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OPUS KLASSIK 2026 - Zwölf Auszeichnungen für Universal Music Martha Argerich für ihr Lebenswerk geehrt

Berlin, 11. Oktober 2026. Zw&ouml;lf Auszeichnungen in elf Kategorien: Die K&uuml;nstler:innen von Deutsche Grammophon, Decca Classics und den DG-Partnerlabels CAvi-music, ECM und Myrios z&auml;hlen zu den Gewinner:innen des OPUS KLASSIK 2026. Bei der Gala im Konzerthaus Berlin standen Alice Sara Ott, Andr&egrave; Schuen, Katharina Konradi und Sarah Willis mit ihrer Band The Sarahbanda auf der B&uuml;hne. Ein besonderer H&ouml;hepunkt: die Ehrung von Martha Argerich f&uuml;r ihr Lebenswerk. Das ZDF &uuml;bertrug die Preisverleihung.
Durch den Abend f&uuml;hrte D&eacute;sir&eacute;e Nosbusch, gemeinsam mit dem Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von Anna Rakitina. Alice Sara Ott spielte eine Nocturne aus ihrer DG-Einspielung <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/field-complete-nocturnes-alice-sara-ott-13665">John Field &middot; Complete Nocturnes</a>. Andr&egrave; Schuen sang &raquo;Non pi&ugrave; andrai&laquo; aus Mozarts Le nozze di Figaro. Sarah Willis und The Sarahbanda pr&auml;sentierten eine Bearbeitung von Mozarts Eine kleine Nachtmusik mit Gesang, gefolgt von einer virtuosen &raquo;Horn Extravaganza&laquo;. Einer der H&ouml;hepunkte war das Duett von Katharina Konradi und Jonas Kaufmann. Sie sangen &raquo;Tanzen m&ouml;cht ich&laquo; aus Emmerich K&aacute;lm&aacute;ns Die Cs&aacute;rd&aacute;sf&uuml;rstin.
Die Auszeichnungen zeigen die ganze Bandbreite der K&uuml;nstler:innen und ihrer Projekte. Anna Lucia Richter erhielt den Preis als S&auml;ngerin des Jahres f&uuml;r<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/mahler-songs-of-fate-anna-lucia-richter-14171"> Mahler &ndash; Songs of Fate</a>, Andr&egrave; Schuen als S&auml;nger des Jahres f&uuml;r <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/mozart-andre-schuen-13743">Mozart</a>. Als Instrumentalistin des Jahres wurden Sarah Willis f&uuml;r <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/cuban-christmas-sarah-willis-the-sarahbanda-14085">Cuban Christmas</a> und Yunchan Lim f&uuml;r Bachs <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/bach-goldberg-variations-yunchan-lim-14306">Goldberg-Variationen</a>, live aus der Carnegie Hall, ausgezeichnet.
Andris Nelsons ist Dirigent des Jahres f&uuml;r <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/mendelssohn-oratorios-symphonies-andris-nelsons-14271">Mendelssohn: Symphonies &amp; Oratorios</a> mit dem Gewandhausorchester Leipzig. Mirga Gražinytė-Tyla erhielt den Preis f&uuml;r die Sinfonische Einspielung des Jahres f&uuml;r das Familienprojekt <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/back-to-nature-mirga-grazinyte-tyla-14009">Back to Nature: Čiurlionis &amp; Gražinis</a>. In der Kategorie Neue Klassik/Neoklassik gewann Alice Sara Ott mit <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/johannsson-piano-works-alice-sara-ott-13864">J&oacute;hann J&oacute;hannsson &ndash; Piano Works</a> und seinen Weltersteinspielungen von Klaviertranskriptionen. Katharina Konradi wurde mit Daniel Heide f&uuml;r <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/liszt-songs-vol-iii-un-cycle-imaginaire-daniel-heide-katharina-konradi-14130">Franz Liszt: Un Cycle Imaginaire </a>als Solistische Einspielung Gesang des Jahres geehrt.
Das Innovative H&ouml;rerlebnis des Jahres ging an Produzent Rainer Maillard f&uuml;r Mikhail Pletnevs <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/chopin-scriabin-preludes-mikhail-pletnev-14043">Chopin &amp; Scriabin: Pr&eacute;ludes</a>, die erste rein analoge DG-Neuproduktion seit den Achtzigerjahren. Die Kammermusikeinspielung des Jahres ist <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/pur-ti-miro-wu-wei-14258">Pur ti miro </a>von Wu Wei, Martin Stegner und Janne Saksala, das die chinesische Mundorgel Sheng mit Viola und Kontrabass verbindet. Lang Lang erhielt den Bestseller des Jahres f&uuml;r <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/katalog/produkte/piano-book-2-lang-lang-13779">Piano Book 2</a> &ndash; von Bach, Chopin und Liszt bis zu Film-, Anime- und Gaming-Musik.
F&uuml;r ihr Lebenswerk wurde Martha Argerich geehrt. &Uuml;ber fast sechs Jahrzehnte hat sie eine einzigartige Diskografie bei Deutsche Grammophon geschaffen. Mit 85 Jahren tritt sie weiterhin weltweit auf und f&ouml;rdert junge Talente.
&raquo;Unsere Talente stehen f&uuml;r eine Vielfalt, die mich begeistert: unterschiedliche Generationen, Kulturen und musikalische Handschriften. Von gro&szlig;en klassischen Werken &uuml;ber kubanische Rhythmen bis zu Anime- und Gaming-Musik er&ouml;ffnen sie neue Perspektiven und Zug&auml;nge. Diese Diversit&auml;t macht die Klassik lebendig &ndash; und wir sind stolz, diese K&uuml;nstler:innen zu begleiten&laquo;, sagt Kleopatra Sofroniou, General Manager Classics, Deutsche Grammophon.
Frank Briegmann, Chairman &amp; CEO Universal Music Europe, Australia, New Zealand, Canada &amp; Deutsche Grammophon erg&auml;nzt: &bdquo;Zw&ouml;lf Auszeichnungen beim OPUS KLASSIK sind eine gro&szlig;artige Anerkennung f&uuml;r unsere K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler und zugleich ein starkes Zeichen f&uuml;r die kreative Kraft klassischer Musik. Martha Argerich inspiriert seit Jahrzehnten Generationen, w&auml;hrend andere K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler heute neue Perspektiven auf gro&szlig;e Werke er&ouml;ffnen. Genau darin liegt die besondere Kraft der Klassik: in h&ouml;chster k&uuml;nstlerischer Qualit&auml;t, in Neugier und in dem Mut, Vertrautes immer wieder neu zu entdecken. Ich gratuliere allen Preistr&auml;gerinnen und Preistr&auml;gern sehr herzlich. Mein Dank gilt auch dem ZDF als Medienpartner des OPUS KLASSIK, das diesen au&szlig;ergew&ouml;hnlichen K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern und ihrer Musik eine gro&szlig;e B&uuml;hne gibt.&ldquo;
Der OPUS KLASSIK zeichnet K&uuml;nstler:innen und Produktionen in 30 Kategorien aus. &Uuml;ber die Preise entscheidet eine unabh&auml;ngige, elfk&ouml;pfige Fachjury aus der Musik- und Medienbranche.

Andrè Schuen und Daniel Heide präsentieren Gustav Mahler: Lieder

Das neue Album vereint Lieder eines fahrenden Gesellen, die R&uuml;ckert-Lieder, die Kindertotenlieder und Urlicht
CAvi, das Partnerlabel der Deutschen Grammophon, ver&ouml;ffentlicht das erste ausschlie&szlig;lich Mahler gewidmete Album von Andr&egrave; Schuen und Daniel Heide
Das Album erscheint am 9. Oktober 2026 auf CD und digital
Mit Lieder eines fahrenden Gesellen, R&uuml;ckert-Liedern, Kindertotenliedern und Urlicht. Digital in SD, HD und Dolby Atmos sowie physisch als 1 CD (Jewel Case) erh&auml;ltlich. <a href="https://www.deutschegrammophon.com/en/catalogue/products/mahler-lieder-andre-schuen-daniel-heide-14555" target="_blank" rel="noopener">Gustav Mahler: Lieder - hier anh&ouml;ren</a>
Der Bariton Andr&egrave; Schuen und der Pianist Daniel Heide kehren zu CAvi zur&uuml;ck &ndash; jenem Partnerlabel der Deutschen Grammophon, bei dem ihre gemeinsame Aufnahmegeschichte einst begann. Ihr neues Album Gustav Mahler: Lieder vereint Lieder eines fahrenden Gesellen, die R&uuml;ckert-Lieder, die Kindertotenlieder und Urlicht.
Nach ihren gefeierten CAvi-Aufnahmen mit Werken von Schumann, Wolf, Martin, Beethoven, Britten und Schubert setzen Schuen und Heide damit ihre intensive Auseinandersetzung mit dem deutschen Liedrepertoire fort. Erstmals widmen sie ein gemeinsames Album ausschlie&szlig;lich Gustav Mahler und einem zentralen Teil seines Liedschaffens.
Die Aufnahme ist das Ergebnis von mehr als zehn Jahren gemeinsamer Auff&uuml;hrungen von Mahlers Liedern. In dieser Zeit haben Schuen und Heide ihre Interpretation kontinuierlich auf der Konzertb&uuml;hne weiterentwickelt. Entstanden ist eine Lesart, die h&ouml;chste Aufmerksamkeit f&uuml;r den Text mit einem tiefen Gesp&uuml;r f&uuml;r Mahlers emotionale und philosophische Welt verbindet. Liebe und Verlust, Erinnerung und Trost sowie die Suche nach Sinn finden in diesen Liedern einen unmittelbar bewegenden Ausdruck.
Aufgenommen wurde das Album im Markus Sittikus Saal in Hohenems, &Ouml;sterreich, einem der Spielorte des international renommierten Schubertiade-Festivals. Die besondere Akustik des Saals unterstreicht die Intimit&auml;t des musikalischen Dialogs zwischen S&auml;nger und Pianist.
In seinen pers&ouml;nlichen Liner Notes beschreibt Schuen Mahler als &bdquo;einen lebenslangen Gespr&auml;chspartner&ldquo; &ndash; als einen Komponisten, dessen Lieder bisweilen Antworten geben und zugleich wesentliche Fragen offenlassen.
Track 9, Ich bin der Welt abhanden gekommen aus den R&uuml;ckert-Liedern, ist ab dem 25. September 2026 als Instant-Grat-Track erh&auml;ltlich. Das vollst&auml;ndige Album folgt am 9. Oktober 2026 auf CD im Jewelcase sowie digital in SD, HD und Dolby Atmos. Der Key-Track ist Ging heut&rsquo; morgen &uuml;bers Feld aus Lieder eines fahrenden Gesellen.
Mit Gustav Mahler: Lieder f&uuml;hren Andr&egrave; Schuen und Daniel Heide ihre &uuml;ber ein Jahrzehnt gewachsene Besch&auml;ftigung mit Mahlers Liedern fort und schlagen zugleich ein neues Kapitel ihrer langj&auml;hrigen k&uuml;nstlerischen Zusammenarbeit auf.

David Garrett – Deutsche Grammophon  veröffentlicht neues Album 'Immortal' 

Garrett pr&auml;sentiert neu-arrangierte Werke von einigen der gr&ouml;&szlig;ten Komponisten der Musikgeschichte
Immortal erscheint heute
H&ouml;ren Sie Immortal <a href="https://landing.studiocdn.com/studiocdn-web/parcels/00ff5c82-0dc9-4d86-82db-0a158894a2f9">hier</a>
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Berlin, 9. Oktober 2026 &mdash; Der deutsch-amerikanische Violinist David Garrett ver&ouml;ffentlicht mit Immortal sein neues Album bei Deutsche Grammophon, das ein zutiefst pers&ouml;nliches und zugleich sehr ambitioniertes Projekt ist. Ausgehend von der festen &Uuml;berzeugung, dass Musik die Zeit &uuml;berdauert, widmet sich Garrett auf Immortal einigen der bedeutendsten Komponisten der Geschichte wie W. A. Mozart, Claude Debussy und John Williams.
Das Album ist ab heute digital sowie physisch als CD und Vinyl erh&auml;ltlich.
Nach dem gro&szlig;en Erfolg seines letzten Klassik Albums Iconic (2022), das mit Gold ausgezeichnet wurde, markiert Immortal einen wichtigen neuen Abschnitt in David Garretts k&uuml;nstlerischer Entwicklung.
&bdquo;Wenn wir &uuml;ber Dinge sprechen, die Unsterblichkeit nahekommen, dann geh&ouml;rt Kunst &ndash; insbesondere Musik &ndash; zweifellos dazu&ldquo;, sagt David Garrett. &bdquo;In den vergangenen zw&ouml;lf Monaten habe ich es mir zur Aufgabe gemacht, jedem einzelnen Komponisten auf dem Album gerecht zu werden.&ldquo;
Immortal umfasst in der Standardversion 20 Titel, in der Deluxe-Edition 25. Jedes St&uuml;ck wurde mit gr&ouml;&szlig;ter Sorgfalt ausgearbeitet und spiegelt Garretts tiefes musikalisches Verst&auml;ndnis sowie seinen Anspruch an Authentizit&auml;t wider.
&bdquo;Ich bin stolz darauf, sagen zu k&ouml;nnen, dass dieses Projekt zu 100 % handgemacht ist&ldquo;, erg&auml;nzt er. &bdquo;Ich hoffe, dass die H&ouml;rerinnen und H&ouml;rer nicht nur den Klang genie&szlig;en, sondern auch die menschliche Pr&auml;senz in der Musik sp&uuml;ren.&ldquo;
Garrett hat s&auml;mtliche Arrangements des Albums selbst erstellt. Unterst&uuml;tzt wurde er von den Co-Arrangeuren Franck van der Heijden und John Haywood, die zus&auml;tzliche Tiefe und klangliche Vielfalt in die orchestralen Arrangements bringen.
Eingespielt wurde das Album gemeinsam mit dem Orchester The Prezent sowie dem Pianisten Julien Quentin, deren Energie und Ausdruckskraft den Klang des Albums ma&szlig;geblich pr&auml;gen.
Mit Immortal ehrt David Garrett nicht nur die zeitlosen Werke der Vergangenheit, sondern unterstreicht zugleich die anhaltende Bedeutung von Musik in der heutigen Zeit, die von k&uuml;nstlerischer Individualit&auml;t und handwerklicher Qualit&auml;t gepr&auml;gt ist. Das Album verbindet Generationen, steht f&uuml;r Authentizit&auml;t und strebt &ndash; ganz seinem Titel entsprechend &ndash; nach zeitloser G&uuml;ltigkeit.
Ab Februar 2027 geht David Garrett mit&nbsp;Immortal&nbsp;weltweit auf&nbsp;Tournee.&nbsp;Aktuelle Tourdaten finden Sie&nbsp;<a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/davidgarrett/live-termine">hier</a>.

Deutsche Grammophon bei den Gramophone Awards  2026 ausgezeichnet

Berlin/London, 8. Oktober 2026. Deutsche Grammophon wurde bei den 2026 Gramophone Classical Music Awards gleich zweimal ausgezeichnet: Kaija Saariahos Adriana Mater gewann den Opera Award, die Bamberger Symphoniker wurden zum Orchestra of the Year gew&auml;hlt.
Der Opera Award ging an die Weltersteinspielung von Kaija Saariahos Adriana Mater, interpretiert vom San Francisco Symphony and Chorus unter der Leitung von Esa-Pekka Salonen. Die im Juni 2023 in der Davies Symphony Hall aufgezeichnete Auff&uuml;hrung entstand nur wenige Tage nach Saariahos Tod. Regie f&uuml;hrte Peter Sellars; in der Titelrolle ist Fleur Barron zu h&ouml;ren, an ihrer Seite singen Axelle Fanyo, Nicholas Phan und Christopher Purves. Die kurz darauf bei Deutsche Grammophon erschienene Aufnahme gewann 2025 den GRAMMY&reg; Award als Best Opera Recording.
Die Bamberger Symphoniker wurden unterdessen im Jahr ihres 80. Bestehens und zehn Jahre nach dem Amtsantritt von Jakub Hrů&scaron;a als Chefdirigent zum Orchestra of the Year gew&auml;hlt. Zu ihren j&uuml;ngsten Deutsche-Grammophon-Ver&ouml;ffentlichungen z&auml;hlen das zweite Soloalbum von Bomsori mit den Violinkonzerten von Bruch und Korngold sowie die hochgelobte Einspielung Bohuslav Martinů &ndash; The Symphonies, die den vollst&auml;ndigen Zyklus der sechs Symphonien pr&auml;sentiert und den unverwechselbaren b&ouml;hmischen Klang des Orchesters ebenso widerspiegelt wie seine enge k&uuml;nstlerische Partnerschaft mit Hrů&scaron;a.
&bdquo;Wir freuen uns sehr, dass Aufnahmen und Partner:innen von Deutsche Grammophon erneut von Gramophone ausgezeichnet wurden&ldquo;, sagt Dr. Clemens Trautmann, President Deutsche Grammophon und New Business Strategy Global Classics. &bdquo;Adriana Mater ist ein zutiefst bewegendes Zeugnis von Kaija Saariahos einzigartiger musikalischer Stimme. Die Auszeichnung der Bamberger Symphoniker als Orchestra of the Year w&uuml;rdigt zugleich die au&szlig;ergew&ouml;hnliche k&uuml;nstlerische Qualit&auml;t dieses Ensembles und seine bemerkenswerte Partnerschaft mit Jakub Hrů&scaron;a. Meine herzlichsten Gl&uuml;ckw&uuml;nsche an alle Beteiligten.&ldquo;

Ein lebendiger Dialog:  Daniel Hope erkundet 150 Jahre ukrainischer Musik auf Born in Ukraine

Daniel Hope zeichnet 150 Jahre ukrainischer Musik nach &ndash; von Lyssenko, Bortkiewicz, Leontowytsch, Stepowyj und Ljatoschynskyj bis hin zu Valentin Silvestrov, Alexey Shor und Vitalii Kyianytsia
Das Album enth&auml;lt zwei Weltersteinspielungen &ndash; Shors Footprints in the Sand und Kyianytsias Adagio aus dem Ballett The Perfect Scent
Begleitet wird Hope von drei jungen ukrainischen Pianist:innen: Roman Fediurko, Vitalii Kyianytsia und Alina Pronina
Born in Ukraine &ndash; 150 Years of Ukrainian Music erscheint am 6. November 2026 digital und auf CD bei Deutsche Grammophon
Mit Born in Ukraine widmet sich Daniel Hope erneut intensiv der Musik und Musikkultur der Ukraine. Zu h&ouml;ren sind Werke, die eine reiche Geschichte nachzeichnen &ndash; vom 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Nach seinem Album mit Werken von Valentin Silvestrov und der EP Music for Ukraine, die beide gemeinsam mit dem Pianisten Alexey Botvinov entstanden, setzt Born in Ukraine &ndash; 150 Years of Ukrainian Music Hopes langj&auml;hriges Engagement f&uuml;r die ukrainische Kultur fort.
Auf Born in Ukraine spielt Hope Werke f&uuml;r Violine und Klavier, teils in neuen Arrangements. Es begleiten ihn drei junge ukrainische Pianist:innen &ndash; Roman Fediurko, Vitalii Kyianytsia und Alina Pronina &ndash;, deren Herkunft und musikalische Wurzeln der Aufnahme eine besondere pers&ouml;nliche Dimension verleihen. Gemeinsam vertiefen sie sich in die Musik von drei lebenden Komponisten &ndash; Silvestrov, Alexey Shor und Kyianytsia selbst &ndash;, darunter zwei Weltersteinspielungen, sowie in Werke von f&uuml;nf wegweisenden Pers&ouml;nlichkeiten aus der musikalischen Vergangenheit der Ukraine: Lyssenko, Bortkiewicz, Leontowytsch, Stepowyj und Ljatoschynskyj. Born in Ukraine erscheint am 6. November 2026 digital und auf CD bei Deutsche Grammophon.
&raquo;Eine Reise in die ukrainische musikalische Identit&auml;t&laquo; nennt Hope das Projekt. Sie ist durchwoben von Momenten &raquo;des Lyrischen, der Nostalgie, des Exils, der Hoffnung und der stillen Widerstandskraft&laquo;. Im vergangenen Jahrzehnt hat Hope Odessa vielfach besucht und dabei seine Verbindung zur ukrainischen Geigentradition weiter vertieft: &raquo;Das reicht zur&uuml;ck bis zu meinem Lehrer Zakhar Bron, zu David Oistrach und zu Stoljarski. Und ich wollte wohl mehr dar&uuml;ber erfahren, woher diese musikalische Seele kommt.&laquo; Den Albumtitel habe er, wie er sagt, bewusst schlicht gew&auml;hlt: &raquo;Er erinnert uns daran, dass hinter jeder Partitur ein menschliches Schicksal steht &ndash; ein Komponist, gepr&auml;gt von einem Ort, einer Kultur und einer Geschichte.&laquo;
Hopes Suche f&uuml;hrte ihn zur&uuml;ck zu Mykola Lyssenko (1842-1912), einer der zentralen Gr&uuml;ndungsfiguren der ukrainischen klassischen Musik, hier vertreten mit Elegy. Zudem entschied er sich f&uuml;r Werke von Sergei Bortkiewicz (1877-1952) und dessen Zeitgenossen Mykola Leontowytsch (1877-1921). Leontowytschs Schtschedryk (sp&auml;ter verwandelt in &raquo;Carol of the Bells&laquo;) nennt er &raquo;eine Melodie, die um die Welt gegangen ist und doch tief in der Ukraine verwurzelt bleibt&laquo;. Weniger bekannt sind das Pr&auml;ludium von Jakiw Stepowyj (1883-1921), urspr&uuml;nglich f&uuml;r Klavier solo, und die sehnsuchtsvolle Melodie von Borys Ljatoschynskyj (1895-1968). Roman Fediurko, der beim Arthur Rubinstein International Piano Master Competition 2026 die Bronzemedaille gewann, begleitet Hope in allen f&uuml;nf St&uuml;cken.
In den letzten Jahren hat Hope eng mit Valentin Silvestrov (geb. 1937) zusammengearbeitet und dabei &raquo;die stille Menschlichkeit entdeckt, die durch alles hindurchscheint, was er schreibt&laquo;. Hier spielen er und Vitalii Kyianytsia (geb. 1991) die Elegie aus Silvestrovs F&uuml;nf St&uuml;cken sowie das dritte seiner Drei Postludien, urspr&uuml;nglich f&uuml;r Violoncello und Klavier. Kyianytsias eigenes Adagio aus dem Ballett The Perfect Scent, das Anfang dieses Jahres vom Ballett Kiel uraufgef&uuml;hrt wurde, beschlie&szlig;t das Album. Es ist eine von zwei Weltersteinspielungen, die Born in Ukraine rahmen: Er&ouml;ffnet wird das Album mit Footprints in the Sand von Alexey Shor (geb. 1970), gespielt mit Alina Pronina. Hope und Pronina spielen zudem Shors Violinsonate Nr. 1, ein Werk, das der Geiger &raquo;technisch anspruchsvoll&laquo; und &raquo;ein konzentriertes Zwiegespr&auml;ch zwischen Violine und Klavier&laquo; nennt.
Hope ist voller Begeisterung f&uuml;r seine drei jungen Kolleg:innen und erz&auml;hlt, wie viel er w&auml;hrend der Aufnahmen allein dadurch gelernt habe, ihnen zuzuh&ouml;ren &ndash; und wahrzunehmen, was f&uuml;r sie ganz selbstverst&auml;ndlich sei: wie sie diese ukrainische Stimme auf ihre jeweils eigene Weise zum Ausdruck bringen. &raquo;Ihre Stimmen, Perspektiven und Erfahrungen haben jede Note dieser Aufnahme gepr&auml;gt und mich daran erinnert, dass Musik vor allem eines ist &ndash; ein lebendiger Dialog zwischen den Generationen.&laquo;
&raquo;Meine Hoffnung&laquo;, schlie&szlig;t er, &raquo;ist, dass dieses Album die H&ouml;rerinnen und H&ouml;rer nicht nur dazu anregt, einige der bemerkenswerten musikalischen Sch&auml;tze der Ukraine zu entdecken, sondern auch ein kulturelles Erbe zu feiern, das die europ&auml;ische Musik &uuml;ber Generationen hinweg bereichert hat. In einer Zeit, in der dieses Erbe unter enormem Druck steht, scheint es wichtiger denn je, diese Stimmen zu bewahren und weiterzutragen.&laquo;
Zu den H&ouml;hepunkten in Daniel Hopes Terminkalender zu Beginn der Saison 2026/27 z&auml;hlen Auff&uuml;hrungen von Vivaldis Vier Jahreszeiten und Max Richters Vivaldi Recomposed mit dem Z&uuml;rcher Kammerorchester bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern (9./10. September) und beim Klassikfestival K&uuml;snacht (20. September); Elgars Violinkonzert mit dem Gstaad Festival Orchestra unter Jaap van Zweden an verschiedenen Orten in Deutschland (29. September bis 3. Oktober); sowie Musik aus dem 2024 erschienenen Album Irish Roots beim Merano Festival (16. September). Zudem leitet Hope das New Century Chamber Orchestra in einer Reihe von vier Konzerten mit dem Marcus Roberts Trio, die der Musik von Gershwin, Ellington, Rhiannon Giddens und Caroline Shaw gewidmet ist (Kalifornien, 5. bis 8. November). Alle Konzerte <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/danielhope/live-termine">hier</a>.

Zum 90. Geburtstag: Steve Reichs ECM-Aufnahmen auf Vinyl

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.

<h3 class="MsoNormal">Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "Recordings on ECM", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.</h3>
Die Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Steve Reichs "Music for 18 Musicians" trug 1978 ma&szlig;geblich zur Bekanntheit der Minimal Music bei und hatte nicht nur f&uuml;r die zeitgen&ouml;ssische Musik gro&szlig;en Neuheitswert, sondern hinterlie&szlig; auch in Jazz, elektronischer Musik und Pop deutliche Spuren. Reich selbst hat dabei den Begriff Minimalismus nie als enge stilistische Schublade verstanden. Im Zentrum seiner Musik stehen vielmehr Rhythmus, Klang und die Frage, wie aus wiederkehrenden Mustern immer neue musikalische Beziehungen entstehen.
Die 1978 bei ECM erschienene Aufnahme mit Steve Reich and Musicians wurde zur Referenzeinspielung dieses Werks. Pitchfork bezeichnete sie sp&auml;ter als die definitive Aufnahme von Reichs "unbestrittenem Meisterwerk".
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Zwei Jahre sp&auml;ter folgte "Octet&rdquo; / "Music for a Large Ensemble&rdquo; / "Violin Phase&rdquo;. Die drei St&uuml;cke machen zugleich h&ouml;rbar, wie weit Reichs Entwicklung zu diesem Zeitpunkt bereits reichte: vom 1967 entstandenen "Violin Phase", einem Schl&uuml;sselwerk seiner fr&uuml;hen Phasing-Technik, bis zur immer reicheren Ensemble- und Klangarchitektur der sp&auml;ten 1970er Jahre. Mit "Tehillim" &ouml;ffnete sich 1981 schlie&szlig;lich ein weiteres Kapitel. Erstmals seit seinen Studienjahren vertonte Reich wieder einen Text &ndash; hebr&auml;ische Psalmen &ndash;, und lange melodische Linien r&uuml;ckten st&auml;rker ins Zentrum seiner Arbeit. R&uuml;ckblickend bezeichnete er das Werk selbst als einen entscheidenden Schritt hin zu einer unmittelbareren Form von Melodie.
So lassen sich die drei ECM Alben auch als Momentaufnahmen einer besonders produktiven Phase verstehen. Zwischen "Violin Phase", "Music for 18 Musicians" und "Tehillim" liegen nicht nur unterschiedliche Besetzungen und Kompositionsweisen. Sie zeigen auch, wie Reich seine musikalischen Mittel stetig erweiterte, ohne die Grundprinzipien seiner Arbeit aus den Augen zu verlieren.
F&uuml;r "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" wurden die urspr&uuml;nglichen analogen Masterb&auml;nder verwendet. Die drei Alben erscheinen als Faksimiles ihrer Originalausgaben und wurden vollst&auml;ndig analog (AAA) neu produziert. Erg&auml;nzt wird die Box durch ein Booklet mit Archivfotografien, Manuskriptseiten und Liner Notes von Paul Griffiths.
Bereits 2016 hatte ECM die drei Aufnahmen anl&auml;sslich von Reichs 80. Geburtstag gemeinsam auf CD ver&ouml;ffentlicht. Zehn Jahre sp&auml;ter ist diese Sammlung nun auch auf Vinyl erh&auml;ltlich. Dabei dokumentiert die neue Box mehr als nur drei Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere: Sie spannt einen Bogen &uuml;ber rund f&uuml;nfzehn Jahre, in denen Steve Reich eine musikalische Sprache entwickelte, deren Puls bis heute weit &uuml;ber die zeitgen&ouml;ssische Musik hinaus nachwirkt.

Antje Weithaas, Marie-Elisabeth Hecker und Dénes Várjon spielen Robert Schumanns Gesamtwerk für Klaviertrio

Das neue Album vereint die drei Klaviertrios und die Fantasiest&uuml;cke op. 88
Mit den Klaviertrios op. 63, op. 80 und op. 110 sowie den Fantasiest&uuml;cken op. 88 erscheint Schumanns vollst&auml;ndiges Trio-Schaffen bei Deutsche Grammophon
Das Album erscheint am 30. Oktober 2026 auf 2 CDs und digital
&raquo;Man muss Mut zur D&uuml;sternis haben und bei Schumann innerhalb einer Zehntelsekunde vom Himmel in die H&ouml;lle springen k&ouml;nnen.&laquo; Antje Weithaas
Die Geigerin Antje Weithaas, die Cellistin Marie-Elisabeth Hecker und der Pianist D&eacute;nes V&aacute;rjon widmen sich auf ihrem neuen Album dem vollst&auml;ndigen Werk Robert Schumanns f&uuml;r Klaviertrio. Robert Schumann: Complete Works for Piano Trio versammelt die Klaviertrios Nr. 1 d-Moll op. 63, Nr. 2 F-Dur op. 80 und Nr. 3 g-Moll op. 110 sowie die Fantasiest&uuml;cke op. 88. In diesen Kompositionen begegnen sich Intimit&auml;t und Leidenschaft, lyrische Innigkeit und rastlose Energie. Die drei international profilierten Musiker verbinden ihre Solokarrieren mit langj&auml;hriger Kammermusikerfahrung. Ihre gemeinsame musikalische Sprache, in Proben, Konzerten und im Studio entwickelt, folgt den abrupten Stimmungswechseln und legt die dialogischen Schichten der drei Instrumente frei. Aufgenommen wurde das Album an sieben intensiven Tagen im Februar und M&auml;rz 2025 im Deutschlandfunk Kammermusiksaal in K&ouml;ln; Christoph Franke verantwortete Aufnahme, Schnitt, Mischung und Mastering.
Schumanns Musik kann ihre seelische Temperatur innerhalb weniger Takte ver&auml;ndern. Helle lyrische Momente schlagen in Nervosit&auml;t um, dunkle Energie weicht unvermuteter Ruhe, und scheinbar feste Formen geraten in Bewegung. F&uuml;r Antje Weithaas liegt gerade darin Herausforderung und Reiz dieser Werke. Sie verlangen, so Weithaas, den Mut zur D&uuml;sternis und die Bereitschaft, bei Schumann innerhalb k&uuml;rzester Zeit vom Himmel in die H&ouml;lle zu springen. D&eacute;nes V&aacute;rjon beschreibt die Musik als so pers&ouml;nlich wie ein Tagebuch - kraftvoll und verletzlich zugleich. Die Ver&ouml;ffentlichung f&auml;llt in das Jahr, in dem Antje Weithaas ihren 60. Geburtstag feiert.
Die Fantasiest&uuml;cke op. 88 nehmen in diesem Gesamtbild eine besondere Stellung ein. Schumann begann sie im Dezember 1842 als sein erstes Werk f&uuml;r Klaviertrio und &uuml;berarbeitete sie vor der Ver&ouml;ffentlichung 1850. Die vier S&auml;tze verbinden liedhafte und marschartige Charaktere mit freier Form und verschachtelten Dialogen. Das Klaviertrio Nr. 1 d-Moll op. 63 entstand 1847 und kann als Hommage an Mendelssohn verstanden werden. Kanonische Strukturen, Triolen und Synkopen pr&auml;gen den Kopfsatz, in dem dunkle Energie und lyrische Helligkeit rasch wechseln.
Das Klaviertrio Nr. 2 F-Dur op. 80 entstand zwischen 1847 und 1849 als melodischeres, freundlicheres Schwesterwerk des ersten Trios. Motive aus dem Eichendorff-Lied Dein Bildnis wunderselig durchziehen die ersten beiden S&auml;tze; im wiegenden dritten Satz und im kaprizi&ouml;sen Finale entfaltet sich das Wechselspiel der drei Stimmen. Das Klaviertrio Nr. 3 g-Moll op. 110 entstand 1851. Seine gespannte, bisweilen d&uuml;stere Atmosph&auml;re ist von unabl&auml;ssiger rhythmischer Unruhe gepr&auml;gt; ungew&ouml;hnliche Harmonien weisen in sp&auml;teren S&auml;tzen bereits auf die Musik der Zukunft.
In der Zusammenschau machen die vier Werke h&ouml;rbar, wie Schumann das Trio immer wieder neu dachte: als engmaschigen Dialog gleichberechtigter Stimmen, als Raum f&uuml;r extreme Gef&uuml;hlswechsel und als Ort poetischer Mehrdeutigkeit. F&uuml;r die drei Interpreten war die Aufnahme ein lange gehegter Wunsch. Weithaas, Hecker und V&aacute;rjon begegnen der ungew&ouml;hnlichen Notation und den verborgenen musikalischen Gedanken mit gro&szlig;er Genauigkeit, ohne die Spontaneit&auml;t und den Risikoreichtum dieser Musik zu gl&auml;tten. So entsteht ein vielschichtiges Portr&auml;t eines Komponisten, dessen Kammermusik zugleich kraftvoll, empfindsam und irritierend modern wirkt.
Die drei K&uuml;nstler sind international sowohl als Solisten als auch als Kammermusiker gefragt. Antje Weithaas wurde 2025 mit dem OPUS KLASSIK als Instrumentalistin des Jahres ausgezeichnet; Antje Weithaas und D&eacute;nes V&aacute;rjon wurden f&uuml;r ihre Beethoven-Einspielungen bei CAvi 2024 mit dem Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. Marie-Elisabeth Hecker gewann 2005 den Rostropovich-Wettbewerb, und D&eacute;nes V&aacute;rjon ist Preistr&auml;ger des Concours G&eacute;za Anda und des Kossuth-Preises. In Schumanns Klaviertrios finden sie eine Musik, die ihre unterschiedlichen Erfahrungen b&uuml;ndelt und zugleich jedem Instrument seinen eigenen, unverwechselbaren Raum l&auml;sst.
Die Aufnahme Robert Schumann: Complete Works for Piano Trio erscheint am 30. Oktober 2026 als 2-CD-Set sowie digital in SD und HD. Der dritte Satz der Fantasiest&uuml;cke op. 88, Duett. Langsam und mit Ausdruck, ist ab dem 16. Oktober 2026 als Stream und Download erh&auml;ltlich.

Sphärenmusik: Georgijs Osokins kündigt sein zweites DG-Album 'Constellations' an

Constellations stellt die kosmische Musik des estnischen Komponisten Urmas Sisask vor &ndash; darunter die Ersteinspielung von &raquo;Cassiopeia. Ballade&laquo;
Au&szlig;erdem auf dem Album: Werke von J. S. Bach, Brahms, Chopin, Crumb, Medtner, Schumann, Skrjabin und Wagner
Das Album erscheint am 6.&nbsp;November 2026
&raquo;Das Geheimnis des Universums fasziniert mich seit jeher &ndash; dieser Sternenhimmel &uuml;ber uns, eine Sch&ouml;nheit, die selbst jenseits des Ereignishorizonts fortbesteht&laquo;
Georgijs Osokins
Der lettische Pianist Georgijs Osokins ver&ouml;ffentlicht sein zweites Soloalbum bei Deutsche Grammophon. Inspiriert vom r&auml;tselhaften, nie erl&ouml;schenden Sternenlicht, entwirft Constellations einen kunstvoll gebauten Erz&auml;hlbogen &ndash; vom Einbruch der Nacht bis zum Morgengrauen. Meisterwerke von Brahms, Chopin, Schumann, Wagner treten in einen intimen Dialog mit weniger bekannten St&uuml;cken des estnischen Komponisten und Amateurastronomen Urmas Sisask (1960&ndash;2022). Mit Sisask f&uuml;hrt Osokins fort, was er vor einem Jahr mit seinem gefeierten DG-Deb&uuml;t For Arvo begonnen hat: Er stellt das au&szlig;ergew&ouml;hnliche, doch zu wenig beachtete musikalische Erbe des Baltikums vor.
&raquo;Man muss alles so einfach spielen wie m&ouml;glich &ndash; schlicht, ohne Schnickschnack, ohne dick aufzutragen &hellip; Das tut hier auch Georgijs Osokins &ndash; in Gestalt vollendeter Besonnenheit und Simplizit&auml;t.&laquo;
&ndash; Kai Luehrs-Kaiser &uuml;ber For Arvo (radio3/rbb)
Constellations erscheint am 6. November 2026 digital. Vorab ver&ouml;ffentlicht Deutsche Grammophon Schumanns Abendlied (Bearbeitung: Saint-Sa&euml;ns) am 25. September, Bachs Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ (Bearbeitung: Busoni) am 9. Oktober und Brahms&rsquo; Lerchengesang (Bearbeitung: Osokins) am 23. Oktober; alle drei Singles werden von Videos begleitet.
Seit Langem besch&auml;ftigen die Mythen und die Wissenschaft der Sterne den Pianisten. &raquo;Vielleicht sind die Sterne der poetischste Ausdruck der Zeit selbst&laquo;, sagt er. &raquo;Wir sehen ihr Licht, obgleich manche von ihnen l&auml;ngst erloschen sind &ndash; eine astrophysikalische Metapher f&uuml;r das, was vom Leben bleibt, eine Sch&ouml;nheit, die die Zeit &uuml;berdauert und uns alle verbindet.&laquo;
Diese Faszination steht hinter seinem neuen Album: Es f&uuml;hrt durch die Nacht, von einer Sterngruppe zur n&auml;chsten, mit einer Auswahl stimmungsvoller Klavierst&uuml;cke von Sisask, die nach Sternbildern benannt sind (&raquo;Merope&laquo;, &raquo;Kleiner B&auml;r&laquo;, &raquo;Puppis&laquo; und andere). Sisasks Himmelsbeobachtungen lieferten nicht nur die thematische Inspiration f&uuml;r sein Werk, sie f&uuml;hrten ihn auch zu einer eigenen Kompositionssprache. Seine Sternenmusik folgt vielfach einer F&uuml;nftonleiter, die er aus der Analyse von Planetenrotationen abgeleitet hat.
Dieses kaum bekannte Repertoire zu entdecken habe ihn &raquo;sehr bewegt&laquo;, sagt Osokins. &raquo;Sternsysteme, die kein Mensch je erreichen wird, waren Sisasks Lebensthema. Mit au&szlig;ergew&ouml;hnlicher Fantasie und tiefer Leidenschaft hat er ihr stummes Leuchten in Klang &uuml;bersetzt und ihr Licht h&ouml;rbar gemacht.&laquo;
Constellations enth&auml;lt die Ersteinspielung von Nr. 1 aus Sisasks Starry Sky Cycle Nr. 5 &raquo;Northern Polar Sky&laquo;: &raquo;Cassiopeia. Ballade&laquo;. Hinzu kommen Ausschnitte aus den Zyklen Nr. 1 &raquo;Northern Sky&laquo;, Nr. 2 &raquo;Southern Sky&laquo; und Nr. 4 &raquo;Equatorial Sky&laquo; &ndash; darunter Osokins&rsquo; eigene Improvisation &uuml;ber &raquo;Antlia: Increasing the Power&laquo; &ndash; sowie aus The Hexagon of the Sky. The Seagull and the Water.
Transzendenz, Erinnerung, das Geheimnis des Daseins: Osokins greift auf, was Sisask besch&auml;ftigte. Und er stellt dessen St&uuml;cke neben andere Werke, etwa &raquo;Dream Images&laquo; aus Crumbs Makrokosmos I, einem Zyklus von zw&ouml;lf Klavierst&uuml;cken nach den Tierkreiszeichen, Busonis Bearbeitung des Bach-Choralvorspiels Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, Skrjabins Vers la flamme, Wagners Isoldens Liebestod (Bearbeitung: Liszt/Osokins) &ndash; und schlie&szlig;lich, mit dem ersten Tageslicht, seine eigene Bearbeitung von Brahms&rsquo; Lerchengesang, &raquo;jenem Lied &uuml;ber &rsaquo;der Lerchen himmlische Gr&uuml;&szlig;e&lsaquo;&laquo;.
Am Anfang steht Saint-Sa&euml;ns&rsquo; Bearbeitung des Abendlied (&raquo;Rings in die Tiefe senket sich Finsternis mit Macht &hellip; Nun stehn im Himmelskreise die Stern&rsquo; in Majest&auml;t&laquo;), am Ende ein weiteres Werk von Schumann &ndash; der erste Satz seines sp&auml;ten, lichten Klavierzyklus Ges&auml;nge der Fr&uuml;he. &raquo;Schumanns Musik bildet den Bogen des Albums&laquo;, sagt Osokins. &raquo;Sie er&ouml;ffnet die Reise in der Stille der Nacht unter neugeborenen Sternen und f&uuml;hrt sie ins Morgengrauen, mit dem ersten fernen Gesang einzelner V&ouml;gel.&laquo;
Mit freundlicher Unterst&uuml;tzung von Alba Thyment Ltd.

Neu von Agnes Obel:  The Meaning of Flowers – ab heute erhältlich

&raquo;Alles auf diesem Album ist von der Pr&auml;senz und Energie meiner Tochter durchdrungen&laquo; Agnes Obel
H&ouml;ren Sie&nbsp;<a href="https://dg.lnk.to/themeaningofflowers">hier</a>&nbsp;The Meaning of Flowers
Berlin,&nbsp;18. September 2026.&nbsp;Deutsche Grammophon&nbsp;ver&ouml;ffentlicht&nbsp;The Meaning of Flowers, das erste Studioalbum von&nbsp;Agnes Obel&nbsp;seit&nbsp;Myopia&nbsp;(2020). Die Musikerin erkundet darauf das intensive Gef&uuml;hl der Verbundenheit mit allem Lebendigen. Sie erfuhr es w&auml;hrend ihrer Schwangerschaft und lie&szlig; sich &ndash; neben anderen Themen &ndash; von Gedanken zu Geburt, Wachstum und Metamorphose in der Welt um uns herum inspirieren. Ihre zw&ouml;lf atmosph&auml;rischen St&uuml;cke sch&ouml;pfen aus einer Vielzahl von Quellen &ndash; von der Dichtung Enheduannas (der ersten namentlich bekannten Autorin der Welt) &uuml;ber die philosophischen Schriften von Hannah Arendt und Emanuele Coccia bis hin zum d&auml;nischen Pop der Achtziger- und Neunzigerjahre.&nbsp;The Meaning of Flowers&nbsp;erscheint&nbsp;heute&nbsp;in allen Formaten&nbsp;und ist Obels Tochter gewidmet &ndash;&nbsp;&raquo;die mich ver&auml;ndert hat und wachsen lie&szlig; und mir so viel beigebracht hat&laquo;.
Das Album ist in allem ein Werk der K&uuml;nstlerin: In ihrem Berliner Studio hat sie die Musik selbst geschrieben, aufgenommen, arrangiert und produziert. Obel singt (teils gepitcht), spielt Klavier, Keys und Synthesizer und arbeitet mit Samples. Kolleg:innen begleiten sie an Geige, Viola, Violoncello, Bass, Lap-Steel-Gitarre, Harmonium, Fl&ouml;te, Saxofon und Perkussion und mit Hintergrundgesang.
&raquo;The Meaning of Flowers&laquo; war das erste St&uuml;ck, das Obel f&uuml;r das Album komponierte. Sie fand den Titel, als sie Coccias&nbsp;Die Wurzeln der Welt&nbsp;und&nbsp;Metamorphosen&nbsp;las. &raquo;Blumen sind diese winzigen Dinge, die inmitten eines unvorstellbar gro&szlig;en und komplexen Planeten aus Bergen und Ozeanen existieren&laquo;, sagt sie, &raquo;und doch haben sie ihre eigene hyperkomplexe Biologie &hellip; F&uuml;r mich musste der Song deshalb etwas Kleines und Sch&ouml;nes sein, aber zugleich etwas Gewaltiges &ndash; zumindest im Titel.&laquo;
Blood so Red, &uuml;ber die archaische Erfahrung des Geb&auml;rens, wurde von Enheduannas Hymnen an Inanna beeinflusst, die G&ouml;ttin von Geburt, Liebe, Sex, Gesang und Krieg. Auch&nbsp;Gemini&nbsp;und&nbsp;Laymelli&nbsp;sind von Enheduanna inspiriert, zugleich jedoch von Obels Bewusstsein f&uuml;r ein komplexes Universum, &raquo;das von der Sch&ouml;nheit und Kraft des Lebens und der Metamorphose zusammengehalten wird&laquo;, ein Gedanke, der auf Coccia zur&uuml;ckgeht.
Zu den weiteren Einfl&uuml;ssen auf dem Album z&auml;hlen Filmmusiken der Siebziger (Don&rsquo;t Look Down) und d&auml;nischer Pop (Never Been), w&auml;hrend im einzigen Instrumentalst&uuml;ck (Tangerine) Saxofon-Arpeggien, Celesta und Klavier zu h&ouml;ren sind, deren ausgelassenes Zusammenspiel eine &raquo;quirlige neue, &uuml;berraschende Freundschaft&laquo; bildet.
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Agnes Obel &ndash; im Konzert:
24.Sept. &ndash; Queensland Performing Arts Centre, Brisbane &middot; 26.Sept.&nbsp;&ndash; Hamer Hall, Melbourne
27.Sept. &ndash; Sydney Opera House
29.Sept. &ndash; New Zealand International Convention Centre, Auckland
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2027:
21.Sept. &ndash; Tonhalle, D&uuml;sseldorf &middot;&nbsp;23.Sept. &ndash;&nbsp;Olympia, Paris
27.Sept. &ndash; Royal Theatre Carr&eacute;, Amsterdam &middot; 28.Sept.&nbsp;&ndash; Muziekgebouw, Eindhoven
29.Sept. &ndash; TivoliVredenburg, Utrecht &middot; 1.Okt.&nbsp;&ndash; Sentrum Scene, Oslo
2.Okt. &ndash; Konserthuset, Stockholm &middot; 3.Okt.&nbsp;&ndash; Operaen, Kopenhagen
13.Okt. &ndash; Teatro Duse, Bologna &middot; 14.Okt.&nbsp;&ndash; Auditorium Parco della Musica, Rom
16.Okt. &ndash; B&acirc;timent des Forces Motrices, Genf &middot; 17.Okt.&nbsp;&ndash; Halle aux Grains, Toulouse
19.Okt. &ndash; Paral&middot;lel 62, Barcelona &middot;&nbsp;20. Okt.&nbsp;&ndash; The Music Station, Madrid
23.Okt. &ndash; Theatro Circo, Braga &middot;&nbsp;2.Nov. &ndash; Bozar, Br&uuml;ssel
3.Nov. &ndash; Stadsschouwburg, Antwerpen &middot; 4.Nov.&nbsp;&ndash; Eventim Apollo, London
6.Nov. &ndash; Amphith&eacute;&acirc;tre 3000, Lyon &middot;&nbsp;9.Nov. &ndash; Liederhalle (Beethoven-Saal), Stuttgart
10.Nov. &ndash; Meistersingerhalle, N&uuml;rnberg &middot; 12.Nov.&nbsp;&ndash; Laeiszhalle, Hamburg
13.Nov. &ndash; Uber Eats Music Hall, Berlin
Tickets f&uuml;r die Europatournee 2027 sind ab sofort erh&auml;ltlich.
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Agnes Obel &ndash;&nbsp;The Meaning of Flowers
B&uuml;cher und Gedichte, die Agnes Obel w&auml;hrend der Arbeit am Album las
Belletristik und Sachb&uuml;cher:
Arendt, Hannah,&nbsp;Vita activa oder Vom t&auml;tigen Leben, 1958
Banks, Jennifer,&nbsp;Natality: Toward a Philosophy of Birth, 2023
Bowen-Moore, Patricia,&nbsp;Hannah Arendt&rsquo;s Philosophy of Natality, 1989
Butler, Octavia,&nbsp;D&auml;mmerung, 1987
Cage, John,&nbsp;Silence: Lectures and Writings, 1961
Coccia, Emanuele,&nbsp;Die Wurzeln der Welt. Eine Philosophie der Pflanzen, 2019
Coccia, Emanuele,&nbsp;Metamorphosen, 2021
Jones, Lucy,&nbsp;Matrescence: On the Metamorphosis of Pregnancy, Childbirth and Motherhood, 2023
Morton, Timothy,&nbsp;All Art Is Ecological, 2018
N&oslash;rg&aring;rd, Per,&nbsp;Artikler 1962&ndash;1982, hg. von Ivan Hansen, 1982
Rasmussen, Karl Aage,&nbsp;Musik i det tyvende &aring;rhundrede: en fort&aelig;lling, 2011
Lyrik:
Akbar, Kaveh (Hg.),&nbsp;The Penguin Book of Spiritual Verse: 100 Poets on the Divine, 2022
Christensen, Inger,&nbsp;Samlede Digte, 2009
Enheduanna,&nbsp;Enheduana:&nbsp;The Complete Poems of the World&rsquo;s First Author, &uuml;bers. von Sophus Helle, 2023 (orig. um 2300 v. Chr.)
Graham, Jorie,&nbsp;The Dream of the Unified Field, 2002
Kurtz, Ella / King, Simone / Delahunty, Claire (Hg.),&nbsp;What We Carry: Poetry on Childbearing, 2021

Lang Lang to release Piano Book 2 – Modern Encores available digitally on 9 October

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Lang Lang expands&nbsp;Piano Book 2&nbsp;with five tracks spanning anime, film, contemporary classical and musical theatre
Featuring Yoshiki Mizuno&rsquo;s &ldquo;Blue Bird&rdquo; from&nbsp;Naruto, Hans Zimmer&rsquo;s &ldquo;Cornfield Chase&rdquo; from&nbsp;Interstellar, and works by Tony Ann, Joep Beving and Richard Rodgers
&ldquo;Blue Bird&rdquo; &ndash; listen&nbsp;<a href="https://de-grammophon.cimediacloud.com/r/eH2ciCPaXFFD">here</a>
Lang Lang&rsquo;s new EP&nbsp;Piano Book 2 &ndash; Modern Encores&nbsp;will be released digitally on&nbsp;9 October 2026. Following the&nbsp;Classical Encores&nbsp;EP, it expands&nbsp;Piano Book 2&nbsp;with five works spanning anime, film, contemporary classical music and musical theatre.
The EP opens with Yoshiki Mizuno's&nbsp;"Blue Bird"&nbsp;from&nbsp;Naruto, arranged for piano by Telleria. It is followed by Hans Zimmer's "Cornfield Chase" from&nbsp;Interstellar, a new solo version of Tony Ann's&nbsp;"ICARUS"&nbsp;&ndash; which links back to the successful&nbsp;Piano Book 2&nbsp;duet with the composer himself, Joep Beving's "Sleeping Lotus" and Richard Rodgers'&nbsp;"My Favorite Things", arranged for piano by Hamilton.
The first single&nbsp;"Blue Bird"&nbsp;is released today&nbsp;18 September 2026. The EP&rsquo;s next single&nbsp;"Cornfield Chase"&nbsp;will be released on&nbsp;9 October&nbsp;alongside the new collection of works.

Enzo Favata: In Klänge gewandeter magischer Realismus

Auf "Ritornare", seinem Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records, schl&auml;gt der Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata mit seinem 1999 gegr&uuml;ndeten Quintett Atlantico eine musikalische Br&uuml;cke zwischen seiner Heimat Sardinien und der italienischen Diaspora in S&uuml;damerika.&nbsp;

Mit seinem Quintett Atlantico erkundet der sardische Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata einen musikalischen Raum, in dem seine mediterranen Wurzeln mit lateinamerikanischen Ankl&auml;ngen, afrikanischen Einfl&uuml;ssen, der Improvisation des Jazz und einer kammermusikalischen Dynamik verschmelzen. Wenngleich die Musik des Ensembles einer klaren k&uuml;nstlerischen Ausrichtung folgt, ist sie doch niemals vorhersehbar. Nun legt Enzo Favata, der in der Vergangenheit bereits mit ECM-Gr&ouml;&szlig;en wie Enrico Rava, Dino Saluzzi, Miroslav Vitou&scaron; und dem Art Ensemble of Chicago zusammenarbeitete, mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/ritornare-1295256" target="_blank" rel="noopener">Ritornare</a>" sein erstes Album bei ECM Records vor. Gemeinsam mit seinen langj&auml;hrigen Mitstreitern &ndash; dem Gitarristen Marcello Peghin, dem Bandoneonisten Daniel Di Bonaventura, dem Kontrabassisten Salvatore Maltana und dem Schlagzeuger UT Gandhi, der am 10. August im Alter von 66 Jahren &uuml;berraschend verstarb &ndash; erschafft er darauf eine faszinierende, farbenreiche akustische Klangwelt, die von den gemeinsamen Reisen der Protagonisten und ihrer Auseinandersetzung mit vielf&auml;ltigen Musikkulturen gepr&auml;gt ist.
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Der Name des Quintetts verweist auf die gro&szlig;en stilistischen, transatlantischen Br&uuml;cken, die die Musiker in ihren Kompositionen zwischen Sardinien &ndash; wo sie zu Hause sind &ndash; und S&uuml;damerika schlagen. In ihren Anfangsjahren zwischen 1999 und 2004 unternahm die Band mehrere ausgedehnte Tourneen durch den S&uuml;den des Kontinents. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hatten dort zahlreiche Emigranten aus dem Mezzogiorno eine neue Heimat gefunden und die Kultur der Region ma&szlig;geblich mitgepr&auml;gt. Von der Geschichte der Einwanderung der Italiener in S&uuml;damerika handelt auch die Musik des Quintetts Atlantico. "Einwanderung ist die Seele Italiens, die Seele Lateinamerikas&rdquo;, meint Favata. Als er im vergangenen Oktober mit dem Ensemble beim Baku Jazz Festival auftrat, schrieb Ian Patterson in seiner Konzertbesprechung f&uuml;r All About Jazz: "In Favatas Welt gilt &ndash; wie bei allen gro&szlig;artigen Gruppen &ndash; dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile." Dies trifft ganz sicher auch auf die Musik von "Ritornare" zu.
Ein kollektives kulturelles Ged&auml;chtnis verbindet Orte und Menschen, deren Wege sich rund um den Atlantik kreuzen, und schafft so eine neue Realit&auml;t. Der 1956 in Alghero auf Sardinien geborene Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata ist seit langem von der F&uuml;lle der F&auml;den fasziniert, die dieses weitverzweigte Netz bilden. In seiner Musik entdeckt er die Orte, die er besucht hat, aus der Erinnerung wieder und kehrt ("ritornare&rdquo;) durch den Klang zu ihnen zur&uuml;ck. Es scheint, als h&auml;tte sich Favata das Motto zu eigen gemacht, das der kolumbianische Schriftsteller Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez 2002 seinen Memoiren voranstellte,: "Das Leben ist nicht das, was man gelebt hat, sondern das, woran man sich erinnert und wie man sich daran erinnert &ndash; um davon zu erz&auml;hlen."
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Wie seine gleichgesinnten Bandkollegen erkennt Favata den kulturellen Zusammenfluss in den Werken lateinamerikanischer Autoren wie Isabel Allende, Jorge Luis Borges oder Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez. Diese literarischen Referenzen sind f&uuml;r den Saxofonisten ebenso pr&auml;gend wie seine musikalischen Vorbilder. In seinen sanften akustischen Klanglandschaften strebt das Quintett Atlantico danach, Orte zu schaffen, die "zwischen Traum und Wirklichkeit schweben", wie Favata es beschreibt. Der magische Realismus pr&auml;gt den Geist der Gruppe ma&szlig;geblich.
Hier und jetzt, mehrere Jahrzehnte nachdem sie sich zum ersten Mal zusammengetan haben, schaffen Favata und seine Mitmusiker Dialoge innerhalb von Strukturen und Stimmungen, die beim ersten H&ouml;ren seltsam vertraut wirken und bei jedem weiteren H&ouml;ren immer mehr neue Details offenbaren. Der Zuh&ouml;rer wird langsam, aber stetig von dem entfernt, was er zu erkennen glaubte, und kehrt an einen unbekannten, doch beruhigenden Ort zur&uuml;ck. Und jedes Mal, wenn die Musiker versuchen, ihre Schritte zur&uuml;ckzuverfolgen, gelangen sie an einen neuen Ort und kehren dorthin zur&uuml;ck, wo sie noch nicht ganz gewesen sind.

RIAS Kammerchor Berlin und Justin Doyle präsentieren Winter Tales - The Britten Christmas Album

Zum 50. Todestag Benjamin Brittens am 4. Dezember verbindet das Album bekannte Weihnachtsmusik mit selten gespielten Chorwerken
Bis auf&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard&nbsp;ist das gesamte Programm neu im Katalog von Deutsche Grammophon
Das Album erscheint am 16. Oktober 2026 auf CD und digital in Stereo und Dolby Atmos
&raquo;A Ceremony of Carols&nbsp;ist bekannt und beliebt, doch das &uuml;brige Repertoire d&uuml;rfte vielen weniger vertraut sein. Das Album ist als eine Art Weihnachtsstrumpf voller Entdeckungen gedacht.&laquo; Justin Doyle
Der&nbsp;RIAS Kammerchor Berlin&nbsp;und sein Chefdirigent und K&uuml;nstlerischer Leiter&nbsp;Justin Doyle&nbsp;widmen ihr neues Album der Chormusik Benjamin Brittens.&nbsp;Winter Tales - The Britten Christmas Album&nbsp;erscheint am 16. Oktober 2026, im Jahr des 50. Todestages des Komponisten, digital und auf CD. Im Zentrum stehen&nbsp;A Ceremony of Carols,&nbsp;A Boy was Born&nbsp;und die&nbsp;Missa brevis in D. Hinzu kommen&nbsp;A Hymn of St. Columba&nbsp;und&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard. Mit Ausnahme der&nbsp;Ballad&nbsp;ist das gesamte Programm neu im Katalog von&nbsp;Deutsche Grammophon. An der Aufnahme wirken au&szlig;erdem die Knaben des Staats- und Domchors Berlin, die Harfenistin Anna Viechtl, der Organist Marcel Andreas Ober und der Pianist Philip Mayers mit.
Die Zusammenstellung ist als Weihnachtsalbum angelegt, folgt aber keiner konventionellen Festtagsdramaturgie. Brittens bekannte Weihnachtsmusik steht neben Kompositionen, die deutlich seltener zu h&ouml;ren sind und unterschiedliche Seiten seines Chorschaffens erschlie&szlig;en. F&uuml;r Doyle ist dieses Repertoire eng mit der eigenen Biografie verbunden. Als ehemaliger Chorknabe der Westminster Cathedral lernte er mehrere der Werke bereits in jungen Jahren kennen. F&uuml;r die neue Einspielung arbeitete er zudem mit Partituren, die Brittens handschriftliche Eintragungen enthalten und Hinweise auf dessen Klangvorstellungen und Auff&uuml;hrungspraxis geben.
Britten begann&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;1942 auf der R&uuml;ckreise aus den Vereinigten Staaten nach Gro&szlig;britannien. Vor der Abfahrt von Halifax in Nova Scotia hatte er Gerald Bulletts Gedichtsammlung&nbsp;The English Galaxy of Shorter Poems&nbsp;erworben; auf See vertonte er f&uuml;nf Texte daraus, die den Kern der&nbsp;Ceremony&nbsp;bilden. Mittelalterliche Dichtung und gregorianischer Gesang verbinden sich mit Brittens charakteristischen Harmonien und melodischen Linien. Obwohl das Werk heute h&auml;ufig mit Kinderstimmen assoziiert wird, war es urspr&uuml;nglich f&uuml;r erwachsene Frauenstimmen gedacht.
Mit&nbsp;A Boy was Born&nbsp;steht der&nbsp;Ceremony&nbsp;ein Werk gegen&uuml;ber, das Britten bereits mit 19 Jahren komponierte: eine rund halbst&uuml;ndige Folge von A-cappella-Variationen f&uuml;r Erwachsenen- und Knabenstimmen. Die&nbsp;Missa brevis in D&nbsp;entstand 1959 f&uuml;r den Chor der Westminster Cathedral und seinen Leiter George Malcolm. Ihr rhythmisch bewegtes&nbsp;Gloria, das zw&ouml;lft&ouml;nige&nbsp;Sanctus&nbsp;und das beunruhigend verklingende&nbsp;Dona nobis pacem&nbsp;des&nbsp;Agnus Dei&nbsp;zeigen Brittens F&auml;higkeit, strenge kompositorische Verfahren unmittelbar in dramatischen Ausdruck zu verwandeln.
Die weiteren Werke f&uuml;hren in andere historische und geistige R&auml;ume.&nbsp;A Hymn of St. Columba&nbsp;entstand 1962 anl&auml;sslich des 1400. Jahrestags von Columbas Reise von Irland nach Iona und verbindet einen Text &uuml;ber das J&uuml;ngste Gericht mit tiefem Orgelgrollen und einer konzentrierten Chorpartie.&nbsp;The Ballad of Little Musgrave and Lady Barnard&nbsp;entstand w&auml;hrend des Zweiten Weltkriegs f&uuml;r Brittens Freund Richard Wood und weitere Musiker im Kriegsgefangenenlager Oflag VIIB bei Eichst&auml;tt. Britten schickte das Manuskript Seite f&uuml;r Seite auf Mikrofilm. Die Handlung erz&auml;hlt von verbotener Liebe, Eifersucht und Mord; seine Vertonung folgt ihr mit gro&szlig;er szenischer Unmittelbarkeit.
Aufgenommen wurde&nbsp;Winter Tales&nbsp;im Januar 2026 in der Berliner Auenkirche. Ihre klare und zugleich resonante Akustik sowie die frisch restaurierte Orgel boten besondere Voraussetzungen f&uuml;r Brittens pr&auml;zise gearbeitete Chorpartituren. Die ausschlie&szlig;lich auf Download- und Streamingplattformen verf&uuml;gbare&nbsp;Dolby-Atmos-Version&nbsp;l&auml;sst den Raumklang der Kirche sowie den Ein- und Auszug des Chores in&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;besonders sch&ouml;n hervortreten.
Die wechselnden Besetzungen, von Frauenstimmen und Harfe &uuml;ber den gro&szlig;en Chor mit Knabenstimmen bis zu M&auml;nnerstimmen und Klavier, geh&ouml;ren zur Dramaturgie des Albums. Sie machen die Vielgestaltigkeit von Brittens Musik f&uuml;r die Konzertb&uuml;hne h&ouml;rbar. Darin zeigt sich f&uuml;r Doyle ein grundlegender Gedanke: &raquo;Es spielt eigentlich keine Rolle, wer seine Musik singt. Wichtig ist nur, dass sie gut gesungen wird, mit der richtigen spirituellen oder dramatischen Aussage.&laquo;
Winter Tales &ndash; The Britten Christmas Album erscheint am 16. Oktober 2026 auf CD sowie digital in SD, HD und Dolby Atmos. There Is No Rose&nbsp;aus&nbsp;A Ceremony of Carols&nbsp;ist ab dem 2. Oktober 2026 als Stream und Download erh&auml;ltlich. Unmittelbar nach Brittens 50. Todestag bringt der RIAS Kammerchor Berlin Teile des Albumprogramms auch auf die Konzertb&uuml;hne: am&nbsp;5. Dezember 2026&nbsp;im Berliner Dom und am&nbsp;6. Dezember 2026 in der Marktkirche Hannover, jeweils unter der Leitung von Justin Doyle.

Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler? All dem widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

Von Bach bis Hollywood: David Garrett spannt auf Immortal drei Jahrhunderte Musikgeschichte

Es gibt diese Momente, in denen ein einziger Ton mehr erz&auml;hlt als ein ganzes Buch. Genau solche Momente sammelt&nbsp;<a href="https://www.universal-music.de/davidgarrett">David Garrett</a>&nbsp;auf seinem neuen Album Immortal, das am 09.10.2026 bei Deutsche Grammophon erscheint und ab sofort vorbestellbar ist. Der Geiger, der auf seinem K&uuml;nstlerprofil l&auml;ngst m&uuml;helos zwischen Konzertsaal und Stadionb&uuml;hne pendelt, stellt mit diesem Werk eine Frage, die so alt ist wie die Musik selbst: Was bleibt, wenn alles andere vergeht? Seine Antwort tr&auml;gt einen Namen, der Programm ist.
<h2>Immortal: David Garrett bespielt die gro&szlig;en Meister der Musik</h2>
Hinter dem Titel steckt keine stumpfe Marketing-Idee, sondern eine Frage, die Garrett schon lange begleitet: Was von dem, was wir schaffen, hat wirklich Bestand? Seine Antwort formuliert er selbst mit entwaffnender Klarheit. Wenn wir &uuml;ber Dinge sprechen, die der Unsterblichkeit nahekommen, dann ist es die Kunst und insbesondere die Musik, die die Zeit &uuml;berdauert und der Idee von Unsterblichkeit am n&auml;chsten kommt. Aus dieser &Uuml;berzeugung ist ein Album gewachsen, das dem bleibenden Verm&auml;chtnis der klassischen Musik gewidmet ist und von der festen Annahme ausgeht, dass Musik die Zeit &uuml;berdauern kann. Statt die alten Werke museal zu konservieren, geht Garrett wie immer schon einen mutigeren Weg:
Er interpretiert die St&uuml;cke aus einer zeitgen&ouml;ssischen und zugleich zutiefst menschlichen Perspektive neu. Das Ziel ist ausdr&uuml;cklich kein Nostalgietrip, sondern ein Album, das Generationen verbinden, f&uuml;r Authentizit&auml;t stehen und, ganz seinem Titel entsprechend, nach zeitloser G&uuml;ltigkeit streben soll.
<h2>Welche Werke sind auf dem neuen David-Garrett-Album zu erwarten?</h2>
Die Kompositionsliste liest sich wie ein Streifzug durch mehr als drei Jahrhunderte Musikgeschichte. Im Zentrum stehen Wolfgang Amadeus Mozart, Claude Debussy und John Williams, flankiert von Johann Sebastian Bach, Felix Mendelssohn, Peter Tschaikowsky, Francisco Maria Veracini und Johannes Brahms sowie Jean Sibelius. Garrett spannt damit einen Bogen vom Barock &uuml;ber Klassik und Romantik bis zur gro&szlig;en Filmmusik der Gegenwart, und behandelt einen Hollywood-Score mit derselben Ernsthaftigkeit wie ein Konzert aus dem 18. Jahrhundert.
Konkret wird das Ganze am 09.10.2026. Das Album erscheint digital, auf CD und auf Vinyl und ist zus&auml;tzlich in Dolby Atmos verf&uuml;gbar, was den Arrangements gerade im Heimkino oder mit gutem Kopfh&ouml;rer eine beeindruckende R&auml;umlichkeit verleiht. Zur Auswahl stehen zwei Umf&auml;nge: Die Standardversion umfasst 20 Titel, die Deluxe-Edition 25.
F&uuml;r Garrett bedeutet Immortal zugleich eine bewusste R&uuml;ckkehr. Nachdem er sich zuletzt auf Millennium Symphony symphonischen Neuinterpretationen bekannter Pop- und Rocksongs gewidmet hatte, legt er nun wieder ein reines Klassik-Album vor. Es ist damit die logische Fortschreibung des Wegs, den er 2022 mit dem mit Gold ausgezeichneten Album Iconic eingeschlagen hat, nur eine Spur pers&ouml;nlicher und kompromissloser.
<h2>Nessun Dorma und die Handschrift hinter Immortal</h2>
Wer wissen will, wohin die Reise geht, hat den ersten Vorgeschmack l&auml;ngst im Ohr. Als Vorab-Single erschien am 26.06.2026 Garretts Neuinterpretation von Puccinis Turandot-Arie Nessun Dorma, die er selbst gemeinsam mit John Haywood bearbeitet hat. Das Besondere zieht sich durch das gesamte Album, denn hier hat niemand am Rei&szlig;brett abgek&uuml;rzt. Garrett hat s&auml;mtliche Arrangements selbst erstellt, unterst&uuml;tzt von den Co-Arrangeuren Franck van der Heijden und John Haywood.
Eingespielt wurde das Album gemeinsam mit dem Orchester The Prezent sowie dem Pianisten Julien Quentin, deren Energie und Ausdruckskraft den Klang ma&szlig;geblich pr&auml;gen. Kein Wunder, dass Garrett besonders stolz auf einen Punkt ist: Er beschreibt das Projekt als zu 100 Prozent handgemacht und hofft, dass die H&ouml;rerinnen und H&ouml;rer nicht nur den Klang genie&szlig;en, sondern auch die menschliche Pr&auml;senz in der Musik sp&uuml;ren.
<h2>Vinyl, Onyx CD und Fanbox: die Immortal Editionen im &Uuml;berblick</h2>
Neben der Standard-CD und der CD Deluxe gibt es die dunkle&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett/products/david-garrett-immortal-119905">Onyx CD</a>, die schon optisch etwas hermacht. Das Prunkst&uuml;ck im Regal ist die&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett/products/david-garrett-immortal-118702">2LP Picture Disc Vinyl mit signierter Artcard</a>, w&auml;hrend es die reine Picture Disc auch ohne Autogramm gibt. Wer alles will, greift zur&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett/products/david-garrett-immortal-118714">limitierten Fanbox</a>, die ebenfalls eine signierte Artcard enth&auml;lt.
Ein kleiner Hinweis f&uuml;r Schnellentschlossene: Eine besonders exklusive Onyx-Variante mit pers&ouml;nlicher Botschaft ist bereits vor Release ausverkauft. Alle Editionen findest du geb&uuml;ndelt in der&nbsp;<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/collections/david-garrett">David Garrett Collection bei Deutsche Grammophon</a>.
<h2>David Garrett live: Immortal geht auf Tour!</h2>
Ein Album wie dieses will nicht nur geh&ouml;rt, sondern erlebt werden. Ab Februar 2027 geht David Garrett mit Immortal auf weltweite Tournee. Damit setzt der Geiger, der weltweit mehr als f&uuml;nf Millionen Alben verkauft hat, seine Doppelrolle als Klassik-Virtuose und Publikumsmagnet konsequent fort. Wie beweglich er zwischen den Welten wandert, zeigte zuletzt sein Crossover-Projekt, das du auf der&nbsp;<a href="https://www.universal-music.de/davidgarrett/musik/millennium-symphony-1044744">Release-Seite zu Millennium Symphony</a>&nbsp;noch einmal nachh&ouml;ren kannst.
Mit Immortal schlie&szlig;t sich f&uuml;r ihn nun ein Kreis zur&uuml;ck zur reinen Klassik. Wer beim Startschuss am 09.10.2026 dabei sein will, sichert sich seine Wunschedition am besten jetzt im Vorverkauf!

María Dueñas spielt Halvorsens Violinkonzert  mit dem Orchestre Métropolitain und Yannick Nézet-Séguin

&Uuml;ber hundert Jahre verschollen, nun wiederentdeckt: Johan Halvorsens Violinkonzert
Eingespielt f&uuml;r Sofia Bohdanowicz&rsquo; preisgekr&ouml;nten Film Measures for a Funeral &ndash; Mar&iacute;a Due&ntilde;as&rsquo; Schauspieldeb&uuml;t
Das Album mit dem Violinkonzert und Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo; erscheint am 16. Oktober 2026, der Soundtrack mit beiden Werken und Olivier Alarys Filmmusik am 4. Dezember
&raquo;Mar&iacute;a Due&ntilde;as gewann ihr Publikum im Handumdrehen &ndash; mit dem lyrischen Ton ihrer Eingangskadenz, die nicht weniger als erhaben war&laquo;
Bachtrack &uuml;ber Mar&iacute;a Due&ntilde;as&rsquo; Interpretation von Halvorsens Konzert in Montreal, November 2023
Deutsche Grammophon ver&ouml;ffentlicht gleich zwei Alben von Mar&iacute;a Due&ntilde;as. Beide erscheinen digital, beide begleiten Measures for a Funeral, den Film von 2024, in dem die spanische Geigerin ihr Schauspieldeb&uuml;t gab. Auf dem ersten Album sind Werke des norwegischen Komponisten und Geigenvirtuosen Johan Halvorsen (1864-1935) zu h&ouml;ren. Gemeinsam mit dem Orchestre M&eacute;tropolitain und dessen K&uuml;nstlerischem Leiter und Chefdirigenten Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin spielt Due&ntilde;as sein lange verschollenes Violinkonzert sowie Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo;, einen Satz aus seiner Suite Mosa&iuml;que. Das zweite Album ist der Soundtrack zu Sofia Bohdanowicz&rsquo; Film. Es vereint die beiden Halvorsen-Werke mit neuer Musik, die der in Montreal lebende franz&ouml;sische Komponist Olivier Alary geschrieben und selbst eingespielt hat.
Halvorsens Violinkonzert und Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo; (&raquo;Veslem&oslash;ys Lied&laquo;) wurden f&uuml;r den Film in der Maison symphonique in Montreal in Zusammenarbeit mit Deutsche Grammophon live mitgeschnitten. Sie erscheinen als eigenes Album am 16. Oktober 2026. Measures for a Funeral &ndash; Original Motion Picture Soundtrack folgt am 4. Dezember.
Measures for a Funeral ist ein stiller Film, der zum Nachdenken anregt, ein Film &uuml;ber Trauer und Erinnerung. Er feierte seine Premiere in der Reihe Centrepiece des Toronto International Film Festival und gewann beim Festival du nouveau cin&eacute;ma in Montreal den Grand Prix. Weltweit auf mehr als 30 Festivals gezeigt, kommt er bald &uuml;ber den renommierten Independent-Verleih Factory 25 in die US-Kinos. The Globe and Mail feierte ihn als eine &raquo;Symphonie der Besessenheit&laquo;, es sei, als &raquo;tauche man ein in einen Traum von Alfred Hitchcock&laquo;, urteilte The Guardian und vergab vier Sterne.
Im Mittelpunkt des Films steht Audrey (Deragh Campbell), eine junge Musikwissenschaftlerin. Sie&nbsp;forscht &uuml;ber Kathleen Parlow (1890-1963), eine gefeierte kanadische Geigerin des fr&uuml;hen 20.&nbsp;Jahrhunderts. Regisseurin Bohdanowicz, deren Gro&szlig;vater (der Geiger Andrew Benac) ein Sch&uuml;ler Parlows war, lie&szlig; sich zudem von der Geschichte hinter Halvorsens Violinkonzert op. 28 inspirieren. Es war Parlow gewidmet und wurde 1909 von ihr uraufgef&uuml;hrt. Allerdings stie&szlig; es auf ein geteiltes Echo, und der Komponist lie&szlig; s&auml;mtliche Exemplare vernichten. Als verschollenes Meisterwerk zu mythischem Status gelangt, tauchte das Werk vor rund einem Jahrzehnt wieder auf. Die Bibliothekare Houman Behzadi und James Mason fanden es in der Musikbibliothek der University of Toronto bei einem gro&szlig;angelegten Projekt zur Digitalisierung von Parlows Archiv.
Bohdanowicz&rsquo; Film gipfelt in einer Auff&uuml;hrung des Konzerts durch die junge Geigerin Elisa, mit gro&szlig;em Feingef&uuml;hl von Mar&iacute;a Due&ntilde;as gespielt. &raquo;Als wir Mar&iacute;a das Drehbuch gaben, identifizierte sie sich sofort mit der Rolle&laquo;, sagt die Filmemacherin. &raquo;Mir erscheint sie wie eine Reinkarnation von Kathleen Parlow. Sie ist eine bemerkenswert talentierte Musikerin.&laquo;
Due&ntilde;as bietet eine glanzvolle Interpretation des Konzerts, dessen Ankl&auml;nge an die norwegische Volksmusik und an die Hardangerfiedel zu seinen vielen Reizen z&auml;hlen. Sie meistert jede technische Herausforderung, m&uuml;helos wechselnd zwischen virtuosen Passagen und sanft lyrischen Momenten.
Halvorsens sanglicher Ton ist in Chant de la &raquo;Veslem&oslash;y&laquo; erneut zu h&ouml;ren, einer exquisiten Miniatur, urspr&uuml;nglich f&uuml;r Violine und Klavier geschrieben, vom Komponisten aber f&uuml;r Parlow zur Auff&uuml;hrung mit Streichern eingerichtet, als sie sich 1909 in Norwegen aufhielt. Beim Montrealer Konzert, so schw&auml;rmte Bachtrack, gelang Due&ntilde;as und ihren Mitmusiker:innen &raquo;ein transzendentes Erlebnis&laquo;, in einer Atmosph&auml;re, in der unter N&eacute;zet-S&eacute;guin jeder seine ganze Ausdruckskraft entfalten konnte.
&raquo;Es war eine Ehre, an der Wiederentdeckung von Johan Halvorsens gro&szlig;artigem Violinkonzert op. 28 mitzuwirken&laquo;, sagt Due&ntilde;as, &raquo;und Kathleen Parlow wieder bekannter zu machen &ndash; die au&szlig;ergew&ouml;hnliche kanadische Virtuosin, f&uuml;r die das Werk geschrieben wurde. Parlow war eine gefeierte Geigerin des fr&uuml;hen 20. Jahrhunderts. Ihre Karriere fiel in dieselbe gro&szlig;e Zeit wie die von Jascha Heifetz, und trotzdem ist ihr Name nach und nach in Vergessenheit geraten. Durch Measures for a Funeral kann ich ihr k&uuml;nstlerisches Erbe weitergeben &ndash; und mit Halvorsens Musik auch ihre Stimme einer neuen Generation von H&ouml;rer:innen n&auml;herbringen. Diesem verschollenen Meisterwerk zu begegnen und es in Kanada mit dem gro&szlig;en kanadischen Maestro Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin zu spielen bedeutet mir viel. Es ist eine Hommage an Parlows Kunst, an Halvorsens Fantasie und an die Kraft der Musik, uns an Menschen zu erinnern, die wir vergessen haben.&laquo;
Der renommierte Filmkomponist Olivier Alary hat f&uuml;r Measures for a Funeral eine kraftvolle, mitunter bedrohliche Partitur geschrieben. Seine Musik, auf der die Bratschisten Victor de Coninck und Pemi Paull zu h&ouml;ren sind, erg&auml;nzt die romantischen Orchesterst&uuml;cke und spiegelt das Innenleben der Hauptfigur Audrey, die ganz in Parlows Leben und Werk eintaucht &ndash; eine Flucht vor den ungel&ouml;sten Spannungen in der Beziehung zu ihrer sterbenden Mutter.
In dieser Saison gibt Mar&iacute;a Due&ntilde;as ihr S&uuml;damerika-Deb&uuml;t, mit Konzerten in Chile, Argentinien und Uruguay, bevor sie in Mexiko auftritt (4.&ndash;10. Okt.; Mendelssohns Violinkonzert e-Moll). Zu den weiteren H&ouml;hepunkten z&auml;hlen Konzerte mit der Staatskapelle Berlin unter Christian Thielemann in Berlin (12./13. Jan. 2027; Mendelssohns Violinkonzert d-Moll) sowie Auff&uuml;hrungen von Barbers Violinkonzert mit den Wiener Symphonikern unter Petr Popelka in &Ouml;sterreich und auf den Kanarischen Inseln (15.&ndash;24. Jan.). Au&szlig;erdem spielt sie mit den Bamberger Symphonikern unter Jakub Hrů&scaron;a (Bamberg, 5./6. Feb., und Hamburg, 8. M&auml;rz; Prokofjews Violinkonzert Nr. 1), kehrt nach Montreal zur&uuml;ck, um wieder mit Yannick N&eacute;zet-S&eacute;guin und dem Orchestre M&eacute;tropolitain zu musizieren (21.&ndash;23. Apr.; Saint-Sa&euml;ns&rsquo; Violinkonzert Nr. 3), und ist mit dem Philharmonia Orchestra unter Santtu-Matias Rouvali in Beethovens Violinkonzert zu h&ouml;ren (M&uuml;nchen, 4. Mai, und London, 6. Mai). Alle Tourdaten <a href="https://www.deutschegrammophon.com/de/kuenstler-innen/maria-duenas/live-termine">hier</a>.

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