieren lernt. Mit ausverkauften Konzerten von Hamburg und Z&uuml;rich bis Shenzhen und Seoul sowie einer Online-Community von mehr als einer halben Million Followern erreicht er ein Publikum weit &uuml;ber die traditionelle Klassikh&ouml;rerschaft hinaus.
<h3>The Source auf CD, Vinyl und in Dolby Atmos</h3>
The Source ist seit dem 11. September 2026 in verschiedenen Formaten erh&auml;ltlich. Neben der CD und der digitalen Edition ist das Album auch auf Vinyl und in Dolby Atmos verf&uuml;gbar, das ein besonders immersives, r&auml;umliches H&ouml;rerlebnis erm&ouml;glicht. So k&ouml;nnen H&ouml;rer Justus Eichhorns DG-Deb&uuml;t in dem Format entdecken, das am besten zu ihnen passt.
<h3>The Source von Justus Eichhorn entdecken</h3>
Ein Deb&uuml;t, das Herkunft und Aufbruch verbindet: The Source von Justus Eichhorn w&uuml;rdigt das musikalische Erbe Weimars und stellt zugleich die eigenen Kompositionen und unverwechselbaren Arrangements des jungen Pianisten vor. Entdecken Sie das Album, das am 11. September 2026 bei Deutsche Grammophon erschienen ist, und weitere Neuheiten im <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog">Katalog</a>.
➤ Jetzt im DG Store bestellen oder weitere Neuheiten im <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog">Katalog</a> entdecken!

Bruce Liu präsentiert mit „Lunaris“ eine nächtliche Reise durch die Klaviermusik

Mit seinem neuen&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/bruce-liu-lunaris-117285?_pos=3&amp;_sid=b24665756&amp;_ss=r">Album &bdquo;Lunaris&ldquo;</a>&nbsp;l&auml;dt&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/bruce-liu">Bruce Liu</a>&nbsp;zu einer atmosph&auml;rischen Reise zwischen Mondlicht, Traum und musikalischer Fantasie ein. Der kanadische Pianist verbindet bekannte Meisterwerke mit selten geh&ouml;rten Kompositionen und zeitgen&ouml;ssischen Klangwelten zu einem pers&ouml;nlichen Recital-Programm. Dabei begegnen sich Werke aus mehreren Jahrhunderten, ohne dass der erz&auml;hlerische Zusammenhang des Albums verloren geht.
&bdquo;Lunaris&ldquo; erschien am 7. August 2026 bei Deutsche Grammophon und ist als CD, 2LP sowie in signierten Editionen erh&auml;ltlich.
<h2>&bdquo;Lunaris&ldquo; verbindet Beethoven, Chopin und moderne Klangwelten</h2>
Im Zentrum von Bruce Lius neuem Album stehen zwei der ber&uuml;hmtesten Klaviersonaten Ludwig van Beethovens: die &bdquo;Mondscheinsonate&ldquo; und die &bdquo;Waldstein-Sonate&ldquo;. W&auml;hrend die erste mit ihrer geheimnisvollen Ruhe unmittelbar an die n&auml;chtliche Atmosph&auml;re des Albumtitels ankn&uuml;pft, erweitert die &bdquo;Waldstein-Sonate&ldquo; das Programm um Energie, Bewegung und virtuose Strahlkraft. Erg&auml;nzt werden diese beiden gro&szlig;en Werke durch Chopins Nocturne op. 27 Nr. 2, Debussys &bdquo;R&ecirc;verie&ldquo; und ein von Alexander Siloti arrangiertes Bach-Pr&auml;ludium.
Mit &bdquo;Tokka&ldquo; von&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/agnes-obel">Agnes Obel</a>, Ligetis rhythmisch markanter Et&uuml;de &bdquo;Fanfares&ldquo; und John Cages atmosph&auml;rischem Klavierst&uuml;ck &bdquo;Dream&ldquo; erweitert Bruce Liu das klassische Recital um moderne und &uuml;berraschende Klangfarben. Dadurch entwickelt &bdquo;Lunaris&ldquo; einen abwechslungsreichen musikalischen Bogen, der zwischen kontemplativer Stille und extrovertierter Virtuosit&auml;t wechselt.
<h2>Bruce Liu zeigt sich auf &bdquo;Lunaris&ldquo; besonders pers&ouml;nlich</h2>
Bruce Liu versteht das Album nicht allein als Zusammenstellung von Lieblingswerken, sondern als Einladung zu einer anderen Art des H&ouml;rens. Poesie, Malerei und das Geheimnis der Nacht bilden den gedanklichen Hintergrund eines Programms, das mit Stimmungen und klanglichen &Uuml;berg&auml;ngen arbeitet.
Neben bekannten Kompositionen r&uuml;cken dabei auch weniger h&auml;ufig eingespielte Werke in den Fokus, darunter Federico Mompous Variationen &uuml;ber &bdquo;Au clair de la lune&ldquo; und Skrjabins vierte Klaviersonate. Sie verleihen dem Album zus&auml;tzliche Farben und unterstreichen Lius Interesse an Musik, die Zeit und Raum f&uuml;r einen Moment aufzul&ouml;sen scheint.
<h2>Vom Chopin-Gewinner zum vielseitigen Klanggestalter</h2>
Seit seinem Sieg beim Internationalen Chopin-Klavierwettbewerb 2021 z&auml;hlt Bruce Liu zu den international gefragten Pianisten seiner Generation. Seine Interpretationen zeichnen sich durch technische Leichtigkeit, klangliche Eleganz und einen spontanen musikalischen Zugriff aus. Auch auf &bdquo;Lunaris&ldquo; bleibt seine besondere Beziehung zu&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/frederic-chopin">Chopin</a>&nbsp;h&ouml;rbar, doch das Album erweitert den Blick deutlich &uuml;ber die romantische Klavierliteratur hinaus. Kompositionen von&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/beethoven">Beethoven</a>,&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/johann-sebastian-bach">Bach</a>, Debussy, Mompou, Ligeti, Skrjabin, Cage und Agnes Obel zeigen Liu als vielseitigen Programmgestalter, der musikalische Epochen intuitiv miteinander verbindet.
<h2>&bdquo;Lunaris&ldquo; auf CD, Vinyl und in signierten Editionen</h2>
Das Bruce-Liu-Album ist in mehreren Formaten erh&auml;ltlich und richtet sich damit sowohl an CD-H&ouml;rer als auch an Vinyl-Sammler. Neben der regul&auml;ren&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/bruce-liu-lunaris-117285">CD</a>&nbsp;und der&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/bruce-liu-lunaris-117289">schwarzen 2LP-Ausgabe</a>&nbsp;sind Varianten mit signierter Artcard erh&auml;ltlich. Dar&uuml;ber hinaus wird eine&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/bruce-liu-kopie-lunaris-117296">limitierte signierte Fan Edition</a>&nbsp;angeboten, die CD- und Vinyl-Inhalte des Albums zusammenf&uuml;hrt.
Entdecken Sie die verschiedenen Editionen von &bdquo;Lunaris&ldquo; im DG Store und w&auml;hlen Sie Ihre bevorzugte Ausgabe. Das am 7. August 2026 ver&ouml;ffentlichte Klavieralbum von Bruce Liu ist jetzt auf CD und Vinyl erh&auml;ltlich. Alle verf&uuml;gbaren Ausgaben finden Sie in der&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/search?q=lunaris">DG-Store-Suche nach &bdquo;Lunaris&ldquo;</a>.

Herbert von Karajan und Wagners „Die Walküre“: Original Source Edition

Mit Die Walk&uuml;re kehrt eine der pr&auml;gendsten Wagner-Aufnahmen des 20. Jahrhunderts zur&uuml;ck: <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/von-karajan/herbert-von-karajan-complete-recordings-on-dg-decca-2678">Herbert von Karajan</a> und die Berliner Philharmoniker, aufgenommen im Herbst 1966 in Berlin, jetzt in der audiophilen Reihe The Original Source. Die Einspielung versammelt ein Ensemble von Weltrang, darunter Gundula Janowitz (Sieglinde), Jon Vickers (Siegmund), Thomas Stewart (Wotan) und R&eacute;gine Crespin (Br&uuml;nnhilde).
So verbindet die Neuauflage die dramatische Wucht von Wagners B&uuml;hnenfestspiel mit einer Klangqualit&auml;t, die erstmals unmittelbar aus dem originalen Stereo-Masterband gesch&ouml;pft wurde: eine Referenzaufnahme, neu erschlossen f&uuml;r Sammler und Wagner-Kenner.
<h3>Die Walk&uuml;re von Wagner: Erstmals vom originalen Stereo-Masterband</h3>
F&uuml;r diese Edition betritt Deutsche Grammophon klangtechnisches Neuland. Zum ersten Mal in der Reihe The Original Source dient das originale Zweispur-Stereo-Masterband als Quelle. Die 2023 gestartete Serie arbeitete zun&auml;chst mit Vierspur-B&auml;ndern, wurde 2024 um Achtspur-B&auml;nder erweitert und erreicht mit Karajans Walk&uuml;re nun eine weitere Stufe der Authentizit&auml;t.
Gemastert und geschnitten wurde die Aufnahme in den renommierten Emil Berliner Studios, in vollst&auml;ndig analoger Signalkette (AAA) und mit eigens f&uuml;r die Reihe entwickelten Verfahren. Das Ergebnis &uuml;berzeugt mit gr&ouml;&szlig;erer Transparenz, feinerer Detailzeichnung und einem ausgewogeneren Frequenzgang, bei zugleich reduziertem St&ouml;rger&auml;usch, geringerer Verzerrung und weniger Kompression.
<h3>Was macht &bdquo;Die Walk&uuml;re&ldquo; mit Herbert Karajan so besonders?</h3>
Karajans Lesart lebt von einer erlesenen S&auml;ngerriege. Gundula Janowitz verleiht der Sieglinde lyrischen Glanz, Jon Vickers gestaltet den Siegmund mit vokaler Wucht, Bassbariton Thomas Stewart formt einen autorit&auml;tsvollen Wotan, und R&eacute;gine Crespin brilliert als Br&uuml;nnhilde. Erg&auml;nzt wird die Besetzung unter anderem von Josephine Veasey als Fricka und Martti Talvela als Hunding.
Charakteristisch f&uuml;r Karajan: Er l&auml;sst das Orchester bewusst zur&uuml;cktreten und &uuml;berl&auml;sst den Stimmen die vordere B&uuml;hne, ohne die dramatische Spannung der Partitur einzub&uuml;&szlig;en. Das Fachmagazin Gramophone konstatierte, dass die Einspielung noch ein halbes Jahrhundert nach ihrem Erscheinen zu &uuml;berraschen vermag.
<h3>Herbert von Karajan und der Ring zum 150. Jubil&auml;um</h3>
Die Aufnahmesitzungen entstanden im September und Oktober 1966, wenige Monate bevor die szenische Fassung am 19. M&auml;rz 1967 die von Karajan gegr&uuml;ndeten Salzburger Osterfestspiele er&ouml;ffnete. Noch im selben Jahr erschien Die Walk&uuml;re erstmals beim gelben Etikett und wurde zu einem Meilenstein der Wagner-Diskografie.
Wagners Tetralogie erlebte 1876 bei den ersten Bayreuther Festspielen ihre vollst&auml;ndige Urauff&uuml;hrung. Zum 150-j&auml;hrigen Jubil&auml;um legt Deutsche Grammophon Karajans kompletten Ring in der Original Source Serie neu auf. Die Walk&uuml;re folgt als Erster Tag auf den bereits erschienenen Vorabend<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/herbert-von-karajan-wagner-das-rheingold-111281"> Das Rheingold</a>; zwei weitere Folgen der Tetralogie sind angek&uuml;ndigt.
<h3>Formate, Ausgabe und Verf&uuml;gbarkeit</h3>
Die Edition erschien am 7. August 2026 als limitiertes und nummeriertes 5LP-Boxset auf 180-Gramm-Vinyl. Das Set bewahrt das Originalcover samt vollst&auml;ndigem Libretto und wird erg&auml;nzt durch zus&auml;tzliche Fotografien sowie Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons, die einen seltenen Blick hinter die Kulissen der Produktion gew&auml;hren.
<h3>Jetzt Wagners Die Walk&uuml;re entdecken</h3>
Entdecken Sie die limitierte Original-Source-Edition im DG Store. Wer Karajans Ring von Beginn an sammeln m&ouml;chte, findet dort auch weitere<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/pages/audiophile-editions"> audiophile Editionen</a> sowie die gesamte<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/herbert-von-karajan"> Karajan-Kollektion</a>.

Friendship Survival Guide: Jóhann Jóhannsson und Adam Wiltzie vollenden ein gemeinsames Vermächtnis

Manche Alben erz&auml;hlen nicht nur von Musik, sondern auch von einer Freundschaft. Friendship Survival Guide, das gemeinsame Werk des isl&auml;ndischen Komponisten J&oacute;hann J&oacute;hannsson und des amerikanischen Klangk&uuml;nstlers&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/adam-wiltzie">Adam Wiltzie</a>, erschien am 18. September 2026 bei Deutsche Grammophon. Es versammelt Aufnahmen, die zwischen 2013 und 2017 in gemeinsamen Sessions entstanden und die Wiltzie nach dem Tod seines Weggef&auml;hrten mit gro&szlig;er Behutsamkeit weitergef&uuml;hrt und zu Ende gebracht hat.&nbsp;Mehr &uuml;ber die Freundschaft der beiden Musiker und die Entstehung des Albums erz&auml;hlt Adam Wiltzie in diesem <a href="https://www.grainsmusic.com/articles/adam-wiltzie-johann-johannsson-the-sound-of-friendship-280241">Interview mit grains</a>.
<h3>Friendship Survival Guide: eine &uuml;ber Jahre gewachsene Zusammenarbeit</h3>
J&oacute;hannsson und Wiltzie verband weit mehr als ein einzelnes Projekt. &Uuml;ber mehr als ein Jahrzehnt arbeiteten die beiden eng zusammen: Wiltzie geh&ouml;rte zu J&oacute;hannssons Liveband und wirkte als dessen Tonmeister, bevor sie 2013 erstmals gemeinsam schrieben und aufnahmen, unter anderem f&uuml;r die Filmmusik zu&nbsp;The Theory of Everything. Oft entstanden ihre Ideen in getrennten Studios, J&oacute;hannsson in Berlin, Wiltzie in Belgien, in einem leichten und spielerischen Austausch. Mit dem Einverst&auml;ndnis von J&oacute;hannssons Familie kehrte Wiltzie sp&auml;ter zu diesen B&auml;ndern zur&uuml;ck, um das Begonnene im Sinne seines Freundes zu vollenden.
<h3>Das Album: orchestrale Weite, Elektronik und schwebende Drones</h3>
Klanglich bewegt sich das Album in einem weiten Raum: getragene orchestrale Fl&auml;chen treffen auf elektronische Texturen und lang gehaltene, schwebende Drones. Wiltzie selbst spricht von orchestral-psychedelischen Drone-Kompositionen. Trotz aller sp&auml;teren Bearbeitung bleibt die N&auml;he der urspr&uuml;nglichen Sessions h&ouml;rbar, erg&auml;nzt um feine Klangschichten, die dem Charakter des Materials treu bleiben. Bereichert wird diese Musik durch Beitr&auml;ge von G&auml;sten wie Tim Hecker, Francesco Donadello und Steve Albini. So entsteht ein Werk, das H&ouml;rer einl&auml;dt, sich einer langsam entfaltenden Klangwelt zu &uuml;berlassen.
<h3>J&oacute;hann J&oacute;hannsson und Adam Wiltzie: zwei Klangwelten, eine Freundschaft</h3>
J&oacute;hann J&oacute;hannsson z&auml;hlt zu den pr&auml;gendsten Filmkomponist seiner Generation. Seine Musik zu Filmen wie&nbsp;Sicario,&nbsp;Arrival&nbsp;und&nbsp;The Theory of Everything&nbsp;verband orchestrale Tiefe mit elektronischer Klangforschung. 2016 erschien sein gefeiertes Album&nbsp;Orph&eacute;e&nbsp;bei Deutsche Grammophon, ehe der Isl&auml;nder 2018 verstarb.
Adam Wiltzie wiederum ist als Mitbegr&uuml;nder von Stars of the Lid (gemeinsam mit Brian McBride) und als eine H&auml;lfte des Duos A Winged Victory for the Sullen eine zentrale Figur der zeitgen&ouml;ssischen Ambient- und Drone-Musik. In&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;verschmelzen diese beiden Handschriften zu einem gemeinsamen Ganzen. Wer J&oacute;hannssons Klangsprache am Klavier vertiefen m&ouml;chte, findet mit Alice Sara Otts Album&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/alice-sara-ott-johann-johannsson-piano-works-110344">J&oacute;hann J&oacute;hannsson: Piano Works</a>&nbsp;einen weiteren Zugang.
<h3>Friendship Survival Guide auf Vinyl, CD und in Hi-Res Audio</h3>
Friendship Survival Guide&nbsp;ist in mehreren Ausgaben erh&auml;ltlich. Neben der&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/johann-johannsson-friendship-survival-guide-120300">CD</a>&nbsp;ist das Album auf&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/johann-johannsson-friendship-survival-guide-120296">Vinyl</a>&nbsp;erh&auml;ltlich, darunter eine Edition, die die LP mit einem Hi-Res Audio Download verbindet. So l&auml;sst sich das Werk sowohl analog auf dem Plattenteller als auch in hochaufl&ouml;sender digitaler Qualit&auml;t erleben.
Ein Album &uuml;ber Freundschaft und das Fortwirken von Musik:&nbsp;Friendship Survival Guide&nbsp;von J&oacute;hann J&oacute;hannsson und Adam Wiltzie ist bei Deutsche Grammophon erh&auml;ltlich.
➤ Jetzt im DG Store bestellen und&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/johann-johannsson">mehr von J&oacute;hann J&oacute;hannsson</a>&nbsp;entdecken!

„Legacy“ vereint die berühmtesten Filmmusiken von John Williams

Mit &bdquo;Legacy&ldquo; erschien am 4. September 2026 eine umfassende musikalische Werkschau von <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/john-williams">John Williams</a>. Das Album bringt einige der bekanntesten Themen des vielfach ausgezeichneten Komponisten und Dirigenten zusammen &ndash; von den Weiten des &bdquo;Star Wars&ldquo;-Universums &uuml;ber die magische Welt von &bdquo;Harry Potter&ldquo; bis zu den Abenteuern von &bdquo;Indiana Jones&ldquo;.
Das Besondere: John Williams ist nicht nur als Komponist zu erleben, sondern dirigiert seine eigenen Werke selbst. Die Aufnahmen entstanden gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern, den Berliner Philharmonikern und dem Recording Arts Orchestra of Los Angeles. Damit verbindet die Ver&ouml;ffentlichung weltber&uuml;hmte Melodien mit den charakteristischen Klangfarben dreier herausragender Orchester.
<h2>Eine musikalische Reise durch die Welt des Kinos</h2>
&bdquo;Legacy&ldquo; zeichnet ein vielseitiges Portr&auml;t von John Williams als einem der einflussreichsten Filmkomponisten seiner Generation. Das Album umfasst insgesamt 15 St&uuml;cke aus unterschiedlichen Phasen seiner langen Karriere und zeigt dabei die gro&szlig;e stilistische Bandbreite seiner Musik.
Den Auftakt bildet der &bdquo;Main Title&ldquo; aus &bdquo;Star Wars: A New Hope&ldquo;, dessen markante Fanfare seit Jahrzehnten zu den bekanntesten Er&ouml;ffnungen der Filmgeschichte geh&ouml;rt. Aus der Sternensaga sind au&szlig;erdem &bdquo;Yoda&rsquo;s Theme&ldquo;, &bdquo;The Imperial March&ldquo;, &bdquo;Princess Leia&rsquo;s Theme&ldquo; sowie &bdquo;Throne Room &amp; Finale&ldquo; vertreten. Gemeinsam verdeutlichen diese Kompositionen, wie Williams einzelne Figuren, Orte und Konflikte mithilfe unverwechselbarer musikalischer Motive charakterisiert.
Mit &bdquo;Hedwig&rsquo;s Theme&ldquo; und &bdquo;Harry&rsquo;s Wondrous World&ldquo; widmet sich das Album auch der Musik zu &bdquo;Harry Potter and the Philosopher&rsquo;s Stone&ldquo;. W&auml;hrend die ber&uuml;hmte Celesta-Melodie von &bdquo;Hedwig&rsquo;s Theme&ldquo; eine geheimnisvolle Atmosph&auml;re entstehen l&auml;sst, entfaltet &bdquo;Harry&rsquo;s Wondrous World&ldquo; die farbenreiche und festliche Seite der Zaubererwelt. Hinzu kommen der kraftvolle &bdquo;Raiders March&ldquo; aus &bdquo;Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark&ldquo;, das weit ausschwingende Thema aus &bdquo;Jurassic Park&ldquo; und das schwerelos wirkende &bdquo;Flying Theme&ldquo; aus &bdquo;E.T. the Extra-Terrestrial&ldquo;.
Die Auswahl beschr&auml;nkt sich jedoch nicht auf Abenteuer- und Fantasyfilme. Mit dem zur&uuml;ckgenommenen &bdquo;Theme from Schindler&rsquo;s List&ldquo; zeigt &bdquo;Legacy&ldquo; ebenso die ruhige und tief emotionale Seite von John Williams. Der &bdquo;Superman March&ldquo;, die &bdquo;Olympic Fanfare and Theme&ldquo;, Ausschnitte aus &bdquo;Close Encounters of the Third Kind&ldquo; und &bdquo;The Flight to Neverland&ldquo; aus &bdquo;Hook&ldquo; erg&auml;nzen das Programm um weitere zentrale Werke seines Schaffens.
<h2>John Williams dirigiert seine eigenen Kompositionen</h2>
Einen besonderen Reiz erh&auml;lt die Ver&ouml;ffentlichung durch die enge Verbindung von Komposition und Interpretation. John Williams steht bei allen enthaltenen Aufnahmen selbst am Dirigentenpult und gestaltet seine ber&uuml;hmten Filmmusiken damit aus erster Hand.
Unter seiner Leitung treten die charakteristischen Farben der Partituren besonders klar hervor. Gro&szlig;e Blechbl&auml;serfanfaren, weit ausschwingende Streichermelodien und fein abgestimmte Orchesterkl&auml;nge verbinden sich zu jenem unverwechselbaren Sound, der seine Musik seit Jahrzehnten pr&auml;gt.
F&uuml;r die Aufnahmen arbeitete Williams mit den Wiener Philharmonikern, den Berliner Philharmonikern und dem Recording Arts Orchestra of Los Angeles zusammen. Jedes Ensemble bringt dabei seine eigene Klangtradition und musikalische Handschrift in die bekannten Werke ein.
Auch losgel&ouml;st von den Filmbildern entfalten die Kompositionen eine starke Wirkung. Pr&auml;gnante Leitmotive, rhythmische Energie und gro&szlig;e melodische B&ouml;gen lassen die St&uuml;cke als eigenst&auml;ndige sinfonische Werke erscheinen.
<h2>&bdquo;Legacy&ldquo; ist auf CD und in zwei Vinylvarianten erh&auml;ltlich</h2>
Das John-Williams-Album ist in drei verschiedenen Ausgaben erh&auml;ltlich. Zur Wahl stehen eine kompakte CD-Version sowie zwei Doppel-LP-Editionen.
Die <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/john-williams-wiener-philharmoniker-legacy-118742">1CD Digipack Edition</a> enth&auml;lt das vollst&auml;ndige Programm mit allen 15 St&uuml;cken und bietet einen direkten Zugang zur musikalischen Werkschau. Vinylfans k&ouml;nnen zwischen einer <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/john-williams-wiener-philharmoniker-berliner-philharmoniker-legacy-118837">2LP Black Vinyl im Gatefold</a> und einer <a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/john-williams-wiener-philharmoniker-berliner-philharmoniker-legacy-118840">2LP Gold Vinyl im Gatefold</a> w&auml;hlen. Beide Vinylvarianten verteilen das Album auf vier Plattenseiten und geben den einzelnen Kompositionen ausreichend Raum, ihre orchestrale Wirkung zu entfalten.
Erg&auml;nzt werden alle drei Ausgaben durch einen Begleittext des renommierten US-amerikanischen Journalisten und Filmmusikexperten Jon Burlingame. Seine Einordnung vermittelt zus&auml;tzliche Hintergr&uuml;nde zu den enthaltenen Werken und unterstreicht den Charakter von &bdquo;Legacy&ldquo; als umfassende R&uuml;ckschau auf das Schaffen von John Williams.
<h2>&bdquo;John Williams: Legacy&ldquo; jetzt im DG Store bestellen</h2>
&bdquo;Legacy&ldquo; ist im DG Store erh&auml;ltlich. Entdecken Sie das John-Williams-Album auf CD, schwarzem Vinyl oder goldfarbenem Vinyl und bestellen Sie Ihre bevorzugte Variante jetzt!

Floating Points: Mere Mortals, das erste Ballettalbum bei Deutsche Grammophon

Mit Mere Mortals legt Floating Points, das musikalische Alter Ego des britischen Komponisten, Produzenten und DJs Sam Shepherd, seine erste abendf&uuml;llende Ballettpartitur vor. Das 14-teilige Album erschien am 28. August 2026 in allen Formaten bei <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de">Deutsche Grammophon</a>. Entstanden ist das Werk aus einem Auftrag von Tamara Rojo, der k&uuml;nstlerischen Leiterin des San Francisco Ballet, die die Produktion auch inszenierte.
Die Choreografie stammt von Aszure Barton, B&uuml;hnenbild und Visuals von Hamill Industries. Uraufgef&uuml;hrt wurde Mere Mortals im Januar 2024 im War Memorial Opera House in San Francisco.
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<h2>Mere Mortals: Floating Points vertont den Pandora-Mythos</h2>
Im Zentrum steht die antike Sage von Pandora, jener ersten Frau der griechischen Mythologie, deren Neugier der Menschheit zugleich Unheil und Hoffnung beschert. Shepherd &uuml;bersetzt diesen Stoff in ein Wechselspiel aus elegischen Streichern, dr&auml;ngenden Bl&auml;sern und pulsierender Elektronik.
Aufgenommen mit dem San Francisco Ballet Orchestra, verschmelzen akustische Klangk&ouml;rper und synthetische Texturen zu einem einzigen Sog. Schon der Titel f&uuml;hrt zum Kern des Werks: Mere Mortals, die blo&szlig; Sterblichen, verhandelt die Grenze zwischen Mensch und Maschine, zwischen dem Verg&auml;nglichen und dem Konstruierten.
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<h2>Das Album: 14 S&auml;tze zwischen Orchester und Elektronik</h2>
Die Partitur folgt dem Verlauf des Mythos in vierzehn S&auml;tzen, von Fire und Hope &uuml;ber den perkussiven Aufruhr von Rage of the Gods bis zum offenen Schluss von Nowhere to Land. Solistische Momente setzen dabei feine Akzente: die lyrische Solovioline von Cordula Merks in Hope, die filigrane Harfe von Miriam Adefris in Her Gift, bevor die unheimliche Stimmung von Opening of the Jar den Deckel des sprichw&ouml;rtlichen Gef&auml;&szlig;es hebt. Bereits vorab erschienen sind die Singles Falling to Earth und Her Gift, erste Einblicke in eine Klangwelt, die H&ouml;rer ebenso fordert wie verf&uuml;hrt.
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<h2>Floating Points alias Sam Shepherd: vom Club in den Konzertsaal</h2>
Sam Shepherd ist ein Musiker vieler Welten: klassisch ausgebildet, einst Chorknabe an der Kathedrale von Manchester und Sch&uuml;ler der renommierten Chetham's School of Music, sp&auml;ter als Floating Points auf den B&uuml;hnen der internationalen Clubszene gefeiert. Zu seinen Alben z&auml;hlen Elaenia, Crush und das f&uuml;r den Mercury Prize nominierte Promises, eingespielt mit dem Jazzsaxofonisten Pharoah Sanders und dem London Symphony Orchestra. Mere Mortals markiert nun sein Deb&uuml;t beim gelben Etikett und den bislang ehrgeizigsten Schritt in seinem Schaffen.
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<h2>Mere Mortals auf Vinyl, CD und in Dolby Atmos</h2>
F&uuml;r Sammler h&auml;lt der DG Store eine Deluxe-Edition auf kristallklarem Vinyl (2LP) bereit, mit ge&auml;tzten Details, abnehmbarer Au&szlig;enh&uuml;lle und einem erweiterten Booklet, das eine handschriftliche Partitur des K&uuml;nstlers enth&auml;lt. Daneben ist Mere Mortals als regul&auml;re 2LP, als CD sowie digital erh&auml;ltlich, auch in Dolby Atmos f&uuml;r ein immersives H&ouml;rerlebnis. Parallel kehrt das Ballett auf die B&uuml;hne zur&uuml;ck: Nach der europ&auml;ischen Erstauff&uuml;hrung beim Edinburgh International Festival (28. bis 30. August 2026, mit dem Royal Scottish National Orchestra) gastiert die Produktion vom 9. bis 12. September 2026 am Sadler's Wells Theatre in London (mit der Royal Ballet Sinfonia).
Zwischen Antike und Zukunft, zwischen Orchester und Synthesizer: Mere Mortals von Floating Points ist seit dem 28. August 2026 bei Deutsche Grammophon erh&auml;ltlich.
➤ Jetzt im DG Store bestellen und die Deluxe-Vinyl-Edition sichern, oder weitere Neuheiten im <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog">Katalog</a> entdecken.

Deutsche Grammophon China and Xinghai Concert Hall Present the Inaugural DG Music Festival in Guangzhou

Curated by Daniel Hope, the four-day festival celebrates classical music, cross-cultural collaboration and China&rsquo;s emerging musical voices, November 15&ndash;18, 2026
GUANGZHOU, CHINA &mdash; Deutsche Grammophon China and Xinghai Concert Hall will jointly present the inaugural DG Music Festival in Guangzhou from November 15 to 18, 2026. The first officially presented in-person music festival in the label&rsquo;s nearly 130-year history will bring together leading Chinese and international artists for four days of concerts, exhibitions and encounters with audiences.
With the globally renowned violinist and DG artist Daniel Hope serving as the festival&rsquo;s Curator and Guest Artistic Director, the programme features three headline concerts alongside a wide-ranging series of exhibitions and public events. Participating artists include cellist Jian Wang, pianists Xiaofu Ju and Yingjia Xue, guzheng artist Yang Yang, vocalist Linna Gong and the AIR Ensemble. Immediately preceding the core festival performances, longstanding DG artist Yuja Wang will be appearing at Xinghai Concert Hall with Mahler Chamber Orchestra and kicking off the celebration.
Spanning solo recitals, chamber music, vocal performances and cross-cultural collaborations, the festival places classical masterworks alongside traditional melodies, new arrangements and original compositions. It invites audiences across the Greater Bay Area to experience music as a living dialogue between cultures and generations.
A Historic Partnership, a Long-Term Vision
Founded in 1898, Deutsche Grammophon has long been one of the world&rsquo;s most prestigious classical music labels. With nearly three decades of history, Xinghai Concert Hall is an internationally renowned, world-class concert hall and one of China&rsquo;s most influential performing arts venues.
Launched in 2025, DG China is dedicated to discovering and supporting Chinese musical talent in keeping with DG&rsquo;s artistic standards, and bringing China&rsquo;s voices to the world. The festival marks an important step in that commitment. More than a touring event, it is envisioned as a lasting cultural initiative developed together with Xinghai Concert Hall.
Guangzhou&rsquo;s longstanding openness to international exchange provides a fitting setting for this collaboration. Bringing DG&rsquo;s recording heritage into dialogue with Xinghai Concert Hall&rsquo;s dynamic artistic programme, the festival will create a shared space for established masters, emerging artists and audiences to listen, discover and connect.
Dr. Clemens Trautmann, President Deutsche Grammophon and New Business Strategy Global Classics at Universal Music: &ldquo;For nearly 130 years, Deutsche Grammophon has championed exceptional artists and brought their music to audiences around the world. The inaugural DG Music Festival in Guangzhou opens a new chapter in that mission, creating a space where our artistic heritage meets the energy and imagination of Chinese musicians. With Daniel Hope as Curator and Xinghai Concert Hall as our esteemed partner, we look forward to celebrating the power of live music to connect cultures, generations and communities.&rdquo;
&ldquo;We hope that what we create over these four days at Xinghai Concert Hall will be more than a few concerts: a truly open musical space that welcomes all music and conveys hope and energy,&rdquo; says Daniel Hope, Curator and Guest Artistic Director of DG Music Festival. &ldquo;Music&rsquo;s most precious power is not to show us how different we are, but to remind us to share, understand and discover together.&rdquo;
Three Concerts, Three Musical Journeys
Salut d&rsquo;Amour
November 16, 2026 | 8:00 p.m. Jian Wang and Yingjia Xue
The festival&rsquo;s opening headline concert pairs celebrated cellist Jian Wang with pianist Xue Yingjia in a programme of lyrical miniatures spanning the Classical era, Romanticism and the twentieth century.
Highlights include works by Schumann, Saint-Sa&euml;ns, Faur&eacute;, Tchaikovsky, Piazzolla and Elgar, alongside Chinese composer Liu Rongfa&rsquo;s Pastoral Song. Daniel Hope will also make a special appearance.
The first Chinese musician to sign an exclusive contract with DG, Jian Wang embodies a longstanding connection between the label and Chinese artistry. His newly recorded Bach Cello Suites, released in 2025, also marked DG China&rsquo;s first album release.
Music in Harmony
November 17, 2026 | 8:00 p.m. International Masters Meet DG China
Daniel Hope and Jian Wang join Nicola Mosca, principal cellist of the Zurich Chamber Orchestra, and DG China artists Xiaofu Ju and Yang Yang for an evening of musical exchange across generations and traditions.
Bringing together violin, cello, piano, guzheng and Irish harp, the programme includes selections from Tan Dun&rsquo;s Hero Concerto, Mendelssohn&rsquo;s Piano Trio No. 1 in D minor, and Xiaofu Ju&rsquo;s arrangements of Dowland&rsquo;s In Darkness Let Me Dwell and Mozart&rsquo;s Lacrimosa from Requiem.
Yang Yang contributes her original work Tianmu Yin and her own arrangement of Ludovico Einaudi&rsquo;s Nuvole Bianche. Autumn Moon over the Calm Lake, arranged by Paul Bateman, and Piazzolla&rsquo;s Winter in Buenos Aires further expand the evening&rsquo;s cross-cultural conversation.
A Night of Brilliance
November 18, 2026 | 8:00 p.m. Daniel Hope, AIR Ensemble and Special Guest Linna Gong
The final headline concert brings Daniel Hope together with the AIR Ensemble and acclaimed vocalist Linna Gong for a journey across more than four centuries of music.
Rooted in the Baroque tradition, the AIR Ensemble moves fluently between early music, folk traditions and cross-cultural arrangements. The programme travels from Renaissance and Baroque Europe to Ireland and China, featuring music by composers including Ortiz, Corelli, Purcell and Vivaldi, alongside Irish traditional melodies and special arrangements of Chinese favourites such as Jasmine Flower, Colourful Clouds Chasing the Moon and The Moon Reflected in Erquan.
Beyond the Concert Stage
Throughout the four-day festival, exhibitions and public events will invite audiences to explore the stories, ideas and craftsmanship behind the music.
Four themed exhibitions will showcase performances and artist interviews from DG STAGE+ platform; trace the evolution of DG&rsquo;s album-cover design; celebrate vinyl recordings and the label&rsquo;s recording heritage; and introduce official DG merchandise to China.
The public programme will include a talk marking the 120th anniversary of Dmitri Shostakovich&rsquo;s birth, alongside artist conversations, music-sharing salons, a session exploring concert etiquette, city walks, signing events and an after-party.
These activities will offer opportunities for audiences to meet musicians beyond the concert stage, extending the festival into a broader cultural experience that encourages curiosity, participation and a deeper connection with classical music.
Full programme details, activity announcements and ticketing conditions are available through Xinghai Concert Hall&rsquo;s official channels.
DG Music Festival 2026 November 15&ndash;18, 2026 Xinghai Concert Hall, Guangzhou, China presented by Deutsche Grammophon China and Xinghai Concert Hall
Public Tickets Contact：<a href="mailto:program@concerthall.com.cn">program@concerthall.com.cn</a>

María Dueñas spielt Halvorsens Violinkonzert  mit dem Orchestre Métropolitain und Yannick Nézet-Séguin

&Uuml;ber hundert Jahre verschollen, nun wiederentdeckt: Johan Halvorsens Violinkonzert
Eingespielt f&uuml;r Sofia Bohdanowicz&rsquo; preisgekr&ouml;nten Film Measures for a Funeral &ndash; Mar&iacute;a Due&ntilde;as&rsquo; Schauspieldeb&uuml;t
Das Album mit dem Violinkonzert und Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo; erscheint am 16. Oktober 2026, der Soundtrack mit beiden Werken und Olivier Alarys Filmmusik am 4. Dezember
&raquo;Mar&iacute;a Due&ntilde;as gewann ihr Publikum im Handumdrehen &ndash; mit dem lyrischen Ton ihrer Eingangskadenz, die nicht weniger als erhaben war&laquo;
Bachtrack &uuml;ber Mar&iacute;a Due&ntilde;as&rsquo; Interpretation von Halvorsens Konzert in Montreal, November 2023
Deutsche Grammophon ver&ouml;ffentlicht gleich zwei Alben von Mar&iacute;a Due&ntilde;as. Beide erscheinen digital, beide begleiten Measures for a Funeral, den Film von 2024, in dem die spanische Geigerin ihr Schauspieldeb&uuml;t gab. Auf dem ersten Album sind Werke des norwegischen Komponisten und Geigenvirtuosen Johan Halvorsen (1864-1935) zu h&ouml;ren. Gemeinsam mit dem Orchestre M&eacute;tropolitain und dessen K&uuml;nstlerischem Leiter und Chefdirigenten Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin spielt Due&ntilde;as sein lange verschollenes Violinkonzert sowie Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo;, einen Satz aus seiner Suite Mosa&iuml;que. Das zweite Album ist der Soundtrack zu Sofia Bohdanowicz&rsquo; Film. Es vereint die beiden Halvorsen-Werke mit neuer Musik, die der in Montreal lebende franz&ouml;sische Komponist Olivier Alary geschrieben und selbst eingespielt hat.
Halvorsens Violinkonzert und Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo; (&raquo;Veslem&oslash;ys Lied&laquo;) wurden f&uuml;r den Film in der Maison symphonique in Montreal in Zusammenarbeit mit Deutsche Grammophon live mitgeschnitten. Sie erscheinen als eigenes Album am 16. Oktober 2026. Measures for a Funeral &ndash; Original Motion Picture Soundtrack folgt am 4. Dezember.
Measures for a Funeral ist ein stiller Film, der zum Nachdenken anregt, ein Film &uuml;ber Trauer und Erinnerung. Er feierte seine Premiere in der Reihe Centrepiece des Toronto International Film Festival und gewann beim Festival du nouveau cin&eacute;ma in Montreal den Grand Prix. Weltweit auf mehr als 30 Festivals gezeigt, kommt er bald &uuml;ber den renommierten Independent-Verleih Factory 25 in die US-Kinos. The Globe and Mail feierte ihn als eine &raquo;Symphonie der Besessenheit&laquo;, es sei, als &raquo;tauche man ein in einen Traum von Alfred Hitchcock&laquo;, urteilte The Guardian und vergab vier Sterne.
Im Mittelpunkt des Films steht Audrey (Deragh Campbell), eine junge Musikwissenschaftlerin. Sie&nbsp;forscht &uuml;ber Kathleen Parlow (1890-1963), eine gefeierte kanadische Geigerin des fr&uuml;hen 20.&nbsp;Jahrhunderts. Regisseurin Bohdanowicz, deren Gro&szlig;vater (der Geiger Andrew Benac) ein Sch&uuml;ler Parlows war, lie&szlig; sich zudem von der Geschichte hinter Halvorsens Violinkonzert op. 28 inspirieren. Es war Parlow gewidmet und wurde 1909 von ihr uraufgef&uuml;hrt. Allerdings stie&szlig; es auf ein geteiltes Echo, und der Komponist lie&szlig; s&auml;mtliche Exemplare vernichten. Als verschollenes Meisterwerk zu mythischem Status gelangt, tauchte das Werk vor rund einem Jahrzehnt wieder auf. Die Bibliothekare Houman Behzadi und James Mason fanden es in der Musikbibliothek der University of Toronto bei einem gro&szlig;angelegten Projekt zur Digitalisierung von Parlows Archiv.
Bohdanowicz&rsquo; Film gipfelt in einer Auff&uuml;hrung des Konzerts durch die junge Geigerin Elisa, mit gro&szlig;em Feingef&uuml;hl von Mar&iacute;a Due&ntilde;as gespielt. &raquo;Als wir Mar&iacute;a das Drehbuch gaben, identifizierte sie sich sofort mit der Rolle&laquo;, sagt die Filmemacherin. &raquo;Mir erscheint sie wie eine Reinkarnation von Kathleen Parlow. Sie ist eine bemerkenswert talentierte Musikerin.&laquo;
Due&ntilde;as bietet eine glanzvolle Interpretation des Konzerts, dessen Ankl&auml;nge an die norwegische Volksmusik und an die Hardangerfiedel zu seinen vielen Reizen z&auml;hlen. Sie meistert jede technische Herausforderung, m&uuml;helos wechselnd zwischen virtuosen Passagen und sanft lyrischen Momenten.
Halvorsens sanglicher Ton ist in Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo; erneut zu h&ouml;ren, einer exquisiten Miniatur, urspr&uuml;nglich f&uuml;r Violine und Klavier geschrieben, vom Komponisten aber f&uuml;r Parlow zur Auff&uuml;hrung mit Streichern eingerichtet, als sie sich 1909 in Norwegen aufhielt. Beim Montrealer Konzert, so schw&auml;rmte Bachtrack, gelang Due&ntilde;as und ihren Mitmusiker:innen &raquo;ein transzendentes Erlebnis&laquo;, in einer Atmosph&auml;re, in der unter N&eacute;zet-S&eacute;guin jeder seine ganze Ausdruckskraft entfalten konnte.
&raquo;Es war eine Ehre, an der Wiederentdeckung von Johan Halvorsens gro&szlig;artigem Violinkonzert op. 28 mitzuwirken&laquo;, sagt Due&ntilde;as, &raquo;und Kathleen Parlow wieder bekannter zu machen &ndash; die au&szlig;ergew&ouml;hnliche kanadische Virtuosin, f&uuml;r die das Werk geschrieben wurde. Parlow war eine gefeierte Geigerin des fr&uuml;hen 20. Jahrhunderts. Ihre Karriere fiel in dieselbe gro&szlig;e Zeit wie die von Jascha Heifetz, und trotzdem ist ihr Name nach und nach in Vergessenheit geraten. Durch Measures for a Funeral kann ich ihr k&uuml;nstlerisches Erbe weitergeben &ndash; und mit Halvorsens Musik auch ihre Stimme einer neuen Generation von H&ouml;rer:innen n&auml;herbringen. Diesem verschollenen Meisterwerk zu begegnen und es in Kanada mit dem gro&szlig;en kanadischen Maestro Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin zu spielen bedeutet mir viel. Es ist eine Hommage an Parlows Kunst, an Halvorsens Fantasie und an die Kraft der Musik, uns an Menschen zu erinnern, die wir vergessen haben.&laquo;
Der renommierte Filmkomponist Olivier Alary hat f&uuml;r Measures for a Funeral eine kraftvolle, mitunter bedrohliche Partitur geschrieben. Seine Musik, auf der die Bratschisten Victor de Coninck und Pemi Paull zu h&ouml;ren sind, erg&auml;nzt die romantischen Orchesterst&uuml;cke und spiegelt das Innenleben der Hauptfigur Audrey, die ganz in Parlows Leben und Werk eintaucht &ndash; eine Flucht vor den ungel&ouml;sten Spannungen in der Beziehung zu ihrer sterbenden Mutter.
In dieser Saison gibt Mar&iacute;a Due&ntilde;as ihr S&uuml;damerika-Deb&uuml;t, mit Konzerten in Chile, Argentinien und Uruguay, bevor sie in Mexiko auftritt (4.&ndash;10. Okt.; Mendelssohns Violinkonzert e-Moll). Zu den weiteren H&ouml;hepunkten z&auml;hlen Konzerte mit der Staatskapelle Berlin unter Christian Thielemann in Berlin (12./13. Jan. 2027; Mendelssohns Violinkonzert d-Moll) sowie Auff&uuml;hrungen von Barbers Violinkonzert mit den Wiener Symphonikern unter Petr Popelka in &Ouml;sterreich und auf den Kanarischen Inseln (15.&ndash;24. Jan.). Au&szlig;erdem spielt sie mit den Bamberger Symphonikern unter Jakub Hrů&scaron;a (Bamberg, 5./6. Feb., und Hamburg, 8. M&auml;rz; Prokofjews Violinkonzert Nr. 1), kehrt nach Montreal zur&uuml;ck, um wieder mit Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin und dem Orchestre M&eacute;tropolitain zu musizieren (21.&ndash;23. Apr.; Saint-Sa&euml;ns&rsquo; Violinkonzert Nr. 3), und ist mit dem Philharmonia Orchestra unter Santtu-Matias Rouvali in Beethovens Violinkonzert zu h&ouml;ren (M&uuml;nchen, 4. Mai, und London, 6. Mai). Alle Tourdaten <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/maria-duenas/live-termine">hier</a>.

STAGE+ öffnet sein Angebot für akademische Bibliotheken weltweit

Campuslizenzen und Konsortialmodelle bringen Klassik, Jazz und audiovisuelle Produktionen in Hochschulen und Forschungseinrichtungen
<a href="https://www.stage-plus.com/de/discover" target="_blank" rel="noopener">STAGE+</a>, der Streaming-Service der Deutschen Grammophon f&uuml;r klassische Musik und Jazz, startet ein Angebot f&uuml;r Bibliotheken weltweit. Hochschulen und Forschungseinrichtungen k&ouml;nnen den Zugang ab sofort als Campuslizenz oder im Konsortialmodell erwerben. Studierende, Lehrende und Forschende erhalten damit institutionellen Zugriff auf ein kuratiertes Angebot aus audiovisuellen Inhalten wie Lives-Streams, Opern, Konzerten, Dokumentationen und &uuml;ber 20.000 Audioalben. Im Angebot vertreten sind Aufnahmen der weltweit branchenf&uuml;hrenden Labels Deutsche Grammophon, Decca Classics, ECM Records, Blue Note Records, Impulse!, Verve Records, Hyperion, Myrios und Carus der letzten 119 Jahre. STAGE+ ist der einzige Dienst, der Audio- und Videokataloge sowie Angebote aus den Bereichen Klassik und Jazz sinnvoll miteinander verbindet. Damit deckt er Inhaltstypen und Genres ab, die ansonsten auf mehrere bestehende wissenschaftliche Plattformen verteilt sind.
Das akademische Angebot ist von Beginn an auf die Nutzung durch Institutionen ausgelegt: Eine Campuslizenz erm&ouml;glicht den Zugang f&uuml;r alle Angeh&ouml;rigen einer Institution, auch au&szlig;erhalb des Campus &uuml;ber IP-Authentifizierung. Konsortien und Bibliotheksverb&uuml;nde k&ouml;nnen gemeinsame Lizenzen zu attraktiven Konditionen abschlie&szlig;en. Damit erg&auml;nzt STAGE+ private Einzelabonnements um ein Modell f&uuml;r Forschung, Lehre und gemeinschaftliche Bibliotheksnutzung. Je nach Produktion stehen verlustfreies Audio bis 24 Bit/48 kHz, Dolby Atmos und Video in 4K zur Verf&uuml;gung.
&ldquo;STAGE+ setzt einen eigenen Schwerpunkt im akademischen Klassik- und Jazzangebot: Es vereint umfangreiche Audio-Repertoires mit Konzert- und Opernproduktionen sowie Live- und On-Demand-Video in einer institutionell lizenzierbaren Plattform,&rdquo; sagt Dr. Sven Fund, General Manager von STAGE+. &ldquo;Das Angebot erg&auml;nzt damit sowohl rechercheorientierte Audio-Bibliotheken als auch spezialisierte Videoarchive.&rdquo;&nbsp;
Bibliotheken erhalten im Angebot von Stage+ recherchierbare Metadaten zu Werken, Komponist:innen, Interpret:innen und Ensembles. F&uuml;r Nutzer:innen sind Untertitel von Opern in zehn Sprachen verf&uuml;gbar. Zudem werden speziell f&uuml;r Bibliotheken Schnittstellen und Nutzungsstatistiken bereitgestellt. Das Angebot ist weltweit verf&uuml;gbar. Bibliotheken und Konsortien k&ouml;nnen Testzug&auml;nge und Preisinformationen unter www.stage-plus.com/de/libraries anfragen.
&Uuml;ber STAGE+ STAGE+ ist der Streaming-Service der Deutschen Grammophon f&uuml;r klassische Musik und Jazz. J&auml;hrlich pr&auml;sentiert die Plattform mehr als 50 Livestreams aus renommierten Festivals, Konzert- und Opernh&auml;usern weltweit. Das Programm verbindet exklusive Premieren, Konzert- und Opernproduktionen auf Abruf, Musikvideos, Dokumentationen und Interviews mit aktuellen Audio-Ver&ouml;ffentlichungen und Tausenden Alben in hoher Audio- und Bildqualit&auml;t. STAGE+ ist &uuml;ber TV-, Web- und Mobile-Apps verf&uuml;gbar. Je nach Produktion stehen Video in bis zu 4K sowie Audio in verlustfreien Hi-Res- und Dolby-Atmos-Formaten bereit; ausgew&auml;hlte Inhalte lassen sich auf unterst&uuml;tzten Mobilger&auml;ten auch offline nutzen. Zu den Partnern z&auml;hlen Carnegie Hall, Royal Opera House, Staatsoper Berlin und Teatro alla Scala.&nbsp;

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